Teoria Musical — I
Caminhando entre o campo das alturas e dos pulsos.
Introdução
Em 2004 resolvi aprender violão em uma escola de musica do meu bairro. Apesar da minha inexperiência, o método que o meu professor adotava “deu certo” e cinco meses depois eu já era capaz de tocar a maior parte das músicas que eu conhecia (em suas versões com acordes mais simples). O aprendizado era baseado no sistema de cifras, conjunto de letras, números e símbolos usado pra representar um acorde, geralmente acompanhado de um diagrama que simula um trecho do braço do instrumento e a posição dos dedos.
Este método consiste em intercalar os acordes com a letra da canção. Desta forma, se a cifra estiver bem escrita, sabemos quando mudar de um acorde pro outro enquanto se canta. É possível que o método de cifras seja o tipo de notação musical mais comum, tendo em vista que o sistema de partitura não é muito sugestivo e trabalha com parâmetros que nem todos os músicos iniciantes dominam.
Uma outra forma de escrever música é através da tablatura, muito útil para quando se deseja representar uma sequência de notas individuais (melodias), mas também funciona para representar um acorde ou uma sequência deles. Ela também permite que se introduza símbolos que indicam o tipo específico de técnica que deve ser usada para executar uma ou mais notas. Sua configuração visual é muito similar à partitura, o que em maior parte é coincidência, além de ser uma forma de escrever apenas para instrumentos de corda que possuem a escala dividida em casas — violão, guitarra, viola, baixo, cavaquinho — que correspondem aos números usados (o número 3 na primeira linha de cima pra baixo significa que o dedo do músico deve estar pressionado sobre a terceira casa da corda mais aguda do instrumento).
A partitura talvez seja o método mais completo de notação musical, além de mais complexo também. Isso porque representa, ao mesmo tempo, os dois principais parâmetros musicais: altura e duração. Sem falar que é possível encontrar nas partituras uma infinidade de símbolos, termos, notas e comentários que podem indicar ideias de naturezas completamente distintas, como a necessidade de repetição de um determinado trecho ou a intensidade com que o instrumento é tocado, por exemplo. Este método é usado para praticamente qualquer instrumento musical, mas sua leitura é mais intuitiva para determinados instrumentos, como o piano.
Portanto, penso que seja redundante usar uma partitura para indicar algumas sequências simples de acordes, do mesmo jeito que não acho possível falar sobre a duração de um conjunto de notas e acordes usando apenas o sistema de cifras. Cada linguagem satisfaz a um ou mais contextos, cabe a nós definir o melhor momento de usá-las.
O campo das alturas
No contexto da teoria musical, o termo altura não se refere ao volume de um som e sim à modulação entre sons graves e agudos. Uma mesma nota musical pode ser tocada em alturas diferentes, sem que isso modifique sua representação nominal. Os instrumentos musicais e a voz humana possuem características próprias que determinam sua extensão, que é o intervalo das alturas possíveis de serem executadas por eles de forma estável. A tuba, por exemplo, é um instrumento de sopro capaz de emitir apenas as notas situadas nas faixas inferiores do espectro das alturas. Já a flauta, apesar de ser similar enquanto tipo de instrumento (sopro), possui uma extensão completamente diferente, pois ao ser tocada, ela emite sons mais agudos.
A escala diatônica é o modelo que usamos atualmente para determinar quais alturas serão aceitas como notas musicais, tendo em vista que existe um espectro infinito de sons. São 12 as notas que essa escala contempla (7 notas fundamentais e 5 acidentes), que se repetem no campo das alturas de forma reiterada. Portanto, a diferença entre o Dó0 e o Dó1 está apenas na altura, ou seja, o primeiro se apresenta mais grave ao ser tocado, enquanto o segundo é mais agudo.
Se interpretarmos a escala diatônica como uma régua, sua gradação mínima seria o semitom (st) ou meio tom (1/2 tom). No violão, essa leitura corresponde à distância entre uma casa qualquer e suas adjacências. Em geral, esses instrumentos possuem um braço com um pouco mais de 12 casas, à partir da 12ª reinicia-se o ciclo das alturas e as notas passam a se repetir de forma mais aguda.
O tom é a soma de dois semitons, ou seja, quando alguém diz que vai transpor determinada melodia para “um tom acima” é necessário modular a altura em duas vezes a gradação mínima em relação ao tom original. Note que o termo “tom” tem um duplo sentido em teoria musical quando consideramos o contexto do sistema tonal: é ao mesmo tempo uma medida de modulação de altura (2 semitons) e também indica qual das 12 notas rege uma determinada melodia.
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A música tonal possui a premissa de que para cada melodia existe uma nota que conduz a escolha das demais, à partir das relações entre suas diferentes alturas. Seguindo este raciocínio, as notas musicais seriam como peças figurando em um jogo de relações mútuas, deixando seu destino à sorte das regras estabelecidas. Ou seja, as sensações ou “imagens sonoras” que as melodias transmitem estão baseados somente nessas relações entre as notas e não no som específico que cada uma tem individualmente.
Para deixar essa ideia mais clara, podemos pensar em sua oposição: a música atonal. Segundo este modelo, não existiria uma hierarquia entre o tom de uma melodia e as demais notas, simplesmente porque não se admite a existência de uma figura centralizadora de onde emanam relações entre alturas distintas. É chamado de dodecafonismo o sistema atonal que trata as 12 notas da mesma maneira, sem determinar um centro tonal por onde gravitariam as demais notas.
Pulsos e durações
A divisão do tempo é fundamental dentro de uma melodia. É através dela que conseguimos perceber a música como uma linguagem coerente, organizada e atrativa. Tente ler este parágrafo em voz alta sem colocar ênfase nas sílabas fortes, nem retirar força da entoação quando terminar uma frase. Seria assim a música sem o pulso, extremamente maçante e sem cores.
Tão importante quanto distribuir os sons é articular os silêncios. É o contraste entre as pausas e durações que tornam inteligíveis os acentos que o pulso fornece às melodias. José Miguel Wisnik resume bem a ideia nessa passagem:
“O som é presença e ausência, e está, por menos que isso apareça, permeado de silêncio. Há tantos ou mais silêncios quantos sons no som, e por isso se pode dizer, com John Cage, que “nenhum som teme o silêncio que o extingue”.”
(O Som e o Sentido, 1989. Cia. das Letras).
Assim como ocorre com as alturas, o tempo na música é relativo e depende de um contexto, não de uma percepção exata. Portanto é necessário entender que determinamos a duração de um som através de relações rítmicas ao invés de usar a cronometragem em segundos. Um dos artifícios que possibilita isso é o uso das figuras de duração. Convencionou-se um valor para cada elemento em relação aos demais.
No quadro das figuras rítmicas podemos ver a semínima em evidência, pois é a figura de referência na maioria dos casos. Como dito antes, as figuras não possuem um valor intrínseco, cabe ao compositor lhe dar um valor. Em geral, é usado um valor em bpm (batidas por minuto ou beats per minute, em inglês). Este valor é comumente atribuído a semínima, o que permite a quem executa um tema usar um metrônomo para emitir os pulsos correspondentes, se a semínima for igual a 60 bpm, as notas serão tocadas a cada um segundo e representadas por esta figura de duração.
A organização dos pulsos em conjuntos iguais é chamada de compasso. Para podermos perceber esse agrupamento é necessário que ao menos um dos pulsos tenha uma intensidade diferenciada, caso contrário o agrupamento não teria efeito, o compasso não existiria e os pulsos soariam como o metrônomo do Áudio 3.
A representação dos compassos é feita sobrepondo um número sobre outro, o que pode lembrar uma fração matemática. Mas é preciso ter cuidado, apesar de existirem relações de proporção entre os pulsos, isso não implica que os compassos sejam representados por frações, trata-se mais de uma coincidência. Se o compasso for simples, o número que fica por cima indica quantas figuras rítmicas estarão contidas naquele compasso, enquanto o de baixo representa numericamente a figura rítmica. Como é possível ver na Imagem 3, a semínima corresponde ao nº 4. Ouça os Áudios 4 e 5, perceba a diferenciação de acento nos pulsos em cada caso e veja como isso é fundamental para dar coerência aos mesmos.
Conclusão
A música é, portanto, permeada de relações, tanto no campo das alturas quanto na duração dos pulsos. Entender isso é fundamental para um aprendizado menos condicionado a decorar termos e figuras. A aplicação dessas ideias ao violão vem de forma orgânica, para que se tenha um arcabouço consolidado na hora de aprimorar as técnicas de execução.
Conhecer as modulações de altura e as relações entre as notas musicais da escala diatônica são fundamentais para entender melhor como funcionam os acordes individualmente ou em um contexto melódico.
Os conceitos de divisão do tempo e agrupamento dos pulsos auxiliam na conciliação entre os sons e os silêncios, habilidade fundamental para a caracterização dos ritmos, ou “batidas” que dão ritmo aos temas musicais.
