Bodegón de blancos:
Este trabajo consta de tres partes: boceto en carboncillo, collage de blancos, pintura del bodegón.
Para el primer trabajo intenté usar carbón vegetal ya que casi nunca lo uso y creí que sería buena idea probar ese material.
Al principio noté que este material me costaba algo más de trabajo que el carbón prensado o el bistro (mis opciones predilectas) pero el resultado no me desagradaba del todo así que continué.
Habían algunas partes que se igualaban bastante en tonos de gris y eso hacía difícil que la sensación de volumen aparezca. Me compliqué bastante con el asunto de la perspectiva también e intente corregirlo especialmente en la parte de arriba del embudo (la que se esconde por la posición en la que está y el ángulo).
Finalmente quedó así, no me sentí conforme al 100% con el resultado por lo que es probable que le de retoques con carbón prensado o lo vuelva hacer directamente. Aún con lo anterior mencionado, hay partes que sí me agradan como el asa del embudo o la tela del fondo si no fuese por su limitada variedad tonal.
Referentes para la parte 1:
Me parece que en este dibujo la asombras y los tonos de gris son bastante bien usados porque le da dimensiones creíbles al escenario planteado además que el material fue usado para representar un suave y nublado cielo a la vez que un muro de ladrillo los cuales son bastante opuestos pero se manejó bien el material para lograrlo.
Título de la obra: Above, lápiz sobre papel. 2017
Imagen sacada del libro: “Curiosities” de él artista francés Benjamin Lacombe y publicado en mayo del 2018. Se encuentra en la página 223 de este libro.
Este dibujo se encuentra publicado en la cuenta de Instagram de Miles Johnston quien es uno de mis artistas favoritos y constantemente utiliza lápiz o carbón en sus trabajos. Me gusta bastante esta imagen por la cantidad de frise que tiene y por el dominio del claro oscuro que posee este artista. Además, claro, del concepto propuesto y el Aura de ensueño que tiene este dibujo.
Fuente: https://www.instagram.com/p/B1ZG7U4orHH/?igshid=q8iqbdxy6iec
A continuación, usando como base el boceto, se traspasa el dibujo a una cartulina y se identifican las partes del embudo con respecto a la calidez o oscuridad de los grises que este tenga.
Yo utilicé papel vegetal y lápiz 6B para esta parte.
Lo siguiente sería empezar a pintar varios grises y blancos con distintos matices en otra cartulina para que estas sean las piezas del collage.
Esta parte fue un tanto complicada al principio porque me iba mucho al color y no neutralizaba debidamente los grises pero con la práctica empecé a neutralizarlos mejor aunque en algunos tonos se notan más esos momentos cercanos al color. Aún no se encuentra concluido pero por el momento solo se que tengo que cambiar los grises del embudo por unos que se asemejen más al bodegón pintado y también terminar de elaborar el fondo.
Proceso de pintar:
Empecé a mezclar lis temperas en busca de grises neutros y algunos un poco más matizados pero acabe con varios grises que se acercaban al rojo/violeta.
Y así empecé a pintar mi embudo, se puede ver como todo lo que tenía hasta ahora es de tonos rojizos. En verdad si me gustaba la idea de un bodegón en esa clase de tonos pero sabía que lo era la idea del ejercicio de esta semana (para nada). Cuando el profesor me mencionó que el embudo era amarillo al principio me quede en blanco (irónicamente) pero ya estaba acabando la clase así que lo dejé como estaba.
Llegando a casa empecé a observar las fotos que tomé como referencia y finalmente noté que sí era amarillo y hasta en la foto se notaba. Por lo que me dio una mini-crisis.
Sabiendo que no todo era violeta-rojizo empecé a mezclar tonos de gris amarillentos que se asemejasen a lo que veía (ahora) en la realidad y en verdad me pareció que hubo un progreso en tanto a mis variedades de gris y blanco.
Y así continúe con el bodegón, en verdad disfrute mucho más el proceso de pintar que el del collage. (10000% más).
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En la última imagen d e mi proceso se puede ver que aún me falta cambiar algunas tonalidades de la mesa por ejemplo la sombra tan violeta por algo más neutro o incluso azulado y bajar la luz de la meza así como resaltar las luces en el embudo.
En conclusión, fue un trabajo complicado pero siento que si hubo una mejoría y durante el periodo de tiempo que duró, fui analizando los grises en mi día a día es decir veía el piso moteado y trataba de identificar sus distintos tonos, lo mismo con las paredes “blancas” de mi cuarto y en escenarios cotidianos como mientras hacía la cola en tangente. Es decir, empecé a razonar mucho más que antes los matices de mi entorno. Y el proceso se pudo poner tedioso por momentos (collage) pero varios de los blancos que utilice sí llegaron a congeniar apropiadamente y eso podría indicar un buen camino hacia el entendimiento del color en la realidad.
Referentes en tanto a color:
Libro: The Big Book of Oil Painting.
Autor: José M. Parramón. Páginas, 103 y 107.
Editorial: Watson-Guptill Publications/ New York. 1984.
Fecha de publicación original: 1983.
En este libro se explora bastante toda la teoría del color en óleos principalmente y a pesar de estar trabajando con temperas talents me pareció bastante útil aplicar las técnicas a mi trabajo.
Cuando vi esta pintura lo primero que llamó mi atención fueron los tonos pastel y suaves usados en la joven y el sillón en el que se encuentra sentada, sí prestaba atención podía ver los diversos matices en el vestido rosa algunos incluso cercanos a grises verdosos pero que se complementan bien y crean la forma a partir de las pinceladas grandes y que aparentan ser desordenadas pero al final logran una textura que favorece a la obra. Y en mi propia pintura del embudo intenté utilizar pinceladas pequeñas pero que sigan cierta dirección conveniente a la forma que tratarse de representar.
Autor: Berthe Morisot. Francia, 1841–1895.
Título: The Pink Dress. Hecho en, 1870.
Técnica: óleo sobre canvas, 21.5 por 26.5 pulgadas
Libro: Master pieces of Impressionism & post-Impressionism, The Annenberg collection. Hecho por, Colin B. Bailey, Joseph J. Rishel and Mark Rosenthal. Publicación, 1989 por el Museo de arte de Philadelphia, Estados Unidos.
Póster de la compañía de licor japonesa Campari. A pesar de ser más que nada un trabajo de diseño gráfico/fotografía me gusta bastante como este diseñador, koji misutani, utiliza el minimalismo y el color e iluminación. En este caso me gustaría resaltar la variedad de tonos en la escultura masculina que van desde azules hasta amarillos y todos son tonos de blanco que le dan una textura bella a la escultura. Además el fondo no es de un color plano, ya que se puede observar una gran cantidad de tonos rosáceos e incluso amarillos y violetas como subtonos. Es por eso que me gustó particularmente esta fotografía y principalmente intenté aplicar el tema de los matices en el fondo de mi bodegón.
Director de arte: Koji Mizutani.
Director creativo: Hideo Kato.
Director de arte 2.0: Shigehisa Kitatani.
Diseñador: Koji Mizutani/Shigehisa Kitatani.
Fotógrafo: Hiroshi Yoda.
Redactor: Hideo Kato.
Anunciante: Suntory Itd.
Esta imagen la encontré en el libro: Graphic design in Japan, volumen 4. Publicado por la asociación de diseñadores gráficos japonés. Distribuido en los Estados Unidos por Kodansha international/USA en el año 1984.
Cuando estaba explorando Instagram y encontré esta obra en seguida llamo mi atención. Por los grises azulinos, verdosos y rosados que lo componen; crean un buy bonito contraste que hace que parezca una escultura con moho u oxidada con los años.
“Sculptor”. Acrílico sobre madera, 18 x 24’’, 2019. Para “top wizards”, una exposición grupal curada por David Jien para la galería Richard Heller.
Autor: James Jean.
Fuente: https://www.instagram.com/p/B2NaImyFjU1/?igshid=158cge0bafmhv
