Enxergando o Som
… sobre como Yes nos faz enxergar o som
Oi, meu nome é Matheus Barbachan e eu falo sobre música.
Faz algum tempo que venho refletindo sobre minha relação com a internet. Percebi que, nos últimos anos, tenho sido predominantemente um observador passivo. Consumindo conteúdo que o doomscrolling traz como quem busca uma pote de ouro do outro lado da timeline, sem dividir nada sobre a minha vida com ninguém e com uma comunicação reativa e mínima. Isso é um momento novo para mim porque, durante a maior parte da minha vida eu fui extremamente sociável. Fazia festa na casa dos meus pais, ia em festas, em shows de bandas de amigos pela cidade e, em geral, era extrovertido e aberto em geral. Depois de uma pandemia caótica tudo só continuou mudando muito. Dentro de mim e ao meu redor.
Agora que eu moro longe, a saudade e a nostalgia frequentemente me dominam e eu sinto que está na hora de eu encontrar uma nova forma de me comunicar. Decidi encarar usar justamente as redes como meio para isso: dessa vez de forma ativa. Vou começar a fazer uma série de textos, talvez uma forma de newsletter, vamos ver no que dá. A partir de alguns desses textos vou me desafiar a criar também algum material em vídeo. A ideia é me exorcizar dessa minha ausência e quietude. Eu sei que tenho muito o que compartilhar e vai ser uma forma que vou buscar para me fazer mais e mais presente na vida de vocês, fazendo a distância ficar mais curta. Minha ideia é navegar a favor da corrente, jogar o jogo e seguir suas regras: engajamento, frequência, conteúdo, essa loucura toda. Torçam por mim — ou melhor, por nós!.
(Depois de passar a semana passada pensando sobre isso, hoje eu escrevi umas 3 páginas de versões dessa introdução na primeira hora de foco. Como várias pessoas que têm o hábito de escrever falam, “escrever é re-escrever”. Se te interessa que eu fale sobre isso no futuro, me diz aí nos comentários?)
Então vamos a isso! Minha ideia é falar sobre meus gostos aqui. Se tu me conhece, sabe que eu me envolvi com música desde muito cedo na vida, o que faz desse tópico o que eu domino e sobre o que eu decidi começar a falar. A ideia é explorar esses outros assuntos conforme eu vou aprendendo mais sobre o que funciona. Um passo de cada vez. Vamos indo e conforme vai sendo o feedback de vocês, vamos pensando nas próximas etapas.
A Imagem por traz do Som
Para dar uma base histórica, a banda que compôs a música que eu escolhi falar hoje é se chama Yes. Ao lado de bandas como Genesis e o antológico Pink Floyd, Yes faz parte do gênero musical Rock Progressivo. Surgindo nos anos 70, o estilo é extremamente influenciado por música clássica, inaugurou vários estilos de sintetizadores, teclados com efeitos inovadores e normalmente as músicas são absurdamente longas. Assim, TALVEZ esse estilo não seria um dos mais famosos e aclamados hoje em dia. Isso provavelmente pelo fato de não termos paciência para assistir um reels de 10 segundos de qualquer meme se ele não nos prende no primeiro segundo. Apesar disso, dando a chance para essas relíquias da época do Flower Power e todo o movimento cultural em reação à Guerra Fria, podemos encontrar verdadeiros tesouros.
Não me lembro da primeira vez que escutei a banda pois meu pai deve ter me feito uma doutrinação musical ao mesmo tempo que eu parei de usar penico. Diversas vezes a programação que eu, minha irmã e meu pai tínhamos para o final de semana era assistir aos inúmeros DVDs (lembra, aquele troço que veio depois do vinil e da fita cassete que, por algum motivo que desconheço, estão trazendo de volta. Podíamos ter parado no vinil). Depois de Guns n’ Roses, Yes foi a segunda banda que eu mais gostei. Enquanto o Guns chamou atenção para o estilo rebelde, com o exibicionismo do Axl Rose e a violência com que Slash fazia seus solos, as características que me fizeram amar Yes tomaram um rumo completamente diferente. No lugar da rebeldia, a maestria. No lugar do exibicionismo, o virtuosismo — mesmo que os caras se vestiam como se tivessem saído direto de uma Comic Con, trajados com as fantasias de suas HQs favoritas.
A banda, em sua configuração mais famosa é formada por Jon Anderson como vocalista, Steve Howe tocando qualquer coisa com cordas que não fosse um baixo, Chris Squire no baixo, que muitas vezes soa como no mínimo uns três baixos, Rick Wakeman nos muitos, mas muitos teclados mesmo e Bill Bruford na bateria. Eu não sabia isso na época, mas a banda, mesmo tendo uma pegada pacifista e espiritual, era repleta de desentendimentos, demissões e vai-e-volta de integrantes. Numa coletânea de acontecimentos que causaram esses estresses entre os membros se desenrola no incidente em que vacas de madeira e ferramentas de lida no campo terem sido espalhadas pelo estúdio na intenção de criar um ambiente de relaxamento durante a produção de um álbum chamado Tales of the Topographic Ocean (o álbum que serviu para dizer qual era o limite do progressivo por ter passado dele).
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Depois de algum tempo, eu enxerguei nas túnicas que Jon Anderson vestia ou das capas de lantejoulas que Rick Wakeman ostentava de trás do seu forte feito de teclas o que eu passei a encarar comum “Anti-floyd”. Enquanto o Pink Floyd aborda o trauma que as grandes guerras causaram nas gerações seguintes, o Yes mergulhava em buscas espirituais, naquela mesma pegada dos Beatles de buscar na Índia uma mentalidade em contraponto à cultura ocidental. Isso dava um aspecto mais próximo da luz e leve para as músicas, tanto em letra quanto em melodia quando em comparação ao trabalho de Roger Waters e David Gilmour.
É nessa linha que um dos álbuns mais famosos da banda surge com a música da qual eu quero falar. Com letras inspiradas no livro Sidarta de Hermann Hesse e estrutura melódica inspirada na 7ª sinfonia de Jean Sibelius, em 15 de setembro de 1972, foi lançado “Close to the Edge”. Nessa época, a banda estava em ascensão e a ambição de todos os membros causava grandes crises internas. Discordâncias, atrasos, longas horas nas sessões de gravação e divergências criativas. Da resolução desses conflitos surgiu o que foi considerado o ápice do rock progressivo em forma de álbum, que o colocou em 1º em várias listagens pelo mundo afora. A música que dá título ao álbum ocupava todo o primeiro lado do vinil.
Sempre que eu escuto essa música, eu sinto uma coisa que poucas músicas são capazes de me transmitir. Como é comum para músicas de rock progressivo, Close to the edge é dividida em atos, e o que eu quero falar diz respeito principalmente sobre o primeiro deles, mas está presente pela música toda.
Esse primeiro ato (I: The Solid Time of Change [00:00–06:05]) inicia a música com a gradual introdução de sonorização de pássaros, a correnteza calma de um rio, e um tilintar que vai se sobrepondo a tudo até chegar ao clímax, quase no fim do primeiro minuto (essa parte termina em 0:57). Essa parte da música me traz mais do que uma sensação, e não só uma visão, mas sim me transporta para outro lugar. Eu sempre visualizei algo como o próprio Big Bang: a calmaria e a inexistência dando lugar à fertilidade do caos de tudo o que existe. Os pássaros aqui servindo para transmitir uma sensação de pureza inigualável, de harmonia do que veio antes, de uma realidade apenas possível na imaginação, já que o mundo, por mais que seja lindo, é imperfeito. O tilintar me faz lembrar do início do Silmarillion, de Tolkien — que foi até onde eu consegui ler antes de desviar minha atenção do livro. Tudo tem limite e esse foi o meu. Em um resumo bruto e que provavelmente vai fazer com que alguns fãs fiquem full pistola: nesse livro Tolkien retrata o surgimento da Terra-Média através da desordem da música primordial criada por Eru Ilúvatar. Ele traz o personagem Melkor que performa em desarmonia do resto dos músicos celestiais como o vilão da história, mesmo que tenha sido dessa desordem que surgiu o cenário onde todas as outras histórias seriam contadas. Para mim, o tilintar nessa música tem o mesmo papel que Melkor tem nessa passagem do livro.
Quando o tilintar chega a um volume máximo, o que segue é o maravilhoso caos: um solo de guitarra parcialmente improvisado, confuso, de padrões extremamente abstratos. Um baixo que parece buscar criar alguma referência de terra firme, de familiaridade ou segurança. Uma bateria que materializa o impacto de todos os recém-nascidos corpos celestes, chocando-se uns contra os outros, como um grande efeito colateral dos riffs da guitarra. A música segue ganhando cada vez mais confusão e entropia quando os caóticos dedos de Howe parecem ficar presos em um loop e Wakeman entra com a sua contribuição para a bagunça através das suas bem dominadas teclas.
Em exatos 2 minutos de música, o caos em sua mais intensa desarmonia da o lugar para um coral perfeito por apenas um segundo. Isso se repete mais algumas vezes pelo próximo minuto, o caos gerando complexidade, personalidade e emando vida até que com um arpejo vocal, ao chegar em 3 minutos de música, o tema da guitarra é finalmente apresentado. Completamente diferente da introdução, o tema traz ordem, calma, deslizando pelas notas com destreza e paz. Isso sempre me simbolizou a ordem do universo sendo encontrada. As órbitas se organizando, as estrelas nascendo, os planetas amadurecendo e a vida surgindo na Terra. A beleza da Natureza sendo contemplada em forma de melodia.
Nesta altura, dentro de 4 minutos de música vimos a ausência de tudo, a tensão se formando, a explosão avassaladora e a realidade se formando diante dos nossos olhos… agora só restam mais 14 minutos de música.
Eu não vou entrar em grandes detalhes sobre os restantes 2 minutos de The Solid Time of Change, nem mesmo do resto da música toda, mesmo que ainda exista muita informação para se extrair dela. É agora, aos 04:02, que a Jon começa a cantar até chegar em um pós-refrão que dá a deixa para a segunda parte, II. Total Mass Retain [06:05–08:29]. Nos versos, Jon Anderson destila sua afinidade com temas de espiritualidade e misticismo, referenciando sem muito segredo a sua inspiração na biografia de Siddharta Gautama, o Buddha. Ele fala sobre a salvação para as dores do mundo estar em encontrar a versão elevada de si mesmo enquanto a melodia ganha tons de aventura e suspense. Aqui nós já não estamos no cosmos, mas sim experimentando a vida, aterrados em uma temática bem familiar. A banda mostra a sabedoria em equilibrar demonstrações de virtuosismo com a preservação do protagonismo da letra da música. Vai ser apenas no refrão que os instrumentos voltam ao seu momento épico e de clímax.
Eu sempre tive essas visões ao escutar essa primeira parte de Close To The Edge e isso pode ser fruto de uma mistura de memórias de infância: lembranças de estar assistindo aos DVDs com o meu pai e também de férias de verão com a minha avó. Desde que eu lembro de estar vivo, minha avó foi referência de arte. Não só através dos quadros que pintava ou escultura que fazia, mas também pela forma como se colocava no mundo de forma irreverente e aventureira. É aí que eu encontrei a conexão: Yes esculpe suas músicas da mesma forma que minha vó esculpia suas peças de cerâmica.
Através da abstração se encontra uma forma de oferecer a obra como se fosse uma daquelas manchas de Rorschach (dei um Google aqui para ajudar a explicar: as manchas de Rorschach servem como um teste sugestivo. Tu olha para a mancha e, através da tradução da mancha abstrata para alguma figura objetiva, os psicólogos conseguem trabalhar as questões do paciente. É mais ou menos assim). Aqui a mancha daria lugar à música ou ao barro. No processo, ao se trabalhar com a matéria bruta, várias imagens se formam e deformam até chegar no produto final. Não faço ideia de quantas vezes assisti minha avó trabalhar no barro até chegar nas suas esculturas, formando casinhas ou mulheres de todas as formas. Também não sei quantas vezes já escutei Close to the edge de olhos fechados, deitado, assistindo as formações de super-novas e nascimento de buracos negros.
Não preciso dizer que existem poucas bandas que trabalham da forma como o Yes trabalhou a música, mas trazem um exemplo extremo do que toda a arte é capaz de fazer. Nos transportar para lugares inexistentes, contar uma história, criar algo para além do objeto, mas sim um campo fertil de infinitas possibilidades.
Fiz um vídeo falando sobre isso também, confira aqui:
