Faz tempo que não escrevo sobre videogame, né? Bom, chegou a hora de novo.

Moro no Brasil, então essa temporada de junho-setembro é inverno aqui. Porém, nesse país tropical de estações do ano nada definidas, e ainda mais no estado do Rio de Janeiro, isso não quer dizer muita coisa, então tiveram dias fazendo 30 graus celsius como se fosse primavera. Isso me deixa louco, mas não há nada que eu possa fazer a respeito além de reclamar das minhas funções biológicas piorando dramaticamente quando a temperatura passa dos 30 celsius. Mas no hemisfério norte? “FÉRIAS DE VERÃO”, com essa exata sequência de palavras, já é um clichê consagrado da cultura popular, seja em filmes americanos que a gente vê e absorve isso, e no lado do oriente também tem toda a estética bem única de “férias de verão do interior rural japonês”, e se você já viu o anime o suficiente nessa vida, deve saber do que estou falando. É mais do que o evento climático de estar sendo verão em si, tem toda uma atmosfera de “curtição”.

(pessoalmente eu detesto o verão porque o aquecimento global está o tornando cada vez mais insuportável, mas vamos focar em outras coisas pra esse texto, por favor)

Não foi uma rima intencional com essa temática, mas marquei minhas férias do trabalho para agosto, por 30 dias… porém elas não puderam ser aprovadas, por circunstâncias de força maior que não vêm ao caso entrar em detalhes aqui, pois prefiro manter detalhes da minha vida privada dissociados da minha persona digital pública, que é lida por pelo menos algumas dezenas de pessoas. Isso me deixou furioso? Claro que sim! Mas infelizmente não posso fazer nada a respeito, e sabem como dizem: “se ficar puto, é pior!”

Dito isso, o mês de agosto estava chegando, e com ele algumas pessoas estavam contemplando a ideia de usar tal ocasião para, além de postar memes do Taichi do “Digimon Adventure” olhando o calendário no primeiro dia do mês, de jogar “Boku no Natsuyasumi”, que é um jogo sobre aproveitar as férias de verão, e que se passa inteiramente durante os 31 dias do mês de agosto.

Vocês conhecem “BokuNatsu”, certo? (passarei a abreviar o nome do jogo assim)

Alguns de vocês provavelmente já devem ter assistido ou se esbarrado com o (absolutamente excelente) vídeo de review do Tim Rogers sobre, no canal Action Button, que é um fortíssimo candidato ao título de “melhor review de jogo de videogame que já vi na vida”. Muitos aqui no ocidente conheceram esse jogo dessa forma, e esse vídeo foi uma dádiva porque trouxe muita visibilidade pra ele, tal qual aconteceu com “Tokimeki Memorial” depois do, também excelente e também forte concorrente ao título imaginário que mencionei antes, vídeo de review do Tim a respeito. Os frutos que essa visibilidade gerou pra “BokuNatsu”, até agora, é um patch de tradução para o inglês de “Boku no Natsuyasumi 2”, para o PS2, que tem a mesma premissa, só que num cenário litorâneo. Por quê o 2 e não o 1 primeiro? Sei lá, perguntem pra quem fez o patch, mas em geral esse parece o jogo mais amado da franquia pelo que eu li por cima. E é esse que as pessoas da internet tão querendo jogar em agosto, afinal, o inglês é “a língua da internet”.

Porém, além de fluência em inglês e conhecimentos básicos-intermediários-que-exigem-certo-esforço de japonês, eu também tenho fluência considerável em espanhol, e, pra minha sorte, alguém fez um patch em espanhol do remaster para o PSP do primeiro jogo, e é essa versão que eu decidi jogar. Vocês me conhecem, gosto de acompanhar a evolução técnico-histórica das coisas, e “BokuNatsu” já estava na minha mira fazia um bom tempo. Eu já conhecia antes de ver o vídeo do Tim Rogers, mas nunca tinha dado muita atenção, confesso, mas o vídeo o colocou no meu radar de interesses, tal qual aconteceu com “Tokimeki Memorial”, um jogo tão historicamente essencial quanto o magnânimo primeiro “Doom”, lá de 1993. Mas o texto não é sobre “TokiMemo”, então falemos disso outro dia, mas em todas as oportunidades que me acontecem, eu sempre faço questão de frisar que ele é tão importante quanto “Doom”, e sei que não estou sendo nada hiperbólico com essa declaração.

Eu tenho um PS Vita aqui em mãos, então me pareceu a oportunidade perfeita usá-lo pra jogar. Eu poderia até tentar jogar o primeiro jogo em japonês mesmo se me esforçasse o suficiente, mas sinceramente, estou priorizando o meu entretenimento e relaxar as férias “de verão” que me foram negadas, e apesar de tudo, entendo melhor espanhol do que japonês. Minha cópia de “Pokémon Crystal” na infância ser em espanhol se pagou bem, pelo jeito (além de eu ter nascido e sido formado como falante de português, o que já me faz spawnar nessa terra com o espanhol uns 60% já pré-instalado no meu cérebro de fábrica, o que facilita muito as coisas… e felizmente estudei o bastante disso ao longo da vida pra falsos cognatos não me serem um problema).

… Eu acho que não posso presumir que todo mundo que tá lendo isso viu um vídeo em inglês de 6 horas de duração, escrito por um cara conhecidamente verborrágico como o Tim Rogers, sobre um jogo de 2000 que nunca saiu do Japão, né? Então, caso você tenha caído de paraquedas aqui sem saber disso sabe-se-lá como, acho que preciso explicar um pouco de como é “Boku no Natsuyasmi”: A ideia é que o jogador controla um pequeno garotinho de mais ou menos uns 8 ou 9 anos de idade que é levado pelo pai para a casa dos tios no interiorzão do Japão, ali no ano de 1975, pro garoto passar as férias lá enquanto a mãe se prepara pro nascimento do irmãozinho que está prestes a chegar. E o seu objetivo é curtir cada um dos 30 dias dessas férias no interior da maneira que bem entender, brincando de caçar insetos, curtindo a natureza, soltando pipa, andando entre lindos girassóis, interagindo com os personagens desse lugar, e mais coisas, enquanto vai descobrindo as várias micro-histórias que habitam esse lugar tão pacato no meio das montanhas.

O jogo foi lançado originalmente em 2000 pro PS1, desenvolvido pelo estúdio Millenium Kitchen, e publicado pela própria Sony, fazendo um enorme sucesso, e gerando sequências para os consoles seguintes da Sony até o PS3 e o PSP, e hoje em dia há até “sucessores espirituais” dele.

Enfim, a“regra” da aventura proposta aqui pelo “desafio” que uma galera na internet tá sugerindo é: jogar um dia dentro do jogo por um dia da vida real, o que deve render mais ou menos uns 20–30 minutos do jogo por dia. Eu não sou muito bom em seguir regras pra brincadeiras como essa, mas tentarei, apesar de não garantir nada! Eu sou o tipo de pessoa que come todos os bombons da caixa conforme dá vontade, ao invés de ficar guardando. O eu que está escrevendo esse parágrafo de agora ainda não sabe como ele irá terminar, então lá na frente vocês vão descobrir junto comigo.

Apesar disso, há algo em videogames portáteis que facilitam essas sessões curtas de jogatina a acontecerem, além de, em geral, os jogos serem desenvolvidos para comportarem essas sessões curtas, tornando esse um jogo perfeito pra se experienciar num portátil. Fora que eu estar jogando num Vita impede também situações onde eu caia na tentação de usar save states e similares e acabe “mecanizando” demais a brincadeira. Tem um certo encanto em saber que tenho um aparelhinho capaz de me trazer “férias de verão na palma da minha mão”, pra além disso tudo. Poder jogar deitadinho, hmmm……

Apesar de eu já ter algum conhecimento prévio do jogo por causa do vídeo do Tim Rogers, ele é daqueles casos onde a melhor experiência inicial é sem nenhum tipo de guia, e essa é uma das condições que eu impus a mim mesmo além de jogar em doses diárias mais espaçadas. Descobrir sozinho faz parte do propósito, e mais outra: não posso ter pressa de terminá-lo e nem ânsia de ver 100% na minha primeira run.

E isso me leva a outro tópico que, vai parecer um desvio de assunto, mas juro que é importante pra complementar meu ponto e eu queria aproveitar a ocasião para falar disso, já que é um tópico que venho pensando sobre há um tempo…

Prelúdio da (tentativa) da renúncia da ansiedade

Acho que nunca fui muito um cara dos “cozy games”. Eu até joguei uma quantidade razoavelmente grande de tempo de “Harvest Moon 64" quando criança, e passei um bom tempo tentando entender o apelo de “Animal Crossing” quando saiu a edição da franquia pro DS lá no meio dos anos 2000. Definitivamente não sou contra eles ou sua existência, mas esse tipo de jogo costuma me deixar bem entediado rápido, mesmo que eu super entenda o apelo deles.

Talvez tenha algo a ver com a forma como lido com videogames e meus tipos de experiências favoritas nessa mídia. Em geral, foco minha atenção em um jogo, termino ele e vou pro próximo. Às vezes o verbo “terminar” também pode ser trocado por “vi tudo que tinha pra ver”, no caso de coisas como jogos de luta por exemplo. Mas mesmo assim, jogos como os que eu citei até que tem lá as suas linhas de chegada atribuídas ao jogador por ele mesmo ou por algum meta do jogo, tipo receber a visita do seu pai alguns anos ingame depois para ele ver como ficou sua fazenda, no já citado “Harvest Moon 64”.

Mas acho que não é isso, mas sim que eu talvez seja meio viciado em adrenalina ou fricção nos meus jogos, e em geral, esse tipo de coisa me conquista mais do que essas experiências mais pacatas e que convidam o jogador à contemplação descontraída e a não ter pressa. Sim, eu sou bem ansioso, sei disso, foi até constatado neuropsicologicamente. Boa parte dos meus jogos favoritos envolvem ação ou tiroteio frenético e muitos momentos de tensão, e imagino que os da maioria das pessoas lendo isso também, e também tendo a preferir jogos mais lineares e que não simplesmente soltem o jogador, sendo abertos demais, sem nenhum norte e digam “vai!”. Inclusive, não gostei muito “The Legend of Zelda: Breath of the Wild” em relação a outros jogos da franquia em parte por isso (um dia pretendo dar uma segunda chance e, quem sabe, essa parte do texto vai envelhecer engraçadamente).

E eu também sou meio fascinado por complecionismo! Quando vejo que “ok, dá pra fazer e não vai tomar tanto tempo” gosto de ficar brincando de ir atrás de achievements e coisas do tipo, quando possível. Ou de tentar ver tudo possível numa única jogada, já que não sou do tipo que costuma ficar rejogando os mesmos jogos (principalmente RPGs).

Mas então, nos últimos tempos houveram dois jogos que me ensinaram (ou reforçaram, se preferirmos aderir a uma camada extra de nuance semântica aqui) duas das lições mais importantes que aprendi sobre videogames recentemente, e que serão um norte muito poderoso pra apreciar minha experiência com algo como “Boku no Natsuyasumi” de maneira apropriada. O primeiro deles foi “Romancing SaGa 2”. Especificamente o seu remake em 3D para plataformas modernas, de subtítulo “Revenge of the Seven”.

“Romancing SaGa 2” é, assim, meio sem mais nem menos, um dos melhores RPGs de todos os tempos. Ele merece ser facilmente lembrado como um dos maiores de sua geração, dentre os grandes RPGs ali do Super Nintendo. Em geral gosto que meus RPGs sejam mais lineares e que tenham trajetórias mais pré-definidas a serem seguidas, e talvez venha daí a minha preferência pelos RPGs japoneses, e o fato de que nunca consegui me encantar tanto com a maioria dos ocidentais do gênero, tipo os CRPGs como “Fallout” (coisa essa que estou tentando mudar em mim mesmo ainda). Tentei jogar o primeiro e o terceiro “Fallout” certa vez, e nos dois esbarrei com o problema de serem abertos demais e sem muito norte pra seguir e ter paciência de absorver o jogo em seus princípios. Acho que sou o tipo de pessoa que precisa de um pouco de limitação pra me guiar em jogos… e eu pessoalmente achei “Fallout 3” um porre sem tamanho durante as horas que joguei ele, foi mal aí a quem curte.

Mas enfim, voltando pro “Romancing SaGa 2” num texto que nem era pra ser sobre ele, ele é um jogo muito curioso pro habitual de RPG japonês de console que eu tava acostumado (e sim, vergonhosamente admito que foi a primeira, e até então única, vez que joguei algum “SaGa”. Virão mais deles em algum momento), a começar pelo fato de que ele é quase completamente aberto e meio que possibilita um monte de caminhos diferentes, num ponto que, se dois amigos começarem a jogar no mesmo dia, sem trocarem experiências sobre um com o outro, é pouquíssimo provável que tenham experiências idênticas com o jogo. Ele deixa o jogador explorar seus sistemas e locais na forma e ordem que quiser, e que lide com as consequências de seus atos depois, já que elas podem mudar consideravelmente o curso de detalhes da história. Você é apresentado a situações onde fazer uma coisa A impede que uma B possa ser feita, e vice-versa, de forma que seja impossível ver TUDO que o jogo tem para oferecer numa única run, e ele fortemente até desencoraja esse comportamento complecionista com alguns meios de fricção curiosos. Um dos mais notáveis é o que ele chama de “LP” (“Life Points”), que é basicamente uma quantidade de vidas que determina quantas vezes os seus personagens podem morrer em batalha até partirem de forma permanente onde não há item de reviver que seja capaz de reverter tal processo. E se o seu líder tiver seu LP zerado, já era, você terá de escolher algum outro personagem para sucedê-lo na dinastia e continuar a jornada em seu lugar, e ele muitas vezes precisará ter características diferentes do líder anterior, e esse ciclo vai continuando através de séculos dentro da história do jogo, até que a dinastia consiga vencer os grandes vilões do jogo, que precisarão de literais gerações de guerreiros para serem derrotados por um herói final que herdará todos os poderes e habilidades dos líderes anteriores.

É um jogo que te força a lidar com a perda em vários níveis, e lidar com a consequência disso. Claro, você pode simplesmente dar load num save manual anterior a um evento desses, mas acho que isso acaba um pouco com a diversão da coisa. Um evento que vou lembrar pra sempre nele é uma sidequest onde tenho que investigar sobre uma dançarina num vilarejo e que secretamente é uma sereia buscando seu lugar entre os humanos, e no processo, acabamos numa jornada para encontrar ingredientes para fazer uma poção para chegarmos até ela conversar. Com a poção feita, o jogador pode ir ao fundo do mar interagir com ela. Só que isso não é o fim da sidequest, pois para isso, o jogador precisa visitar a sereia mais duas vezes, e na terceira o jogo não te avisa que isso é irreversível, e então o seu personagem decide viver com a sereia e abandonar o trono, e então sobe um letreiro dizendo que tal monarca nunca mais foi visto, e então passam-se algumas décadas e agora você precisa escolher o seu sucessor. Foi necessário o sacrifício de um personagem com stats que eram convenientes naquele momento, porém, quando o sucessor visitar esse lugar de novo, no mesmo bar onde a sereia dançava, ele irá encontrar uma personagem que é descendente dessa sereia com o seu monarca que desapareceu no mar, e ela será uma nova classe bem útil em combate, que só é liberada dessa forma, fazendo as três visitas à sereia… e na vez que joguei, eu não sabia disso e só visitei a sereia uma vez, e fiquei sabendo disso ao conversar sobre o jogo com um amigo que também tinha jogado, assim como passei por outras situações que ele não teve como passar porque o fluxograma de escolhas impossibilita que tudo possa ser visto numa única só jogada.

Quer ver tudo? Vai ter que rejogar e fazer diferente, e idealmente sem um guia pra ser mais divertido. É meio parecido com a forma como é chatíssimo seguir um guia pra tentar maximizar todos os social links de um “Persona” numa única run (e meio que impossível sem tal guia, jogando pela primeira vez), já que é um jogo que limita os seus movimentos e escolhas com um calendário corrido.

Eu fiquei falando disso justamente porque “BokuNatsu” tem um pouco disso em si, e seguir um guia pra satisfazer uma ânsia de “ver tudo” na primeira jogada é capaz de arruinar o propósito da brincadeira, que é simplesmente curtir as férias de verão do jeito que achar melhor e as circunstâncias permitirem, e é aí que eu chego no segundo jogo que me trouxe outra valiosa lição. Consegue adivinhar qual? Fazendo de conta que não tem uma imagem dele bem aqui embaixo…

É, eu não esperava que fosse aprender isso com “Dead or Alive Xtreme Beach Volleyball”, lá do primeiro Xbox, e esse foi basicamente um cavalo de tróia pra mim, porque fui nele pensando “hehehe o jogo de vôlei com as garotas do Dead or Alive só de biquíni! Vamos ver o que Itagaki Tomonobu e amigos estavam aprontando nessa época que a Microsoft pagava eles pra ter exclusividade” e me deparei com talvez um dos “cozy games” mais curiosos que já vi.

É especialmente engraçado pra mim um jogo com “Xtreme” no título ser tão relaxante, e não acho que estou fazendo uma declaração ousada aqui de que o tal jogo de vôlei de praia de “Dead or Alive”, de todas as coisas possíveis, é um “cozy game”.

E não é nem como se os desenvolvedores estivessem tentando esconder isso, é só olhar o verso da capa japonesa do jogo aqui em baixo. Eu preciso me estender um pouco além da conta e que vocês me acompanhem nisso, mas juro que é interessante e pertinente à reflexão que tô trazendo!

Aqui há flexões do verbo “遊ぶ” (“asobu”), que significa “brincar”, se repetem quatro vezes em quatro linhas diferentes até que próximas uma da outra, e a maior de todas, no topo está escrito “ごめんあそばせ ❤” (“gomen asobase ❤”)… e sim, coraçãozinho é importante, é o temperinho a mais aqui, mas não vou elaborar muito nisso pois vocês já conseguem tirar a conclusão disso sozinhos). Há um trocadilho muito do pilantra aqui com “asobase” parecer uma conjugação de “asobu”, e ele não está escrito em kanji, o que passa uma impressão de leveza e descontração, quase meio infantil, afinal crianças não costumam escrever com tantos kanjis, ainda mais um ~relativamente complexo~ (ao menos em comparação a outros que crianças japonesas costumam aprender em seus anos escolares iniciais até entrarem no começo da adolescência) como “遊”. A grande sacada aqui é que “Gomen Asobase” é originalmente uma expressão bem antiga que, traduzida em seus contextos originais, seria algo como “com sua licença”, só que num tom bem refinado, e costumeiramente usado por mulheres pedindo licença em tom de cortesia, afinal “gomen” também é usado em “gomennasai”, que é um dos pedidos de desculpas mais notáveis do idioma. Essa expressão nem é usada na vida prática hoje em dia, apesar de que dá pra ver em obras de época, mas o negócio é que juntando todos esses elementos separadamente, dá pra ler como “divirta-se sem culpa!” De forma a não ter que pedir licenças ou satisfações para brincar nas atividades que o jogo oferece, e sem se preocupar com formalidades. Nas ocorrências seguintes do verbo, o kanji pode ser visto e essa nuance de ambiguidade brincando com uma expressão antiga fica só pra chamada principal mesmo, convidando o jogador a curtir uma praia com essas belas moças digitais.

E “遊ぶ” também costuma ser usado em contextos onde pessoas que falam inglês diriam “hang out”, tipo quando você chama um amigo pra passar um dia na sua casa só “curtindo” descompromissadamente o que a galerinha mais jovem hoje chama de “resenha”. Esse detalhe específico me chamou muito a atenção porque quando você faz a mesma observação no verso da capa americana do jogo logo bate de cara com um “ARE YOU READY FOR SOME XTREME ACTION?” em letras vermelhas escrito em caixa alta, quase como se fosse aquela voz que narrava trailers de filmes americanos nos anos 90 que começava com “THIS SUMMER….” com voz canastrona antes de começar a falar mais do filme. E também há palavras como “stimulating”, “fast and fierce” e “killer soundtrack”. Não que o vôlei desse jogo não possa ser bem estimulante ou intenso, muito pelo contrário, e nem que a trilha sonora não seja absurdamente bem escolhida e dançante, mas é um contraste cultural muito engraçado quando você volta pro verso japonês e vê aquele “遊ぶ” escrito numa fonte azul bem amena. Uma outra coisa engraçada aqui é na listagem do conteúdo na versão americana, dizendo que há “nudez” e “temas sexuais maduros”, sendo que no verso japonês não há qualquer menção dessas coisas, e elas sequer estão presentes no jogo(!!)… a menos que você queira contar a cena de dois segundos onde a Christie tira todas as roupas pra dar um mergulho, durante a cinemática de introdução do jogo, mas isso dura tipo uns 2 segundos e não mostra nada explicitamente, já que ela tá toda coberta de sombras e aparece como uma silhueta. A Microsoft americana tava mandando fazer propaganda enganosa na cara dura!

Na capa japonesa, como vocês podem ver abaixo, tá só a Hitomi segurando uma bola sozinha e um céu azul de cores bem amenas atrás dela, já na capa americana ela tá ao fundo junto com a Lisa enquanto a Tina tá em destaque no meio e tem um “fogo” alaranjado na parte de baixo, e as cores são mais quentes. É uma decisão muito curiosa quando a gente lembra que a Kasumi ou a Ayane são personagens bem mais de destaque nessa franquia (meio que o Ryu e o Ken), e quando esse jogo saiu já existiam três outros “Dead or Alive” no mercado e no imaginário popular. Seria tipo se saísse um jogo desses de “Street Fighter” e, sei lá, o Guile fosse o grande destaque da capa.

É engraçadíssimo o quão gritante é a diferença de tom entre as duas chamadas de um mesmo jogo marketado pra diferentes culturas. O próprio Tim Rogers gasta um bom tempo das duas primeiras horas do vídeo dele sobre “BokuNatsu” falando de coisas similares (tipo como tiveram a pachorra de lançar os primeiros “Dragon Quest” nas Américas substituindo a icônica arte das capas do Toriyama Akira por só umas ilustrações genéricas de fantasia medieval estilão Dungeons & Dragons porque americano ainda tinha alergia a anime), mas quando joguei “DOAX” não pude deixar de reparar nisso quando fui olhar as capas em detalhes por curiosidade.

Mas aí a gente chega no jogo em si, e a premissa do “modo campanha” é que o Zack agora comprou um resort numa ilha paradisíaca e convidou todas as meninas da franquia para curtirem umas férias nela. Você, jogador, escolhe uma e… só curte as férias por 14 dias dentro do jogo. Pode curtir a piscina, trocar de biquínis fofinhos, trocar presentes com as outras personagens, jogar vôlei, apostar no cassino…. não tem nenhum grande torneio de vôlei nem nada do tipo, e o jogo tampouco usa algum verbo desse tipo além de “divirta-se”. Você pode jogar vôlei, e se quiser pode até passar as férias inteiras sem nem tocar numa bola de vôlei e só brincando no cassino ou curtindo a piscina ou relaxando na praia, mesmo num jogo chamado com “Xtreme Beach Volleyball” no título, tanto que pros jogos seguintes dessa série ficou só o “Xtreme” mesmo, o que deixa tudo ainda mais engraçado de ele estar lá. As partidas de vôlei não tão valendo muita coisa além de diversão e uns pontinhos, mas se você perder muito, a sua parceira vai se cansar de você e terá de fazer outra amiguinha na base da tentativa-e-erro até descobrir do que ela gosta, caso não tenha acesso ao manual do jogo aí na sua mão pra consultar essa informação, o que faz o jogo virar quase um dating sim sáfico de forma talvez não tão acidental.

Eu lembro de que, quando esse jogo saiu, eu o vi em algumas revistas e sempre davam ênfase na parte do vôlei da coisa, ou no quanto as garotas são gostosas e tudo mais… e bem, não é mentira que o vôlei é divertidíssimo e as garotas são de fato belíssimas e dá vontade de ficar admirando tanto quanto as paisagens com efeitos lindos de iluminação que o caixote preto retangular com um xis verde da Microsoft era capaz de renderizar em 2003, tal qual nas propagandas americanas, mas ao jogá-lo de fato mais de vinte anos depois foi um choque e tanto ver o quão “cozy” ele é. Eu mesmo fui atrás de jogá-lo por motivos que certamente não eram dos mais nobres, pensando que ia ver um jogo extremamente depravado e me divertir horrores com tal “patifaria”, mas foi uma enorme surpresa ver que o jogo é bem o contrário disso.

Consigo até dizer que o pessoal da Team Ninja pode até ter mirado nos marmanjos que queriam ver as garotas de biquíni mas acabaram acertando bem mais em cheio em meninas que queriam basicamente uma casinha de boneca em forma de videogame, e sei que não é uma declaração estapafúrdia porque já vi múltiplos relatos de mulheres que disseram ter jogado “DOAX” em idades formadoras da vida e ficando deslumbradas exatamente com esse aspecto específico do jogo. Eu mesmo passei um dia recentemente com um amigo na casa dele e mostrando esse jogo pra ele e ficamos lá, dois homens na casa dois trinta-e-poucos anos conversando exatamente sobre isso enquanto víamos a enooooorme lista de cosméticos compráveis na lojinha do jogo, onde todos podem ser presenteados pras demais personagens.

É um jogo que te permite brincar de amarelinha numa piscina enquanto tem uma das melhores músicas das Spice Girls torando no fundo! O jogo é tão RELAX que a música dos créditos da campanha é “Is this Love” do Bob Marley!

E esse é o momento em que eu poderia apontar pra sua cara e falar “RÁ! Você pensou que ia ler sobre o jogo do garoto catando insetos no mato na casa dos tios mas caiu num review surpresa do jogo de vôlei de praia do Dead or Alive! Pegadinha do malandro, iéié!” mas a verdade é que apesar dessa tangente completamente maluca e eu estar me segurando pra não passar o resto do texto discursando sobre esse jogo extremamente fascinante, o que quero dizer com isso tudo é que esse jogo aparentemente bobo de garotas de curvas majestosas jogando vôlei e tomando banho de sol e piscina é um dos jogos que mais entende a pura essência do videogame enquanto mídia, e ele me arremessou essa lição de volta à minha cabeça com a mesma força de uma bigorna caindo na cabeça de um dos Looney Tunes. Não estou sendo nem um pouco sarcástico aqui.

E com a premissa que ele tem, dá pra ver nitidamente que “DOAX” é um dos “filhos de BokuNatsu”, então essa minha tangente importantemente longa faz perfeito sentido existir aqui, já que foi tão educativo pra minha percepção do efeito terapêutico que “cozy games” podem ter e da forma ansiosa como eu lido com videogames (e meio que com tudo na minha vida) às vezes. Se jogos são para serem divertidos e aconchegantes, então todo jogo é “cozy”? Bom, houve uma época da minha vida que brincar de tentar fazer speedruns de “Dark Souls” era estranhamente relaxante pra mim, então consigo ver esse ponto fazendo sentido.

Acho que estou aprendendo a relaxar com videogames feitos pra esse tipo de contemplação da mesma forma que ainda estou tentando aprender a parar e apreciar paisagens na vida real, algo do qual nunca fui muito adepto. Não é algo que costumo fazer, mas quando me permito e dá certo, é gostoso e relaxante. Às vezes é necessário desacelerar, num mundo que exige um ritmo cada vez mais frenético de nós enquanto lidamos com as velozes engrenagens do capitalismo roendo nossa carne.

Enfim, tudo isso pra falar “é, acho que todos nós precisamos de ‘Boku no Natsuyasumi’ mesmo e pro raio que o parta com o FOMO”. Nessas horas acho que entendo melhor a minha companheira, que tem lá suas pelo menos 600 horas de “Stardew Valley” jogadas no Switch dela e demorou horrores pra completar o 100% porque passou a maior parte desse tempo nem se preocupando com isso.

Praticar o desapego do complecionismo faz bem às vezes e é bom ser forçado a isso. Aprender a “relaxar e desapegar” é um tipo engraçado de fricção quando paramos pra pensar.

Diário de Férias de Verão de Mentirinha

Agora sim, chegamos na parte onde vou falar da minha experiência com “Boku no Natsuyasumi” de fato. Esse texto está sendo escrito conforme vou jogando, então o eu que está escrevendo esse parágrafo agora nem sabe como isso vai terminar.

A ideia é fazer uma espécie de “diário de bordo”, meio que similar ao que o garotinho do jogo faz em seu quarto. E ir comentando coisas interessantes que eu achar pertinentes sobre o jogo e pequenos detalhes sobre ele. Não sei se todos os dias ingame renderão coisas interessantes ainda, mas veremos! (e eu não quero em hipótese alguma que isso seja visto como uma espécie de “guia de como curtir o jogo”, não mesmo! Estou, acima de tudo, escrevendo isso como forma de exercício mental pra mim mesmo)

Ah, e também não vou ter como listar TUDO que aconteceu nesses dias, porque esse texto vai ficar mais gigante do que já está parecendo, e eu sei bem como nós estamos com cada vez menos capacidade de atenção pra conteúdo em texto (e ironicamente, eu também faço um pouco parte dessa estatística). Vou listar só algumas das coisas principais mesmo ou que eu achar mais pertinentes a algo que eu queira comentar.

Como estarei jogando num PS Vita e não tenho meios de captura de imagens em alta definição dele, terão de se contentar com fotos da tela do meu Vita tiradas por mim pelo celular. Estou bem longe de ser um exímio fotógrafo então tentem ver isso como aquelas fotos que víamos em revista de videogame nos anos 90, que os caras faziam uma baita gambiarra pra tentar capturar a melhor imagem possível numa época que tínhamos bem menos recursos tecnológicos pra isso.

(e também podem haver momentos em que eu estarei tão entretido com o jogo que esquecerei de tirar fotos, aí vou atrás de screenshots da internet mesmo e vocês que lidem com isso)

Uma outra observação é que estou jogando a versão de PSP e ela tem um pouco de conteúdo novo que não tinha no original de PS1, então devo acabar me esbarrando com coisas que não foram mostradas no vídeo do Tim Rogers. Essa eu quero ver!

DIAS 1 E 2

Ok, decidi unir os dois primeiros dias numa parte só porque no primeiro dia não acontece tanta coisa e ele acaba até rápido… ou fui eu quem acabei com ele rápido acidentalmente, não tenho certeza. No primeiro dia o pai do Boku (pois sim esse é o nome dele mesmo!) o traz para a casa dos tios, e lá você conhece a família deles. O tio Yuusaku e a tia Kaori, e suas duas filhas, uma que é adolescente, chamada Moe, e a outra que parece ter mais ou menos a idade do Boku, chamada Shirabe.

Me deixaram dar um rolê pela casa pra conhecer um pouco do espaço, e houve um jantar, e aí fui mandado pro quarto, onde vejo um pôster do Ultraman e outro com o peitoral do primeiro Kamen Rider! Fizeram o quarto sob medida pra mim! E aí o dia acaba com o garotinho escrevendo no diário, pois é assim que o jogo é salvo, da mesma maneira que estou fazendo agora. Ah, e não mencionei mas o Boku ganha uma rede de pegar insetos também!

No segundo dia já começa com uma animaçãozinha muito bonitinha da família fazendo uma aeróbica fora de casa antes do café da manhã, e com a sua tia perguntando se você gosta de flores, e ao dizer que “sim”, fui incumbido da tarefa de regar algumas… maravilhas? Ok, eu não sou nenhum especialista em botânica mas a tradução em espanhol chamou essas flores de “dondiegos” e a Wikipédia tá me dizendo que o nome delas em português é “maravilhas”, então vou acreditar que é isso mesmo.

Aproveitei esse dia pra explorar o território em volta da casa e pegar todos os insetos que encontrava pelo caminho, e caixinha se encheu até que bem rápido! E descobri que há como você prender os insetos numa caixinha com alfinetes para colecioná-los depois de… injetar um veneno pra matá-los????? Credo! Que macabro, parando pra pensar agora! Os controles de tanque desse jogo acabaram de transformá-lo num survival horror onde você é o monstro… pros insetos! Mas ok, acho que uma criança japonesa no interior em 1975 não estaria pensando na brutalidade desse ato aparentemente inocente e que meio que parte do processo imaginativo que deu origem a Pokémon. Até que o passeio do Boku foi bastante proveitoso porque vi que o ambiente é bem grande, e me esbarrei com um cara observando pássaros e pedindo silêncio, até o meu tio me buscar de volta pra casa no final da tarde, exatamente nesse lugar aí da foto, porque o paisagismo desse jogo é belíssimo.

DIA 3

A aventura de hoje começou com a tia falando que ao meio dia estarão me esperando pra ajudar a colher milho numa plantação ali perto, e assim faremos depois. Também encontrei a prima mais nova do lado de fora olhando pro chão observando umas formiguinhas, e falando que todos os meninos são uns selvagens. Ela deve ter bons motivos pra dizer isso. E ao explorar um pouco do lado de fora também acidentalmente quebrei uma prateleira de cerâmica na oficina do tio, e acho que isso vai dar merda em algum momento… e ganhei uma vara de pescar também!

A prima mais velha estava do lado de fora conversando com uma menina da idade dela, e pareciam estar falando de um menino, ou seja, esse jogo já tá reprovado no teste de Bechdel. Além disso peguei mais alguns insetos e me dessensibilizei a colecioná-los espetados em alfinetes numa caixinha. Eu mesmo já tive que fazer um insetário quando criança pra um trabalho de escola e era uma cena meio insólita de observar, ainda mais que eu tinha que catar esses insetos eu mesmo pra pendurar ali. Lembro que depois de um tempo começou a feder e minha mãe jogou fora (depois que o trabalho de escola já tinha sido avaliado, claro). O dia acabou com um jantar onde o tio diz que há um lugar onde os vagalumes aparecem à noite, porém uma das regras da casa é não sair à noite. Mal posso esperar pra descobrir como quebrar essa regra! E também teve um momento bonitinho da prima mais velha tocando clarinete do lado de fora

DIA 4

O quarto dia do jogo começou com Shirabe, a prima pequena me convidando pra me mostrar uns lugares “chulos”, segundo o texto em espanhol, mas meu ouvido que entende algo de japonês escutou a palavra “かっこいい” (“Kakkoii”) e isso me salvou de cair em estranhamento com um falso cognato bem engraçado. E ela me levou pra provar néctar de umas flores, essas aí da foto acima. E a gente deu tapinha nuns jizos (estátuas budistas) pra eles lerem nossa sorte.

Depois de liberado pela Shirabe, resolvi testar a vara de pescar e peguei um peixinho mas não insisti muito além desse peixinho porque não costumo ter saco pra minigames de pesca em jogos, e porque eu queria cutucar a colmeia de abelhas que eu tinha visto no dia anterior… pois eu já tinha conhecimento prévio por causa de vídeos que ela caía depois de um tempo! É, vou admitir que isso é um pouco de trapaça mas era inevitável, e honestamente, eu quero dar a esse moleque as melhores férias possíveis. Sabe-se lá quanto tempo eu demoraria pra descobrir isso sozinho, mas talvez nem seria tanto assim. E aqui foi o dia em que percebi que acho que finalmente memorizei os caminhos de boa parte das áreas principais do cenário. Eu gosto de como os cenários desse jogo parecem bem vivos, na forma em que você se esbarra com personagens inesperadamente em lugares que você já passou, e logo isso chama a atenção quando você vê algum.

Aliás, podemos todos concordar que cenários de fundo pré-renderizados em jogos dessa época são um charme, certo?

Dia 5

O dia começa com o tio falando que à noite irá ter uma reunião sobre o uso de fertilizantes no ambiente onde vivem os vagalumes, e que eles ficam muito bonitos perto do rio e… bom, tá aí a missão principal do dia. Até surge a voz do Boku já adulto, que eu não mencionei até agora mas vez ou outra aparece aqui, narrando os eventos que vemos no jogo como uma memória distante, dizendo que essa seria a única oportunidade de ver os vagalumes, mas o tio diz que eu não posso sair à noite. O jogo quer muito que eu saia escondido de noite pra isso!

É engraçada a forma como esse jogo estimula o jogador a explorar, geralmente usando o tio falando algo como “não faça coisa X, hein!” e isso atiça a sua curiosidade pra fazer a tal coisa X em questão, igual uma criança pronta pra aprontar alguma trapalhada. Mas bem, assim o fiz e assim que ele saiu de casa com o carro fui atrás dos vagalumes e até capturei um com a redinha! (também conheci um menino que tava roubando melancias e ele me mostrou o esconderijo secreto onde os moleques da região vão pra fazer rinha de besouros)

Dia 6

Provavelmente o dia mais pacato do jogo até aqui, porém ele começou com duas coisas curiosas: é o primeiro dia em que não houve a animação da família fazendo ginástica, ao menos não com o Boku presente, pois ele é acordado pela prima Shirabe e foi dito que dormiu até mais tarde (será que tem a ver com a fuga pra ver os vagalumes ontem? Não sei) e… após o café da manhã tinha um programa na televisão falando que estava acontecendo uma solenidade em Hiroshima para celebrar o “dia da paz”. A data me soava familiar, então resolvi dar uma Googleada pra conferir e… oh, era o aniversário de 30 anos do bombardeio atômico de Hiroshima… A cicatriz tava relativamente recente ainda, né?

Mas fora isso, o grande evento do dia foi derrubar uma colméia que já estava sendo catucada há dias e descobrir alguns lugares novos pra passar e pegar insetos novos e encontrar um lindo lago onde pesquei um pouco uns salmões

Dia 7

Explorando mais um pouco o território novo, encontrei a prima mais velha, Moe, que está procurando flores para dar de presente para uma pessoa especial que lhe ensinou a tocar o clarinete e ela pediu a minha ajuda para encontrar papoulas amarelas… e eu infelizmente falhei em minha missão mas pelo menos peguei altos insetos novos! E me deparei com uma colina bem alta que dava pra ver uma bela paisagem!

No jantar o tio fala que tem uns moleques brincando num poço, e que eu não deveria ir pra lá porque pode ser perigoso. À essa altura já sabemos como esse jogo usa psicologia reversa pra me induzir a fazer determinadas coisas.

Foi um dia ainda mais pacato que o anterior, então resolvi tentar sair à noite pra ver o que acontecia e o tio me pegou no flagra e disse que uma das regras da casa é não sair à noite. Bom, eu já sabia mas valeu a tentativa, eu acho.

Tudo isso acabando na página do diário dessa vez dizendo que “eu não fiz nada. Não houve nada de emocionante.” É meio engraçado ler isso pensando num jogo que alguns podem argumentar dizendo que é sobre “fazer nada”, afinal as férias, na teoria, são para desacelerarmos e podermos nos dar o luxo de “não fazer nada”, e esse é um jogo onde não há “estado de falha”, como uma tela de game over ou algo do tipo. Você pode deixar uma pequena ansiedade tomar conta de você em aproveitar suas férias “do melhor jeito possível” e ainda sentir que falhou nisso porque, sei lá, acordou mais tarde e deu menos tempo de fazer as coisas que você gostaria durante o dia e que não faria em condições normais porque os estudos ou o trabalho não permitem. Essa ansiedade pode demarcar o “estado de falha” em férias ou período de descanso, se parar pra pensar, mas não tem nenhuma tela de “game over”, então é um estado de falha de fato? Ok, eu não consegui as flores que a Moe me pediu, mas pensando no jogo de forma mecânica, essas duas coisas não estão diretamente relacionadas, eu sei.

Mecanicamente, eu imagino que muito provavelmente esse “não fazer nada” ser o grande evento do dia provavelmente se refere a ter encontrado a enorme colina, já que a paisagem faz o Boku até bocejar, o que me traz de volta à quela reflexão que eu fiz na seção anterior do texto sobre parar pra apreciar paisagens ser algo que não costumo fazer no meu dia a dia, e honestamente, me causa até um pouco de tédio se eu ficar mais tempo nisso do que meu cérebro movido a hiperestímulos está acostumado. Acho que esse dia meio que encapsula um bocado toda a forma como eu lido com os “cozy games” em algum nível, e até paro pra pensar que é uma forma de o jogo me permitir, anda que por apenas alguns instantes, fazer algo que não costumo fazer na vida real e pensar sobre isso.

Um tanto engraçado que o dia mais sem eventos do jogo até aqui seja justamente o que me provocou a maior reflexão até agora.

Dia 8

O dia começou com o Boku falando que subiu a tal colina no dia anterior, e então o tio diz que já subiu ali com as meninas e que até soltaram pipa, e ofereceu de fazer uma pipa pro menino. Parece que “não fazer nada” me rendeu uma recompensa, afinal!

Pessoalmente, eu nunca entendi muito o propósito de soltar pipa na vida real, e também nunca entendi o apelo disso e me parece facilmente uma das brincadeiras mais entediantes que uma criança pode fazer. Mas aquilo, né, estou absolutamente ciente de que digo isso da perspectiva de um homem adulto que foi um garoto introvertido de apartamento -com quase nenhuma habilidade social- e que não costumava brincar na rua e meio que só jogava videogame, via desenhos animados na TV e lia quadrinhos e revistas como principais forma de entretenimento na infância. Numa dessas eu nunca sequer me dei o trabalho de nem mesmo aprender a andar de bicicleta, porque nunca vi necessidade em tal coisa. Talvez soltar pipa seja uma daquelas coisas que eu acho chatíssimas na vida real mas no videogame seja mais legal? Vamos ver!

A própria premissa inteira desse jogo na real é meio “coisas que eu acharia chatíssimas na vida real mas no videogame é daora!” se parar pra pensar. Eu já passei por uma experiência de visitar familiares no interior e passar um tempo lá (mas não foi um mês inteiro. Eu provavelmente enlouqueceria se fosse tanto tempo assim). Tiveram momentos divertidos e interessantes pro eu criança, mas certamente eu iria preferir continuar em casa jogando videogame mesmo. Hoje em dia, com mais de 30 anos na fuça, entendo a importância desses momentos e desse tipo de experiência e venho me abrido mais para novas experiências.

Meio maluco a forma como esse texto meio que tá virando um semi-confessionário de uma cabeça extremamente ansiosa que não sabe relaxar tão bem e esse jogo está meio que agindo como um pequeno purgatório digital nas palmas das minhas mãos.

ENFIM, reflexões à parte, vamos aos eventos do dia. Do lado de fora ao conversar com a tia, ela sugere que eu observe a janela de dentro do quarto de uma das meninas e… assim fiz e entrei no quarto da Moe e da Shirabe pela primeira vez, e a mais velha lá estava! Ela não demonstrou estar bolada que não consegui a papoula amarela no dia anterior, e disse que posso visitar o quarto contanto que ela não esteja ocupada. Além disso, vagando por aí encontrei os moleques que ficam no esconderijo abaixo de uma ponte e achei o minigame de SUMÔ DE BESOUROS, mas não tenho nenhum besouro usável. Ao jantar, Boku pergunta o que besouros comem e os tios respondem que eles gostam de água com açúcar e explicam todo o processo para alimentar besouros em seu hábitat natural, o que induz o jogador mais malandro a procurar tais itens na cozinha para usar de isca pros besouros nos dias seguintes. No fim do dia também peguei um machado que o tio estava usando mais cedo para cortar lenha.

Ah, e também deu pra ver fogos de artifício da janela do quarto, depois de o tio no andar de baixo dizer que não lembra quando seria o dia dos fogos… Mas se você chegar ao quarto antes de te mandarem dormir, dá pra ver umas pequenas luzes na parede indicando que os fogos estão acontecendo naquele momento mesmo! Acho que dei sorte

Dia 9

Bom, agora que eu sei onde está o machado, tenho uma nova missão: cortar a árvore em uma das pontas atualmente acessáveis do mapa, para liberar caminho. Mas como Boku é um pequeno garoto, ele só tem força para uma machadada por dia, então vai levar uns dias até poder atravessar.

No meio do caminho, me trombei com o subdiretor e ele contou uma história de que aquela área tinha sido devastada pela guerra e passou um bom tempo desmatada, até a vegetação voltar a florescer, e que foram tempos difíceis e tristes. Fazendo as contas, ele provavelmente viveu essa época e tem memórias bem nítidas desse tempo. É um tempero bem agridoce num jogo tão “aconchegante” quanto esse, ver esse “espectro de pós-guerra” pairando por ele. Em alguma capacidade me lembrou alguns filmes do Miyazaki Hayao pro Studio Ghibli (em especial, “Meu Vizinho Totoro”, que meio que visivelmente é parte da inspiração aqui).

Enquanto isso, a caminho apareceu um peixão enorme no lago que chamou a atenção de Boku. Joguei a isca na água pra ver se pescava ele mas nada aconteceu… bom, vamos lá ver o que os moleques dos insetos têm a me mostrar hoje…

E assim que chego, eles comentam exatamente do peixão que acabei de ver, e um deles diz que é mentira e que não existe peixe nenhum. “História de pescador”, como chamam, né? Enfim, o grande evento de hoje é RINHA DE BESOURO.

Esse é conhecidamente um dos “minigames” principais desse jogo, um grande clichê de histórias sobre crianças japonesas da Era Showa. “O criador de Pokémon gostava de pegar insetos na floresta e tirou a ideia de lá” é uma das curiosidades mais faladas por aí sobre videogames, tanto quanto “Você sabia que Super Mario Bros. 2 no NES na verdade é um re-skin de um jogo exclusivo japonês do Famicom chamado Doki Doki Panic!?”. Enfim, no dia anterior eu tinha conseguido catar dois besouros numa árvore, e até consegui vencer algumas das lutas. Não sei ainda se apertar os botões faz alguma diferença ou se as lutas são guiadas unicamente por RNG e pequenos cálculos baseados em estatísticas dos bichos.

O grande critério aqui parece ser o tamanho dos besouros, e é dito pelos garotos que é o que mais pesa para eles vencerem as batalhas, e além disso, os besouros perdedores podem ser trocados entre os garotada. Apesar disso, um dos meus besouros conseguiu derrubar um outro que tinha pelo menos o sobro do tamanho, quase como se numa luta de aikidou, numa tática meio “Davi vs. Golias”. Após perceber que não tinha como vencer mais batalhas naquele dia, fui atrás de mais besouros, porém não deu tempo e o dia acabou antes que eu pudesse chegar até a árvore onde eles estão. Fica pra amanhã então!

Dia 10

Não houveram grandes eventos nesse dia, além de dar mais uma machadada na árvore perto do rio e de achar uma árvore para pegar besouros para lutar. No jantar, Boku conta sobre o peixão do rio, e o tio responde que esse é o tal do “Rei do Lago” e que se eu quiser tentar pescá-lo, preciso de uma isca específica feita de um pêlo grosso, “tipo o do cachorro da casa”, nas palavras dele próprio, que quando eu a tiver, devo trazê-la pra ele montar pra mim. Duvido que eu vá conseguir fazer isso até o final do jogo, mas já que estamos aqui… E também pude escolher uma pipa!

Dia 11

O dia começa com o tio falando pra eu não sair pra brincar pela manhã do dia seguinte pois um monge virá para rezar a alma de um garotinho que vivia nessa casa no dia do aniversário de sua morte. Oh…

Depois disso, ao regar as flores percebo que elas finalmente floresceram, e a tia vem nos parabenizar! E em paralelo, ao inocentemente interagir com o cachorro, como de costume, Boku tem a brilhante ideia de arrancar uns tufos de pelo dele!!!! ASSIM DO NADA! Ok, depois dessa acho que me considero na obrigação moral de tentar pegar o peixão no lago pra fazer o ganido de dor do pobre cãozinho não ter sido em vão, né… Tanto a isca e a pipa ficarão prontos daqui a mais ou menos dois dias.

Dei a machadada do dia na árvore e botei alguns insetos pra brigarem. Até venci umas mas vendo que não tinha muito o que pudesse ser feito mais, resolvi procurar mais besouros e tive a brilhante ideia de mexer com a colméia no caminho pra ver se dava pra pegar alguma abelha com a rede… só pra acabar picado e acordar em casa de novo com a tia falando pra tomar cuidado com as abelhas. Hoje esse moleque tirou o dia pra fazer merda, hein! E depois disso tentei aproveitar o restinho de tarde pra ver se conseguia pegar algum besouro e achei dois enormes, espero que ele vença alguma coisa!

Mas no fim o grande evento do dia foi a Moe ter voltado com aqueles fogos de artifício caseiros… não sei se isso tem nome em português mas em japonês é “線香花火” (“senkou hanabi”). Talvez você já tenha visto isso em anime ou algum filme japonês, mas bem, é isso aí da foto logo acima. E todo mundo vestido com yukatas pra isso.

Dia 12

Como anunciado no dia anterior, hoje foi dia da visita do monge, e ele rezou pela alma do garoto que morava na casa anos atrás. Durante isso, o jogo interessantemente te faz contemplar um campo de girassóis por mais ou menos um minuto em silêncio, coisa que pode ter ou não feito um cara ansioso que nem eu apertar um botão ou dois pra ver se acontecia algo… e não acontece! Que bom que não acontece! Eu sinto que isso era necessário. É um jogo inteiro de contemplar pequenos momentos acontecendo, e esse talvez seja um dos mais marcantes até aqui.

Assim, eu já tenho o “spoiler” de quem era essa pessoa que morreu porque vi o vídeo do Tim Rogers sobre “BokuNatsu” umas duas vezes, mas mesmo que não tivesse sido o caso, fica meio óbvio que trata-se do filho da família. Decidi interagir com os personagens, como normalmente já faço, mas pra ver se eles falavam algo a respeito, e só a tia foi um pouco mais além e disse quando ele morreu, dizendo que foi há três anos, mas sem entrar em grandes detalhes, talvez para não pesar o clima pra uma mente tão inocente como a de uma criança de 9 anos.

Bom, depois disso fui liberado pra fazer o que quisesse pelo resto do dia, e o peixão tava no lago, mas eu ainda não tinha a isca para pegá-lo… porém, a machadada de hoje resultou em a árvore finalmente cair e formar uma ponte para liberar uma nova área do jogo! E essa área nova parece bem grande! E nela deu pra ver o icônico campo de girassóis, o mesmo que apareceu durante a oração do monge pela manhã, e o mesmo campo de girassóis que fez o Tim Rogers pagar uma passagem aérea de volta pro Kansas pra repensar a vida dele inteira ao fazer o review desse jogo. É, mais tarde terei coisas pra falar sobre essa última frase especificamente.

Infelizmente não deu tempo de fazer muita coisa pois comecei essa exploração meio tarde, então nem perdi tempo interagindo com os moleques dos insetos hoje, que certamente merecem bem menos a minha atenção do que essa área nova, mas deu pra ver paisagens bonitas e provavelmente guardarei fotos delas pra quando revisitar esses lugares depois. Dessa vez deu até pra ver o mar! Mas fiquem com a foto do campo de girassóis aí em cima mesmo por enquanto.

Dia 13

O dia começa com o tio Yuusaku já mandando um “caramba, você já deve ter pego muitos insetos, né?”, e eu, de fato, peguei mais de 50 tipos diferentes até aqui. Ele completou dizendo que se eu quiser insetos ainda mais raros, seria bom olhar a enciclopédia na sala, que tem informações de onde conseguí-los. Tô de boa, acho que prefiro só continuar pegando os que aparecem pelo caminho enquanto foco minha atenção em coisas mais interessantes.

Enfim, a grande notícia da manhã é que tanto a isca grande pra (tentar) pescar o Rei do Lago e a pipa ficaram prontas! Vamos ver se terei oportunidade de usá-las. O peixe não tava no lago, mas depois da tora de madeira que levou pra área nova vi…. algo muito esquisito??? Isso aí na foto de cima, foi um tipo de lobo esquisito brilhando que uivou e depois sumiu? Vamos descobrir o que diabos foi isso depois.

Porque tirando isso, não foi um dia de grandes eventos, exceto eu ter explorado mais e ter conseguido um besouro gigantesco que pode ser a minha chave pra vencer o sumô de besouros. E também descobri onde solta pipa, mas o vento não tava dos melhores no fim do dia e… descobri que, caramba, soltar pipa no videogame também é chato! Nunca soltei pipa na vida real, mas se aqui não foi muito estimulante, de verdade deve ser um saco maior ainda.

Foi o primeiro dia que me deixou meio insatisfeito com o que vi, porque teve pouca coisa mais interessante. Mas às vezes férias da vida real têm dessas também, né? Nem todos os dias das férias de uma criança serão incríveis, mas algumas das coisas que vi hoje podem levar a eventos mais interessantes depois.

Dia 14

Hoje a Shirabe vai me levar pra passear pra conhecer o “cabo dos ventos”… que é o lugar que eu já descobri uns dias atrás pouco depois do campo de girassóis.

Antes de sair, resolvo interagir com a tia e ela disse que no dia seguinte estarei na metade das minhas férias (e logo, na metade do jogo) e que irão prestar respeito a uma pessoa querida no cemitério. E também disse que amanhã farão 30 anos do fim da Guerra do Pacífico… que curiosamente é como muitos japoneses nessa época se referiam ao que aqui chamamos mais comumente de “Segunda Guerra Mundial” (é o dia que o Japão declarou rendição incondicional ao fim da Guerra, etc, etc, vocês provavelmente já conhecem essa história). A tia Kaoru ainda disse que quando a guerra acabou ela tinha a idade do Boku, e se lembra de morar em Sapporo (que é longe pra dedéu de onde estamos, interessantemente) e de ver várias tropas e navios de soldados americanos chegando na costa nesse dia, e que essa imagem passava muito medo, mas calhou de que esses soldados nem representavam tanto perigo assim na prática.

Bom, quando a gente pesquisa como foi a ocupação americana no Japão a gente vê que o negócio na real não foi tão tranquilo assim (talvez tenha sido em Sapporo, vai saber), então talvez não quiseram pesar o clima, mas é novamente o espectro do pós-guerra pairando nas memórias dessas pessoas mais velhas, e de alguma forma refletindo na geração seguinte.

Passado isso, vamos lá passear com a Shirabe, mas… no meio do caminho me deparo com um casulo se abrindo pra uma borboleta sair (foto ali em cima)! Cena bonita! E depois disso aí sim encontro a menina, que finalmente revela que tinha um irmão que morreu e gostava de girassóis. O Boku também gosta de girassóis! E eles passeiam pela praia e vão até a colina onde dá pra ficar admirando as nuvens e até tiram um cochilo ali antes de voltar pra casa.

E… é, esse foi o grande evento do dia. Foi divertido ver mais desses personagens entrando em detalhes um pouco mais íntimos de suas vidas e memórias.

Dia 15

Bom, acho que a tia Kaoru decidiu parar de rodeios e revelou que a tal pessoa querida que iam prestar respeito no cemitério é o falecido filho da família. E então deixaram o Boku em casa sozinho e pediram pra que ele ficasse em casa até a hora que chegarem, e aí sim posso sair pra brincar… Será que dá ruim se eu sair antes da hora?

Bom, decidi meter o louco e sair assim mesmo e testar meus novos besouros em batalha… pra descobrir que hoje os moleques não estão no esconderijo. Bom, fui olhar no lago e nem lá tem o grande peixe pra pegar. Já que eu estava por aqueles cantos mesmo, resolvi me aventurar pela praia pra ver se achava algo novo e… só apareceu um objeto estranho sendo jogado em minha direção. Depois disso eu vago um pouco mais pelo mapa em busca de algo interessante pra fazer e até a hora do tio Yuusaku me buscar não encontro nada.

Mas a parte interessante vem depois do jantar, quando Boku resolve contar sobre o objeto estranho, e então o Tio Yuusaku explica que é um osso de ouvido de baleia. E ao dormir, o Boku escreve sobre isso no diário e… aparentemente sonha com uma baleia? Aparece um FMV de uma baleia nadando fazendo barulho antes da tela de salvar o jogo para avançar ao dia seguinte.

Foi um dia sem grandes eventos além disso, e curiosamente limitado em atividades.

Dia 16

O dia começou com o tio Yuusaku dizendo que botou um balancinho no quintal da casa, pela primeira vez em… 3 anos. Oh…

Resolvi brincar nele só pra ver qualé, e logo depois fui atrás de coisas pra fazer. No dia anterior não deu pra fazer meio que quase nada, então comecei olhando pelo lago, e achei um peixe enorme lá dentro. Pensando talvez ser o Rei do Lago, fui atrás de pegá-lo, e após algumas tentativas, consegui e o Boku teve uma humilde animação comemorando dizendo “やった!”, coisa que eu nunca o vi fazer antes pegando outros peixes. Será que era ele?

E como os moleques dos besouros ficavam ali perto, resolvi aproveitar a ocasião pra testar meus novos besouros e cacete, foi um esculacho. Consegui mais de 40 vitórias com meus besouros novos, e trocando alguns dos perdedores por besouros dos coleguinhas, e assim fazendo uma cesta cheia de besouros gigantes ótimos pra essas batalhas. Esse minigame é completamente regido por RNG, mas claro, levando os tamanhos dos besouros em consideração pra pesar nas chances de vitória, e com besouros da maior casa de tamanho que há, nos 70mm, é bem difícil de perder, né? Bom, eu lutei até não poder mais, e pelo jeito só poderei continuar no próximo dia.

No fim do dia, o jantar na casa ocorreu normalmente e Boku foi dormir anotando em seu diário que pegou um peixe enorme.

Talvez aquele realmente fosse o Rei do Lago, afinal.

Dia 17

O dia começa com a família conversando que “A Menina da cidade que monta uma cabana no mato deve estar chegando, né?”. E eles logo me explicam sobre a “おおかみ娘”, a “Garota-Lobo”, que é uma universitária que todo ano resolve montar uma barraca na floresta levando um monte de livros e fica lá por uns dias, e até dizem mais ou menos onde posso encontrá-la. Vamos lá dar uma passadinha hoje pra ver!

Mas antes, decidi ir brincar um pouco de rinha de insetos pra ver se tinha algum avanço e dessa vez tomei uma surra porque os moleques voltaram com besouros MUITO melhores do que os de ontem. Então vamos deixar isso quieto hoje e ir lá no lago ver a tal Garota-lobo. E agora naquele lago há uma pontezinha que libera uma área nova para explorar, e assim fiz!

No meio do caminho encontrei uma câmera tripé no meio da floresta e uma galinha morta pendurada numa árvore, e logo depois encontro o tal acampamento, mas sem ninguém lá, além de livros e roupas num varal. Exploro mais um pouco em volta e vejo uma barricada dizendo que é perigoso subir a montanha após às 11 da manhã, e também duas cavernas, uma delas com nada e a outra com um livro misterioso escrito em outro idioma, que chama muito a atenção de Boku.

Infelizmente não há muito mais do que isso pra ver de novo hoje e o dia se encerra sem grandes parcimônias. Talvez amanhã haja algo de mais interessante pra ver.

Dia 18

O dia começou com o carteiro chegando na casa com uma carta para a Moe, que logo aparece muito feliz e sobe pro quarto dela pra ler. Curioso, vou até o quarto e encontro a coitada deitada de cara virada pra cama arrasada chorando e pedindo pra ficar sozinha. Estou fingindo que não sei o que aconteceu por já ter algum conhecimento osmótico dos eventos do jogo, então interajo com a tia Kaoru perguntando sobre e ela fica meio “oh… então deu ruim, né? Toda garota passa por isso…”

Depois disso resolvo tentar minha sorte na rinha de besouro e mais uma vez levo uma surra porque agora os moleques estão muito melhor equipados e pelo jeito preciso de besouros novos, porque só tenho os kuwagatas roxos, e os vermelhos sempre dão uma surra nos meus, por maiores que sejam.

Depois desse fracasso vou à floresta e encontro ela, a tal garota-lobo! Ela se chama Saori e tá buscando fotografar um “lobo japonês”, uma espécie de lobo que acreditam estar extinto já há algumas décadas, e Boku fica bem fascinado com ela. Fascinado a nível de escrever “certeza de que o papai vai gostar dela. Já a mamãe… Melhor não dizer nada”.

Oi????

Mas ok, vamos ver no que vai dar. A Moe ainda parece chateada com algo e o dia se encerrou. E tem esse comentário da Shirabe de “affe, você não entende o coração das meninas! Certeza que vai crescer e virar um desses que vacilam com as mulheres, vai vendo”. Ela não tem papas na língua e eu gosto disso

Dia 19

O dia começou com a Moe ainda chateada do mesmo jeito e sem aparecer para o café da manhã.

Resolvo mais uma vez tentar a sorte com alguns besouros que peguei no final do dia de ontem, uns kuwagatas vermelhos, e dessa vez a grande arma secreta dos garotos é um besouro kabuto enorme(popularmente chamados de “besouro-rinoceronte” aqui), também conhecidos como os insetos mais legais que existem. E dessa vez eu consigo vencer ele sem esforço!!! O meu Kuwagata vermelho deu um cacete nele. Uma pena que não consegui trocar nenhum dos meus besouros perdedores por ele, parece uma adição útil de se ter à minha cestinha.

Então agora é hora de ver o que a Saori tá aprontando hoje. E hoje ela tá de boinha na barraca dela e me mostra a enorme quantidade de livros que ela trouxe. Depois de algumas interações ela diz que o Boku é bem-vindo pra visitar quando quiser, e ele pela primeira vez faz uma cara absurdamente engraçada que não o vi fazer em nenhum outro momento do jogo até aqui (essa aí de cima).

Agora passada a hora do jantar, a Moe volta novamente ao quarto e pede desculpas pelo comportamento de antes e diz que agora se sente um pouco melhor que… vai aproveitar pra cuidar melhor da própria dieta??? Ok, eu acho, não parece a maneira mais sábia de lidar com um fora ao meu ver mas ela que sabe.

E eis que o dia se encerra com o diário do Boku da vez sendo… sobre o besouro kabuto com quem lutei mais cedo? Não sei qual é o critério pra definir qual é a imagem que vai aparecer nas páginas do diário, mas gosto de acreditar que é o fato que mais chamou a atenção de uma criança de 9 anos, e me parece plausível que um besouro kabuto tenha chamado mais a atenção do que lidar com uma desilusão amorosa da prima adolescente ou uma universitária quase hippie com uma cabana no meio do mato atrás de um lobo supostamente extinto.

Dia 20

O dia começa com os seus tios tendo uma conversa séria com Moe, que decide que não vai mais para o colégio de ensino médio e que vai viver no campo pra sempre, enquanto a cena rola com fotografia digna de filme do Ozu Yasujiro (como em vários momentos desse jogo). Não pretendo entrar em detalhes aqui sobre a conversa, mas o tema é “escolhas e livre-arbítrio”, e acho que de certa forma isso casa com a proposta do jogo de formas interessantes.

O próprio jogo é sobre exercer livre-arbítrio e “fazer o que quer”, sem se preocupar com um objetivo pré-estabelecido que nos é imposto, e instiga nossa curiosidade a descobrir o que queremos fazer por nós mesmos, sem estarmos obedecendo ordens. Nenhuma sugestão do jogo é imperativa, com exceção de quando somos trazidos de volta pra casa pelo tio Yuusaku ou mandados pra dormir pelo mesmo. Literalmente nenhuma. Tudo é exposto através de sugestões, e o jogo confia na curiosidade do jogador para que ele vá lá ver e descubra algo que o agrade e divirta. A Moe decidir não seguir os estudos na faculdade pode ser só uma decisão precipitada de uma menina de 15 anos, e não exatamente a melhor escolha, mas só quis usar essa cena como ponto de partida pra analisar a forma como o jogo lida com o conceito de “objetivos” e a forma como isso (ou a falta deles) é apresentada ao jogador, e acho isso uma sacada brilhante, e uma execução ainda melhor!

Mas logo depois disso tudo decido ir ver o que o esconderijo dos moleques me reserva pra hoje, e quando chego eles estão conversando dizendo que amanhã trarão uma arma secreta! Veremos como tentarão me impedir! Depois de umas breves lutas e vencer o principal adversário do dia, concluo que os kabutos são facilmente os besouros mais fortes desse minigame, com certa folga, e eu ainda não consegui melhorar o nível de algum dos meus besouros o suficiente pra trocar por um com os moleques, mas quem sabe amanhã, né?

Hora de visitar a Saori! E ela conversa com o Boku sobre o porquê ela gosta de pintar e desenhar, e como isso a relaxa e acalma. Me fez parar pra pensar um pouco sobre o último jogo dessa série foi lançado há quase 20 anos (ok, existem “sucessores espirituais”, eu sei, mas vamos fingir que não por alguns instantes, só pelo exercício da imaginação) e isso foi antes de Smartphones se tornarem basicamente um órgão extra do nosso corpo e me peguei pensando como seria uma versão moderna desses jogos só que ambientado em tempos atuais, ou se isso sequer seria possível.

Assim, há um bom motivo pra terem escolhido que o jogo se passasse em 1975, vinte e cinco anos antes do lançamento original (ou 1985 no caso de “BokuNatsu 4", que é justamente o último que saiu), e eu penso em como que eu, alguém que nasceu nos anos 90 e cresceu bem no meio dessa transição do mundo analógico pro digital, com a mente que eu tenho hoje, viver isso que o Boku tá vivendo, porque fui condicionado a hiperestímulos e a ser altamente dependente de tecnologia e de conveniências da cidade grande, por mais que eu enxergue o apelo nisso. Eu JAMAIS me sujeitaria a experimentos como “deixei de usar celular por um ano e olhe no que deu”, primeiro porque a minha vida meio que exige de mim que eu faça uso dessas tecnologias e segundo porque não consigo imaginar a minha vida sem esse tipo de estímulo mais. E aí vemos pessoas de gerações anteriores narrando histórias de vidas que eles viviam quando essas coisas nem eram projeto ainda, e às vezes parece até meio alienígena, pensando por esse aspecto específico. E é por isso que a gente vê umas coisas tipo aqueles cadernos “Bobbie Goods” viralizando incentivando pessoas de todas as idades a fazer algo tão analógico quanto…. pintar um desenho à mão, em plena era onde somos bombardeados de estímulos rápidos. Há um enorme valor em algo assim.

Eu de verdade não quero transformar isso num “olha aí, hein, a tecnologia é malvada, buuuuuu! Éramos mais felizes antes da internet”, até porque nem eu acredito nisso 100% e acho esse papo até meio cafona às vezes, mas eu teria de ser muito burro pra não valorizar atividades de hobbies manuais e mais analógicos, ainda mais quando eu sou o cara que aprendeu a jogar, por exemplo, riichi mahjong e adora trazer isso pra rolês de amigos como uma alternativa a jogarmos videogame juntos ou ficarmos vendo vídeos imbecis numa televisão, e agora meio que tem isso como um dos meus principais passatempos.

Bom, é uma reflexão que passou pela minha mente vendo a Saori comentar sobre esses desenhos, e me fez pensar sobre tudo que tô fazendo nesse jogo.

Mas enfim, esse encontro se encerra com Saori nos entregando uma foto engraçada do Boku que a câmera dela pegou (essa aqui em cima).

Depois do jantar, Saori aparece em casa pedindo pra tomar um banho, e eu decido ir até o banheiro para ver o que acontece, mas o jogo felizmente não me deixa aprontar nada além de ouvir ela falando um “ei, quem é? Tô aqui dentro!” e… de ver um sutiã no cesto de roupas. Uma cena e tanto para um pequeno garoto, imagino.

Eu esqueci de mencionar isso mas no caminho até o acampamento da Saori fui novamente abordado pelo estranho lobo fantasma(?) do dia 13, e ele parece demonstrar interesse no açúcar que o Boku carrega! Então esse açúcar vai servir pra algo além de atrair besouros, é?

Não foi um dia de tantos eventos, mas as reflexões que eles me trouxeram foram até interessantes.

Dia 21

A Moe ainda segue chateada, veremos como se sucederá… Mas por agora, a minha missão é tentar acabar com a rinha de insetos de uma vez por todas, e a tal da arma secreta é… um Louva-a-Deus!

Uma diferença desse Louva-a-Deus pra todos os outros insetos que enfrentamos nesse minigame é que ele não se recupera após as lutas, então dá pra jogar todos os seus besouros contra ele até um vencer! Estranhamente, os besouros menores se dão melhor contra ele do que os meus kuwagatas. E depois de uns 10 besouros diferentes, finalmente venci! O poder da amizade triunfou!

A minha recompensa por essa palhaçada toda é que os moleques me ensinaram um caminho secreto por onde há umas paisagens belíssimas (como essa da foto acima), e me permite um atalho pra uma das cavernas que descobri fazia uns dias atrás, e me levam mais rápido até o acampamento da Saori… e acabei passando por lá já naturalmente, e lá ela me conta uma história sobre o dia que ouviu um uivo de lobo quando criança e morava na região, e isso desde então lhe despertou o fascínio em buscar o registro fotográfico dessa criatura quase mítica.

O grande evento do final do dia foi a Moe convidando Boku para tomar banho com ela depois do jantar. Eu não vou entrar em detalhes aqui do quanto é normal pessoas próximas tomarem banho juntas no Japão e o quanto isso é meio que um choque cultural pro ocidente porque acho que isso não vem ao caso aqui, mas o interessante aqui é que Moe usa essa situação pra finalmente ser clara sobre o que aconteceu que a deixou tão chateada, e ela diz apenas a frase “eu levei um fora”. E aparentemente isso foi o bastante pra dar pane no cerebrinho de criança do Boku e ele quase se afoga na banheira enquanto afunda.

No fim ele acorda na própria cama e se você quiser dar uma explorada, descobre que a Moe que o trouxe pra lá, e há alguns diálogos sobre emoções com os personagens. O menino está descobrindo coisas…

Dia 22

Hoje é o aniversário de casamento do tio Yuusaku e da tia Kaoru! E as meninas estão até preparando presentes pra eles, que chique.

Mas eu? Eu quero é aventura! E a minha aventura é chegar o mais rápido possível ao atalho liberado ontem e pegando uma quantidade absurda de insetos novos pelo caminho! E eis que chego a mais uma montanha enorme, provavelmente maior do que a outra, e dá pra ver a cidadezinha toda de lá de cima.

Eu tento explorar mais com o resto do tempo que sobrou mas não há muito o que fazer até a hora de ser levado de volta pra casa, e ver o jantar bonito de aniversário de casamento, com direito a sushi e tudo!

Dia 23

Esse não foi um dia de grandes aventuras, tirando pelo fato de eu ter sido quase atacado por uma cobra no caminho até o mato… e a cobra deixou uma pele ressecada no chão.

Indo até o acampamento da Saori, interajo com a câmera e o Boku tira uma foto fazendo careta no caminho, mas lá ela diz que um passarinho chamado Shirabe lhe contou que Boku fugiu correndo da cobra. E ela resolve tirar a prova com ele, e você pode admitir que ficou com medo sim ou bancar o durão e dizer que ficou inabalável, como muitos moleques dessa idade fariam ao estarem diante de uma bela moça mais velha.

Ao responder que ficou com medo, Saori ri e dá um beijinho na bochecha do garoto, dizendo que “admitir ter medo tem lá seu charme”, e ela começa a falar sobre como as pessoas não respeitam a natureza e etc…

Depois disso não houveram muitas coisas estimulantes pra fazer ou ver ou talvez eu apenas tenha falhado em encontrá-las… exceto pelo fato de que eu peguei aquele livro dentro da caverna, pois a Moe diz que o professor uma vez falou que tinha um tesouro perdido numa caverna, e aquele lá pudesse ser o tesouro.

No fim do dia, o desenho no diário é… o Boku de mãozinha dada com a Saori e ambos em vestido de casamento. Emocionou um pouquinho só, eu acho.

Dia 24

Possivelmente um dos dias mais pacatos do jogo em termos de eventos.

A primeira coisa que fiz foi ir ao quarto da Moe pra mostrar o livro que peguei na caverna ontem, e ela percebe que tem uma carta escrita em inglês dentro dele… e que o livro é um dicionário de inglês pra japonês! E ela está curiosa pra saber sobre o que diz a carta e determina pra si mesma que a sua missão pra hoje será traduzir a carta.

Já eu fui ao meio do mato pra conversar com a Saori e ela me mostra a foto do Boku fazendo careta de ontem, e então o garoto tem a ideia de usar o açúcar como isca pra atrair o lobo até a frente da câmera, e assim coloco ela lá.

Sem muita ideia do que fazer pra passar o tempo, resolvo soltar pipa e consegui fazer ela voar bem mais alto e acho que agora entendi melhor como esse minigame funciona. Pena que foi só nos dias finais, mas se serve de consolo pra mim mesmo, haviam outras coisas mais divertidas e interessantes por aí do que soltar pipa.

Após isso, no jantar a Moe lê a carta e nela vemos que foi escrita por um soldado japonês fascinado com a cultura americana, em destaque gostando muito de Mark Twain, e lamentando o fato de seus países estarem em guerra, e sonhando com o dia em que ele irá conhecer os Estados Unidos caso sobreviva à guerra. E pensar que a Burgerlândia já foi sinônimo de referência cultural em algum momento, né…

Depois dessa pesada de clima é hora de ir dormir e ver o que o dia de amanhã nos reserva…

Dia 25

O dia começa com a Moe pedindo desculpas pela discussão com a família desses dias e dizendo que pretende sim continuar os estudos. E também vai ter o tio instalando uma fornalha nova para seus trabalhos com cerâmica!

Também comentam que já faz um tempo que não chove…

Bom, vamos lá visitar a Saori. E no caminho vejo que a isca não está mais lá, mas a Saori não diz nada sobre o lobo, porém me entrega outra foto do Boku fazendo palhaçada. Talvez estejamos perto de conseguir a foto do lobo…

Ao fim do dia, vejo a fornalha instalada pelo tio Yuusaku e o dia se encerra conosco vendo que a Moe se sente bem melhor e que esse verão foi meio melancólico pra ela, mas que está se divertindo apesar de tudo.

Dia 26

E eis que o dia começa com uma grande notícia! A Saori aparece em casa e vem mostrar que finalmente conseguiu a foto do lobo!

Depois disso vou visitá-la em seu acampamento, e Boku comenta que ela ficará famosa depois de ter descoberto que o tal Lobo Japonês ainda existe, mas Saori diz que apesar de ter descoberto a verdade, ela não pode contar ao mundo, pois não quer que o animal corra risco de extinção, tal qual aconteceu com o Lobo-da-Tasmânia (ou Tilacino, se preferir)

Depois disso, ao passar pela ponte pra tentar acessar a área do campo de girassóis, começa a cair uma chuva pesada, para logo na tela seguinte ver o bonito arco-íris no céu!

Esses dias finais do jogo são até bem mais tranquilos do que a média, ou talvez seja só pelo fato de que à essa altura acabei fazendo a maior parte das atividades disponíveis, então não sobrou muita coisa pra fazer agora.

Dia 27

Confesso estar com dificuldade de descobrir coisas pra fazer nessa reta final do jogo. Talvez eu tenha sido eficiente demais em curtir minhas férias de verão e no final dela não sobrou nada pra curtir? FICA O QUESTIONAMENTO…

O grande evento do dia foi visitar o acampamento da Saori, onde ela disse que amanhã irá embora de volta à faculdade, e me agradece pela ajuda, e disse que provavelmente estará de volta no ano que vem (fato que menciona após Boku perguntar especificamente sobre isso). Me parece uma despedida. Depois fui soltar pipa já que era ali perto e descobri que o objetivo do minigame era fazer a pipa voar a 120 metros de altura.

Tá aí uma descoberta e tanto pra se fazer aos 45 do segundo tempo.

No fim do dia, após o jantar, a Moe tá sentada na bancada de novo só que sem tocar o clarinete, pois dessa vez quer escutar o som dos insetos de outono à noite, e tem uma breve conversa com o Boku sobre como o céu é o mesmo pra todos, por mais que na cidade grande ele provavelmente não veja um céu tão estrelado quanto no campo, e que todos nós podemos compartilhar sentimentos e a experiência de estar vendo o céu ao mesmo tempo.

Dia 28

Não há muito o que fazer hoje, então decido ir ao acampamento da Saori e vejo que as coisas dela não estão mais lá, mas há um bilhetinho dizendo “obrigada por tudo! Foram ótimos dias!”

Fazer o que, né… a vida é feita de despedidas.

Hora de arrumar o que fazer, e encontrei provavelmente a maior borboleta que vi até agora no jogo, e também bati a marca de 100 espécies diferentes de insetos capturados (são 128 no total). Nada mal pra quem não tava fazendo esforço ativo NENHUM pra isso, apenas pegando os insetos que apareciam pelo caminho.

Estou com uma impressão estranha de que esses dias finais do jogo passam mais rápido do que o normal.

Mas enfim, o grande evento do dia é que Boku não sente muita vontade de comer ao jantar, e acaba com uma pequena febre e meio chateado… Eu também fico assim quando as minhas férias estão acabando!

Acho curioso pensar que deixaram (?) a saída da Saori tão perto do final do jogo assim. Há algum comentário intencional sobre uma paixonite de menino por uma menina mais velha ser um símbolo de crescimento ou isso ser próximo ao fim do verão ser uma metáfora para “começo de fim da infância”? Não sei o quanto disso foi intencional (e provavelmente foi), mas é uma bela sacada posicionar esses elementos próximos ao final do jogo.

E então o dia se encerra com o Boku na cama sendo cuidado pela tia, que demonstra bastante carinho por ele, que diz que “seria bom ser seu filho também”.

Dia 29

O dia de hoje começa com Boku bem melhor de saúde e já recuperado, e não só isso, como sendo parabenizado pela tia Kaoru por causa das flores do lado da casa que todo dia estavam sendo regadas, e ela tirou várias fotos do crescimento dessas flores e as deu pra mim!

Meio que acabaram as atividades ao alcance à essa altura do jogo, então acho que vou só vagar por aí. Os últimos dias foram muito eu indo pra dentro da floresta, majoritariamente por causa da Saori, e não sobrava tempo pra ir na direção do campo de Girassóis e da praia. Então vamos pra lá hoje.

E indo nessa direção, eu passo pelos garotos dos insetos e eles se despedem de mim, já que estou prestes a ir embora. E também a tia Kaoru estava perto dos girassóis e tira uma foto do Boku neles!

Foi legal passear pelos girassóis ao entardecer porque, cá entre nós: esse campo é um dos cenários pré-renderizados mais bonitos da era do PS1, com muita folga. Esse jogo num todo é cheio de cenários lindos desse tipo e deveria ser lembrado e celebrado tanto quanto os três primeiros “Resident Evil” nesse sentido, senão até mais.

No fim do dia, ao jantar, a casa recebe uma ligação, e é do pai de Boku! Dizendo que o irmãozinho nasceu! Confesso que eu até tinha esquecido desse irmãozinho até aqui, e consigo imaginar o Boku esquecendo também, com tanta coisa que viu nessas férias.

Há um diálogo bonitinho entre ele e a Moe na bancada da casa, onde ela fala que agora que o Boku será um irmão mais velho, é “hora de amadurecer”, e diz que os irmãos mais velhos acabam sempre tendo que posar como mais fortes para “servir de exemplo” pros menores. É um jeito interessante de aproximar esses dois personagens, tematicamente, mesmo que o Boku seja bem mais próximo da idade da Shirabe, e frequentemente interaja com ela (isso é, supondo que o jogador interaja com ela, pra ver o que frequentemente ela tem a dizer sobre formigas ou qualquer sacadinha engraçadinha sobre alguma coisa que ela repare).

Bom, é hora de me preparar para a despedida, né…

O dia se encerra com o Boku tendo um sonho desolador sobre o campo de girassóis virando uma terra arrasada sem nada. Imagino que hajam ainda mais comentários sobre alegorias de fim de infância e serenidade aqui, mas acho que já falei o suficiente sobre isso ao longo desse texto e desses diários, então estaria apenas me repetindo aqui.

Dia 30

E chegamos ao dia final! Na manhã do dia 31, o pai de Boku virá buscá-lo. E logo após o café. A grande questão de hoje é que logo após isso a Shirabe sumiu, e as pessoas da casa não fazem ideia de onde ela está. Seria essa a missão final do Boku nesse jogo?

Sim, não vou mentir pra ninguém aqui que eu já tinha esse “spoiler” previamente, então eu sabia exatamente onde encontrá-la, mas mesmo que eu não soubesse disso, quem experienciou o jogo prestando atenção nos diálogos e sempre buscando ineragir com todos os personagens, em especial a Shirabe, ainda mais naquele dia em que ela passeia com você no primeiro terço do jogo, não é uma conclusão muito difícil de se tirar que ela está no campo de girassóis.

Depois de encontrá-la, ela diz que está recolhendo alguns girassóis e pede pra ficar sozinha, e logo depois disso, o dia já acaba e somos trazidos de volta pra casa, sendo o dia que acaba mais rápido nesse jogo inteiro, provavelmente (tirando talvez o primeiro).

Então, de volta pra casa, todos ficam aliviados que Shirabe voltou, e ela entrega alguns girassóis pra Boku, como uma lembrança para levar na viagem de volta à cidade grande.

No fim do dia, na depois do jantar, todos se levantam, exceto Boku e a tia Kaoru. E então a Tia Kaoru diz que fica muito orgulhosa das filhas que tem e sobre o quão feliz é com a vida que vive, e te lança uma pergunta capciosa: “Eu fui capaz de compartilhar com você, nessas férias, a felicidade que vivo, Boku?”, e você, o jogador tem entre as possíveis respostas “sim!” e “não sei”.

Para além do texto, olhando de forma metalinguística, pra mim essa pergunta também é um “você gostou desse jogo?”, bem mais direto do que parece. Eu não sou maluco de ter A PACHORRA de dizer que não sei. Eu sei o que vivi nesse jogo, eu gostei de engajar com ele e explorá-lo, e muitas vezes era a hora mais gostosa do meu dia. Testemunhar esse mundo pequeno mas bem orgânico e colorido, me trouxe algumas memórias de volta e me fez criar novas, as quais estou fazendo questão de relatar nesse texto e deixando nesse “diário de bordo”, ainda que primariamente pra mim mesmo e daqui a alguns anos eu poder voltar aqui e pensar: “tá aí, essa foi a minha experiência com ‘Boku no Natsuyasumi’!”, caso a minha memória me pregue peças, como habitualmente já costuma fazer, no futuro.

Sim, esses personagens foram capazes de compartilhar a felicidade dos sentimentos deles com o Boku, e comigo, que estava segurando um PSVita e controlando a maioria de seus passos.

Dia 31

Chegou o dia final e meio que não há muito o que fazer aqui, além de assistir o final, com o pai de Boku o levando de volta pra casa, e a despedida.

E é aqui que o jogo nos mostra qual dos cinco finais a gente vai pegar, baseado na forma como o jogamos. Analisando as engrenagens friamente, há uma lista invisível de 15 “marcos” a serem alcançados, e o final em questão é definido com base em quantos desses a gente conseguiu. E eu consegui TREZE desses feitos, o que me garantiu o “melhor” final.

“Melhor” entre aspas porque estamos falando de um jogo com uma experiência altamente personalizável, então isso é bem subjetivo no fim das contas, ainda mais se tratando de um jogo que não apresenta “estado de falha”, a menos que você queira considerar a não-conquista desses itens de uma lista invisível como tal.

No final que consegui, no ano 2000, Boku se tornou um escritor quando adulto, , vivendo agora em New York, e está escrevendo um livro baseado em suas aventuras de infância nessas férias de verão das quais ele jamais esqueceu. E além disso, está esperando a visita de Moe e Shirabe, que irão passar o ano-novo com ele, para ver a chegada do ano 2001, e assim se despedirem do século XX.

E de repente, o “Summer Holiday 20th Century”, escrito na capa do jogo, se torna uma “Arma de Tchekhov”, disparando exatamente agora, com a frase “Adeus, Século XX”, que encerra essa cena.

Essa ênfase em fim de uma era rima tematicamente com a reflexão que eu fiz no dia 20. Esse jogo exibe um “retrato de outro tempo”, e que já era nostálgico ou uma janela para o analógico no ano em que “BokuNatsu” foi lançado, 2000. E no fim das contas isso virou o grande atrativo principal dessa série e dos jogos do estúdio Millenium Kitchen, no geral. Memórias de outrora, que um controlinho nos permite viver. É um jogo sobre colecionar memórias.

E curiosamente, durante os créditos, várias cenas do jogo aparecem, e uma quantidade bem grande dessas são exatamente as mesmas das quais eu tirei fotos manualmente usando a câmera do meu celular e estão ilustrando esse texto. A coincidência é tamanha que, por alguns, instantes eu cheguei até a pensar que tavam espionando o que eu tava fazendo atrás da tela enquanto jogava.

Só falta o nome do livro agora ser “Minhas Férias de Verão”, né?

Epílogo

O Terror da percepção do tempo

Agora que eu acabei de destrinchar quase cada centímetro da minha experiência pessoal jogando “Boku no Natsuyasumi”, tá na hora de uma pequena confissão. O momento onde o mágico vai revelar parte do truque.

Como eu muito bem previ, em algum momento acabei jogando o resto do jogo sem separar um dia ingame de 1975 para cada dia real de agosto de 2026. Começou a acontecer ali por volta do dia 20-e-pouco. Não vou entrar em detalhes do porquê de eu ter feito isso porque não vem ao caso e também não acho que isso realmente afete o meu julgamento sobre o jogo.

Mas aí que tá, eu preciso JULGAR? Eu me conheço bem, sou meio viciado em catalogar coisas, incluindo opiniões, mas acho que a questão aqui é que eu queria “ver logo” o que aconteceria e mal podia esperar pra pensar em bater um martelo a respeito. Eu disse que sou um cara ansioso…

Será que o fato de eu ter conseguido o “melhor” final do jogo logo de cara é mais um sinal disso? Ok, eu fui jogar já tendo conhecimento prévio por causa de um vídeo famosíssimo escrito/editado/gravado/etc por um cara que é uma das maiores influências pro meu estilo de escrita, mas ainda assim, será que eu inconscientemente estava ansioso com a ideia de “aproveitar esse jogo da melhor forma possível”?

Nem num jogo que é sobre “curtir férias até mesmo sem fazer nada se você quiser” eu consigo relaxar direito?

Não acho que seja o caso, porque apesar de tudo, eu consigo separar as coisas o suficiente pra perceber que, sim, adorei minha experiência com “Boku no Natsuyasumi”, mas quanto cinismo há em mim para estar disposto a abstrair a magia do jogo de videogame posto à minha frente para enxergar suas engrenagens mecânicas rodando por trás das telas?

Talvez eu só esteja sendo um pouco cruel comigo mesmo no julgamento, porque paro pra pensar na forma como esse jogo constantemente indica ou sugere a possibilidade de coisas para se ver e fazer, e muitas delas não são tão escondidas ou crípticas assim. Quase sempre há alguma pista pra quem for curioso e prestar a atenção o bastante. Talvez eu não seja tanto um ansioso viciado em complecionismo assim no fim das contas, por mais que eu tenha chegado aqui em algum nível como um viajante do tempo que sabia informações do futuro, meio Marty McFly das ideias.

Eu sou o tipo de pessoa que fica meio ansioso quando se coloca um limitador de tempo para jogos. Até o momento da escrita desse texto, nunca consegui ir muito longe em “The Legend of Zelda: Majora’s Mask”, por exemplo. Demorei bastante tempo pra ter a coragem necessária pra terminar o primeiro “Pikmin”, até descobrir que o tempo limite na verdade é bem leniente para erros até. “Persona” é bem leniente nesse sentido, deixando apenas conteúdo opcional como “perdível”, e fazendo essas experiências serem bem pessoais pra cada jogador a menos que você seja um desses malucos que resolva jogar com um guia ao lado na sua primeira vez em algum jogo dessa franquia, o que ao meu ver é meio que arruinar a magia do jogo pra si mesmo.

Porém, todos esses jogos citados são movidos a ansiedade, sendo Persona o mais pacato deles, porque a exploração de dungeons e a vida escolar são até bastante separadas, mesmo que haja simbiose de números que retroalimentam um núcleo e outro. “BokuNatsu” não se encaixa no mesmo grupo que esses jogos, apesar de ter o elemento “calendário fixo corrido com prazo pra terminar” como elemento em comum com eles.

Há certa leniência, mesmo para quem quer o “melhor final” nele. Eu mesmo deixei de fazer dois itens da lista e já entrei no critério para isso, mas no fim, o que isso muda é apenas a cena final, a conclusão que o Boku adulto resolve tirar pra si mesmo, pois as memórias que ele fez durante a aventura de verão o levaram a tal. Mas no fim das contas, o jogo não é sobre isso, é sobre a sinestesia do jogador com controle em punho, e isso é um dos artifícios narrativos mais poderosos que essa mídia em particular possui.

Mas tal ansiedade não está de todo errada, e nem soa não-natural, quando paramos pra pensar que nós mesmos em nossas vidas reais podemos ficar ansiosos com a forma que planejamos curtir nossas férias ou meros dias de folga, ou até nos arrependermos de decisões que fizemos neles e que nos farão pensar “eu deveria ter aproveitado melhor esse tempo”.

Talvez todo “Cozy game”, pra ser “cozy” mesmo, precise de um pouco dessa ansiedade para funcionar, apesar de que “BokuNatsu” tem uma janela de tempo bem mais específica e limitada.

E estranhamente, outro jogo que lembrei agora que também é sobre curtir férias de verão, mas é COMPLETAMENTE carregado de ansiedade (e eu adoro) é “Doukyuusei”, o lendário eroge dating sim originalmente lançado pro PC-98 em 1992 pela Elf, e que teve um ótimo remake lançado para plataformas modernas em 2022.

Esse jogo tem mais em comum com “BokuNatsu” do que “Majora’s Mask”, “Pikmin” ou “Persona”, mesmo sendo a quase completa antítese do seu conceito, e o preceder em uns 8 anos. Nele, o jogador controla Takurou, um adolescente com os hormônios à flor da pele buscando curtir as últimas férias de verão de sua adolescência da melhor forma possível, e aqui, diferente de “BokuNatsu”, o objetivo é bem claro: ficar com uma das catorze garotas do jogo no final (enquanto corteja várias delas ao mesmo tempo, se preferir… e você com certeza será estimulado a fazer isso).

Apesar de ter elementos de premissa cruciais em comum, é um jogo radicalmente diferente em filosofia e, jogado às cegas sem os facilitadores do seu remake ou sem um guia, pode ser uma experiência completamente enlouquecedora, pois as chances de terminar uma run sem conseguir nada são bem altas. Admito aqui de cara limpa que quando joguei o remake de “Doukyuusei” eu me escorei nos facilitadores e não consigo imaginar o tormento que teria sido jogar sem isso, e tampouco acho que teria sido capaz de ter feito todas as rotas do jogo no “modo clássico”.

Mas às vezes me pego pensando se ao jogar desse jeito, sem confiar nos meus próprios instintos e fazendo anotações, eu teria sido mais impactado pelas descobertas no mapa que seriam recebidas com mais surpresa. Essa ansiedade é mecanizada como instrumento de fricção num jogo que não depende de reflexos rápidos e se apoia majoritariamente em texto, e acho que saber usar isso é um bom sinal de game design melhor do que a maioria das pessoas dá crédito. Em geral, acho que dating sims, os bons pelo menos, são jogos que deveriam ser mais estudados em seu game design porque eles podem trazer lições bem úteis nesse sentido. Não devemos subestimá-los.

Outro jogo de “aproveite seu tempo limitado da melhor forma possível? “Tokimeki Memorial”! Pra mim faz perfeito sentido lógico que esse tenha sido o jogo cujo review foi que antecedeu o review do Tim Rogers de “Boku no Natsuyasumi”, apesar de que aqui também há um objetivo bem claro demarcado no começo, que é conquistar o coração de uma onze das garotas, de forma que no dia da formatura ela te chame para declarar seu amor por você sob a árvore lendária dos fundos da escola. “Doukyuusei” lida com uma janela de mais ou menos um mês, em “TokiMemo” são três anos. A tensão de passar esse tempo e torcer pra estar fazendo tudo certo e, ao final da run, não dar sensação de tempo perdido é bem intensa, em especial em “TokiMemo”, minha experiência com ele me deixou mais ensandecido do que com muitos chefes de jogos Soulslike.

O que esses dois jogos têm em comum, além do fato de serem dating sims sobre “curtir a juventude da melhor forma possível” é a forma como eles são sobre lidar com passagem de tempo, e isso também respinga em “BokuNatsu”, que apesar de não ter um objetivo super claro desde o começo, também é sobre isso, ainda que um outro tipo de juventude, que antecede a desses dois.

No fim das contas, acho que uma parte importante da mensagem é que com essa ausência de estado de falha, o jogo está tentando nos ensinar a lição do desapego com o complecionismo e só curtir e explorar a bel prazer… meio similar ao que “Romancing SaGa 2” fez comigo lá atrás. O tempo de fato vai passar e não há absolutamente nada que possamos fazer a respeito, e lutar contra isso é um gerador de ansiedade.

Em minha vida pessoal chego na conclusão de que a passagem do tempo me enlouquece e só me deixa mais ansioso, até porque eu mesmo ainda não sei lidar com isso direito mesmo depois de mais de 30 anos de vida.

É meio terapêutico jogar um jogo como esse, que no fim das contas quer apenas que eu me divirta e contemple o cenário à minha volta e me “force” a contemplar esse tempo de forma mais devagar e aceitar essa condição.

Quebrando mais um pouco a magia examinando as engrenagens, o mecanismo que avança o tempo em “BokuNatsu” é a mudança de tela. Enquanto você ficar numa mesma tela, o tempo não avança, mas se não sair de lá, não irá ver ou fazer nada de interessante.

Existem camadas ali no meio onde o jogo nos lembra da mortalidade que vem com a passagem do tempo, seja no próprio avançar do calendário ou em dramas de personagens como a Moe e até o próprio Boku às vezes, mas o show precisa continuar.

Um dia eu ainda vou aceitar que o tempo passa e que jamais viveremos as nossas vidas do jeito mais ideal possível, por mais que tentemos, mas esse dia certamente não será hoje.

E uma meditação sobre memória

Existe um bom motivo pra eu ter escolhido ilustrar esse texto com fotos tiradas por mim mesmo, além da óbvia limitação tecnológica de estar jogando num aparelho que ainda não tinha função de tirar screenshots de forma nativa, que quase todo videogame atual tem hoje em dia.

Pra quem estava tratando esse jogo como uma viagem especial, eu também quis tirar fotos para guardar de lembrança, além de claro, usar uma parte bem grande desse texto como um diário pessoal pra me recordar da experiência. É engraçado, porque no meu dia-a-dia não tenho muito o costume de tirar fotos do que vivo ou que vejo, talvez por não achar que minha vida seja lá tão interessante assim, ou meramente por preguiça de sacar o celular na hora pra mirar, focar e fotografar, ou simplesmente pelo pensamento nem sequer passar pela minha cabeça. Já houveram rolês dos quais me arrependi de não ter tirado nenhuma foto pra guardar de recordação. É algo que eu mesmo gostaria de melhorar em mim mesmo. Gosto de ver essas imagens para me relembrar, e não quero que esses momentos se percam em meio ao tempo como lágrimas na chuva.

E ao mesmo tempo que jogava, às vezes parar pra fotografar, me fazia passar um pouco mais de tempo pensando no que eu via, e com esse tempo a mais vieram próprias lembranças reacendidas em mim com esse jogo, ou até momentos em que ele me fez contemplar reflexões pessoais que algumas vezes puderam até ser vistas nesse texto. Ok, que eu estar escrevendo enquanto jogava também ajudava a me submeter a isso. Mas no fim das contas esse jogo não esconde que é sobre colecionar memórias, em momento nenhum, e o final que peguei reforça isso.

Nos comentários do vídeo do Tim Rogers, há um em especial que está em destaque e me chama muito a atenção:

“Tim Rogers precisa pensar sobre sua vida inteira antes de analisar um jogo”

Eu sou um ferrenho defensor de que subjetividade é a alma da crítica. A defesa dessa subjetividade me parece objetiva. Nossas opiniões dependem da nossa experiência, e só a temos porque tivemos formações de caráter diferentes. Bagagens diferentes facilitam que opiniões específicas possam surgir, apesar de não ser um pré-requisito.

E aqui estou, escrevendo um texto absurdamente longo sobre um jogo que me foi apresentado por um vídeo algumas vezes mais longo ainda do que ele.

No review do Tim, que já tem seis horas e doze minutos de duração, ele dedica uma hora e meia desse tempo para esmiuçar em detalhes uma viagem que ele fez ao estado do Kansas, onde passou alguns anos bem formativos de sua infância. E ele fez essa viagem porque o Kansas é o estado dos girassóis nos Estados Unidos, e bem, “BokuNatsu” tem um campo de girassóis absurdamente icônico como um de seus lugares mais memoráveis. Além disso, há muitas histórias sendo contadas em paralelo sobre coisas vividas nesse mesmo lugar, perto dos girassóis.

Eu nunca vi um campo de girassóis na minha vida, apesar de já ter visto alguns exemplares de flores dessa espécie em momentos bem pontuais aqui e ali. Acredito que muitos dos que estão lendo esse texto também não, mas isso não impede que memórias sejam evocadas, nem que seja com a mera premissa do jogo, que honestamente é algo que transcende barreiras culturais com bastante facilidade, por mais que a Sony da virada do milênio possa ter pensado que esse jogo era “japonês demais” pra ter sido lançado no Ocidente, provavelmente porque ele não envolve nenhum tipo de combate, e os baka gaijin não seriam capazes de apreciar tamanho “Mono no Aware”.

Não é raro ver comentários de pessoas que jogam esse jogo e soltam algo tipo “me lembrei de quando passei uns dias na casa da minha avó em Piraporinha do Norte” ou “me senti criança de novo” e alguma coisa do gênero. Eu mesmo tive lembranças de quando já visitei familiares no interior quando bem criança também, mas não só dessas. Fui lembrado de ruminações pessoais de vários tipos.

COMO alguém consegue jogar um jogo desses, ainda mais fazer um review sem pensar sobre uma vida inteira?

Eu não sou capaz de comprar uma passagem pro estado de Minas Gerais apenas por causa disso igual o Tim Rogers fez indo pra Wichita no Kansas, mesmo se eu tivesse condições pra tal, mas é perfeitamente compreensível que algo assim tenha acontecido, e mais ainda o motivo de 25% do vídeo sobre “BokuNatsu” ser precisamente sobre isso, com o jogo (e videogames num geral) raramente sendo citados durante essa seção específica do vídeo. O que o Boku faz no jogo até a criança mais introvertida já fez em alguma capacidade.

E mesmo quando não é sobre a sensação evocada no jogador, boa parte dos personagens constantemente estão ruminando memórias, em especial os adultos. A presença do Boku na casa meio que é uma evocação de memórias do falecido filho da família Sorano, enquanto a família segue processando um luto que já dura há 3 anos e seguirá lembrado pelo resto de suas vidas. Memórias de guerra pairam em boa parte desses adultos, e eles expressamente verbalizam isso em alguns momentos, ou até na TV se você ligá-la no dia certo, há um memorando do provável momento mais traumático da história japonesa do último século.

Acho que somos movidos a memória também num geral, é muito dos que nos faz humanos, e lugares constantemente nos lembram de coisas, então estamos constantemente “pensando sobre as nossas vidas inteiras” quando fazemos algo, e isso certamente inclui a escrita de um review de jogo de videogame (ou de qualquer coisa), pois ao experienciar, como qualquer coisa, seu cérebro vai abrindo as gavetinhas de memórias pra formular um discurso, mais ou menos da forma como eu passei um monte de parágrafos lá no começo falando sobre “Romancing SaGa 2” e mais ainda sobre o fascinante jogo de vôlei de “Dead or Alive”, e o quanto, pra mim, isso foi crucial pra amansar meu espírito ansioso para me permitir relaxar com um jogo que, em alguma dose, age como um purgatório pessoal de ansiedade pra mim. Podemos até não ter a hipertimesia que nem o Tim Rogers e mais, sei lá, o John Romero (sim, o mesmo John Romero do “Doom”), mas seremos constamente bombardeados de memórias, e às vezes até assolados por elas em alguns casos.

O jogo se encerrar, ao menos nesse final que peguei, com o personagem principal, agora já adulto, escrevendo um livro inspirado nessas memórias de infância, provavelmente com o título “Minhas Férias de Verão” tal qual o título do jogo é o prego final sendo martelado aqui. Pode parecer irreal que um jogador jogando às cegas consiga esse fim logo de cara, mas ao mesmo tempo pode ser lido como uma recompensa ter esse momento “hahaha, ele falou o nome do filme!”, e também há uma meta-rima temática acidental com o próprio formato que eu mesmo escolhi pra escrever isso, sob o risco de ser lido como um pastiche de um dos textos mais refinados de crítica de videogame que vi na vida, e plenamente ciente disso. Pra mim foi o caminho inevitável a ser seguido.

O que mais uma vez me traz de volta ao comentário que destaquei no começo dessa seção: é sequer possível fazer um review, ainda mais de um jogo como esses, sem pensar sobre a própria vida? Talvez com algum nível de sangue frio seria, mas te dou a certeza, meu caro leitor ou leitora, de que eu não quero ser esse tipo de pessoa aqui.

Eu quase fiz o review de um review aqui, em algum nível, mas vou tentar cortar esse tópico por aqui antes que isso acabe acontecendo.

E no fim…?

7“Boku no Natsuyasumi” vai ficar cementado pra mim como uma das experiências mais singulares que já tive com um jogo de videogame, por muitos motivos. Primariamente por ser um jogo deveras confortável, acima de tudo, e segundo porque ele indiretamente (ou diretamente) me fez ruminar sobre coisas que nos assolam.

O que eu penso, enquanto digitei essa longa meditação pessoal sobre tentar aprender a relaxar, é que, no fim, a gente não consegue lutar contra algumas coisas da vida, pelo menos não de forma a expulsá-las de nós completamente. Pra mim, em particular, é esse terror quase cósmico com a passagem do tempo. Me sinto como parte da tripulação da nave “Solo”, lá de “Space Runaway Ideon”, sendo obrigado a lidar com essa força além da compreensão humana e sentindo a pequenez de nossa existência diante dela. O tempo é o meu Ideon.

Sempre me chamou a atenção o título completo do filme que o Stanley Kubrick lançou em 1964: “Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb”.

Normalmente chamamos esse filme apenas de “Dr. Strangelove”, e analisando novamente, só enquanto eu digitava isso percebi que havia um “or” antes dos dois pontos que levam à parte que me chama a atenção. “Como Aprendi a Parar de me Preocupar e a Amar a Bomba”.

Não vou fazer uma análise do filme aqui, calma! Eu só quis puxar esse título porque eu constantemente penso nele, e agora, pensando em como a minha experiência com algo como “BokuNatsu” frequentemente esbarra nisso. A minha “bomba” é a ansiedade de não saber relaxar diante do tempo, e devo dizer que “BokuNatsu” se esforçou bastante em me fazer “aprender a parar de me preocupar”, ainda que tenha no mínimo me colocado no eixo pra tal.

Imagino que enquanto o capitalismo existir, não serei capaz de “aprender a parar de me preocupar”, mas meu dia-a-dia é rodeado por constantes lembretes de que eu deveria tentar fazer isso, e muitos dos jogos que citei em tangentes aqui estão no meio desse processo, cada um com sua lição ao seu próprio sabor.

Foi engraçado perceber que a única coisa que “Dead or Alive Xtreme” queria de mim era: “divirta-se! O Zack comprou uma ilha e chamou as gatas pra curtirem e jogarem vôlei!”, e “Boku no Natsuyasumi” é uma versão ainda mais encorpada de uma ideia parecida, porém regado de melancolia de verão japonês e de “início de fim da infância”. Talvez eu tenha relaxado menos nele do que no “DoAX” em parte por isso, e porque queria “ver tudo que o jogo tem a oferecer”. No fim das contas não aprendi a desencanar completamente disso ainda, mas sinto que esse jogo foi um passo notável na direção onde processo melhor esse tipo de coisa.

Será que apenas sentimos falta de tempos mais simples quando ainda não compreendíamos o terror da passagem do tempo? Essa é a nostalgia que queremos evocar, vendo um garoto passeando pelo mato pegando insetos com uma redinha e fazendo mil outras coisas?

Talvez renegar isso completamente seja parte do problema e tenhamos que aceitar que faz parte do processo natural da vida.

A arte apenas imita a vida, no fim das contas.

Eu não sei quando foi a primeira vez que vi mahjong na vida, mas vou chutar que tenha sido igual a uma boa parte das pessoas da minha idade no ocidente: mahjong solitaire no Windows ou algo do gênero quando era criança. E é até meio engraçado que tenha sido assim, considerando a quantidade de jogos japoneses de SNES que caíam no meu colo quando eu era moleque e nenhum deles ter sido de mahjong

Porém, lembro de uma ocasião na minha adolescência em algum momento dos anos 2000, logo quando eu tava começando a conhecer o mundo dos mangás mais a fundo e vi, lá no extinto Onemanga (quem aí lembra desse site?), um mangá “pra adulto” (o famoso “seinen manga”) com uma arte muito diferenciada e “pontuda”, o que me chamou a atenção na hora. Era capa de algum dos primeiros volumes de “Akagi”, o provável mangá mais famoso de mahjong que existe. Na época acho que eu nem consegui supor sobre o que o mangá era, mas a arte me chamou a atenção pra cacete, e aí um tempo depois descobri o tema, e que essa série era bem famosa e tinha até um anime que havia sido exibido não fazia muito tempo.

Desde então, mahjong é um jogo que me causava algum fascínio, observando de longe, em muito por causa da estética que eu via nos filmes de yakuza quando ele aparecia e coisas do gênero. Em algum momento dessa época anos depois, li o “Mudazumo Naki Kaikaku” do Oowada Hideki, sem entender patavinas de como o jogo funcionava, mas me divertindo horrores do quão exagerado é o negócio, e pelas paródias ridículas de figuras de geopolítica internacional da época. Não entendi bulhufas das estratégias do jogo (e sendo bem sincero, com 16 anos eu também não era tão entendido das sátiras políticas que aconteciam no mangá), mas eu interpretava cada jogada ou resultado como se fosse uma espécie de golpe ou poder sendo atirado no inimigo, como se fosse um combo de jogo de luta ou algo do tipo, e acho que isso facilitou com que eu ainda assim tivesse algum entretenimento com um mangá de mahjong sem saber as regras ou a terminologia básica do jogo.

Dá um fast-foward aí, depois de ter jogado os jogos da série “Yakuza” (ou atualmente “Like a Dragon”) e tendo mais noção de que existem um monte de mangás de mahjong, e já tendo visto o jogo aparecer várias vezes em mídia asiática, corta pra alguns meses atrás da publicação desse post, em maio, e eu acordo num belo sábado de manhã no qual estava muito entediado e penso “hm, e se eu tentasse aprender a jogar mahjong?” e indo procurar algum jogo online pra jogar contra bots. Não apenas isso, como eu queria também a variante japonesa do jogo, o “riichi mahjong”, que é o que eu mais via por aí. Eu tinha uma noção bem superficial de como funcionava por já ter pesquisado de curiosidade uma vez e bateu o “é, isso não deve ser tão difícil assim”. Bom, eu já sabia como go funcionava (oi, “Hikaru no Go”) e tinha aprendido o básico de como shogi funcionava não fazia muito tempo (obrigado, “81 Diver”, mangá que vai morar pra sempre no meu coração como um dos meus novos favoritos), então o que é mais um jogo asiático pra aprender, não é mesmo? Ninguém vai me segurar quando eu aprender a jogar koi-koi, cês vão ver só!

(antes que me perguntem, sou péssimo em shogi e um pouco menos péssimo em go. Eu jogava xadrez quando era criança e shogi é quase igual xadrez, só que com algumas camadas extras de complexidade. Já go… eu não sei como definir, mas acho que é um jogo que exige demais da minha cabeça. Eu sou melhor em mahjong do que em shogi e go somados, ainda que não seja lá muito bom jogador também)

Depois de algumas partidas, sem saber muito bem o que estava fazendo, consegui uma vitória e vi que “hmm, então é possível ganhar nisso!”, e fui jogando e jogando mais, e quando me dei conta, o céu já tinha escurecido lá fora e eu fiquei o dia inteirinho jogando essa merda sem perceber, e comecei a ficar estranhamente obcecado pelo jogo, de um jeito que nem shogi ou go me deixaram, pesquisando estratégias e finalmente aprendendo mais regras a fundo e a terminologia básica do jogo.

O tempo foi passando e aí hoje em dia tô jogando pelo menos uma partida ou duas de “Mahjong Soul” quase diariamente há uns três ou quatro meses, vivendo na pele a frustração e as emoções desse jogo maluco, e o achando cada vez mais fascinante, e chegando no ridículo de “pensar em termos de mahjong” quando vejo situações nada relacionadas no cotidiano às vezes. Ah, e não pensem que a obsessão parou por aí, porque obviamente comprei um conjunto de peças físicas do jogo pra poder jogar presencialmente com amigos e conhecidos, e acabar os ensinando a jogar também no processo. Ninguém que convive comigo aguenta mais me ouvir falar de mahjong!

Sabem o que mais eu fiz nesse meio tempo que fiquei viciado em mahjong? Decidi que era hora de finalmente ler o tal mangá que me deixou tão encucado com a arte há mais de 15 anos atrás, e que eu enfim estava pronto pra lê-lo e apreciá-lo em sua totalidade, agora que entendo como o jogo funciona e conheço o vocabulário dele. Já conhecia alguns trabalhos do Fukumoto Nobuyuki antes, e havia gostado bastante de vários deles, como “Kaiji” ou “Saikyou Densetsu Kurosawa”, então acho que tava na hora de entrar numa de suas principais facetas, e então eu li a duologia “Ten” e “Akagi”, nessa ordem, vendo que são dois mangás que se complementam tematicamente, enquanto se expõem de forma consideravelmente diferente um do outro. Se eu decidi transformar isso em textão, é porque tenho algo que a dizer que julgo interessante.

Bom, pra não deixar ninguém muito perdido, acho que eu preciso explicar pelo menos a premissa do que é um jogo de mahjong japonês, né? Não posso contar que todos que estão aqui lendo entendem como o jogo funciona e eu não quero deixar ninguém de fora da conversa, então pode continuar lendo sem medo que eu vou explicar pelo menos o básico do que julgo ser importante pro assunto de hoje, pra vocês poderem ler o resto do texto tranquilamente mesmo sem nunca terem nem visto um jogo desses na vida. Esqueça o mahjong de juntar pares que viu no Windows ou no celular, pois o jogo de verdade é bem diferente daquilo (e bem mais legal), que está mais próximo de “Paciência”’, enquanto o certo seria uma mistura de Poker com Buraco e elementos de “Uno”, usando peças que lembram as de dominó. (Há quem ache mais parecido com “pife” ou “cacheta”, mas esses jogos eu não conheço tão bem assim pra comparar)

Mahjong normalmente se joga entre 4 pessoas (existem variações para três ou até dois jogadores, mas o padrão é com quatro), e cada um tem uma mão com 13 peças, e a cada turno eles precisam comprar uma 14º peça, e logo em seguida descartar alguma da mão pra ficar com 13 de novo.

O objetivo é até simples, em teoria: compor uma mão que contenha quatro conjuntos de três peças (idênticas ou que contenham números sequenciados) e um par de peças idênticas, e a 14º peça que o jogador compra deve completar essa mão, e o primeiro que conseguir fazer isso ganha a rodada.

Há cinco categorias (ou naipes, se quiser chamar assim) de peças diferentes, e há quatro cópias de cada peça circulando pelo jogo (e essa informação é mais importante do que parece), e os jogadores podem até roubar peças descartadas uns dos outros pra ajudar a completar as suas mãos de maneira mais rápida. É um jogo que envolve uma mistura de sorte com habilidade e saber manipular probabilidades, ou tentar prevê-las, que pode recompensar ou até punir, na mesma intensidade, jogadores mais ousados, já que, quanto mais “arriscada” ou elaborada for a sua mão, mais pontos ela vai valer.

E na variante japonesa do jogo, chamada de “riichi mahjong” (que é a que normalmente vemos nos mangás, animes, etc), ainda entram os “yaku”, que são os padrões e as combinações específicas de peças e/ou situações de jogo que a sua mão precisa para ser considerada válida pra vitória, cada uma tendo seu respectivo valor de acordo com a dificuldade de conseguir. É mais ou menos similar ao conceito das mãos do poker, e a sua mão precisa ter pelo menos um yaku pra ser considerada válida pra vitória. A maioria dos yaku podem ser combinados entre si, assim acumulando mais e mais pontos pra quem vencer nessas condições, e cabe aos outros jogadores tentarem decifrar o que o coleguinha de mesa está fazendo através dos seus descartes e tentar impedir que o cara que tá com uma mão foda muito valiosa vença, mesmo que isso signifique ganhar antes dele com uma mãozinha mixuruca que vale quase nada, como se fosse um grampo sendo atirado dentro de um canhão pra dar pane nele ou algo assim.

Ou seja, pense nos yaku como um “golpe” de um jogo de luta, tipo um hadouken ou um shoryuken do “Street Fighter”, por exemplo, e como precisa de no mínimo um deles na mão pra ganhar… ou seja, em termos de jogos de luta, pra sua vitória valer, você precisa ter soltado pelo menos um hadouken durante a luta ou algo do tipo… engraçadamente isso me remete à minha memória de quando li “Mudazumo Naki Kaikaku” sem entender patavinas de como riichi mahjong funcionava, o que me faz crer que a minha imaginação da época não estava tão longe assim da realidade.

A premissa básica do jogo é bem simples, mas os detalhes vão adicionando umas camadas extras de complexidade bem interessantes, permitindo um número gigantesco de estratégias que exigem adaptabilidade, flexibilidade mental e intuição dos jogadores (além de saber aproveitar as marés de sorte quando elas chegam ou jogar de forma defensiva pra não perder seus pontos mesmo quando não há chances pra vitória).

Mas enfim, não pretendo entrar nas minúcias das regras mais avançadas do jogo aqui porque isso não é bem o foco do que eu vim falar hoje, além de que já existem bons materiais por aí ensinando tudo em detalhes, como os vídeos do canal da Associação Brasileira de Mahjong no Youtube por exemplo, e o meu amigo Izzombie fez um ótimo texto focando justamente nas regras do jogo que você precisa saber pra ler e entender o que acontece num mangá de mahjong, mas o que eu quero abordar aqui é o quanto esses mangás conseguem capturar bem a essência do que há de tão fascinante no jogo e criar uma narrativa em volta disso e de seus personagens, e o quanto que ter jogado literais centenas de partidas disso me fez entender e sentir melhor na pele o que esses personagens sentem, então o meu objeto de interesse aqui é um pouco mais específico, mais voltado pra parte filosófica e sensorial da coisa toda. Mas relaxem, que eu pretendo continuar esse texto numa escrita que não exija conhecimento prévio ou lá muito avançado de como o jogo funciona, porque quero que isso aqui seja acessível em primeiro lugar.

Ah, e haverão spoilers lá mais pra frente, majoritariamente de “Ten”, então fiquem avisados, porque quando eu começar a entrar mais fundo nisso, avisarei.

Conhecendo o caminho do “Tenhou”

Indo ao mangá, é até meio difícil escolher se começo por “Ten” ou “Akagi”, sendo que o segundo se passa antes do primeiro mas estreou depois e vice-versa, enquanto saíram paralelamente por uns bons anos (apesar de “Akagi” ter sido terminado uns 15 anos depois de “Ten”), então acho que farei igual o Fukumoto fez, vamos começar por onde eu acho que ele começou a pensar essa história toda

“Ten” começou a ser publicado em agosto de 1989 na Kindai Mahjong, uma revista da editora Takeshobo que, pasmem, é focada em mangás de mahjong, o que significa que existem o suficiente deles pra justificar uma revista específica pra eles. O subtítulo da série, “Tenhoudoori no Kaidanji” significa algo como “Um Cara gente boa no Caminho do Tenhou”, onde “Tenhou” é um termo de mahjong pra definir uma mão que já vem pronta pra ganhar ao primeiro jogador da partida, quase como uma bênção celestial, como o nome sugere. E essa mão é um “yakuman”, uma das mãos (yaku, como vimos lá atrás) que valem pontuação máxima e quebram o jogo quase que completamente, tornando garantida, na grande maioria dos casos, a vitória de quem a conseguiu, a menos que um outro milagre ainda mais absurdo aconteça a outro jogador.

Quando você joga mahjong há algum tempo, percebe o quão difícil é pra acontecer um yakuman, então dá pra entender que chamá-los de “milagres” não é nenhum exagero, sendo que mesmo os yakuman mais comuns e “fáceis” de fazer têm uma chance de mais ou menos 0,049% de acontecer numa partida, o que por sua vez faz com que um Tenhou tenha algo em torno de 0,0003025% de chance de acontecer. Parece tão provável quanto ganhar na loteria. (e por incrível que pareça, ele não é o yakuman mais raro de acontecer. Só fica atrás de um outro, que não vem muito ao caso agora)

Sabendo disso e pensando no subtítulo da série, podemos supor que é uma história sobre um cara gente boa que continua sendo gente boa pra ter um caminho abençoado e tranquilo na vida, e é bem isso que o personagem título da série Ten Takashi busca levar: vivendo uma vida despreocupada com suas duas esposas (!) e sendo admirado pela vizinhança, por sempre ajudar quem precisa quando dá, normalmente usando suas habilidades em mahjong pra conseguir dinheiro pra galera em apostas (ainda que frequentemente ele trapaceie). Certamente é um cara que vive a vida do jeito dele, sendo gentil com os outros e até consigo mesmo.

E nisso, somos apresentados a outro personagem, Igawa Hiroyuki, um jovem universitário que acaba se juntando à pequena comunidade de Ten e, apesar de não ser tão experiente e bom jogador quanto ele, possui potencial pra ser excelente no futuro. Hiroyuki é um cara mais na dele, “certinho”, e que tenta seguir as regras, tanto que isso pode ser visto na forma como ele joga mahjong, de maneira segura no começo da história.

Notem que não chamei o Ten de “protagonista”, apesar de o nome dele estar no título do mangá. Muitos podem até dizer que o Ten de fato é o protagonista da série, mas eu particularmente acho que discordo, porque o verdadeiro personagem principal dessa história, pra mim, é o Hiroyuki. Eu gosto do Ten, mas quem leu o mangá provavelmente concorda comigo que o Hiroyuki é quem acaba roubando os holofotes pra si no caminho, principalmente por conta do seu arco de desenvolvimento de personagem que dura desde o literal primeiro capítulo até o último, sendo, de longe, o personagem que mais muda nessa história. Então, qual seria a função do Ten? Ele é um cara importante, e o intermediador de Hiroyuki com as figuras incríveis do mundo do mahjong que ele irá encontrar no caminho, e tudo só acontece por causa dele no fim das contas. Acho que ele é o cara que dá o empurrãozinho pro Hiroyuki começar a entrar no caminho do Tenhou, se é que isso é possível.

Um tempo depois, somos apresentados ao, discutivelmente, personagem mais importante dessa história toda e o grande motivo de eu estar escrevendo esse texto. Ele, o homem, a lenda: Akagi Shigeru!

Akagi é um lendário jogador de mahjong com décadas de experiência e uma reputação de ser simplesmente assombroso no jogo, com uma sorte e intuição que desafiam a lógica humana. Ele joga mahjong tal qual um animal selvagem, se arriscando em jogadas aparentemente estúpidas, mas no fundo, muito bem pensadas, e que na grande maioria das vezes acabam gerando resultados incríveis. Em “Ten” ele já não está mais no seu auge, agora com o que parece ser uns 50–60 anos de idade (mas surpreendentemente, apesar de parecer consideravelmente mais velho, ele tem 41 quando aparece pela primeira vez no mangá), mas ainda se mostra um exímio jogador com táticas de dar inveja a muitos profissionais.

Uma série de coisas acontece e então Ten, Hiroyuki e Akagi acabam tendo que se unir, junto com outros jogadores experientes e famosos da região leste do Japão, em um torneio contra os melhores jogadores da parte Oeste, para disputar quem terá o controle sobre as regras do submundo do mahjong. E esse torneio ocupa quase dois terços do mangá inteiro!

Bom, uma coisa meio triste sobre “Ten”, e que o torna uma recomendação meio difícil e um tanto nichada pros seus amigos leitores, é que uns 80% do mangá é praticamente ilegível e extremamente maçante se você não entende como mahjong funciona ou tem familiaridade zero com o jogo. É entendível, é um mangá feito por um louco por mahjong pra outros loucos pelo jogo, que compram uma revista inteira dedicada a isso, mas essa série fez algum sucesso fora desse nicho. Ele não vai parar em nenhum momento pra explicar como o jogo funciona, pois presume que se você está ali é porque sabe ao menos o básico.

Pessoas que manjam mais do jogo vão perceber que até mesmo a forma como alguns personagens tomam decisões durante as partidas (ou até como alguns deles trapaceiam, pois isso acontece com alguma frequência) fazem parte da escrita deles, sendo o Akagi e o Hiroyuki talvez os exemplos mais nítidos disso na série. Esses personagens passam a maior parte do tempo falando sobre o jogo ou jogando, e pouco sobre outras coisas, mas porque essa é a forma deles de expressarem seus comportamentos, então o mahjong acaba sendo uma espécie de meio de comunhão e comunicação entre eles, para que tenham o seu embate mental e de filosofias, e essa aproximação causada pelo jogo é um dos temas mais importantes da série, e vai explodir com bastante força no final dela. Esse é o “desenvolvimento de personagem” que vemos aqui, e que torna alguns desses personagens tão icônicos, pra que sintamos a catarse sobre vários deles próximo ao fim da série, mas vou deixar pra falar disso depois.

E agora, entrando um pouco nos spoilers, por enquanto mais leves, em um dado momento do torneio, no capítulo 88 (volume 10), Akagi faz uma aposta de que ele irá ganhar se uma peça específica completar a sua mão, sendo que haviam duas possibilidades, mas ele apostou em voz alta que seria uma delas. O jogo acaba e a peça que ele precisava não aparece, pois já não estava mais disponível, ainda que já tinha acontecido uma trapaça alheia de um dos jogadores do oeste. Ele poderia ter ganho de outro jeito, mas a forma que ele declarou em voz alta não foi possível, então ele é eliminado do jogo, ainda que injustamente. Hiroyuki tenta convencê-lo a voltar, mas Akagi se recusa, pois seu orgulho é maior, e ele não voltaria atrás na sua aposta, pois isso iria contra a sua natureza, com a qual ele deseja ser autêntico até o último suspiro de sua vida. Ainda que isso seja uma inconveniência para os jogadores do time leste e uma declaração bem teimosa, no meio desse diálogo ele diz provavelmente a sua frase mais marcante no mangá inteiro (quiçá a frase mais icônica do personagem num geral):

“Ganhando ou Perdendo, eu quero ganhar ou perder sendo Akagi Shigeru”

Ele poderia ter vencido, mas seria uma vitória que trairia a sua aposta anterior. O fato de ter havido uma trapaça no jogo era irrelevante ao fato de que ele declarou que a vitória estaria num 5-sou, o “cinco de bambus” (que por sinal é uma peça meio arriscada de fazer tal tipo de aposta), que ainda não tinha sido jogado e acabou não aparecendo. Foi uma aposta que só alguém com muita coragem e que estava muito certo de sua vitória faria, pois esse tipo de coisa normalmente não se faz numa partida. Akagi não é um cara que volta atrás em suas apostas, e essa foi uma aposta que ele perdeu, e ele aceitou a derrota dentro das condições que ele próprio estabeleceu, sendo justo com o seu microjogo que propôs naquela rodada. Akagi aceitou a própria derrota com sua honra intacta e serenidade, sabendo que não contrariou sua própria essência humana em nenhum momento, honrando o seu lema de viver naturalmente.

E aqui se encerra a participação de Akagi no torneio, e por uma boa parte do resto da série. Isso é no volume 10, e o Akagi só vai voltar no 16, depois disso. Mas vou deixar pra falar parte numa seção separada, pois ela sozinha rende assunto por si só, sendo consequência direta de tudo que aconteceu até agora.

“Ten” foi publicado entre 1989 e 2002, tendo capítulos mensais que foram compilados em 18 volumes, e foi o primeiro sucesso expressivo da carreira de Fukumoto, e basicamente o mangá que o lançou à fama, ainda que por meios nichados.

O Akagi foi tão bem recebido pelos leitores que acabou se tornando o personagem mais popular da série, e então ganhou a sua própria série, então é dela que vamos falar agora…

A Lenda do Gênio da Escuridão

Com a popularidade do Akagi em “Ten”, o personagem ganhou sua própria série, em 1991, também escrita e desenhada por Fukumoto. O mangá rapidamente ficou popular e eventualmente se tornaria o principal carro-chefe da Kindai Mahjong, sendo encerrado apenas em 2018, após longuíssimos 27 anos de serialização mensal, com 36 volumes no total (o dobro de “Ten”!).

E isso aqui é o que vocês imaginam, a história de origem do Akagi, vivendo sua juventude e seu auge como grande apostador e criatura selvagem que sempre foi, autêntico à própria natureza. O subtítulo aqui é “Yami ni Oritatta Tensai”, algo como “O Gênio que desceu à escuridão”, dando a entender que veremos Akagi encarar abismos impensáveis para um ser humano normal.

Esse é aquele tipo de mangá que quando você começa a ler, sente que está prestes a testemunhar algo importante, como o surgimento de uma lenda ou um evento histórico. Enquanto “Ten” é uma história mais “humana” e pé-no-chão, aqui a pegada é um pouco diferente, e acho que esse efeito se deve ao sabermos que o Akagi é um personagem visto como lendário na outra série. A gente vai ver como aquele velho fodão nas apostas começou nesse mundo, que tipo de coisas ele viveu, pessoas que ele conheceu. É tipo conhecer de perto o passado de uma figura com grande presença, temendo que por trás da lenda haja só uma história que foi “aumentada” com os tempos. Mas devo dizer que não é bem isso que acontece aqui, pois o personagem honra seu status de lenda, como uma daquelas figuras “maiores do que a vida”, sabe?

E eu nem chamaria o Akagi de “herói” aqui, porque aí estaríamos trabalhando com rótulos binários de moralidade, algo que não é muito apropriado pra um personagem como ele. Ele não tá exatamente lutando por causa alguma exceto a própria sede por adrenalina. Eventualmente ele acaba sendo “contratado” pra acabar com a raça (numa mesa de mahjong, obviamente) de um político importante envolvido em alguns crimes bizarros, mas não é por nenhum heroísmo ou senso de justiça, ele só quer satisfazer a própria fome por um desafio à altura de sua genialidade. Eu não sei nem dizer se o termo “anti-herói” se aplicaria a ele aqui, pois até isso me parece errado.

Akagi é… Akagi.

Gosto muito de como a série começa quase como um começo despretensioso de lenda, com o Akagi entrando num clube de mahjong onde tá rolando um jogo de legalidade duvidosa e um cara tá prestes a ser morto por uns yakuza se caso perder porque ele tem uma dívida gigantesca. Akagi, aqui com meros 13 anos de idade no ano de 1958, entra todo molhado de chuva e meio sujo com cara de garoto tímido sem saber o que fazer… mal sabíamos que ele tava fugindo da polícia, que investigava um caso onde houve uma aposta de racha de carros num penhasco, do qual Akagi acabou sobrevivendo à queda. Aparentemente o nome disso em português é “jogo do covarde”, e se tem uma coisa que o garoto provou aqui é que ele não é um covarde e não teme a morte… essa falta de medo da morte será uma de suas maiores marcas registradas enquanto personagem, tanto aqui quanto em “Ten”. Akagi rapidamente mostra que possui boa intuição e audácia, então o pobre do endividado resolve ensinar o moleque a jogar mahjong pra jogar no lugar dele e tirá-lo dessa enrascada. Mal sabia ele o monstrinho que havia acabado de criar naquela noite.

Então, Akagi passa por uma série de desafios conforme os anos vão passando, e de repente estamos no ano de 1964, e Akagi agora tem 19 anos. Vemos Akagi fazendo história no mundo das apostas clandestinas ganhando horrores numa casa de chou-han (um jogo tradicional de apostas que consiste em o organizador lançar dados dentro de um copo e perguntar aos apostadores se o resultado é par ou ímpar, e os vencedores dividem o montante do dinheiro apostado entre si. Normalmente lugares que sediam esse jogo são geridos pela yakuza). Akagi vence TANTO no jogo que provoca a ira dos organizadores que decidem até tentar matá-lo se caso ele não admitisse derrota e entregasse tudo que ganhou… e Akagi naturalmente se recusa a aceitar, porque afinal, ele venceu justamente. Akagi sendo Akagi, como fez lá já mais velho em “Ten”. Acho esse um momento bem importante pro desenvolvimento do personagem que vemos, e mostra um pouco da humanidade por trás da lenda do Akagi, pois afinal é a sua filosofia de vida, e ele segue isso de forma bastante consistente. Aqui nessa casa de chou-han, Akagi é salvo por caras que ele conhecia, que estavam atrás dele pra “contratá-lo” pro tal serviço que mencionei há uns dois parágrafos atrás.

É engraçado como os outros personagens reconhecem Akagi como uma lenda, isso desde muito cedo, mas não apenas eles, como a própria narrativa parece estar ciente da grandiosidade desse personagem, que jamais poderia levar uma vida normal ou ordinária. Fukumoto também acredita nisso piamente, e não há argumento melhor pra um mágico nos convencer do truque do que ele mesmo acreditar no próprio espetáculo. Se ele quer que o Akagi seja um gênio fodão do mahjong e de apostas com uma sorte quase que demoníaca, assim ele será. Estamos vendo que existe sim uma lenda naquele jovem Akagi, tal qual éramos informados em “Ten”, com ele mais velho já tendo criado ainda mais status e fama pra si, mas também vemos algumas reações dele como se fosse um animal selvagem vez ou outra. Existe um ser humano ali, apesar de Akagi ser um cara bem estoico, frio e calculista (heh), especialmente quando jovem.

Existem críticas à série e ao personagem que o chamam de um mero “Gary Stu”, isso é, um personagem meio “perfeito demais”, ou idealizado, ou no caso de um cara como o Akagi, muito estóico e inabalável. Em algum nível isso pode ser até verdade, mas pessoalmente acho que se prender a um rótulo desses é uma análise muito pobre de um personagem como ele, porque o Akagi é mais interessante do que isso num todo, embora de fato haja uma espécie de mitificação em volta dos seus feitos.

Mas sejamos honestos, essa “mitificação” não é descabida, Fukumoto quer que você acredite que esse cara é o que é. Sim, conseguir yakuman com tanta facilidade não acontece na vida real, apesar de não ser impossível, mas estamos lendo uma historinha de ficção, a diegese dela funciona do jeito que funciona. Você não vai ao show de mágica pra contestar o mágico no meio do espetáculo falando “eu vi que você enfiou a bolinha na outra manga do casaco, hein, seu fdp!”, ou vai? Espero que não, pois isso é coisa de gente chata que não sabe se divertir!

O que eu quero dizer com isso é que, em algum nível, o Akagi Shigeru em si, enquanto personagem, é um baita truque de mágica, dos mais divertidos que existem. É divertido e prazeroso pra um cacete ver ele fazendo jogadas insanas sendo um completo maluco do caralho na mesa, é tão divertido vê-lo fazer descartes arriscadíssimos pra pegar uma mão valiosa e improvável quanto ver o John Wick acabando com uma horda de atiradores atrás da cabeça dele sem levar um teco de raspão sequer. Não sejamos iguais nossos tios de 53 anos de idade que vêem filme de ação falando “começou a mentirada, hein!!!” na hora que um carro começa a capotar e o motorista atira pela janela em algum inimigo na cena. Eu quero acreditar na mentirada! Eu quero acreditar que o Akagi é capaz de fazer esses milagres acontecerem na mesa, porra! Esse mangá é o “Metal Gear Solid 3: Snake Eater” do Akagi.

Criar um personagem como esse que seja tão “eterno” e convincente é muito difícil, e esse mangá é exatamente pra que tenhamos isso: uma demonstração do porquê em “Ten” falaram que aquele cara de cabelo branco é tão temido por uma galera no submundo das apostas. Por isso também que acho que não entramos em muitos detalhes quanto às origens familiares de Akagi. Nunca nos é revelado quem é sua família, onde ele nasceu, como foi parar nas ruas e coisas do tipo. A gente sabe que ele é muito bom em apostas e tem zero apego a bens materiais e dinheiro. É quase como uma força da natureza, um animal selvagem e não termos demais informações pessoais a seu respeito ajuda nessa mitificação de lenda e honestamente? Não é como se precisássemos saber disso, o mangá já nos diz o que precisamos saber sobre esse cara.

Isso também é parte do motivo pelo qual eu não acho “Akagi” um mangá facilmente “spoilável”. Digo, se você seguir à risca a definição da palavra “spoiler”, qualquer coisa pode ser “spoilável”, mas pra mim esse mangá é tão spoilável quanto a lenda por trás de alguma aventura do Hércules da mitologia grega. Já é sabido que é a história de um cara foda, então a gente sabe que ele vai fazer coisas inacreditáveis, especialmente se já tiver lido “Ten” antes. Não é um mangá sobre ver o que vai acontecer, é sobre experienciar e testemunhar a lenda acontecendo. Não é sobre a descoberta, é sobre o testemunho.

E é por isso que digo que esse mangá é um grande testemunho de algo importante, e ele reforça isso com um dos eventos mais metaficcionalmente malucos que já aconteceram na história dos mangás, completamente à altura, e muito mais, de tudo que poderíamos ver numa série como essa.

Sim, se você já leu o mangá ou viu o anime, já sabe exatamente do que eu tô falando. Mesmo se não leu e só ouviu coisas sobre a série, provavelmente já deve ter ouvido falar nesse evento lendário.

Hora de falarmos de “Washizu mahjong”.

No Covil da Hidra da Era Showa

Essa página acima, quando surge, dá um sinal bem claro de que estaremos prestes a testemunhar algo importante. Quando li o mangá, já conhecia a fama do que vinha pela frente, mas mesmo assim não pude deixar de reparar nessa página específica e contemplá-la com essa sensação.

Existe toda uma preparação antes sobre quem será o próximo adversário de Akagi, algumas informações meio vagas sobre as condições do desafio, e o trajeto até chegar onde o evento acontecerá. Isso se deve ao fato de o oponente de Akagi aqui ser tão lendário quanto ele, e só sabemos o mínimo necessário, e agora, que estamos chegando até ele, e de frente pra sua mansão enorme, aquela ideia metafísica de um velho dinossáurico politicamente influente da Era Meiji ainda estar vivo e forte em 1965 de repente começa a dar lugar a uma imagem mais material do homem por trás da lenda e da infâmia e da suspeita dos assassinatos bizarros que aconteceram nos últimos tempos. A polícia está lidando com um monstro acima da mera humanidade, então, pra lidar com isso, eles vão precisar usar outro monstro, ainda que não seja por meios exatamente muito lícitos. Acho importante, e especialmente interessante tematicamente, frisar aqui que essa definitivamente não é uma batalha de “bem vs. mal”.

O nome desse sujeito é Washizu Iwao, e ele será o primeiro adversário à altura de Akagi em seu auge… e discutivelmente também o último. Washizu é um magnata excêntrico que fez boa parte de sua fortuna fazendo acordos econômicos de natureza duvidosa durante o pós-guerra Japonês, e de uns tempos pra cá ele começou a perder as estribeiras de vez e passou a ordenar alguns assassinatos por puro sadismo, e os corpos eram quase sempre encontrados com seu sangue retirado, quase como se tivessem sido atacados por um vampiro. No momento da história, ele conta com uma fortuna de 500 bilhões de yen (que o mangá comicamente faz questão de fazer a correção monetária desse valor pros padrões da época da publicação da série praticamente TODAS as vezes em que essa quantia é mencionada), e o objetivo é tirar essa grana toda dele, porque afinal, dinheiro é poder, e a gente sabe como gente rica normalmente é.

A disputa vai ser, logicamente, mahjong, mas claro que não vai ser de maneiras convencionais, pois aí seria fácil demais pro Akagi. Washizu inventou uma variante esquisita de mahjong chamada, pasmem, de “Washizu Mahjong”, e a pegada aqui é a seguinte: as regras do jogo permanecem as mesmas, mas o diferencial está nas peças, e elas são todas translúcidas, com exceção de uma cópia de cada peça do jogo . Em exemplo, existem 4 cópias de “chun” no jogo, mas uma delas será normal, sem ser transparente. Além disso, o jogo é essencialmente um 1x1 aqui, e os dois jogadores extras pra preencher a mesa irão agir meramente como apoio para os jogadores principais. Ao lado de Akagi teremos o policial Yasuoka, que foi quem o trouxe aqui, e ao lado de Washizu, ele terá um de seus subordinados.

E obviamente não para por aí! Quem perder, paga em dinheiro ou… sangue! A quantidade de sangue será drenada com base no valor da mão que Washizu ganhar, o que significa que se Akagi perder, ele terá seu sangue drenado de seu corpo, até morrer se continuar perdendo.

Pelo simples fato de 75% das peças do jogo serem todas transparentes e todos os jogadores da mesa puderem ver a mão alheia, a menos que tenham as peças opacas pra tentar dar uma camuflada na mão, além de o saque das peças ser feitas com os jogadores botando a mão num buraco no meio da mesa, ao invés do procedimento padrão de pegá-las de um muro montado bonitinho na mesa, muda RADICALMENTE a dinâmica do jogo em comparação a uma partida normal de mahjong, apesar de as regras ainda serem as mesmas. Riichi Mahjong é um jogo que encoraja jogadas defensivas e mais pensadas, então a maioria das peças serem translúcidas deixa o jogo muito mais tenso e metódico, logo acaba forçando os jogadores a adotarem novas estratégias que não seriam usadas num jogo normal. Uma verdadeira disputa de nervos de aço, principalmente sabendo que a sua vida está literalmente em jogo aqui.

É o palco ideal pra uma disputa entre dois monstros do submundo das apostas, a atmosfera perfeita pra esse combate que vai desafiar qualquer senso de mundano até em aspectos metaficcionais, e provavelmente a noite mais tensa da vida desses dois homens, e os 20 anos mais enlouquecedores pro Fukumoto Nobuyuki em punho da caneta e do papel.

Você consegue pensar em quanto tempo durou a serialização de um arco longo memorável de um mangá que você conhece ou até uma luta famosa? Eu às vezes penso que é meio louco que alguns arcos de “One Piece” demoraram dois anos em serialização até serem concluídos, ou algumas lutas de “Baki” durem uns dois ou quase três meses, ou como estamos há mais de dez anos sem ver o Gon em “Hunter X Hunter” por causa da frequência irregular da série, entre vários outros exemplos, mas acho que o Fukumoto aqui deve ter lançado um dos exemplos mais impressionantes de todos, pois a noite de Washizu Mahjong durou VINTE ANOS em tempo real de serialização. Foram mais de 200 capítulos mensais nessa brincadeira, esse jogo começa no volume 8 do mangá, e só acaba no finalzinho do 35, o penúltimo da série! Literais vinte e sete volumes só nisso, 75% da série!

Washizu Mahjong é um daqueles eventos lendários da história dos mangás que a gente só acredita que é real quando ele tá acontecendo na nossa frente, quase como uma história muito absurda de pescador, e mesmo quando estamos vendo aquilo com nossos próprios olhos, a coisa é ainda mais impressionante na prática do que na nossa imaginação, em vários sentidos possíveis, tanto formais quanto materiais. Dá pra fazer uma coleção de momentos inacreditáveis que acontecem nessa mesa e é bem maluco a quantidade de coisas que conseguimos ver durante esse jogo, e o quanto Fukumoto conseguiu fazer isso durar o tempo que durou. Esse tempo de publicação chega a tornar o evento quase tão mitológico quanto o próprio personagem do Akagi.

Enrolão? Acho que não há nenhuma dúvida de que o Fukumoto enrola, mas pensa num cara que sabe enrolar com classe, especialmente quando chegam nas rodadas finais do jogo! Não vou mentir, pode cansar às vezes, mas eu seria completamente maluco de não aplaudir tamanho feito artístico, porque terminei a leitura do mangá sem ar, praticamente, e houveram alguns momentos (especialmente fins de rodada) que eu aproveitava pra parar um pouco de ler só ele senão eu ia enlouquecer de tanta tensão.

E eu entendo exatamente como é possível sentir todas essas coisas lendo um mangá como esse, porque eu já tinha jogado mahjong até o cu fazer bico antes de começar, e experienciado várias sensações nas centenas de partidas que havia jogado até ali, protagonizando até algumas vitórias que parecem ter saído de um mangá, tamanho absurdo que foi a virada sortuda que dei (e já tomei algumas derrotas alucinantes na cabeça também, claro)!

O que quero dizer com isso é que mahjong é um jogo que testa todas as emoções e limites mentais do ser humano, se todos os envolvidos na mesa estiverem jogando no mesmo nível e souberem jogar. O potencial de storytelling desse jogo é insano, e é por isso que tem tanto mangá disso, a ponto de existir uma literal revista dedicada ao gênero! Estamos lidando com um jogo de apostas que é pesadamente influenciado por sorte e envolve blefes, lutar contra a própria ganância, armadilhas mentais, prever o adversário, estratégias tentando calcular dois passos à frente e que podem dar absurdamente errado se mal executadas ou alguém tiver mais sorte, decisões arriscadas, manipulações de probabilidades, batalha psicológica, e por aí vai. Numa questão de minutos alguém que está no topo pode cair até o inferno de forma extremamente miserável porque, tal qual Ícaro, voou perto demais do sol e queimou suas asas, ou até alguém que só está jogando de forma segura pode fazer um colosso sangrar todos os seus pontos aos poucos (e no caso desse mangá esse sangramento pode ser até literal!), entre muitos outros eventos. Absolutamente tudo pode acontecer numa partida de mahjong, é um jogo com muitas possibilidades.

Então o Akagi é o personagem perfeito pra um mangá como esse, e ainda mais fascinante do que ver o caminho até as suas vitórias absurdas é ver o completo desespero que seus oponentes começam a ficar quando se deparam diante desse ceifador de pontos ambulante. É engraçado, às vezes patético, às vezes gratificante… pode ser uma miríade de adjetivos.

Washizu é um oponente interessante pro Akagi, porque a analogia de Ícaro que fiz há dois parágrafos atrás pode ser aplicada a ele em algum nível. Um cara poderoso que meio que nunca conheceu a derrota direito e criou um império e, dentro desse império, começou a enlouquecer mais e mais, com tanto poder. Quando uma figura imponente como ele começa a gritar e espernear de desespero porque tá perdendo pro Akagi é extremamente divertido e catártico, porque a gente vai vendo, entre muitas coisas, a forma como essa tortura mental vai continuar pra ele à medida que o jogo vai ficando cada vez mais tenso.

Obviamente Washizu sabe jogar como ninguém, além de se portar como um legítimo vilão de filme do 007 que traz uma armadilha muito fodida pro mocinho da história tentar escapar com vida… nesse caso, literalmente. Às vezes a sorte tá do lado dele e ele faz jogadas brilhantes, mas ele nunca consegue contar com a astúcia do Akagi, que mesmo quando não ganha uma rodada (e eu faço questão de usar “não ganhar” ao invés de “perder” aqui porque, no mahjong, essa questão de semântica faz um mundo de diferença no resultado de uma rodada) consegue sair por cima de alguma forma.

Sadismo e Escuridão

Podemos tirar algumas reflexões interessantes disso tudo, uma que eu gosto é pensar no subtítulo da série: “O Gênio que desceu à escuridão”.

Washizu é um cara “do mal”, se quisermos trabalhar com tais termos, e a única coisa capaz de de destruir seu império é entrar dentro do seu covil e começar a dinamitar tudo por dentro jogando seu próprio jogo de escuridão. Não existe “herói” mais apropriado pra tal trabalho do que Akagi, por mais que eu não goste nem um pouco de chamá-lo de “herói” aqui. É o Hércules indo até o covil da Hidra pra acabar com ela, só que de maneiras que beiram o sórdido.

Akagi é um cara que conhece um pouco do que há de pior no mundo e nas pessoas, é um cara que entende dessa escuridão, e ele saberia fazer esse “trabalho sujo” que ninguém é capaz de fazer, sem medo de sujar as mãos. Ele não se assusta com isso, fica lá com a mesma cara diante de várias coisas que fariam uma pessoa normal se borrar de medo, ou no mínimo sabe disfarçar bem e não demonstrar esse medo, então só ele mesmo pra lidar com algo tão aterrorizante quanto mahjong com peças translúcidas. Ele vai saber entrar na escuridão pra brigar contra o chefe desse covil, mas o melhor de tudo é que ele tá indo nessa primariamente por entretenimento pessoal acima de tudo. É tipo aquelas pessoas que vão pular de bungee jump, é um jeito de sentir adrenalina e se sentir vivo.

É engraçado falar em “se sentir vivo” porque o Akagi quase sempre tá com uma cara bem neutra em sua expressão, mas o Washizu com seu desafio consegue forçá-lo a alguns níveis que até então lhe eram desconhecidos, então pra ele é quase como uma brincadeira, a ponto de ele ter a audácia de recusar receber seu sangue de volta quando lhe é dada a oportunidade só pra ver o medo nos olhos do Washizu vendo um maluco que a cara nem treme direito diante da possibilidade de ter seu sangue (no início, metafórico, na forma de dinheiro; e posteriormente, de forma literal) sugado até murchar e morrer se caso perder o jogo.

Então, nessa batalha de mentes, essas figuras mitológicas vão encontrar o seu ponto em comum e dialogar suas naturezas selvagens através desse jogo, no mesmo nível. Akagi precisa de um Washizu pra se sentir vivo e essa será a primeira vez que enfrentará um desafio à sua altura, tal qual Washizu finalmente encontrou um desafiante que consegue ser muito mais do que uma mera vítima, e também tá sentindo coisas novas que nem sabia que eram possíveis. O gato virou o rato, e o rato virou o gato. O Tom viu que o Jerry sabe dar porrada. Jerry riu dando essa porrada de tacape no gato.

Lembro-me de uma partida que eu mesmo joguei uma vez e logo na primeira rodada eu levo uma derrota pesada na fuça e acabo tendo que pagar uns 12 mil pontos logo de cara pro vencedor. “Puts”, pensei, encurralado feito um rato, mas aí na rodada seguinte eu tive uma oportunidade com vento soprando na minha direção e devolvi essa porrada com o triplo da força, através da primeiríssima (e até então única) vez que fiz um yakuman, causando enorme prejuízo pra esse jogador, que estava com seus pontos quase zerados. Na rodada logo depois dessa eu dei o golpe de finalização nesse mesmo sujeito com uma mão que valia os mesmos 12 mil pontos que ele tinha me tirado no começo, e o deixei no negativo numa derrota extremamente humilhante. Pode não ter sido exatamente a partida mais brilhante que tive em termos de estratégia, mas cara… aquele sadismo extremamente confortável que tomou conta de mim naquele momento foi uma sensação deliciosa pro meu cérebro naquele instante, tipo quando uma criança bagunceira resolve chutar um formigueiro porque sim se sentindo poderoso diante desses pequenos insetos. Esse foi um dos momentos em que eu mais entendi o que o Akagi busca num jogo como esse: o prazer de torturar o seu oponente psicologicamente e esfregar na fuça dele que você soube se vingar e revidar o golpe com muito mais força com as ferramentas que o jogo te deu. E, apesar da minha descrição meio sádica, digo isso com todo respeito ao pobre coitado que jogou essa partida comigo… e, por favor, não chutem formigueiros!

Pode ter sido uma partida num jogo online essa que experienciei e descrevi no parágrafo anterior, mas imagino como seria numa mesa ao vivo, o terror nos olhos do pobre coitado que começou o jogo muito bem e, quando menos esperava, levou esse yakuman na cabeça e, como se desgraça fosse pouca, ainda levou uma segunda porrada bruta logo em seguida sem ter a menor chance de nem gritar socorro.

Mahjong às vezes traz esse tipo de sensação pra gente. Será que a gente pode ficar aqui divagando sobre a natureza do sadismo num jogo como esse? Fazer seus adversários dançarem na palma da sua mão sem eles nem terem consciência disso é muito divertido.

Eu não vou começar a falar de BDSM aqui, calma! Mas não dá pra negar que o apelo aqui é, em algum nível, similar, né? Não tem masoquismo, mas o sadismo tá todinho aqui, apesar de a gente poder discutir que o masoquismo entra no fato de a gente continuar jogando e se irritando e sentindo tensão mesmo sabendo que pode perder. Meu objetivo aqui não é fazer nenhum juízo de valor definitivo a respeito da moralidade do sadismo, mas no mínimo podemos pensar um pouco sobre o que é essa sensação de sentir prazer ao causar sofrimento alheio, ainda que seja através da ótica de um mero resultado de um jogo de mesa. Sejamos honestos, competitividade saudável à parte, é muito gostoso ganhar de lavada de alguém e ver a cara de merda que a pessoa que perdeu pra você fica, né?

É isso que sentimos vendo o Washizu se cagando de medo diante da imponência do Akagi, que dá uns sorrisinhos de canto de boca vendo como ele tá conseguindo distorcer a figura do monstro político da Era Showa ali na frente dele. Esse era o tal monstro de que tanto lhe falaram? Esse homenzinho patético chorando porque tá vendo sua fortuna indo toda pelo ralo pras mãos de um cara que não tá nem aí pra dinheiro e nem vai fazer algo de muito incrível com isso? Como é divertido ver esse cara só degringolar mais na própria desgraça, ainda mais nessas condições! Nós, os leitores, também desfrutamos desse sadismo vendo o sofrimento do Washizu.

É assim que os caçadores se sentem? Porque pensando aqui, não há nada que justifique a existência da caça esportiva além de puro sadismo. Deve haver alguma adrenalina do tipo no ato de correr atrás de uma presa pra ostentar uma “vitória” sobre ela depois. Eu às vezes sinto vontade de contar aquela história do meu yakuman quase como um caçador ostentando um busto de veado em sua parede igual daqueles que a gente vê nos filmes americanos em casas velhas de madeira. Eu não caçaria um animal indefeso por mero esporte, mas há outro tipo de sadismo em mim em algum nível, tal qual deve haver no Akagi ou em qualquer pessoa que joga mahjong… ou literalmente qualquer outro tipo de jogo que possa ser usado em competições. O Akagi não é o tipo de cara que ostenta ou celebra suas vitórias e caçadas, mas ele certamente se diverte horrores apostando e vendo até onde sua ambição consegue chegar, porque afinal, apostar é isso. Apostas e competitividade são parte do que há de mais agressivo em nossa natureza. Literais guerras surgem por conta de competitividade ou porque um lado está ostentando mais força em cima de outro mais fraco, subjulgando-no ao seu poder porque ele pode, e saboreando cada segundo dessa fantasia de poder pisoteando a fraqueza alheia.

Washizu, lá no começo um caçador, matando vítimas de formas estranhas a seu bel prazer por não encontrar um adversário à altura, finalmente sofreu uma reversal e agora virou a caça, porque encontrou alguém tão sádico quanto ele, senão mais. Ele está provando um pouco do próprio remédio.

https://youtu.be/vAkUFHP1iUg?si=J0Y1Wt3CAQn9u1_y

É quase como se existisse algum tipo de “trevas”, provenientes dessa parte específica da psiquê humana, que fossem intrínsecas à natureza de um jogo como mahjong, onde os supostos mais fortes podem ser dominados completamente e as estruturas dessa disputa de poder e sadismo podem até ser invertidas quando menos se espera, porque esse jogo pode permitir que algo assim aconteça. Talvez isso explique esse jogo ser tão jogado pela yakuza ou ser tão presente em histórias de “crime drama” orientais? Não sei, mas certamente é algo pra se pensar sobre.

A cereja do bolo desse festival de sadismo proposto pelo Fukumoto, pra mim, é próximo a um final de rodada onde Akagi começa a ganhar MUITAS vezes consecutivas. No mahjong, o jogador que é marcado como o “negociador” da partida tem direito a repetir a rodada nessa posição, até que outro jogador seja capaz de tirá-lo daí vencendo antes dele, e a cada rodada extra, novos 300 pontos vão sendo adicionados ao bônus pro vencedor. O Akagi ganha mais de 5 vezes seguidas nessa brincadeira, fazendo o Washizu sangrar tanto dinheiro que só nessa rodada acaba com a maior parte da fortuna dele faltando ser às gargalhadas de tão cômica que é tal cena. Eu já passei por uma situação similar à do Akagi numa partida, então entendi na pele aquele olhar de “Nada disso, Washizu, você não vai levantar dessa cadeira enquanto eu não acabar com todo o seu dinheiro”. Não é muito sobre catarse, mas sim ver o cara sendo empurrado a um novo nível de trevas que nem sabia ser possível. Quem sou eu pra julgá-lo quando poderia ser muito bem eu mesmo sentindo o mesmo se estivesse nessa posição?

O que por sua vez faz com que o final do jogo seja um duelo entre iguais, agora que Washizu não tem mais a sua fortaleza de dinheiro consigo e sobrou apenas a sua honra e seu sangue… o dinheiro está na mão de Akagi, mas lembrem-se que ele não tá nem aí pra posses materiais, então ter uma parte daquele monte de dinheiro pra si não é nada pra ele. Akagi conseguiu trazer Washizu pra ainda mais fundo nas trevas pois é o mergulhador da escuridão, e agora sim tá na hora desse jogo se resolver de igual pra igual.

Eu sempre falo em tom de brincadeira que “mahjong é o jogo que traz o que há de melhor e pior no ser humano, às vezes tudo junto”, e imagino que o mesmo se aplique a poker e outros jogos que envolvam apostas e sorte. Mahjong e poker têm algumas similaridades, em natureza, até. Acho que poucos mangás ilustram isso tão bem quanto “Akagi” fez, e o fato de que o Fukumoto consegue conduzir esse show de tensão e quase completo sadismo por quase 30 volumes contínuos publicados ao longo de vinte anos só torna um absurdo ainda mais mítico que nem sei se as minhas palavras conseguem fazer justiça. Jogos competitivos podem ser uma troca de fluxo de poder entre o dominante e o subjulgado, e pra sentir a real adrenalina máxima que eles podem oferecer, é necessário um pouco de sadismo.

Esse sadismo é uma amostra do “mal” que há dentro de cada um de nós? Estamos vendo uma competição entre dois caras que admitiram o quê de maldade que existe dentro deles e estão dispostos a afundar nessas trevas pra decidir quem vai ser capaz de sobreviver dentro delas. E mesmo assim, não acho que rótulos binários tão como “bem” e “mal” são tão aplicáveis aqui. Me sinto como se tivesse vendo um documentário do Animal Planet sobre predadores caçando suas presas ou animais selvagens brigando até a morte. É meio tosco julgar animais por réguas morais humanas. Você consideraria um tubarão que estraçalhou uma foca todinha pra comer como um ser “maligno”? É a “lei da natureza”, ou “lei do mais forte”.

O ser humano inventou conceitos como “lei” e “bem versus mal” pra não matarem uns aos outros a torto e direito, além de tentarem entender a si mesmos. Talvez o ser humano tenha inventado jogos e competições justamente pra saciar essa sede de “fome selvagem”, que flerta um pouco com sadismo. Nós também somos animais, mas diferente de um tubarão, a gente inventou meios específicos pra não deixar essa natureza violenta aflorar. Competições nos lembram disso, apenas o mais forte sairá vitorioso. Aqui estamos testemunhando dois superpredadores (aliás, adoro o termo em inglês pra isso, aliás: “apex predator”, o ápice da cadeia alimentar e da predação), brigando pra ver quem será o sobrevivente desse ambiente natural pra eles que é a escuridão. Washizu era o leão que achava que dominava a savana e matava todas as zebras, mas ele não contava que um leão mais jovem iria surgir em seu território, e não apenas iria tomar dele todas as suas zebras como estava mais do que disposto a dar um cacete nele, de forma tão humilhante que caso ele perca, terá de ir embora de seu próprio covil com o rabo entre as pernas, tal qual leões de fato fazem na natureza. Não há nada mais humilhante do que ser vencido em seu próprio jogo e em seu próprio castelo por alguém que descobriu onde exatamente chutar no seu trono pra tombar a sua cadeira. Se Washizu quiser manter sua honra, terá de se igualar à ferocidade de Akagi, mas será que isso é ao menos possível?

Não há luta de “bem vs. mal” aqui, apenas dois homens assumindo a sua selvageria interna que a vivência do ser humano moderno tentou encobrir para que sejamos uma espécie supostamente capaz de conviver em sociedade. A lei não existe mais nessa sala isolada do mundo da luz, tudo pode acontecer ali com esse jogo que pode fazer o caçador virar a caça em questão de poucos minutos, caso o outro conceito abstrato inventado pelo ser humano e batizado de “sorte” resolva agir em seu favor.

É meio inconcebível pra mim que esse mangá exista do jeito que existe e tudo se alinhou perfeitamente pra que o resultado fosse esse. Parece uma enorme história de pescador, e mesmo comigo contando várias cenas aqui, acho que nada substitui o ato de experienciar passar essas páginas por si só. Há até quem diga que nem precisa entender o jogo pra entender, porque a tensão e o sadismo por si só já se destacam tanto que a abstração se torna mais fácil… mas eu educadamente discordo.

Assim, concordo que há mais abstração aqui do que em “Ten”, por exemplo, mas ler esse mangá sem entendimento de mahjong é perder mais da metade da experiência, porque se mahjong não fosse um jogo tão maluco assim onde tudo pode mudar num piscar de olhos, esse mangá não seria assim. O mahjong é necessário ao Akagi como personagem, e consequentemente à sua história, e é por isso que ele fascina tanto o leitor e basicamente virou a cara da revista onde saiu e até meio que o principal sinônimo de “mangá de mahjong”, mesmo que já existissem alguns bem conhecidos tanto antes quanto depois dele (e a história do mangá de manjong enquanto gênero por si só deve ser bem fascinante… algum dia quero pesquisar sobre isso mais a fundo porque o assunto muito me interessa).

O meu ponto final sobre isso, por enquanto, é que o Akagi, apesar de toda a abordagem mítica em volta de sua existência nesse mangá, quase que o tornando uma espécie de Hércules do mahjong, é um personagem mais “humano” do que parece. As leituras dele que clamam e param no fato de considerá-lo um “Gary Stu” falham em perceber um detalhe crucial da natureza dele nesse ponto da vida, mais especificamente durante a partida contra o Washizu do que em qualquer outro ponto, e este é: existe um pouco de Akagi Shigeru em cada um de nós. Um pouco desse sadismo, dessa escuridão. A grande questão é quantos de nós estamos prontos pra admitir isso de cara limpa sem ser num confessionário ou num consultório de psicoterapia. Jogos como mahjong, entre vários outros, ajudam a aflorar um pouco desse sadismo inerentemente humano que às vezes nem sabíamos que tínhamos. Podemos não ter a mesma sorte insana dele de fazer jogadas arriscadíssimas e dar certo ou vir com mãos iniciais que podem ser transformadas em yakuman com algum esforço e nervos de aço, mas essa propensão a faltar só lamber os beiços tal qual um leão observando uma zebra só pra mostrar nosso poder sobre ela, isso temos.

A nível pessoal, “Ten” me interessa mais enquanto história, mas em termos de análise e reflexão da natureza do mahjong e o efeito mental que ele tem em seus jogadores e pelo puro show de sensações e tensões, “Akagi” é meio imbatível do seu próprio jeito. É muito mais do que uma mera “prequel”, até porque ele é bem mais lido e comentado que “Ten”, e por motivos bem compreensíveis até, tanto dentro quanto fora dele. A “mitificação” não torna o Akagi menos interessante enquanto personagem na série em que o vemos mais velho, muito pelo contrário até.

E bom, falando nisso, acho que tá na hora de voltarmos a falar de “Ten”…

E estejam avisados, porque é a partir daqui que os spoilers mais pesados vão começar a voar e eu vou cavar ainda mais fundo.

O Começo do Fim de uma Era

Vamos pro volume 16 de “Ten”, que é um ponto de virada muito importante que vai definir todo o resto desse mangá.

Quando ainda estava falando de “Ten”, mencionei a saída de Akagi no tal torneio do Leste contra o Oeste. O torneio continua com Ten e Hiroyuki competindo contra os jogadores que restaram do Oeste: o lendário jogador Soga e o poderoso yakuza Harada. No fim de tudo, há um duelo incrivelmente tenso entre Ten e Harada, e após muito suspense e um jogo de arrancar os cabelos, Ten vence, logo, o Leste venceu a disputa.

E então, há um salto temporal de 9 anos na história, e agora veremos Hiroyuki, agora com 29 anos de idade e atuando como um salaryman comum levando sua vida apenas indo com a maré e apatia. Hiroyuki claramente podia ganhar uma vida como apostador se quisesse, afinal não era um jogador ruim, apesar de não ser nenhum Akagi… mas justamente sentir que não poderia ser um igual de Akagi era o que o impede de confiar em seus próprios instintos, tal qual o velho faz. Falta nele encontrar-se com essa selvageria e despreocupação com o senso comum que Akagi tinha… é curioso pensar na forma como Akagi jogava, depois de lermos e pensarmos no mangá protagonizado especificamente por ele.

Quando “Ten” chegou nesse trecho de sua publicação, era o ano 2000, e 10 volumes de “Akagi” já haviam sido publicados, o que quer dizer que a partida de Washizu Mahjong já tinha começado, e não fazia muito tempo. Já havíamos visto Akagi demonstrar algum grau de sadismo em seu modo de jogar… coisa que não vimos em “Ten”. Os leitores da época podiam até não saber como a partida contra Washizu iria terminar, mas qualquer um poderia supor que Akagi obviamente saiu vivo daquela noite, o que significa que ele provavelmente ganhou, certo? Não vou confirmar se sim ou não, porque, de verdade? Essa informação realmente não interessa muito, juro. Nem pra minha análise pessoal disso tudo ou muito menos até pro próprio ponto do mangá. Só podemos supor que Akagi nunca mais teve um oponente à altura e foi drasticamente mudado por aquela noite de jogo com peças translúcidas, e passou a lidar com a sua própria selvageria de outra forma. Será que ele enfraqueceu por ter atingido seu ápice ali ou apenas amadureceu ou viveu outras coisas que mudaram sua forma de pensar o mundo? Vai saber…

A grande questão aqui é: o Hiroyuki precisa ser um novo Akagi? Talvez não, mas ele gosta de jogar mahjong, ele gosta da emoção da caçada também, falta algo pra que ele se despreenda do senso comum. Talvez se ele sentisse essa adrenalina, ainda que seja uma vida mais instável e arriscada, ele se sentiria mais feliz do que no trabalho seguro dele de salaryman, a vida do homem médio japonês de seu tempo. Isso me faz pensar na figura do salaryman japonês como um todo, em como isso é quase o equivalente japonês do que até um tempo atrás chamavam no ocidente de “american dream”, que já não é mais aplicável nem à realidade estadunidense porque o mundo mudou demais pra essa fantasia de “tenha um emprego seguro, case-se, tenha filhos, e trabalhe até morrer” se tornar cada vez menos alcançável e até menos apelativa. Não vou nem me atrever a chamar isso de “日本人の夢” ou, mais toscamente “ジャパニーズ・ドリーム”, como contraparte à versão americana desse conceito. Culturas diferentes possuem sensibilidades culturais diferentes, mas acho que essa ideia de “seja o homem seguro que não arrisca muito e vive pacato seguindo as regras pianinho sem grandes emoções até morrer” é universal o suficiente pra todos entendermos muito bem qual é a reflexão sendo trazida aqui, independente de qual seja o país em que nascemos.

Uma mente mais ousada pode até chamar isso de “a domesticação do homo sapiens”, tal qual os lobos foram domesticados pelos homens das cavernas há dezenas de milhares de anos atrás até hoje termos pugs e lulus-da-pomerânia sendo guiados em coleiras.

Enfim, acho que estou perpassando em muitas tangentes aqui, então, junto com Hiroyuki, vemos uma informação no jornal: uma cerimônia de funeral será realizada por causa do falecimento de Akagi Shigeru.

Akagi Shigeru está morto.

No dia seguinte, é hora de vermos o funeral. Como pode um gigante desses estar morto? Assim sem mais nem menos?

Eu não sei quantos de vocês já estiveram num funeral. Eu mesmo só estive em dois, mas uma coisa que percebi é que a ficha da notícia “fulano morreu” só cai quando a gente vê o corpo do falecido no caixão. Interessantemente, apesar de Hiroyuki ver todo o altar montadinho, fazer uma oração e ver o suposto Akagi no caixão, com uma expressão serena no rosto, sente que tem algo de muito errado ali. A ficha dele não caiu, apesar de tudo.

Hiroyuki então é avisado de que foi convidado pra ser integrante da vigília noturna do falecido, uma parte do ritual funerário todo… o que é curioso porque essa parte costuma acontecer antes da cerimônia, e não depois, e há toda uma miríade de coisas estranhas nessa história toda fazendo com que a conta não feche, mas logo ele entende o porquê, quando chamam o suposto chefe do funeral e ele é ninguém menos do que… o próprio Akagi!

A princípio tudo parece uma pegadinha, mas Akagi confirma que esse funeral foi verdadeiro, e que aquela certamente será sua última noite, enquanto leva Hiroyuki até o salão onde estarão todos os outros participantes da vigília noturna. No meio do caminho ele tropeça numa lanterna, e diz que não a viu porque um terço da visão de um de seus olhos se foi.

Chegando no salão da vigília noturna, os sujeitos lá presentes são todos os principais integrantes do torneio do Leste contra o Oeste que vimos lá atrás no mangá. E então, Hiroyuki é explicado o porquê de Akagi irá morrer em algumas horas:

Akagi teve o azar (!) de estar desenvolvendo Mal de Alzheimer, e o quadro está se agravando com bastante velocidade, e sabendo que em no máximo 3 anos ele basicamente se tornaria um vegetal, Akagi tomou a ousada decisão de eutanasiar a si mesmo enquanto ele ainda tem algum senso de razão e controle sobre sua própria mente.

É uma notícia pesada. Se você já conviveu com uma pessoa que tem ou teve Alzheimer, sabe exatamente como é. Eu mesmo já passei por isso e é aterrorizante ver uma pessoa lúcida perdendo gradualmente o controle de suas faculdades mentais até ter sua mente reduzida a ter menos autoconsciência do que um bebê recém-nascido, incapaz de fazer praticamente qualquer coisa diferente de respirar ou dormir por conta própria.

Num primeiro momento, o meu pensamento, se caso fosse eu nessa situação, é um óbvio “certo está o Akagi, eu faria o mesmo!”, principalmente porque a ideia de perder controle da própria mente me aterroriza mais do que morte, mas na prática… será que eu seria capaz de puxar esse gatilho metafórico? Mesmo diante de desgraças iminentes que demonstram claramente a nossa impotência para mudá-las e diminua nossos “motivos para viver”, ainda relutamos, porque no fundo, somos animais, e o instinto mais animal de todos é sobreviver, ainda que aconteça de forma involuntária às vezes.

Não pretendo entrar muito em detalhes da minha vida pessoal ou da forma como enxergo o mundo e a existência humana, mas… eu particularmente não sou um cara que acredita na ideia absoluta de estar meramente respirando é estar vivo, principalmente depois de anos convivendo com depressão como parte normal da vida e mais ainda depois de ver com os meus próprios olhos como uma doença degenerativa como Alzheimer pode destruir a mente humana e nos reduzir a quase pedaços de carne que apenas respiram. Alzheimer é uma condição extremamente cruel, mais cruel do que a própria morte, aos meus olhos.

O quadro de Akagi, apesar de parecer inicial, já se mostra com alguns sinais bem notáveis, como ele já não ter mais noção de datas, esquecer de detalhes simples ou até nem conseguir fazer operações matemáticas bem básicas, apesar de ele ainda conseguir conversar e reconhecer pessoas.

Todos aqueles homens naquela vigia noturna, num primeiro momento, se mostram de acordo com o caminho escolhido por ele. Eles conheciam Akagi, viram a lenda do homem que não ligava pra dinheiro, fama ou poder, e apenas vivia com seu orgulho, sagacidade e transiência tendo isso ser tirado dele aos poucos, fazendo com que Akagi Shigeru não seja mais Akagi Shigeru, e sim uma casca vazia onde algum dia já habitou este sujeito chamado Akagi Shigeru. Hiroyuki, por outro lado, se mostra indignado e não aceita essa situação de jeito algum.

O processo irá acontecer com uma máquina própria pra isso que, ao ser ligada, irá injetar substâncias no organismo de Akagi a fim de provocar sonolência, até chegar numa parada cardíaca que o fará morrer de forma pacífica e indolor, mas antes disso, esses 8 homens irão ter uma conversa particular final com Akagi, cada um. No fundo, todos eles irão tentar usar essa conversa pra, de alguma forma, fazê-lo mudar de ideia, mesmo sabendo que a chance de conseguirem isso é praticamente inexistente.

Eu não irei falar de todas as conversas aqui porque elas são bem longas e esse texto vai ficar ainda mais gigantesco do que já está se eu esmiuçar cada uma delas, mas todas tem coisas muito interessantes sendo ditas e que enriquecem muito os temas desse mangá e o personagem do Akagi, além até de nos provocarem reflexões pessoais sobre todos esses assuntos discutidos. Irei escolher os momentos mais pertinentes à nossa discussão aqui ou os que acho mais impactantes.

E sabe o que é mais engraçado? A partir daqui, mahjong basicamente não é mais um assunto nesse mangá… o que é uma subversão muito curiosa, porque até esse funeral começar, esse mangá basicamente respirava mahjong em mais de 90% de suas páginas, mas agora não mais por esses três volumes finais, que acabam sendo toda uma consequência do resto ter sido mahjong, que foi a situação que aproximou todos esses personagens com um objetivo em comum. É aqui que o cara que vai ler esse mangá sem saber muito de mahjong fala “ufa, finalmente vai ficar bom”, mas esse é o jeito errado de se pensar sobre. Bom já era desde o começo, o negócio é que tudo aquilo que vimos lá atrás vai ser usado pra questionar outros assuntos que vemos agora, e esses personagens só estão aqui todos reunidos porque vimos aqueles embates. A partir daqui é a culminação do que mahjong originou. Consequentemente, eu também poderia falar menos de mahjong a partir daqui, mas no fim das contas, os temas vão acabar esbarrando no assunto, ainda que de maneira tangencial.

O primeiro visitante é Kanamitsu, o monge, e também único que já sabia de antemão sobre a situação do Akagi, já que todos os outros só descobriram isso naquele dia. Akagi diz algo interessante aqui sobre vigílias noturnas, que, ao ver dele, elas deveriam acontecer antes da morte, porque pra ele não faz sentido que seja depois, já que todo mundo fica confuso sem saber o que o falecido pensava. E devido a isso, Akagi fez questão de escolher as pessoas com quem ele jogou mahjong pela última vez, durante o torneio, para compor esse grupo, pois essa seria a sua aposentadoria oficial do jogo que foi a sua vida. Kanamitsu, mesmo tendo sido o cara que ajudou a organizar tudo, questiona Akagi mais uma última vez se isso é o que ele realmente quer, e até um pouco do seu trabalho enquanto monge tendo que basicamente auxiliar um velho amigo em seu suicídio, fazendo-o questionar a moralidade de manter alguém com uma doença degenerativa como essas vivo, mesmo se o doente não tiver dado o consentimento. E nesse dilema, Akagi diz que o que Kanamitsu está fazendo não é crueldade, é justamente o oposto: gentileza.

Quem já viveu com uma pessoa nessa situação talvez já tenha se pego pensando nisso, pelo menos uma vez. Até que ponto é ético manter alguém vivo contra sua própria vontade, mesmo que essa pessoa não esteja mais “vivendo” mas sim “sobrevivendo”? Não vou entrar no debate moral aqui, até porque não é meu dever dar uma resposta pra isso, ainda que eu tenha meu próprio dilema moral a respeito, mas a provocação foi lançada nessa história, então no mínimo a gente acaba pensando um pouco sobre, mesmo que não cheguemos a alguma conclusão definitiva.

Apesar de estar disposto a ajudar, Kanamitsu teme pela vida alheia, e pede para que Akagi prometa que, se caso ele uma mínima mudança de pensamento que seja, que aborte o plano, mas este, retruca com: “tá, certo. Mas vocês não vão me fazer mudar de ideia. Prefiro ir agora enquanto ainda posso decidir isso do que quando eu já estiver morto de espírito”.

Mas Akagi está determinado a não mudar de ideia. Essa é sua aposta final, de que ele não será convencido do contrário. E agora os outros 7 caras irão tentar desafiá-lo a mudar de ideia.

O quarto cara, Ginji, traz um confronto interessante. Ele até tenta manter a compostura, enquanto conversa com Akagi sobre o medo da morte, e vendo o quão decidido e inabalável Akagi está diante disso, ele manifesta sentir inveja disso nele. Eles conversam um pouco sobre alma, consciência, e eles começam a conversar sobre o ciclo da vida, morte e renascimento. Basicamente o Ciclo do Samsara budista, porque essa conversa deles pega MUITO nesse tópico. Então, diante do medo da mortalidade e da não aceitação do ciclo da transciência da vida, Ginji confessa que foi diagnosticado com câncer, e que talvez não tenha muito tempo pela frente, então desaba em lágrimas, vendo que não tem nem um décimo da força mental de Akagi pra lidar com a própria mortalidade. Akagi, por sua vez, diz que boas pessoas acabam tendo boas mortes. “Boas” no sentido de “tranquilas”, presumo eu.

O ponto de Akagi aqui é que a morte é parte natural da vida. Imagino que por ele não ter um ambiente cristão à volta dele, diferente do que nós aqui do ocidente muitas vezes temos, o faça ver a morte de uma forma diferente. O Budismo e o Cristianismo enxergam a morte de formas bem diferentes, afinal. O “pesar” existe em ambos, mas a forma como as pessoas parecem lidar com isso tem suas sensibilidades diferentes. É uma outra reflexão interessante da qual eu não consigo dar nenhuma resposta definitiva, e sinceramente, ela nem seria necessária de existir.

O quinto cara a ir falar com Akagi é o Soga, um velho que jogou mahjong contra ele durante o torneio e se mostrou um adversário à altura… à altura de um Akagi que já não estava mais no seu auge, vale dizer. Soga também é outro maluco por mahjong e um grande nome do jogo na região Oeste do Japão, e ele chegou aqui com uma mala, dizendo que ele e Akagi precisam de um último acerto de contas, pois ele não aceita que Akagi irá morrer sem que ele finalmente tenha a chance de superá-lo ainda em vida. E nesse jogo final, o que está em jogo é: se Soga perder, ele morrerá no lugar de Akagi, mas se vencer, Akagi irá abortar a ideia da eutanásia. Akagi acha essa ideia interessante, mas com grande pesar, solta a bomba…

…ele não tem mais capacidade cognitiva pra jogar mahjong.

Sabem aquilo que falei há uns parágrafos atrás de que em velórios, a ficha de que o fulano da vez em questão morreu só cai quando vemos o corpo? Pra mim esse momento pro Akagi meio que foi aqui, nessa cena. O cara que é a maior lenda do mahjong não consegue jogar mais! É um leão que não tem mais suas garras e presas. A vida desse cara era usar a própria mente, sua maior arma, pra sentir a adrenalina que essas apostas lhe proporcionam. Sem isso, Akagi não é nada. Nem digo isso como um observador, o próprio Akagi está ciente disso, e ele falará sobre isso algumas vezes nessa noite.

Mas então, Soga surpreende, e diz que o jogo em questão não é mahjong, apesar de usar as peças de um dos naipes do set de mahjong. Um joguinho bem simples, onde eles irão pegar as peças do 1 ao 9 daquele naipe, e as jogarão viradas pra baixo, e logo em seguida pra desvirar e ver quem tem o maior número. Quem tem o maior número vence, e irá acumular pontos com a soma dos números jogados. E eles irão jogar por 9 rodadas. Akagi aceita o desafio, e ainda declara que se empatar, nada será feito.

E eles jogam, essa será a batalha mental final entre Soga e Akagi. Adivinhem o resultado? Um empate! Todas as nove rodadas tiveram Akagi e Soga jogando as mesmas peças, empatando seguidamente em todas elas. Isso é ainda mais maluco do que se ele conseguisse ganhar, porque é uma probabilidade baixíssima de algo assim acontecer. Até acontecer um yakuman talvez seja mais provável do que empatar 9 rodadas seguidas disso. Diante desse milagre, Soga questiona se Akagi realmente precisa morrer, e este, responde: “que felicidade há numa vida em que eu não posso nem jogar mais? Se não posso jogar, não significa nada”. O maior orgulho da vida de Akagi é ser bom em apostas, sentir a adrenalina de cada uma dessas disputas, e ver que isso vai ser tomado dele é o fim. Akagi não planejava vencer essa, sabe-se lá como ele conseguiu o empate, e isso comove Soga, que finalmente aceita que Akagi pode morrer em paz, ao invés de apodrecer mentalmente aos poucos. Acabar assim seria um fim trágico demais pra uma lenda como ele, ele conquistou o direito de partir enquanto ainda tem forças pra partir em seus próprios termos. Ele é um homem que jamais poderia viver uma vida ordinária dessas de só se manter vivo porque sim enquanto fica cada vez mais lelé da cuca. A figura mítica não pode partir de outro jeito senão pelas próprias mãos e pela própria vontade.

Eu evoquei a analogia do leão sem garras lá atrás, mas Soga traz uma parecida aqui, e eu gostaria de parafraseá-la:

“Tal qual um animal, quando suas habilidades não podem mais lhe servir, ele deseja morrer. […] Todos os animais possuem habilidades nas quais são excepcionais e nas quais podem contar pra justificar sua existência. Veja por exemplo o rei das aves de rapina, a águia, com suas asas rasgando os céus, garras que rasgam suas presas e um poderoso bico.

Esse talento é a sua vida, logo, só de estarem vivos animais selvagens já são belos por si só. Um modo de vida simples, belo porque carece de desejos triviais. Dá pra chamar de ‘beleza funcional’. Se uma águia perdesse suas asas, ou o seu bico e garras que rasgam suas presas, e tudo que resta é ficar cambaleando por aí, ainda será uma águia? Não é questão de genética, não é mais como uma águia deve ser e perdeu a sua beleza. Se a águia pudesse conjurar palavras, provavelmente diria ‘já chega, me mate’.

A Natureza é impiedosa. Em menos de três dias alguém virá rasgá-lo em pedaços. Essa é a lei da natureza. A princípio parece crueldade, mas continuar vivo quando já se perdeu seus talentos é ainda mais cruel. A morte é a salvação para um ser vivo como esse. Isso é o que Akagi está tentando fazer. […] Não adianta chorar, uma morte como essa é inevitável pro Akagi! […] Não há do que se envergonhar, todos morreremos quando chegar a nossa hora.”

Essa é uma das cenas mais emocionalmente poderosas desse mangá inteiro, e talvez a conversa mais interessante de todas essas oito. Todo esse arco final é uma das abordagens mais sensíveis que vi sobre aceitação da própria mortalidade que vi numa história assim e é bem simbólico que a última vez em que peças de mahjong são utilizadas em cena seja justamente aqui. Mas calma, o próximo cara é quase tão interessante quanto!

O Desfile das Ambivalências

E então, entra em cena o Harada, o yakuza de Osaka que jogou no torneio e teve o duelo final contra Ten. Ele chega com vários de seus subordinados, dizendo que vai sequestrar Akagi pra salvá-lo de sua própria morte e não irá aceitar “não” como resposta, mesmo que tenha de usar força pra isso, mas Akagi está disposto a apertar o botão ou morder a própria língua, mesmo que isso custe não poder ouvir Hiroyuki ou Ten por uma última vez, algo que lhe traria arrependimento. Vendo que não vai conseguir o que quer, Harada manda todo mundo que entrou com ele ir embora, e decide conversar namoralzinha, vendo que o “blefe” de Akagi não é um blefe. Akagi não blefa, ele segue à risca tudo que diz, sem dar pra trás. Ele realmente iria morder a própria língua se achasse necessário. Não adianta bater de frente com ele.

Diante dessa imponência, Harada só treme e pergunta se não tem nem um filetinho de vida dentro do Akagi que deseja continuar vivendo. Pra surpresa de nós todos, Akagi responde “deve ser tipo 1%. Talvez 3%” e é aqui que ele admite aquilo que eu falei lá atrás: mesmo quando o ser humano está encurralado em sua própria miséria e aparentemente não existem mais motivos justificáveis pra continuar existindo ou que façam valer a pena, a vontade de estar vivo jamais chega a 0%.

Pode até não ser 0%, mas vamos ser francos? 3% não é nada, praticamente. Akagi sabe disso e ele até comenta com certo escárnio sobre, mas ele está certo. A vida não é algo tão absoluto assim, tons de cinza precisam ser vistos e aceitos como parte dela. Só resta a ele aceitar a própria aposta. Eu não abriria mão de uma aposta onde tenho 97% de chance de acertar o resultado. Ainda que essa aposta seja sobre o “sabor da morte”, como diz ele próprio.

Da mesma forma que quem quer morrer não quer 100%, quem quer viver também não quer 100%. Existe essa ambivalência entre a vida e a morte como os dois lados de uma mesma moeda, e a gente só se sente vivo porque sente o perigo da morte às vezes. Lá quando eu estava falando do Washizu Mahjong, mencionei que pessoas às vezes buscam adrenalina saltando de bungee jump e coisas do tipo. Isso volta aqui agora, e o Akagi começa a falar, com todas as letras, sobre o prazer da tensão. As pessoas são curiosas quanto à morte e destruição.

A princípio, é fácil de evitar o risco, mas mesmo assim continuam existindo pessoas apostando dinheiro em corrida de cavalo, saltando de asa delta, entrando em lutas, e por aí vai. O que diabos explica isso? Será que o ser humano anseia pela morte e pela destruição em algum nível? É meio como a tal da “curiosidade mórbida”. Sair de uma situação perigosa faz você se sentir mais vivo do que nunca, e acho que todos podemos concordar com isso. Você se salva do risco e do perigo, então podemos dizer que é até um tipo de “salvação”.

Lá no começo do texto mencionei que decidi começar a jogar mahjong porque estava entediado. Será que eu mesmo estava procurando adrenalina e tensão? Bom, provavelmente, porque o tanto que eu me irrito com esse jogo às vezes não é brincadeira, mas o prazer que eu senti depois de ganhar passando sufoco em várias partidas foi delicioso. Não só em mahjong, tenho que admitir que até quando eu jogo “Street Fighter”, e venço uma partida difícil, esse mesmo sentimento toma conta. É muito mais gratificante do que vencer uma partida onde o outro competidor não representa perigo nenhum.

Se lembrarmos da forma como Akagi jogava mahjong, tanto em “Ten” quanto em “Akagi”, nos lembraremos das jogadas arriscadas e apostas insanas. Akagi sempre esteve pronto pra morrer por causa de seus atos e apostas, e jogava ciente disso, porque afinal ele buscava um pouco dessa sensação destrutiva, pessoalmente. Isso pega tangencialmente até em todo o lance envolvendo sadismo que dissequei ali atrás, até porque o sadismo é uma sensação destrutiva e que dá adrenalina no agressor. A vida não existe sem a morte, que não existe sem a vida.

Mas Harada parece não entender muito bem isso tudo que Akagi está pensando sobre existir 3% de vontade de viver e mesmo assim ele não desistir da eutanásia. E é aí que vem a cartada: Akagi diz que Harada parece olhar pra ele com lamento, mas no fim das contas, é ele quem está bem pior. Harada mal está vivendo e nem ao menos percebe, tamanho sofrimento.

“Você tem sucesso demais acumulado em suas costas”, diz Akagi.

É uma frase meio curiosa. Mas com a explicação ela vai fazer perfeito sentido. É difícil manter o sucesso, apesar dele ser necessário pra nossa existência às vezes, e Harada é um cara que precisou de sucesso demais, só que agora tem tanto poder que não sabe como controlar isso, e pode perder tudo num descuido. Harada é um figurão da yakuza, então ele precisa manter a pose e não pode fraquejar, senão todos o pisotearão. Não há espaço pra ele poder não ostentar esse poder, ser um ser humano normal, então ele entra numa espiral sufocante de ter mais e mais poder, que aos poucos vai lhe destruindo.

O que é um total contraponto à forma como Akagi viveu. Mesmo ganhando quantidades absurdas de dinheiro em apostas que poderiam ser o suficiente pra que ele vivesse como uma marajá, ele torrava tudo muito rápido ou, diz ele, perdia tudo. Ele nunca entra muito em detalhes, mas aparentemente se livrava da grana de formas bem esdrúxulas, porque dinheiro pra ele é só papel colorido, afinal. Ele nunca fez questão de ter um patrimônio enorme de bens materiais e poder. A ânsia por sucesso constante vai aos poucos te consumindo, a ponto de você não poder viver os deslizes ou botar o pé no freio, tirando a sua liberdade. É meio como a forma em que estamos todos sujeitos à ordem do dinheiro no mundo regrado pelo capitalismo. O dinheiro, logo, o sucesso, é o que nos dita. Quando você se torna o rei, não pode mais andar de cuecas por aí porque precisa ser o exemplo a ser seguido. Há uma expectativa em cima de você, quando se está numa posição de poder e autoridade. Expectativa sufoca. A sociedade espera que que todos arrumem trabalhos em condições péssimas mas mesmo assim tenham dinheiro pra se sustentar e criar uma família pra manter a máquina capitalista girando. O moedor de gente precisa de mais carne pra continuar funcionando. Estamos todos acorrentados à lógica desse sistema. Chega uma hora que essa pressão te envolve como num caixão.

Akagi nunca ligou pra bens materiais ou dinheiro e conseguiu viver sua vida bem apesar disso, com só o necessário. Teria sido ele o homem a vencer o controle do sistema capitalista sobre sua mente? Diferente de Harada, que é o homem que continua fazendo a máquina girar e é cúmplice do que há de mais complicado no sistema? Essa é mais uma pergunta sem resposta definitiva sendo provocada aqui. Essa dúvida foi o suficiente pro Harada ficar em choque por ter seus olhos abertos pra algo que ele nunca tinha pensado a respeito antes. Viver às margens da lei como yakuza deve aumentar ainda mais essas circunstâncias que Akagi apontou, já que nem as autoridades legalizadas pelo sistema podem te auxiliar em nada aqui.

Essa conversa sobre a ambivalência entre a vida e a morte me é bem interessante, porque é um assunto que eu pessoalmente penso bastante a respeito no meu dia-a-dia, provavelmente por conta de algumas experiências que vivi e continuo vivendo. Ela enriquece muito os temas que existem no outro mangá inteiro, apesar de ser bem fácil de aferir que o Akagi opera por essa lógica lendo tudo que ele fez no mangá estrelado por ele, mas aqui isso é posto em letras maiúsculas, o texto está tão claro que não dá nem pra chamar de “subtexto”, por mais que nunca seja dada a resposta definitiva desses questionamentos, até porque o ponto não é sobre ter as respostas, e sim pensar nas questões. Será que no meio dessa ambivalência existe a chance de Akagi mudar de ideia num último segundo?

Talvez seja a mesma chance de acontecer um yakuman: pouco provável, mas existe. Porém, sendo realista, não dá pra contar com isso. A imensa maioria das vezes que você tentar fazer um yakuman numa partida de mahjong vai acabar em falha. As estatísticas não mentem, e qualquer um que joga ou já jogou bastante percebe isso fácil. Esses personagens estão perseguindo um yakuman aqui. Mesmo quando esse mangá não está falando diretamente sobre mahjong, o espectro da filosofia do jogo ainda paira por ele. Esse jogo e todas as suas características, analogias e possibilidades, são completamente indissociáveis desse ato final da história e de seus personagens, ainda que ele seja pouquíssimo citado aqui.

Bom, agora enfim chega a vez de Hiroyuki e ele chega no quarto onde Akagi está sem saber o que dizer, e fica em silêncio confuso por muito tempo. Tematicamente essa é a mais importante das conversas. Lembrem-se, o Hiroyuki é o verdadeiro protagonista desse mangá, como falei.

Hiroyuki não sabe o que dizer, o que é compreensível. Eu às vezes não sei o que dizer quando um amigo desabafa um problema pessoal, imagina saber o que dizer pra um cara que já tá decidido a morrer na próxima hora? Mas Akagi percebe essa insegurança, e diz pra ele falar qualquer coisa, pois apesar de um começo imperfeito, as coisas podem se ajustar. A vida não precisa de perfeccionismo, muito menos as interações humanas.

Aqui, Akagi propõe um desafio hipotético inusitado: usando as mesmas peças que Soga trouxe, todas viradas pra baixo, ele propõe que Hiroyuki tente tirar duas peças de número 1 iguais seguidas, e se caso ele conseguir, Akagi honraria tal milagre continuando vivo, mas se perder, ele levará um dos braços de Hiroyuki. Logicamente isso assusta, mas apesar disso, o jovem começa a calcular as probabilidades, e percebe que são baixíssimas.

E então, Akagi responde:

“Por que a demora? Sabe, Hiro… se você quiser que eu viva, é só aceitar imediatamente o meu desafio. Escuta… não pense na possibilidade de perder, apenas aposte na vitória. Se você perder é só voltar atrás. Ninguém é idiota o bastante pra apostar o próprio braço. Um cara que tá prestes a morrer não vai ficar sabendo se você resolver quebrar o acordo, então só vamos logo! […] Esse é o tipo de sabedoria que você ainda não tem…”

Então ele pega uma peça aleatória da mesa e joga pra cima como se fosse uma moeda em cara-ou-coroa e pega no ar… e a peça é justamente o 1-pin do desafio proposto.

Akagi então diz que todo jogo é uma competição pra ir até o fim, e que a inércia não lhe acrescentará nada. É só relaxar e seguir com o fluxo, ter flexibilidade, porque essa rigidez não leva a nada. Às vezes mudanças de planos são necessárias, e jogar de acordo com os planos nem sempre é a melhor possibilidade, e é isso que está travando a vida de Hiroyuki. Ele merece mais do que a mera vida de salaryman.

Novamente, isso bate muito com a filosofia de um bom jogo de majong. Flexibilidade mental é uma das características mais essenciais dos melhores jogadores. Nem sempre tudo vai ser como o planejado, e mais ainda, nem sempre você vai ganhar, mas se não jogar, não vai ter como ter chance de ganhar. É um jogo sobre seguir com a maré pra tentar alcançar o melhor resultado possível e nas centenas de partidas que joguei nesses últimos meses isso ficou bem claro. Mesmo quando você tem planos de montar uma mão gorda de pontos, às vezes precisa passar a jogar seguro porque sente que um dos oponentes tá com a sorte maior do que a sua, então é o menor risco… mas às vezes você precisa bater de frente com alguém que já declarou riichi (a declaração de que falta apenas uma peça pra ganhar e apostou mil pontos nisso… o jeito mais comum de se vencer esse jogo) pra tentar ganhar antes dele, como Davi mirando a pedra no ponto fraco de Golias. Essa conversa se mistura de forma quase homogênea com os temas das anteriores.

Até em sua vida pessoal às vezes é preciso meter o louco pra ter coisas melhores. Essa é uma lição que eu mesmo deveria aprender. O drama particular do Hiroyuki bate de um jeito bem pessoal pra mim, e imagino que pra muitos de vocês talvez bata também. Ele sempre foi “o carinha normal” no meio de todos aqueles jogadores super experientes no arco do torneio, ele começa essa jornada toda sendo um cara que tava descobrindo um talento, até ser posto em cheque vendo que existem jogadores bem mais habilidosos que ele… ou no mínimo mais experientes. Mas será que abandonar o mahjong e ser um sujeito ordinário realmente é o caminho certo pra um cara como ele? Ele vai viver sem o prazer da tensão?

Novamente, batemos na ambivalência, agora entre “risco” e “recompensa”. Akagi puxa um ponto aqui, de que a vida é uma fagulha que temos, e quando essa fagulha não acende, as pessoas normalmente não estão satisfeitas com a própria vida, pois a inércia pode levar a isso. Pra Akagi, a maior característica da vida é o movimento ativo. A palavra em japonês pra “animal” é “動物” (se lê “doubutsu”), e significa literalmente “coisas que se movem”, se levarmos apenas os kanjis dela. O primeiro é de “movimento”, e o segundo é de “coisa”. Tá, eu e você sabemos que plantas e fungos existem, mas a gente entendeu o que o Akagi disse, vai…

Inércia pode causar depressão, mas nem sempre a causa da depressão é ela. Nisso aí a gente começa a esbarrar em discursos motivacionais que eu particularmente detesto porque depressão é uma coisa bem mais complexa e não é resolvida com discursos idealistas, mas há um ponto aqui. Hiroyuki implica que Akagi acha isso uma besteira por ser alguém incrível, e este, por sua vez questiona se ele é tão incrível assim, e mesmo se for, “o que isso tem a ver com estar vivo?”, e diz que no fim, o que importa é curtir o fluxo do jogo, ganhando ou perdendo. Sentir a frustração por perder ou não ganhar faz parte do milagre da vitória no fim das contas. De novo a ambivalência entre vida e morte pode ser aplicada aqui em algum nível.

Mesmo os maiores gênios não possuem só vitória e quase sempre começaram do fracasso ou da mediocridade, pois fracasso e mediocridade fazem parte do ser humano, uma criatura falha, às vezes. O importante é ir com o fluxo, ganhar ou perder é a consequência e nem sempre somos nós que decidimos o que irá acontecer. Akagi não decidiu que ele teria alzheimer, mas infelizmente isso o acometeu, talvez seja um jeito de ver a situação e encarar o “fracasso” e a “morte” como parte do sucesso/vitória e da vida, respectivamente. Hiroyuki diz que o jeito que ele está vivendo agora parece “adequado”, apesar de tudo, mas o que diabos é uma vida adequada afinal? Eis então que Akagi lança a sua cartada final aqui, e a frase que irá definir a vida de Hiroyuki daqui pra frente. A passada de tocha adiante.

“Você disse que o jeito que vive agora é o apropriado, mas… o que exatamente é ser o ‘apropriado’? Qual é o normal? É viver desavergonhadamente? Você tá vendo? Isso é a verdadeira identidade do que tanto te atormenta! Esse ‘apropriado’ está te atormentando. Valores de ‘normalidade’ estão conflitando com seu coração e sua alma e aí você fica se preocupando com isso de ‘apropriado’ e ‘adequado’! Pense comigo, ‘pessoa adequada’ e ‘vida adequada’ são palavras meio engraçadas, né? Aí quando você pensa mais a fundo, você nem entende mais do que está falando. Esse lance de ‘pessoa adequada’ soa meio errado, né? E isso de ‘vida adequada’ também não existe. Essas coisas nunca existiram!

Nunca existiram, mas isso volta pra nos iludir a cada era, com nuvens escuras, trazendo uma ilusão da qual não podemos nos livrar, como se fosse uma hipnose coletiva. Diacho, não deveríamos esquentar a cabeça com isso! Só larga isso pra lá, você não precisa disso, apenas se ajuste. O que quero dizer é: permita-se ser uma pessoa que não vale nada pro mundo! […] Chegou a hora de você começar a pedalar pra longe desse tal ‘apropriado’ e ir em direção à sua própria vida!”

A moral da história aqui é não se preocupar com fracassos ou sucessos e só seguir a vida conforme achar melhor, sem esquentar com o julgamento social. Muitos de nós já devem ter pensado nisso, especialmente os que sempre foram considerados “desajustados sociais” como eu e tantos outros. O termo que Akagi usa no texto original em japonês quando fala em “ser uma pessoa que não vale nada pro mundo” é “ダメ人間” (“dame ningen”), que pode ser traduzido como “pessoa desqualificada” ou “inapropriado”, mas no contexto está sendo algo usado pra descrever alguém que não se ajusta aos dogmas sociais e à não-conformidade, que bem, parece ser o que tanto atormenta Hiroyuki aqui. Ele só terá valor aos olhos da sociedade se seguir com o caminho padrão e “adequado” de ser um salaryman, porque ganhar a vida jogando mahjong igual o Ten faz não é “apropriado”. Não é o Ten que precisa escutar essa conversa, mas sim o Hiroyuki. A vida deveria ser mais do que se preocupar com padrões impostos por um sistema social e ficar inerte por conta dessas expectativas. Akagi é o homem que venceu o capitalismo enquanto vivia no mundo imposto por tal sistema? Acho que podemos pensar que sim. Imagina viver uma vida despreocupado de dinheiro, posses materiais e grandes conquistas. Quem define a grandeza dessas conquistas? Qual é a régua que deve ser usada? Isso precisa ser uma competição?

A lição final de Akagi pra Hiroyuki é:

“Você se preocupa tanto com sucesso e fracasso que ficou inerte e perdeu sua chama, esse é o problema. Tá tudo bem ser medíocre. Se for medíocre e tiver a sua fagulha, excelente! Não faz diferença alguma, então não tenha medo. Irei repetir mais uma vez: não tenha medo de falhar!”

Uma lição pra vida e também uma lição pro mahjong, porque sempre as mãos mais valiosas são as que têm maiores riscos de falhar. Assim como quem joga de forma “medíocre” e segura e consegue ganhar, deu o seu jeito de chegar lá, e curtiu a tensão e adrenalina do jogo… Eu não tenho uma visão tão positiva da vida assim, nem de longe, mas ainda assim consigo entender a ideia do que está sendo dito, e em algum nível concordo. Tanto quanto isso ser aplicável a mahjong e jogos num geral quanto à vida. A primeira vez que o Akagi aparece nesse mangá jogando ele tá fazendo mãos com um yaku chamado “chanta”, que é uma mão que consiste em todos os conjuntos numéricos dela terem pelo menos uma peça de número 1 ou 9, e “chanta” é arriscadíssimo, a menos que você tenha sorte de já começar com várias dessas na mão inicial. Só maluco insistiria em fazer isso tantas vezes, com alto risco de dar merda e entregar o jogo.

Depois disso tudo, Hiroyuki acaba se esbarrando com Harada, e eles acabam conversando sobre isso, percebendo que eles têm muito mais em comum do que pensam. Afinal, o que Akagi disse pra cada um deles está diretamente relacionado, ainda que caminhem por direções diferentes.

E então, chegou a hora do último cara ir falar com Akagi, e ele é um sujeito que vive despreocupado e bem alheio aos padrões do que é adequado ou não pra se viver em sociedade, aos bons olhos do mundo. Ninguém menos do que Ten Takashi. Ele é um homem como Akagi, em algum nível. Será que ele é capaz de fazê-lo mudar de ideia?

E então, Ten chega na sala. Em termos de temas, eu acho que essa é, discutivelmente, a conversa menos carregada delas… o que ainda não a faz a menos importante. Me pergunto se é porque Ten parece ser o cara que tem menos o que aprender com uma conversa final com Akagi. A gente não viu as conversas do Ken e do Washio porque elas aconteceram em off (até porque, quem liga pro Ken e pro Washio? LOL).

Ten é um cara “despreocupado”, então ele não tem muito o que aprender com o rei do despreendimento… ou pelo menos é o que parece. A princípio, ele pensou que tudo bem ver Akagi partir, mas pra ele dói a ideia de ver uma lenda que ele tanto respeita indo embora desse jeito. É uma grande ironia do destino um cara tão sortudo em jogos quanto o Akagi ter dado o azar fodido de ter desenvolvido Alzheimer. Ver uma figura mítica caindo dessa forma é um lembrete de que nenhum de nós está imune ao fim se a natureza assim decidir que será. Se até um cara foda desses morrer assim, o que será de nós, meros mortais?

Isso é o que abala Ten, pois ele também está sendo lembrado da própria mortalidade. Mesmo o jogador mais bem pontuado da partida pode ter sua pontuação desmoronando se ele der azar (e os outros jogadores souberem usar isso ao seu favor). Ten não quer que Akagi Shigeru, o símbolo de ideal de apostador a servir de exemplo, caia em tal desgraça. Mas apesar de seus feitos incríveis, Akagi é só humano. Ele não é o tal “Gary Stu” que algumas pessoas já disseram que é.

Mesmo que Akagi mude de ideia e não se eutanasie agora, no futuro ele irá perder seu senso e continuará “à beira da morte” do mesmo jeito, e pior, dependendo de cuidados alheios, tal qual um bebê, porque alzheimer te deixa vulnerável desse jeito. Ele irá precisar de cuidados, e a ideia de não poder viver sozinho tendo controle de seus próprios atos lhe incomoda. A gente já sabe disso, ele disse outras vezes pros outros caras, e todos eles parecem estar cientes disso. A questão aqui é uma das fases do luto: aceitação, só que aqui é antes da morte de fato acontecer. Akagi já aceitou, mas Ten e os outros ainda não.

A gente já teve a conversa aqui sobre a diferença entre “estar vivo” e “viver” antes, e sobre discursos idealistas que não exatamente condizem com a realidade dos fatos, se ser mantido vivo com cuidados médicos, ainda contra a própria vontade, é o ideal ou se é “viver” de verdade. Pra Akagi, a sua identidade é mais importante do que um conceito como “vida”, e isso é o que ele mais teme perder, porque sem isso, não há mais propósito pra sequer sustentar uma “vida”. A palavra aqui é “自分” (“jibun”), o seu “eu”, o “self” do inglês.

O que se sucede aqui é um reforço de alguns dos temas que vimos antes, de que DNA e consciência são coisas separadas. O corpo físico é um veículo pra transportar a mente, mas sem a mente, nada pode ser feito. Já discutimos e analisamos isso aqui algumas vezes a esse ponto. O que importa pra Akagi é morrer sendo ele mesmo, apesar de tudo, e celebrar que será capaz disso, e decide brindar com Ten um copo final de whisky.

Ten tenta um apelo final, dizendo que essa vida selvagem que Akagi levou por mais de cinco décadas o privou de ter uma família. Em momento nenhum desse mangá, ou de “Akagi” é mencionada uma família ou sequer de onde ele veio, onde nasceu, cresceu…

Ten é um cara que valoriza a família e a vida com uma. Ele tem até duas esposas! Então convida Akagi pra fazer parte de sua família, já que não é lá uma família convencional de toda forma, ou, nos termos que ele disse pro Hiroyuki, uma família “apropriada”. Pra assim, Akagi ter uma vida tranquila aposentado da selvageria das apostas em seus anos finais, enquanto tem pessoas à sua volta cuidando dele… ou do que sobrou dele, devido ao alzheimer. Mas, como esperado, ele recusa.

Pra Akagi, que viveu sua vida inteira sozinho contando meio que unicamente com sua própria sagacidade e instintos, ele sente que o ideal é morrer por si só. “Colher o que plantou”, como ele mesmo diz em um certo momento dessa cena.

Ten, ainda em negação, desaba em lágrimas e pede que Akagi viva por ele. Akagi agradece pela consideração, e que essa gentileza o salvou, pois apesar de nunca ter tido uma família, teve amigos. Ele se despede e liga a máquina da Eutanásia.

Agora não tem mais volta, Ten ainda tenta impedir, mas já é tarde demais. No meio de tanto desespero, ele questiona a Akagi se ele não tem nenhum arrependimento, e este começa a lacrimejar, dizendo que o arrependimento talvez seja morrer… o que é meio contraditório com muito do que foi discutido aqui.

Mas isso faz sentido, apesar da contradição, porque nada é como o esperado… tal qual um jogo de mahjong, nem sempre a melhor jogada é aquela que foi inicialmente planejada com a mão inicial que foi dada. Algo no meio do caminho vai te fazer mudar de ideia pra jogar da forma mais adequada possível. Quando duas unidades da peça do dragão vermelho foram descartadas pelos outros jogadores, você já sabe que não dá mais pra fazer uma trinca a partir do que você já tem na sua mão (o que lhe garantiria um “yaku” pra já tornar a sua mão válida e já abriria caminho pra uma vitória rápida, é uma das formais mais comuns de se vencer uma rodada de mahjong), então provavelmente vai ter que descartá-lo se quiser jogar de forma mais segura… a menos que você queira muito apostar que o último dragão vermelho do jogo vai aparecer na sua mão pra completar um par e você se virar com o resto da sua mão, mas sinceramente, essa não costuma ser uma boa ideia e tem chances bem altas de dar errado. Faça a melhor escolha com as cartas que lhe foram dadas.

O arrependimento é prova de que estamos vivos, provavelmente não existe ser humano algum que não tenha arrependimentos, ainda que digam o contrário. Numa partida de mahjong o que você mais vai sentir às vezes é arrependimento, se não tiver vencido. Decisões erradas são o que mais acontece num jogo desses, jogado por meros humanos, seres que constantemente erram. “O arrependimento é o que faz os seus desejos brilharem”, diz Akagi, aqui. Nem sempre se alcança o que deseja, e ele aceitou que isso foi que que jogaram na mesa pra ele.

Então, todos os caras entram na sala e lá estão pra testemunhar, aos prantos, os momentos finais de Akagi, que começa a gradualmente perder a consciência pra sair deste plano de vida.

Esses momentos finais são o pouquinho que resta da consciência de Akagi pensando pra si mesmo que a morte é o que encerra o ciclo da vida, e o que completa a nossa existência. Como uma libertação de si mesmo. E então ele inconscientemente mentaliza o vento, como se aos poucos estivesse se tornando um com ele, tendo suas partículas sopradas junto das folhas, enquanto desaparece, com um sorriso sereno no rosto sendo o que fica pra quem tá vendo de fora, como forma de agradecimento pela vida que teve e pela presença daqueles 8 homens que estavam ali no fim.

No dia 26 de setembro de 1999, a vida de Akagi Shigeru chega ao fim, aos 53 anos de idade.

É uma sequência bem poderosa. E eu não a acho nem um pouco trágica, apesar de ser a morte de um personagem tão icônico. Não é um sacrifício heróico também, é… um cara aceitando a própria morte enquanto ainda pode decidir isso por si só antes de deixar de ser ele mesmo e seu corpo se tornar apenas uma casca vazia desprovida de consciência. Morreu em seus próprios termos, com sua humanidade ainda em seu devido lugar. Não havia outra maneira mais apropriada de a vida de um cara como esse chegar ao fim. Me lembra um pouco da morte de um certo personagem de “Hokuto no Ken”, que diz morrer sem arrependimentos e soca sua própria alma aos céus e morre de punhos erguidos, e quem leu sabe exatamente quem é. Lembra, mas é mais pé no chão, é algo mais próximo da realidade. Eu tenho motivos bem pessoais pra ter sido bem impactado por essa reta final de “Ten”, mas independente deles, se você chegou até aqui investido nessa história, é difícil não se comover.

O Akagi é praticamente uma força da natureza e um símbolo de algo foda. Mas também era um sujeito humano, essas duas coisas não são mutuamente excludentes. Ele evoca a admiração de todos os apostadores, ou de pessoas que no mínimo ficam fascinadas com a sua lenda e todo o mito que se criou em volta de sua figura no submundo do mahjong.

Eu gosto da imagética evocada aqui de sua existência se tornar uma com o vento soprando as folhas. Pessoalmente não acredito em reencarnação, céu e coisas do tipo, mas não consigo negar que é uma cena bonita e tocante, e que está alinhada com a ideia budista de morte de se tornar um com a natureza pra deixar a roda do Samsara agir. E que ironia eu ter falado em “céu” quando o próprio título desse mangá, “Ten”, é escrito com o kanji “天” (que se lê “ten”) que é o kanji de “céu”, no sentido de “celestial” mesmo, além de ser o nome do personagem titular, estar no nome do “Tenhou” (天和) que eu expliquei lá atrás o que é.

Será que esse foi o caminho pro “Tenhou”, o tal do “天和通り” (“Tenhoudoori”) que está no subtítulo do mangá? No fim, quem estava no caminho do Tenhou era o Akagi? O Ten? Ambos? Todos esses personagens presentes na vigília noturna? A resposta não é dada de forma definitiva, e nem acho que ela tanto nos interessa assim, mais do que o questionamento aqui presente.

Mas é com isso que somos enviados ao capítulo final do mangá, trazendo o epílogo dessa história.

Epílogo

Temos agora um salto temporal de 2 anos e meio, e a história agora está no ano de 2002, que não por acaso é o mesmo ano em que o final do mangá foi publicado. Hiroyuki largou o trabalho de salaryman logo depois do funeral de Akagi e agora virou “professor de mahjong”, que de vez em quando ganha uma graninha extra sendo chamado pra lidar com uns yakuza encrenqueiros que acabam indo pros centros de jogo arrumar confusão. Trabalho meio arriscado esse, mas rende uma grana bem gorda às vezes só nessas partes mais insalubres, além do salário regular dele como instrutor. Não é sempre que ele ganha uma bolada dessas, mas quando ganha é pra valer. Mas ei, finalmente ele tá ganhando a vida com algo em que ele é bom e se diverte fazendo, apesar da instabilidade… a vida por si só já é instável, afinal. Mahjong é um jogo meio instável também, tal qual a vida. É necessário flexibilidade pra lidar bem com ambos.

Esse é o jeito dele de tentar viver como o que aprendeu com Akagi. Hiroyuki é o herdeiro do “jeito Akagi” de se viver.

Então Hiroyuki se encontra com Ten e eles decidem ir visitar o túmulo de Akagi, e naturalmente, conversam sobre o assunto no caminho, se Akagi morrer desse jeito foi a coisa certa ou não e no fim, eles chegam também à conclusão de que não poderia ser de outro jeito, ainda mais considerando a serenidade e o sorriso no rosto dele quando se foi.

Chegando lá, está o Kanamitsu está rezando e contando que o Ginji está dando certo no tratamento de câncer, e que Akagi terá de esperar mais um pouquinho pra voltar a jogar com ele, e então ele decide que vai catar um pedacinho do túmulo pra levar a pedrinha consigo pra ver se dá sorte e é pego no flagra por Ten e Hiroyuki, e meio constrangido ele decide meter o pé dali com uma bolsa com pedras. O túmulo já tá todo chapiscado porque, nesse meio tempo, o mundo do mahjong já está sabendo da morte de Akagi, e seu túmulo basicamente virou uma Mecca pros jogadores, onde eles iam pra compartilhar seus grandes feitos e deixar oferendas, até que um dia alguém decidiu tirar uma lasquinha do túmulo pra guardar no bolso, e desde então mais pessoas foram fazendo isso, e criou-se uma lenda de que quem tiver uma pedra do túmulo do Akagi no bolso terá sorte no jogo.

O túmulo já tá cheio de peças de jogos, fichas de poker, bolinhas de pachinko, isqueiros e até alguns energéticos e caixas de remédios, tudo como oferenda.

Aqui a gente mais uma vez é lembrado que Akagi, até depois de sua morte, continua sendo um símbolo, um ícone, um mito… e talvez, agora seja até mais do que era em vida, já que sua existência física não existe mais. Quando se fala em mangá de mahjong, a figura do Akagi é provavelmente a primeira coisa que vem na cabeça da imensa maioria das pessoas. À essa altura, em 2002, o Washizu Mahjong já tava rolando fazia um tempo no mangá “Akagi”, não só os personagens como também os leitores já estavam familiarizados com a lenda desse personagem. Mesmo hoje em dia, quem nunca leu “Akagi” a fundo sabe do status lendário desse personagem, e da série. E agora, após sua morte, in-universe, ele realmente virou uma força sobrenatural, ao menos a nível de crença, já que é como se tivesse um pouco de Akagi em cada um de nós que o vimos ou que jogamos o mesmo jogo que ele. Um pouco do sadismo, dessa busca por adrenalina e tensão, o flerte com o fracasso, a ambivalência entre a vida e a morte e outras ocorrências de coisas aparentemente contrastantes que se completam.

É quase como se, ao morrer, aquela visão que ele teve de estar se dissipando junto com o vento e se espalhar por aí tivesse soprado até as pessoas, e agora tem moléculas de Akagi Shigeru espalhadas em cada apostador por aí, que algum dia pode almejar ser como ele ou não, já que esse sujeito é a essência da aposta em seu estado mais bruto. Mahjong é aposta, e Akagi é aposta.

Numa cena final apropriadíssima, Hiroyuki e Ten vão embora do cemitério após prestarem seu respeito ao velho conhecido e, no caminho de volta, começam a um zoar o outro que pegaram uma lasquinha do túmulo do Akagi escondido pra guardar no bolso, e no fim, os dois acabam admitindo que pegaram sim as pedrinhas e riem pensando em como são tão tolos quanto os outros caras que lascaram o túmulo como se isso fosse dar alguma sorte pra eles. A gente sabe que na prática não muda nada, mas é aquele eterno sentimento de “vai que…”. Se o ser humano não tivesse isso, as loterias já tinham parado de funcionar há muito tempo, mesmo sabendo que a chance é baixa, a gente ainda insiste em fazer uma “fézinha”.

Lembro-me de uma anedota engraçada que vivi há alguns anos atrás quando trabalhava num escritório próximo a um shopping onde tinha uma daquelas máquinas de pegar brindes, e eram uns brindes bem caros, tipo celulares e videogames, e, na saída do expediente, olhei e pensei “ihhh, vou pegar um PS4 aí, hein! Acho que consigo!” e fui tentar. Tentei umas três vezes, e sempre naquela sensação de “quaaase, na próxima talvez eu consiga!”, precisei me forçar a parar e ir embora pra casa logo porque já tinha perdido uns 30 reais nessa brincadeira e estava me coçando a continuar tentando. Foi naquele momento que aprendi de forma bem prática o perigo das apostas e dos jogos de azar. Agora atualmente muita gente tem esse perigo bem próximo em seus bolsos com o tal do “Jogo do Tigrinho” funcionando em quase todo celular e perdendo uma grana preta nisso devendo até as cuecas porque acharam que as vitórias iam continuar rolando. Talvez o Akagi tenha sorte de ganhar no tigrinho, vai saber, mas não me parece um jogo que ele acharia muito estimulante, por si só.

Tá, sejamos justos, pois jogos como xadrez, Poker, damas, Go, Koi-koi, Shogi, Buraco, e até Mahjong são bem mais justos, ainda que este último tenha um componente de sorte envolvido bem mais alto do que os anteriores (tirando talvez só o poker e Buraco), mas jogos são isso aí… sentir o prazer da tensão e do desafio, o risco faz parte do processo. É a natureza das apostas, a gente fica desafiando a nossa sorte, quando ela também existe numa ambivalência com o azar. “Sorte” é um conceito muito maluco quando paramos pra pensar, especialmente pra pessoas que não são muito de fé como eu, porque mesmo os mais incrédulos conseguem acreditar nisso às vezes, tipo aquela galera que inventa que tem uma “cueca da sorte” na sua gaveta e decide isso sabe-se lá como. A cueca realmente mudou alguma coisa mesmo, ou é só a vida sendo completamente imprevisível? Jogos que envolvem sorte mexem com a nossa química cerebral, e a gente até gosta de conversar sobre isso uns com os outros.

Jogos têm esse poder de conectar pessoas, até mesmo se elas nem falarem a mesma língua, porque através do jogo existe essa comunicação de sensações e sentimentos. Elas falam a língua do jogo. Você já deve ter visto alguns coroas na rua ou numa mesa de bar jogando dominó ou buraco sendo que provavelmente eles mal se conhecem. O Akagi aproximou uma galera através do mahjong, que por sua vez uniu todos aqueles 8 homens da vigília noturna pro funeral dele, que só estavam ali por causa de terem se conhecido graças ao mahjong. Já vi histórias de pessoas que se conheceram assim também, eu mesmo conheci uma galera depois que passei a jogar e vi uma comunidade interessante de gente engajada com o jogo, trocando dicas, estratégias, ou só compartilhando feitos como alguma mão boladona que fez em alguma partida. Tenho achado divertido ensinar mais gente a jogar e falar sobre, porque algumas pessoas me procuraram curiosas pra saber como o jogo funciona. É um jogo que instiga curiosidade no pessoal daqui, e quando descobrem que algum outro ocidental aprendeu como essa bagunça funciona, é inevitável pensar “pera, se ele aprendeu acho que eu posso aprender também”… o que é engraçado vindo de mim porque sempre fui historicamente péssimo em jogos que envolvem cartas. Nem “Uno” eu nunca soube jogar direito, pra vocês terem ideia (e nunca parei pra ir muito a fundo também). Aquela brincadeira de “O [insira aqui nome da coisa] é amigos que fizemos no caminho” faz parte do mahjong também!

Aquele jogo contra o Washizu foi um momento de conexão humana que o Akagi nunca tinha sentido até aquele momento. Sim, ele havia sido “contratado” pra sugar a grana do maluco, mas no fim ele não tava nem aí pra isso, ele só queria o desafio de enfrentar alguém à altura. Discutivelmente, aparenta nunca mais ter tido algo no mesmo nível depois, mas conforme foi envelhecendo e jogou naquele torneio, se permitiu conectar com outras pessoas através do jogo, e aqueles 8 caras reunidos à sua volta nos seus segundos finais de vida são a prova cabal de que ele conseguiu as conexões humanas que queria, em algum nível, apesar de estar ciente da sua própria solitude e até apreciar isso. Mesmo os que apreciam a solitude, no fim, precisam de contato humano, e existem poucos meios de confraternização mais eficientes do que jogos, hobbies ou passatempos em comum.

Eu só sei que, no fim de tudo, eu queria saber viver como o Akagi viveu. Pensa num cara que viveu uma vida bem vivida.

Espero algum dia estar no caminho certo pro meu próprio “Tenhou”.

Vocês sabem como isso funciona já!

Hora de falar de alguns mangás que eu não acho que rendem um artigo inteiro sozinhos ou eu só não esteja com energia e disposição/tempo pra fazer um artigo isolado pra eles.

Hoje temos uma história sobre três pessoas lentamente percebendo que se eles se organizarem direitinho todo mundo se beija, um ex-yakuza com coração de ouro sendo o cara mais gente boa do mundo, uma pedrada cinematográfica vindo de um dos artistas mais notáveis da atualidade, uma biografia de grandes nomes do mundo do sumô desenhada pelo artista do Death Note, e um importante manifesto do que difere o ser humano das máquinas na criação de arte.

“Honeymoon Salad”

Esse até que foi interessante.

Foi publicado entre 1999 a 2001 na Young Animal (a mesma revista onde sai “Berserk”), escrito e desenhado por Ninomiya Hikaru, em 5 volumes. É o meu primeiro contato com o trabalho da autora e a primeira impressão foi positiva o suficiente pra querer ler mais dela. Achei a arte dela lindíssima, e isso foi uma parte bem importante do porquê essa leitura foi tão confortável, apesar de tudo.

Já li mangá de romance demais nessa vida, então queria alguns com pegadas um pouco mais diferentes e esse até que veio bem a calhar.

A história aqui é sobre Natsukawa Minori, um cara de 20-e-tantos anos bem rabugentão, que, num belo dia, acaba se reencontrando com uma velha conhecida, Saitou Yoko… que, pequeno spoiler, futuramente nos é revelado que na verdade é a ex-namorada de adolescência dele! Apesar desse vínculo passado, os dois parecem ter uma boa relação, e Yoko aparece do nada porque resolveu meter o pé de sua terra natal pra tentar a vida em Tokyo, e ela quer ser escritora, só que não tem lugar onde ficar, e, por uma série de eventos, acaba ficando na casa de Natsukawa. Paralelamente, o sujeito também acaba se encontrando, por completo acaso do destino, com Saitou Ichika, uma moça misteriosa que mora sozinha, e eles se conhecem durante um mal-entendido, que faz com que acabem tendo mais contato. Acontecimento vai, acontecimento vem, as duas mulheres acabam descobrindo a existência uma da outra e se dão super bem logo de cara, e então surgem com uma brilhante ideia: “que tal se mórassemos juntos nós três?”

E o resto, daqui pra frente nós acompanhamos a vida desse quase-trisal morando juntos e lidando com os problemas do dia-a-dia que se deparam, enquanto só buscam a sua própria felicidade numa sociedade que dificulta cada vez mais esse objetivo. (e não, apesar das duas moças terem o mesmo sobrenome, com mesmo kanji e tudo, elas não são parentes)

Bom, é praticamente um mangá sobre um relacionamento poliamoroso, e acho que só não é mais vocal quanto a isso, a ponto de dizer com todas as letras que o é, provavelmente porque na época em que foi publicado, esse assunto ainda não estava em tanta voga como está hoje. Mas devo dizer que apesar disso, foi uma história bem interessante. Tinha tudo pra dar errado e ser só mais um harém genérico, mas ele traz coisas e temas razoavelmente interessantes pra mesa. Digo “quase” e “praticamente” porque na prática a história não é sobre esse trisal ser consumado, exatamente, e eu realmente não quero entregar spoilers de como a história se desenrola, porque acho o jeito como a narrativa progride até que bastante envolvente, logo desde começo. O ponto aqui é outro, é sobre esses três personagens lidando com as próprias fragilidades emocionais, algumas delas vindo de pressão social, e é aqui que vem o pulo do gato onde esse mangá se sai bem, na minha opinião.

Natsukawa, Youko e Ichika são três pessoas falhas tentando conviver em harmonia uns com os outros e que só querem o que for melhor pro trio. Natsukawa é um porre rabugento que tá quase o tempo todo inquieto reclamando de alguma coisa, Youko é desastrada e desorganizada, e Ichika tem sequelas emocionais de um relacionamento abusivo que vivia pouco antes dessa história começar. E… esses três personagens têm uma química bem orgânica na convivência deles, e é divertido ver as interações entre eles.

Apesar das altas emoções sobre a briga entre o amor e as complicações da vida adulta moderna, adoro como a “atmosfera” desse mangá é quase sempre bem amena e suave, provavelmente porque a arte da autora me passa essa impressão, e as linhas são todas bem delicadas, ao mesmo tempo que não são delicadas demais e têm seu impacto. Há algumas cenas de sexo aqui e ali, muito bem desenhadas por sinal, e até elas passam esse ar melancólico e suave.

Não quero entrar em muitos detalhes sobre a história, por mais que tenham coisas interessantes pra analisar e abordar aqui, porque quero preservar as surpresas pra quem não leu ainda, porque a forma como novas informações vão sendo acrescentadas aos poucos pra entendermos melhor e nos importamos mais com esses personagens me é uma parte bem importante da experiência de lê-lo. Apesar de tudo, a história sabe manter o leitor interessado e genuinamente querendo saber mais.

Pra quem procura um mangá de romance com algo próximo de uma relação não-monogâmica e que lida de forma até que madura sobre o tema e tá cansado dos haréns bobinhos mais focados em comédia (nada contra eles, eu até gosto às vezes mas entendo a canseira que isso dá em muita gente pessoas), acho que pode ser uma boa pedida.

Gostei bem desse. Me parece daqueles que vai melhorar nos meus olhos no futuro numa revisita. (e eu saí bem satisfeito do final, que vejo que até divide opiniões às vezes)

(ah, o motivo do título ser esse também é algo que quero deixar que vocês descubram lendo também)

“Kizu Darake no Jinsei”

Esse aqui eu adorei!

Foi publicado entre 2006 a 2011 na, hoje extinta, Business Jump, desenhado por Saruwatari Tetsuya e rendeu 15 volumes. Saruwatari tem um repertório de mangás de porradaria, e seus trabalhos mais famosos devem ser “Riki-Oh” e a franquia “Tough”. E esse mangá é tangencialmente um spin-off de “Tough”… que não exige absolutamente nenhum tipo de conhecimento prévio pra ser desfrutado tranquilamente. Isso é uma tacada de mestre, eu diria.

Esse é daqueles que já diz pro que veio logo no primeiro capítulo, e o protagonista tem um carisma cavalar que já ganha o leitor logo de cara. Conheçam Nagai Jinsei, um ex-yakuza extremamente bom de briga que decidiu sair do crime organizado e teve uma oportunidade de trabalhar como criado de uma família que muito estima, e finalmente está vivendo o sonho de fazer parte de uma família. Mas… por ser um cara famoso no mundo da yakuza, vez ou outra os caras arrumam confusão com ele, e o cara vai ter que resolver na base da porrada.

Jinsei foi parar nessa família por ter salvo uma garotinha num rio uma vez, e a garotinha era filha de um delegado de polícia bem famoso na cidade, e aos poucos Jinsei e o policial (e sua família) foram se aproximando e formando um laço praticamente familiar. Coisas acontecem e Jinsei acaba indo preso, mas o policial diz que assim que Jinsei for solto, ele será mais do que bem-vindo em sua casa para trabalhar e conviver com sua família.

E então, depois disso veremos Jinsei convivendo com a família Enjoji e tendo um dia-a-dia bem sadio e feliz… até aparecer algum ex-colega de yakuza com algum problema pra resolver ou alguém querendo briga, e aí as coisas ficam sérias e o Jinsei precisa resolver, porque ele é o único capaz disso.

O Jinsei é um cara extremamente carismático, e se você gosta do tipo de personagem “grandalhão forte com um coração de ouro e no fundo brincalhão”, conquista mais fácil ainda. É bem difícil não simpatizar com ele, e tem cenas legitimamente bem engraçadas nesse mangá, além de alguns momentos dramáticos bem sensíveis, de um jeito que eu normalmente não espero vindo do Saruwatari, mas aqui ele entregou isso muito bem. Ele é o coração desse mangá e consegue carregar boa parte de tudo nas costas sozinho.

Além dos capítulos de dia-a-dia, temos alguns arcos mais sérios e dramáticos, que normalmente envolvem alguma treta no submundo do crime acontecendo, e o Jinsei indo ter que fazer o trabalho sujo, por ele ter alguns “contatos” pra facilitar o processo… e bom, ele normalmente resolve na base da porrada mesmo, mas com estilo. Ele tem muita fama como uma lenda no mundo da yakuza, então naturalmente não iam deixar um cara desses em paz vivendo uma vida pacata, então o coitado acaba virando um ímã de treta pros Enjojis, mas no fim das contas, ele sempre salva o dia! E dá gosto ver ele amassando a cara dos vagabundos no soco, o Saruwatari é um dos melhores em desenhar porradaria!

Mas apesar dos momentos gostosos e divertidos, sempre há um har de melancolia em algum nível pairando pelo ar, porque os capítulos iniciais do mangá, que são dois one-shots, que se passam bem lá na frente na timeline da história, já revelam uma informação de virada de status quo bem grande, então quando a gente começa o capítulo 1 de fato, voltando lá do início da linha do tempo, a gente vê o começo dessa história toda e se perguntando como isso vai chegar nesse ponto… até que um dia chega, e a história lida com isso… lidando, eu não vou spoilar não!.

Se você já olhou pra cima e pensou “eu queria um mangá que tem a vibe daqueles jogos Yakuza/Like a Dragon da Sega”, parabéns, hoje é seu dia de sorte! Esse mangá é exatamente o que você procura! E eu nem tô exagerando, é bem parecido em energia mesmo.

Um ótimo mangá de ação! Um dos melhores do Saruwatari e uma das minhas leituras favoritas desse ano!

“Adeus, Eri”

Esse acho que a maioria de vocês já deve conhecer, né? Li recentemente e sei que tô bem atrasado pra esse coro e muito do que tinha pra ser falado sobre já foi dito por aí, mas… cacete, que pedrada! Prefiro evitar falar de coisas muito conhecidas nessa coluna porque não gosto de chover no molhado e prefiro dar espaço pra coisas menos divulgadas, mas acho que não vou ter como evitar dessa vez.

Fujimoto Tatsuki é provavelmente um dos autores mais interessantes da geração de jovens artistas de mangá em ascenção atualmente. Os elogios que ele recebe do público não são à toa e é bem fácil de entender o porquê de seus trabalhos estarem conquistando o gosto de tanta gente. Ele não tá reinventando a roda, mas mesmo assim traz um frescor pra mídia e bastante personalidade, e eu gosto bastante do jeito dele de contar histórias fazendo justaposições entre situações incrivelmente ridículas, absurdas ou surreais e drama humano com temas bem palpáveis e próximos da nossa realidade, usando do absurdo pra tratar de tais temas. E pessoalmente, “Adeus, Eri” deve ser o meu trabalho favorito dele dentre os que li, que foram praticamente todos (não estou em dia com a parte 2 de “Chainsaw Man” atualmente, apesar de ter lido alguns capítulos, mas alguma hora estarei).

Esse mangá inteiro é uma brincadeira com a perspectiva de filmes Found-Footage, em nível de narrativa estética, mas ao mesmo tempo parece também uma resposta à reação pública a “Look Back”, que Fujimoto havia publicado antes, ou até sobre a forma como projetamos a “intenção autoral” quando interagimos com arte num geral. Fujimoto não dá nenhuma resposta direta ao que devemos pensar ou não aqui, então o convite à reflexão é feito ao leitor experienciar e tirar suas próprias conclusões, e é esse tipo de coisa que eu mais gosto que ele faça.

Acho que não tenho muito o que comentar que já não tenha sido dito à exaustão por aí, então só queria deixar registrado o quão excelente achei mesmo (e quem sabe daqui uns anos voltar pra ler isso e discordar completamente de mim mesmo? Às vezes acontece). Vamos pro próximo!

“Chikarabito Densetsu: Oni wo Tsugu Mono”

Claro que não podíamos deixar de voltar pra Shonen Jump afinal! Mas esse é interessante, eu juro… ou pelo menos a história por trás da existência dele é!

“Chikarabito Densetsu: Oni wo Tsugu Mono” (algo como “Lendas de Poderosos Homens: Os Sucessores do Demônio”) foi publicado na Shonen Jump ali entre o final de 1992 e o meio de 1993, e posteriormente teve seus 21 capítulos compilados em três volumes. Ele é uma existência meio curiosa dentro do panteão de mangás que já passaram pela Jump; roteirizado por Miyazaki Masaru, um cara que é conhecido por mangás de mistério e apostas e virtualmente desconhecido fora do Japão, e desenhado por Obata Takeshi, um nome que imagino que dispense apresentações pra maioria de vocês, mas caso não tenham ligado o nome à pessoa, é o mesmo cara que anos depois seria o desenhista de “Hikaru no Go”, “Death Note”, “Bakuman”, entre outras coisas bem famosas por aí, e aqui ele estava ainda relativamente no começo de sua carreira.

A proposta aqui é ser uma biografia contando a ascenção da carreira de duas figuras bem famosas do sumô do começo da era Heisei, os irmãos Takanohana Kouji e Wakanohana Masaru, que alguns anos depois da publicação se tornariam yokozunas (o título mais alto na hierarquia dos lutadores de sumô). O mangá conta a história da infância deles e como eles cresceram e começaram a lutar, até chegarem no ponto onde estavam na época da publicação, pouco depois de Takanohana, o irmão mais novo da dupla, vencer Chiyonofuji, o podeoroso yokozuna da época, que havia lutado contra e vencido o pai deles, umas duas vezes uns anos antes. Eles estavam numa ascenção meteórica de popularidade, que ajudou até a trazer um novo frescor de vida pro mundo do sumô, que andava passando por, relativamente, uma fase de vacas magras. Não sou exatamente um cara muito entendido de sumô (ou de esportes num geral), apesar de curtir ver algumas lutas de vez em quando, de forma bem casual, então não conhecia muito a fundo os caras, apesar de já ter ouvido falar da história deles bem por cima.

Apesar de ser um mangá biográfico, importante frisar que ele vai contar a história de forma dramática em prol do entretenimento. Todos os personagens aqui são baseados em pessoas que existem ou existiram na vida real (alguns já são até falecidos atualmente, como o ex-yokozuna Akebono Tarou, que se foi esse ano, por exemplo), mas eles aparentemente são retratados de maneira até que fiel comparado à percepção pública que tinham na época. Tem horas que esse mangá parece misturar um pouco a historinha tocante com um ar de documentário pra algumas cenas, é certamente uma escolha narrativa que decidiram aqui, e pode parecer um troço meio chato de ler pra alguns, principalmente se você vier ler sem contexto. Ele parece também até ser “feito sob encomenda” às vezes, ainda que pra promover a imagem dos irmãos Hanada, mas quanto a isso não tenho como afirmar com alguma certeza, então é só especulação da minha parte.

Imagino que pra quem não é muito interessado por sumô isso aqui pode ser uma leitura meio chatona às vezes, mas apesar de não ter me enchido os olhos, achei uma experiência bem interessante, ainda que eu tenha ficado mais interessado na história dos caras de verdade e pesquisado por fora depois do que no mangá em si, mas adoro que algo assim tenha existido na Shonen Jump. E é curioso ver o Obata ainda em começo de carreira, a arte dele aqui não lembra quase nada o que se tornaria na década seguinte e… é um desenho bem competente, apesar de nada de muito especial até aqui. Minha talvez única reclamação é que eu tinha dificuldade pra distinguir alguns personagens às vezes, especialmente os dois irmãos (que nem gêmeos são), mas acho que isso é mais problema meu do que culpa do mangá de fato.

E a título de curiosidade, pesquisando por fora, vi que anos depois da publicação desse mangá, uma série de escândalos e desentendimentos envolvendo a família Hanada foram acontecendo, o que faz com que muitas cenas desse mangá tenham envelhecido tão mal que chega a ser meio tragicômico. Os irmãos, que até a época da serialização desse mangá eram tão unidos, hoje em dia não se falam mais e já são brigados há alguns anos. Se quiserem um resumão pra ver depois, recomendo o vídeo do canal “Coisa de Atleta” sobre o Takanohana. Pelo menos é legal saber que ele foi uma das figuras mais notáveis do mundo do sumô das últimas décadas.

Mangá bacana esse, não muda a vida de ninguém, mas até que curti um pouquinho e achei divertido pesquisar sobre os caras e ver algumas lutas deles depois.

“Alabaster no Kisetsu”

Sabem quando você se depara com uma obra que não exatamente emana excelência, mas tem coisas bem importantes sendo comunicadas ali que ressoam diretamente com você? Não são apenas as ditas “obras-primas” que nos acrescentam a nível pessoal, mas às vezes um trabalho que não é tão grandioso assim pode nos ter coisas muito interessantes a nos dizer e que valem a pena serem escutadas… e é meio que parte do motivo pelo qual eu decidi iniciar essa coluna aqui no Medium em primeiro lugar, porque existem vários desses por aí esperando pra serem descobertos enquanto são ofuscados por coisas maiores recebendo mais holofote.

Bom, esse mangá é exatamente um desses casos

“Alabaster no Kisetsu” (“Temporada do Alabastro”) foi publicado na Young King Ours entre 2022 e 2024, compilado em três volumes, escrito e desenhado por Takatsu Makoto. Essa é a minha primeira exposição ao trabalho dele e devo dizer que me causou uma impressão inicial bem interessante e me deixou com vontade de acompanhar seus futuros trabalhos.

A história aqui é a seguinte: o nosso protagonista é um garoto de uns 17 ou 18 anos chamado Maeda Gin que anda com uns amigos meio estranhos e gosta de grafitar paredes, e um belo dia ele é pego no flagra por uma mulher de pele bem pálida e foge correndo deixando pra trás um caderno de rascunhos. No dia seguinte, na escola, ele recebe um bilhete misterioso o chamando para a sala do clube de arte, e lá ele descobre uma mulher nua, que é nada mais nada menos que a mesma mulher do dia anterior que pegou ele grafitando parede, e não apenas isso como também é a sua professora de artes e a supervisora do clube, Sakisaka Sakura, e ela decide usar o aparente talento do garoto pra que ele desenhe nus artísticos dela e direcione esses impulsos rebeldes de adolescente explodindo de hormônios confusos pra virar poder artístico, e assim começa uma… temporada de ode à beleza do Alabastro, tão claro quanto a pele dessa mulher, onde esse garoto confuso com seus instintos irá aprender valiosas lições sobre arte e botar seus hormônios no lugar.

A lição mais importante que esse mangá traz é: arte sem tesão é só falta de força e alma.

Em uma das lições, a professora Sakisaka diz algo que acho que deveria ser emoldurado nas paredes de vários artistas: “Quando estiver desenhando, deseje mais o objeto de sua arte. Se você estiver desentusiasmado por ele, vai ficar nítido em sua arte. Desenha cada linha, cada círculo e até os menores pontinhos com luxúria e paixão.”

E pra mim esse é o grande ponto desse mangá inteiro, o que acaba desembocando em outros assuntos adjacentes até que bem interessantes. Veremos um pouco sobre musas inspiracionais, sinestesia, o propósito da arte, as variações da expressão artística, a “moralidade e validação” da arte, e por aí vai…

No meio disso tudo, surgem discussões se nudez na arte (e consequentemente tesão, excitação, sexualização, etc) a tornariam “suja” ou menos válidas como expressão artística, enquanto temos um garoto que a princípio rejeita a nudez aprendendo gradualmente a aceitá-la como uma parte natural da vida e da arte, enquanto vai desenvolvendo um fascínio pela professora e isso acaba o direcionando pra se encontrar no caminho de arte que mais lhe agrada. Sinceramente? Perfeitamente entendível, é bem fácil entender essa trajetória e se identificar com essa premissa se você já foi um adolescente explodindo em hormônios e com veia pra criação artística também.

Nem tudo são flores, então o mangá demora pra começar a ficar mais interessante, apesar de já plantar sua ideia principal bem cedo, e tem alguns capítulos bem menos fortes do que esses grandes momentos, e acho que o elenco é até meio “inchado demais” às vezes e talvez esse mangá poderia ter tido um pouquinho mais de tempo pra explorar ainda melhor algumas de suas ideias e personagens, mas no que ele acerta, acerta muito bem e acho que consegue transmitir as suas ideias mais importantes de forma eficaz.

Fico com a sensação de que provavelmente algumas limitações editoriais impediram esse mangá de brilhar ainda mais, o que chega até a ser meio irônico porque é um dos temas discutidos aqui de forma mais clara e esse espectro da “patrulha da autoridade sobre a arte” continua pairando até no final, em alguma dose. Outra coisa interessante é que ele poderia facilmente ter se tornado um mero romance entre o garoto e a professora, mas… não aconteceu, pelo menos “não exatamente”, porque acho que o autor soube dosar a parte da “paixão” nos lugares mais interessantes, o que contribuiu pra deixar esse mangá com uma atmosfera mais amena apesar de tudo ser sobre tesão bem canalizado, no fim das contas. (e curiosamente, apesar de algumas cenas de nudez aqui e ali com certa frequência, eu ainda não consideraria esse um mangá erótico, apesar de emanar bastante “eros” às vezes)

Apesar dessas ressalvas, saí bem satisfeito com o que li e acho que isso se encerra bem, no fim das contas. Provavelmente esse mangá vai crescer mais ainda aos meus olhos com o tempo.

Eu pessoalmente o considero um manifesto bem importante do que há de mais humano na expressão artística, algo que é bem relevante pra nós enquanto tema numa era em que a ascenção de IAs generativas está sendo amplamente discutida. Máquinas não são capazes de sentir tesão, mas o ser humano sim, então ele sempre vencerá como o artista superior e mais autêntico.

E aí, gostaram da primeira edição? Vamos lá pra segunda então com mais coisas! Bom, vocês já viram lá como isso vai funcionar, então vamos lá!

Hoje temos mais cancelado merda da Jump, uma experimentação visual muito fascinante, um drama porrada-no-estômago, um olhadela numa coletânea de histórias sobre coisas horríveis mostrando um lado pouco falado de um artista bem famoso, e um mocumentário sobre a produção do primeiro Gundam! Tudo perfeitamente dentro do meu personagem, acredito.

Começando por…

“D.N.A²”

Ai, ai, Katsura Masakazu…

Esse foi aquele tipo de mangá que pra cada coisa legal que eu tenho pra falar sobre, tem pelo menos umas 4 coisas definitivamente-nada-legais vindo junto também (números meramente ilustrativos para fins anedóticos, por favor).

Vocês querem a bottomline logo? Tá, eu achei uma bosta, mas é um tipo estranhamente fascinante de bosta. Ficou ainda mais fascinante pelo fato de eu ter, há uns 2 anos atrás, relido “Zetman”, que eu gostava bastante na época que estava em lançamento e ter achado um verdadeiro merderéu em chamas daqueles que até dá dor física ler as páginas às vezes de tão ruim que é… o quê eu tinha na cabeça com 17 anos pra gostar daquilo, meu deus!?

Enfim, eu pensei em “Zetman” porque esse mangá… tem algumas coisas que provavelmente ajudaram o Katsura a cementar ideias pro futuro. Se você tava ligado nos animes/mangá que uma galera compartilhava na comunidade nos anos 2000, talvez já saiba do que se trata a história, mas caso não, lá vai…

*limpa a garganta com uns pigarros*

No longínquo ano de 2060-e-alguma-coisa, o Japão vive uma crise de superpopulação, e a coisa ficou tão feia que tem até lei proibindo as pessoas de terem mais de um filho, com pena de morte e tudo. O motivo disso é ter um cara que era conhecido como “Mega-Playboy”, que saiu por aí engravidando cem mulheres e espalhando seus genes de Mega-playboy por aí, e assim seus descendentes também seguiram o mesmo caminho. Então conhecemos Aoi Karin, uma agente mandada do futuro até o então-presente ano de 1994 numa missão para impedir o surgimento do Mega-playboy, que está vivo nessa época e ainda não despertou seus poderes de Zé Bonitinho, e aí a garota descobre que o garoto que vai virar o Mega-Playboy é um moleque de 16 anos chamado Momonari Junta, que tem uma alergia esquisita que o faz vomitar quando se sente sexualmente excitado vendo garotas atraentes. Karin dispara uma bala de alteração de DNA no garoto, só que ela acidentalmente dispara a bala errada e atira nele com uma bala que o faz desenvolver poderes de sedução, e agora o objetivo é impedir que ele termine de se transformar no Mega-playboy e alterar a história.

Uau, que premissa idiota! E eu definitivamente respeito ela ser idiota assim! O que eu não respeito é o Katsura ter feito um monte de coisas nesse mangá que são… chatas de doer e absurdamente desinteressantes.

Uma das coisas legais que tenho pra falar sobre é que o Katsura é um ilustrador fenomenal. Qualquer um que vê os desenhos dele consegue perceber isso rápido, e a arte dele nessa época era muito bonitinha, já com a maturidade que ele desenvolveu em “Video Girl Ai”. Além disso, ele é um cara que sabe compôr cenas e páginas boas aos olhos. Tem alguns enquadramentos genuinamente bem elegantes até. A Karin é uma personagem supreendentemente divertida. Tem alguns momentos de comédia tão idiotas que até me arrancaram uma sopradinha pelo nariz. E as cenas de… luta(!?) são até bem feitas mesmo com o contexto de história por trás dela sendo um porre? Sim, você não leu errado, cenas de luta! Mas daqui a pouco eu falo disso (ok que isso não deveria surpreender muito se tratando do cara que anos depois iniciaria “Zetman” e já tinha feito “Wingman” há uns anos antes disso, mas quando penso no Katsura dos anos 90 eu só consigo pensar no cara das comédias românticas mesmo, então é engraçado pensar nisso)

… e acho que acabaram aí as coisas legais, porque quase todo o resto eu achei uma bosta sem graça. Tudo, absolutamente tudo envolvendo os personagens Tomoko e Ryuuji é mais chato que cagar de jaqueta num parquinho à noite em meio ao relento frio do inverno. A piada do Junta vomitando fica velha bem rápido (apesar de ter uma ocorrência bem específica dela que eu gosto, numa cena em que ele está num trocador de roupas com a Tomoko). A insistência do Katsura em usar abuso sexual como ferramenta pra avançar a história é muito repetitiva, e as garotas todas dessa história são um saco, com exceção da Karin.

Bom, eu falei que tem luta nesse mangá, né? Pra minha surpresa, tem! Em dado momento o Junta treina uns superpoderes e luta contra o Ryuuji, outro cara que é um legítimo galinha que quer namorar o máximo de garotas possíveis ao mesmo tempo… e acidentalmente desenvolve poderes estranhos em algum momento de forma similar ao Junta. É muito maluco que o Katsura já tava ensaiando pra “Zetman” aqui, porque o design da transformação do Ryuuji parece muito algo que aconteceria lá. E hilariamente, o Junta vira o “Super Mega-Playboy” pra lutar contra essa ameaça, e fica, na cara dura, um verdadeiro super sayajin, ao mesmo tempo em que “Dragon Ball” estava começando a ir pro seus finalmentes na Shonen Jump quando esse mangá saía (e aparentemente foi sugestão do próprio Toriyama pro Katsura, que é amigo pessoal dele!). O pior é que as cenas de raios voando e porradas estancando são até muito bem feitas, e isoladamente, elas são bem maneiras, só é uma pena que a história por trás disso tudo tava a coisa mais chata possível.

O Junta é bem menos pior do que eu esperava como protagonista, mas até aí eu leio essas comédias românticas da Jump com a expectativa lá no chão na maioria das vezes, então não é uma régua lá muito alta a superar.

Bom, deixa eu ver o que mais… a Ami é super sem graça, a subtrama da garota que peida quando tá nervosa (eu juro que não tô inventando isso) é melhor do que tem direito de ser, apesar de ainda não ser grande coisa… tem uma reviravolta até interessante na reta final… que acaba num jeito que tinha potencial pra encerrar o mangá de forma até ok, mas aí a série foi cancelada e o Katsura talvez não deve ter tido tempo pra pensar em algo melhor… ou ele conseguiu terminar assim mesmo. É estranho que essa série tenha ganhado até um anime pra TV na época! Mas parece ter vendido bem, apesar da baixa popularidade dentro da Jump, pois a versão do volume 1 que eu li dizia que era a 24º impressão!!

Ah, eu gosto das capas também! Elas são bem simples mas gosto de como elas passam um ar meio “parece pôster de filme hollywoodiano de romance ou drama dos anos 90”. É super brega mas é um toque que particularmente gostei bastante e acho que combina com o estilo do Katsura.

Minha nossa, me prolonguei bem mais do que eu esperava, mas esse mangá realmente me deixou com a pulga atrás da orelha. Tenho curiosidade de reler “I”s”, que eu gostava até ok quando adolescente, um dia agora com os olhos de um homem adulto de 30 anos que tem cada vez menos paciência com comédia romântica de escolinha, apesar de ainda morder esse anzol com certa frequência. Não deve ter “envelhecido pior” do que “Zetman”… né?

“Gun Dragon Σ”

Você já viu um “mangá live-action”? Se nunca viu, vai conhecer um agora.

Essa pérola nos é cortesia do Terasawa Buichi, o criador do clássico adoravelmente pulp “Space Adventure Cobra”. Terasawa infelizmente faleceu ano passado, mas deixou um legado bem interessante de experimentações visuais pro mundo dos quadrinhos que acho muito menos comentado e celebrado do que deveria, e esse mangá é uma amostragem curiosa disso.

Trata-se de uma aventura de ação onde a heroína do mangá é uma atriz de carne e osso posando em várias fotos que são usadas aqui, e o resto dos personagens e cenários são todos desenhados em CGI, e isso foi publicado originalmente em 1999! Terasawa não era nenhum novato quando se aventurou a desenhar mangá no computador porque ele já tinha sido um dos pioneiros nisso quando publicou “Black Knight Bat” na Shonen Jump em 1985, que foi um dos primeiríssimos quadrinhos a ser totalmente desenhado com arte digital na história!

Mas aqui ele foi além e meteu até uma atriz de verdade pra ser a protagonista, que foi a modelo taiwanesa Yinling, conhecida também como “Yinling of Joytoy”. Terasawa tirava várias fotos dela com o figurino em poses diferentes num fundo de chroma key e inseria isso diretamente no mangá depois, adicionando efeitos, retículas, e tudo mais depois. Os resultados dessa peripécia são… fascinantes, pra dizer o mínimo.

Há quem ache essa mistura toda de elementos “vale da estranheza” demais, mas eu adoro que algo ousado assim exista e explore limites não explorados. O CGI disso aqui é bem toscão pros padrões de hoje, como se deve imaginar (acho que até pra época ele parecia meio tosco na real), mas acho que é parte do charme da arte aqui.

Agora o mangá em si? Eu sinceramente não tenho muita coisa pra falar dele fora disso, porque a história é bem normalzinha mas diverte, mas não é nada que vá mudar a sua vida ou algo do tipo, mas honestamente, quem precisa que um mangá desses mude a sua vida? Acho que só pelo experimento visual sozinho já vale pelo menos uma olhada, pois é uma proposta bem única. Uns anos depois Terasawa lançou o “Gun Dragon II”, com ainda mais atrizes!

Terasawa Buichi foi um desenhista absolutamente espetacular. Tem quadros em “Cobra” que são um deleite de elegância e me lembram muito alguns quadrinhos europeus, e fico feliz que mesmo depois de serializar isso numa revista como a Jump, ele continuou indo atrás de explorar novas técnicas de fazer arte muito à frente do seu tempo, aparentemente sem se preocupar com qualquer possível reação de estranheza e ver o que colava.

No volume de “Gun Dragon Σ” também há um making-off bem interessante com várias fotos dos bastidores de como foi a produção desse mangá. Gostando ou não, acho que não importa muito, mas adoro que algo como ele exista nessa mídia.

“Kanojo ga Suki na Mono wa Homo de Atte Boku de wa Nai”

Esse aqui foi daqueles que parece uma porrada bem dada na cara, viu?

O título se traduz pra algo como “Ela gosta de Gays, não de mim” (foi publicado oficialmente em inglês como “She Likes Homos, Not Me”) e é adaptação de um livro de mesmo nome originalmente escrito por Asahara Naoto em 2016. A versão em mangá é desenhada por Hirahara Akira e foi publicada dois anos depois, em 3 volumes.

A história aqui é a seguinte: Andou Jun é um jovem que parece ter uns 16 ou 17 anos e ele é um garoto gay ainda no armário, sofrendo com bastante homofobia internalizada, apesar de viver sua homossexualidade por aí tendo até um pseudo-sugar daddy, mas sempre em conflito consigo mesmo. Um belo dia, ele está numa livraria e olhando mangás BL com certa curiosidade, até que acaba vendo Miura Sae, uma garota de sua escola, comprando um volume qualquer de algum BL lá e isso chama a atenção. A garota, coitada, fica constrangida de ser pega no flagra, mas isso leva à aproximação até que amistosa dos dois, e a garota gradualmente acaba se apaixonando por ele, que resolve aproveitar a oportunidade para se relacionar com uma menina e provar pra si mesmo que não é gay e que pode “viver uma vida normal” e ver se dá tudo certo.

Naturalmente, como vocês já devem esperar, não poderia dar mais errado do que deu, e esse relacionamento entre uma fujoshi e um garoto gay ebulindo de homofobia internalizada vai virar uma montanha-russa de emoções e angústias. Parece uma premissa engraçadinha, a princípio, mas esse definitivamente não é um mangá de comédia. Jun tem um relacionamento complicado com um cara mais velho, que vive encontrando em segredo, enquanto Sae é uma garota como qualquer outra de sua idade querendo se apaixonar, viver e tudo mais. A história às vezes vai por uns caminhos bem pesados, e imagino que pra quem já deva ter lidado com a experiência de internalizar homofobia pra si mesmo isso tenha batido bem na casinha.

Apesar de tudo, na minha visão de homem cis hétero que nunca precisou lidar com essa realidade diretamente e é meramente um aliado à causa, senti que a história lida com boa sensibilidade com esses tópicos, embora a apresentação às vezes possa parecer meio engessada. Quando os bons momentos funcionam, eles têm bastante força e no fim, acho que tem uma história bem satisfatória aqui. Imagino que muitos dos méritos sejam do livro original, mas o mangá faz bem também.

“Daifurinden”

Ok, desde que eu li esse eu tava precisando botar pra fora com alguém, e essa coluna é a desculpa perfeita pra isso, porque preciso que mais gente saiba que isso exista.

“Daifurinden”, cujo título pode significar algo como “Grandes Crônicas de Infidelidade” (!) é um mangá do Matsumoto Leiji, um dos padroeiros do sci-fi japonês moderno no mundo do mangá e anime, mais conhecido por “Yamato”, “Harlock” e o meu xodózinho especial “Galaxy Express 999”, e esse mangá é completamente diferente do tipo de coisa que ele costumava fazer (e curiosamente, o trabalho dele em mangá parece bem pouco discutido fora do Japão, a propósito), e isso foi publicado em um volume só, em 1972, na revista adulta masculina Heibon Punch, conhecida por competir diretamente com a Playboy japonesa. Heibon Punch essa que nem era exatamente uma revista de mangá, mas vez ou outra trazia essas coisas nela, apesar de ser mais focada em artigos sobre temas dos mais variados, desde política, esportes, sexo e dia-a-dia.

A premissa aqui é a seguinte: somos apresentados a um personagem chamado Utamaro, que vaga por aí sem muito rumo vendendo seus serviços, enquanto é acompanhado de sua irmãzinha criança inocente. O serviço que esse cara vende? Ele é um destruidor-de-lares a domicílio!

Utamaro é essencialmente contratado por homens que estão de saco cheio de suas esposas e não sabem como se livrar delas sem levarem de brinde um divórcio que os fará ter de pagar pensão alimentícia a elas, e o serviço dele costuma ser bem simples: transar com a esposa do contratante, para assim criar a evidência de infidelidade, livrando o cliente da necessidade de pagar a pensão e saindo do divórcio “com a vantagem”.

Em outras palavras, é como se o ator que faz o Tochiro nas histórias do Harlock tivesse interpretando um comedor-de-casada de aluguel, e a cada capítulo somos apresentados a um novo conflito onde veremos de perto as disfunções familiares entre os gêneros e famílias se desfazendo de maneiras bem amargas.

Independente de tudo, não dá pra negar que é uma premissa bem original, e é curioso vermos absolutamente nenhuma gotinha de ficção científica, algo comum nos universos criados por Matsumoto, aqui. Esse não é o único trabalho de teor erótico que ele fez, mas aqui vemos mais uma demonstração desse lado pouco discutido de seu trabalho, e de um jeito mais específico, porque o tom costuma ser bem mórbido. As mulheres quase todas são desenhadas igual à Maetel do GE999, como esperado do Matsumoto, mas um detalhe que acho engraçado aqui é que praticamente todos os homens que aparecem são desenhados nos mesmos moldes dos homenzinhos feios da tripulação do Harlock que não sejam o próprio Harlock ou o Daiba… acho que pra quem já viu o anime ou conhece um pouquinho esses cacoetes do Matsumoto já deve ter entendido o que eu quis dizer.

Tem muita coisa interessante aqui pra se pensar sobre, e tudo é abordado de forma bastante cinza, na maioria das vezes, pra que essa ambiguidade não entregue todas as respostas da história, que não pende pro lado dos contratantes em nenhum momento. Nem sempre o serviço é pra gerar infidelidade forjada, há uma ocorrência onde um pai contrata Utamaro para sua filha viúva superar o ex-marido, e uma outra absolutamente horrível onde um pai o contrata para que Utamaro mostre à sua filha jovem “o apelo de um homem”. As cenas de sexo são quase sempre discretas, e com elipses sem muito enfoque no movimento, então não é pra vir esperando coisa que saiu de um doujin hentai. É bem ao estilo do Matsumoto de sempre, em termos de narrativa visual.

Apesar de ser um personagem totalmente cinza, uma coisa interessante sobre Utamaro é o seu esforço em tentar manter a inocência de sua irmã, que o acompanha em suas viagens. Ela não parece saber o que exatamente Utamaro faz pra ganhar o pão de cada dia, mas ele faz seu esforço pra que ela permaneça no escuro quanto a isso o máximo possível. Esse mangá não chega a nenhuma conclusão de nada sobre seus personagens, só mostra esses pequenos episódios na vida deles, e algum causo ou outro que viram que os fez pensar sobre essa situação e temas específicos. Me sinto que é daqueles que acho que pouco importa ter gostado ou não, mas gostei de ter me sentido desafiado pelo que o Matsumoto me trouxe pra mastigar aqui.

Definitivamente não é pra todo mundo e é fácil sair incomodado da leitura, mas é uma experiência interessante, principalmente pra quem que conhecer esse lado pouco visto do Matsumoto.

Só uma curiosidade antes de irmos pro último mangá do pacote de hoje: vocês sabiam que “Utamaro” é uma gíria pra definir homens japoneses com o pênis de tamanho acima da média japonesa? O nome provavelmente se deve por causa das pinturas eróticas do Kitagawa Utamaro (1753–1806), famosíssimo artista de ukyo-e da era Edo que frequentemente mostrava pintos enormes em ação em seus desenhos. Bom, eu não sei o que vocês vão fazer com essa informação depois disso, mas agora sabem!

“Gundam wo Tsukutta Otokotachi.”

Esse tava na minha lista já faz um bom tempo, mas finalmente li!

Saiu em inglês oficialmente como “The Men Who Created Gundam” há um tempo atrás, e é mais conhecido como “Gundam Sousei”, e foi originalmente publicado em 2009, de autoria de Oowada Hideki (mais conhecido pelo seu mangá onde políticos resolvem acordos diplomáticos em partidas malucas de mahjong, o “Mudazumo Naki Kaikaku”)

Isso aqui é exatamente o que o título e a capa fazem parecer que é: um documentário (tá mais pra um “mocumentário”, na real) sobre a produção do primeiro Gundam!

Várias anedotas famosas entre os fãs estão aqui, o mangá inclusive abre com o Tomino dando tapa na cara do Furuya Tooru pra ele entregar decentemente a fala do Amuro dizendo que nem seu pai havia lhe batido assim, depois de apanhar do Bright!

Veremos várias pessoas bem famosas aqui também, e o próprio Tomino por exemplo, acompanhado de gente como Yasuhiko Yoshikazu e Itano Ichirou (os capítulos focados nele são muito engraçados). A Abordagem da coisa toda é claramente cômica e muito exagerada em prol do entretenimento, então deve ser levado como ficção, obviamente, apesar de baseado em fatos reais… até porque o Tomino daqui vez ou outra vira saia de meninas e age como um taradão, coisa que eu acho que o Tomino de verdade odiaria ver sendo mostrado desse jeito, mas enfim!

Veremos parte da concepção da série, várias piadas referentes à história e produção, além de todo um drama mostrando o impacto da série na cultura pop da época, lá no alto do alvorescer da “cultura otaku” como conhecemos, ali com a estreia da versão para cinema. Você, fã de Gundam como eu, provavelmente já conhece a história e esses bastidores e já leu mil vezes sobre o assunto também, então não tem muita novidade pra nós, então a graça aqui é só se deixar levar pelas caricaturas dos eventos e personagens envolvidos!

Um must-read pra fãs de Gundam num geral! (até porque eu acho que há bem pouco apelo nesse mangá pra qualquer outro grupo de pessoas, mas quis incluí-lo aqui porque sim)

Eu escrevo muito mas não posto tão frequentemente aqui, né?

Gostaria de postar mais aqui mas não é sempre que tenho inspiração e tempo livre pra pensar e escrever (e às vezes pesquisar) sobre coisas, e às vezes energia fica em falta também e a preguiça bate forte, mas… tô sempre lendo coisas, apesar de nem tudo eu achar que tenho tanto a dizer assim, a ponto de justificar um texto com pelo menos cinco mil palavras existir, mas… eu gosto de falar de coisas! Então acho que tô afim de tentar uma parada nova nesse perfil no Medium pra tentar movimentar as coisas e até servir de exercício mental pra mim mesmo, em algum nível.

A ideia é isso ser uma nova “coluna”, onde eu pego umas quatro ou cinco leituras que tive recentemente, ou simplesmente lembrei que existiu em algum momento da minha vida, e… comento brevemente sobre. Me conhecendo, o foco muito provavelmente serão mangás, mas não duvidem que caiam quadrinhos de outras bandas por aqui (ou talvez comente até outra coisa que não seja banda desenhada, tipo filmes ou animes, se eu acordar com vontade de meter o louco ou ficar sem ideia).

Vale tudo, desde mangá merda cancelado da Jump, uma leitura mais “cabeça” que eu tenha algo interessante pra falar sobre mas não queira me prestar o esforço de fazer um artigo gigante como normalmente faço, uma série mais longa ou famosinha que eu só não tenha muito o que falar que já não tenha sido falado antes, jóias perdidas que eu acabei descobrindo por acaso, ou algo que experienciei há muito tempo atrás e me deu uma coceirinha aleatória que eu lembrei sobre e quero trazer à tona pra mais gente… as possibilidades são muitas! Se você gosta de ler minhas opiniões e comentários sobre coisas mas acha meus textos habituais longos ou cansativos (ou talvez até pretensiosos) demais, acho que essa coluna é pra você!!

(e por favor, não encarem isso necessariamente como uma “seção de recomendações”, até porque eu provavelmente pretendo colocar mangás que acho ruins aqui de vez em quando se achar que vale falar algo sobre, mas como sempre, sou a favor de todos seguirem a lei do “vá ver por si mesmo e tire suas próprias conclusões”, independente de qualquer coisa que eu fale sobre o que aparecerá aqui)

Então vamos lá…

“Mizu no Tomodachi Kappaman”

Vamos começar com cancelado da Jump? Vamos!

“Mizu no Tomodachi Kappaman” (“O Amigo Aquático Kappaman”) é um tipo curioso de cancelado da Jump, porque é daqueles que, apesar da estadia curta, conseguiu entregar bem o que queria fazer e fechou a sua história sem deixar tanto pra trás (fora que eu também não consigo imaginar uma história como essa indo muito mais longe do que foi). Eu devo ser um dos 5 ocidentais que gostam muito do Tokuhiro Masaya, então ver que isso recebeu tradução em inglês me chamou a atenção, já que nunca achei nem em japonês facilmente antes.

Esse mangá foi publicado entre o final de 1995 e o meio de 1996 e durou 35 capítulos na Jump, e a história aqui é a seguinte: logo somos apresentados ao nosso protagonista, Kawatarou, que é meio kappa (por parte de pai) e meio humano (por parte de mãe), e ele vivia com sua família próximo a um rio até que um dia sua mãe desaparece sem deixar pistas de pra onde foi, e o garoto continua morando com o pai por uns anos, até que este morre, e então, Kawatarou parte numa viagem pra encontrar sua mãe, e o acompanhamos já adolescente. Durante a viagem, Kawataro acaba conhecendo Mai, uma belíssima garota muito fissurada por youkais, que no fim, acaba o hospedando em sua casa… um templo budista onde mora com o seu pai solteiro, que é monge. E então, agora morando na casa de Mai, o jovem Kawatarou irá lidar com causos bizarros de youkais enquanto procura pistas do paradeiro de sua mãe, e é entusiasmadamente ajudado pela garota, que vai desenvolvendo uma paixonite nele.

Eu… gostei, mas o Tokuhiro definitivamente não está no seu auge aqui (especialmente logo depois de ter vindo de seu trabalho mais famoso na Jump, “Tar-chan”, que havia sido encerrado há alguns meses atrás… e “Kyoushirou 2030”, o seu melhor mangá na minha opinião, começaria uns 2 anos depois), mas é um mangá que tem personalidade e até sabe uma coisinha ou outra pra entreter. Ele não tem erros tão grandes, mas… os acertos dele também não são muito grandes. O Tokuhiro é um cara competente em fazer comédia besta, mas nessa série em especial ele parecia muito pouco inspirado e várias piadas só tropeçam e caem com a própria cara no chão e acabam sendo bem sem graça (mas de vez em quando tem algumas que genuinamente me arrancam o mesmo sorriso que eu fazia lendo “Tar-chan”).

Uma coisa que me chamou a atenção aqui é o quanto de ação esse mangá tem. Uma coisa que eu sentia lendo “Tar-chan” é que o Tokuhiro parecia gostar bem mais de fazer humor do que ação e luta, apesar de eventualmente ele ter pego o jeito e feito uns arcos de ação maneirinhos, principalmente depois de entender que ele pode apostar na justaposição entre dramalhão e tensão e ação e comédia se alternando (de forma similar ao que seu pupilo mais famoso, Oda Eiichiro, faz até hoje em “One Piece”… inclusive, o Oda foi assistente do Tokuhiro durante a produção de ambas as séries). Eventualmente a ação e a história vão ganhando uma forma até bem sólida, apesar de não ser nada que salte muito os olhos ou seja excepcional. O Kawatarou tem carisma, e eu adoro a química dele com a Mai, eles formam uma dupla (e casal) divertida até.

Esse mangá tem um jeitão meio “Gegege no Kitarou com mais ação e piadas sexuais e escatológicas às vezes, e discurso ambientalista”, em algum nível. Não impressiona, mas também não ofende, mas por eu já gostar do autor previamente, me senti compelido a ser agradado aqui. Mangazinho simpático, apesar de não muito forte.

“Ijiranaide, Nagatoro-san” (Não Mexa comigo, Nagatoro”)

No momento em que escrevo isso, “Nagatoro-san” está ainda em andamento e a UM capítulo de ser encerrado, e eu duvido bastante que esse mangá cometerá alguma coisa tão drástica nesse final que mude a minha opinião sobre ele de forma radical, então acho que vale trazer aqui.

Esse acho que muitos de vocês já conhecem ou no mínimo ouviram falar, é uma série popular, afinal, mas… peguei pra dar uma olhadinha agora que fiquei sabendo que está pra ser encerrado. E foi uma bela surpresa! Em condições normais eu acharia uma série dessas um saco, mas esse aqui conquistou o meu respeito até que bem rápido.

Acho que vocês já conhecem a premissa, mas enfim: uma garota toda sapequinha e serelepe conhece um garoto mirradinho e cabeludinho super tímido com pouquíssimo traquejo social, e de alguma forma fica interessada nele e só consegue demonstrar isso com provocações e grudando nele igual chiclete e chamando “senpai, senpai, senpaaaaaai!” o dia todo, e aí a gente vai acompanhar o dia-a-dia deles e conforme eles vão se aproximando até inevitavelmente formarem um casal e namorarem (algo que só vai acontecer oficialmente próximo ao fim da série).

Eu gosto de comédias românticas, mas minha paciência pro gênero tem ficado mais curta conforme tenho ficado mais velho, principalmente se ela se passa em ambiente escolar. Então, o que exatamente me chamou a atenção aqui?

Duas coisas, a princípio: o compromisso desse mangá com a própria premissa e a energia da arte dele!

A Nagatoro é uma personagem cheia de vida e os desenhos dela fazendo de tudo acabam sendo MUITO bem-feitos, e em várias cenas eles têm bastante movimento e é tudo muito dinâmico e confortável de ler, sem excessos de texto ou de informação nas páginas e nos quadros. Tudo tá na medida certa pro que um mangá como esse pede. O maneirismo de ser uma história sobre “menina bonitinha extrovertida conhece garoto introvertido submisso a ela” se mantém super firme pela série inteira, e apesar do risco altíssimo de virar um mero self-insert de fetiche (algo que por si só não seria problema, vale ressaltar), consegue entregar mais do que isso, e dar situações bem interessantes pro garoto fazer também, além de um desenvolvimento legal pra ele na história. E tudo isso raramente falando o nome dele no mangá, que só vai ser revelado depois de no mínimo uns 10 volumes, mais da metade da série! Eu aprecio demais tamanho compromisso de levar essa piada de o nome do senpai não importar o mais longe possível na série, algo que já é dito pela Nagatoro logo nos primeiros capítulos.

Mas além de humor consistente e do casal principal ser legal, o elenco de apoio também é bem divertido, mesmo que às vezes a piada da presidente do clube de arte ser uma exibicionista seja super previsível (mesmo que me faça rir toda vez). Acho que não consigo apontar algum personagem que eu tenha desgostado aqui… exceto os amigos extremamente sem-graça do senpai, mas eu não chego a desgostar deles, só não fedem e nem cheiram.

Mangá divertidíssimo e genuinamente afiado no que faz. Espero que se encerre bem, pois merece. O autor pode fazer um mangá de judô um dia que eu não irei reclamar, pois adorei a forma como ele desenha lutas de judô com a Nagatoro.

“A Noite da Princesa Uriko, a Manhã da Cinderela: e outros contos reimaginados” (“Urikohime no Yoru, Cinderella no Asa”)

Eu não sou exatamente um grande fã ou entendedor do Morohoshi Daijirou, mas ele é um mangaká bem fascinante e eu seria maluco se não fosse capaz de reconhecer a sua importância. Ele é uma figura quase desconhecida fora do Japão, mas é um cara bem influente pro mundo dos mangás de horror, e a série “Youkai Hunter” é um verdadeiro parque de diversões pra ele fazer histórias do gênero puxando conceitos bem variados como horror cósmico, antropologia, religião, contos e lendas populares e misticismo.

E esse aqui é o primeiro trabalho do Morohoshi a ser lançado no Brasil! Naturalmente não pude deixar escapar e dar os parabéns à Editora Conrad pela iniciativa. Eu raramente tenho comprado/lido quadrinhos físicos hoje em dia, então esse acabei esperando uma promoção legal surgir pra pegar, e quero trazer aqui porque sei que passou fora do radar de muita gente.

Esse é uma coletânea de cinco contos curtos do Morohoshi, mas todos eles são versões alternativas de histórias folclóricas já conhecidas (assunto esse que interessa bastante ao senhor Morohoshi). Essas histórias foram publicadas entre 2009 e 2013, sendo assim de uma safra bem mais avançada do trabalho do autor do que eu já conhecia.

Entre as histórias, temos uma releitura do mito da Urikohime, que faz parte do título da coletânea e é logo a primeira história. Bastante interessante. Há outra com paralelos ao mundo real moderno, uma versão alternativa do conto da Cinderela, uma releitura de um conto chinês envolvendo corvos (essa é uma das mais legais, inclusive). É um apanhado de contos de vários tipos, apesar de todos eles terem o mesmo inevitável “toque Morohoshi”, que já tem em seu históricos releituras de várias histórias dos Irmãos Grimm e uma releitura de “A Jornada ao Oeste” relativamente famosa.

A arte talvez cause estranhamento a quem não está familiarizado com o trabalho dele e possa achar “preguiçosa”, mas acho super eficiente e com bastante personalidade, pois gosto do jeitão bem rústico dos desenhos dele. Num geral, são bons contos fechados, ainda que tenha uns dois ou três que se destaquem mais que a média.

Infelizmente, só dá pra ler esse comprando ou pegando emprestado com alguém, mas numa promoção legal acho que vale a pena dar uma olhadinha. Me foi uma leitura interessante e seria legal ver mais Morohoshi Daijirou no Brasil. Imagino que “Youkai Hunter” poderia fazer sucesso por aqui, mesmo que o trabalho dele seja relativamente nichado.

“Dust 8”

Tezuka Osamu tem tanta coisa pra ler que provavelmente será uma presença constante nesse tipo de post, e ele nunca para de me entreter e surpreender.

Essa série foi publicada em 1972 na Shonen Sunday e a história começa quando um avião cai numa ilha após se chocar contra uma montanha misteriosa dela, e do acidente, sobrevivem 8 pessoas. Porém, essas pessoas não deveriam ter sobrevivido, e só foram capazes disso por fragmentos da montanha misteriosa terem caído em seus bolsos e roupas, e então, nos é revelado que a tal montanha era feita de rochas mágicas com energia vital e que trazem de volta pessoas mortas se caso seus pedaços tiverem contato com seres vivos. Os sobreviventes escapam da ilha, e então, o guardião da Montanha, um ser misterioso, comanda duas crianças, que na verdade são espíritos da montanha tomando os corpos de duas crianças que estavam no avião, pra agirem como anjos da morte atrás dos sobreviventes do acidente e trazerem os fragmentos da montanha de volta à ilha.

Esse é interessante, mas é daqueles que poderia ter brilhado muito mais se tivesse sido dado o tempo pra se desenvolver melhor, coisa que fica bem clara no capítulo final e no posfácio escrito por Tezuka. Em cada capítulo, os dois protagoninstas (chamados apenas de “Kikimora”, sem nomes específicos) abordam um sobrevivente do acidente, e esse sobrevivente normalmente tem algum assunto pendente em vida pra resolver antes de morrer, e que normalmente costuma ser o motivo da súplica para os anjos da morte. Em algum nível, me lembra um pouco “Black Jack”, onde a estrutura básica de cada capítulo pode apresentar personagens que serão usados pra tratar de temas específicos e socialmente pertinentes à época.

Em um deles, a sobrevivente é uma apresentadora de rádio que está liderando uma onda de protestos em prol da liberdade de um estudante estrangeiro (vindo de um país fictício provavelmente inspirado na Coréia do Norte) que está sendo acusado de um crime que não cometeu. Em outro, vemos uma garota doente que acaba despertando a empatia de um dos anjos o bota em conflito moral com o seu dever; em outro, os anjos precisam levar um pintor falido cujos quadros não vendem nada e ele quer deixar uma obra final no mundo antes de morrer. O meu capítulo favorito é sobre um piloto japonês (o sobrevivente da vez) que vai parar numa ilha remota no pacífico com uma zoóloga americana, e eles encontram um soldado perdido do exército imperial japonês desde a Segunda Guerra Mundial vivendo em paralelo a uma tribo local (muito provavelmente inspirado na história do Yokoi Shoichi, que era super recente quando o mangá saiu), e mostrando o quão maluco e desconectado da realidade o cara ficou de tanta propaganda fascista na ideia.

Infelizmente, o mangá se encerra meio às pressas e de forma desajeitada, mas isso de deve a ter sido cancelado em sua serialização original, que a propósito, não se chamava “Dust 8”, mas sim “Dust 18”! Tezuka tinha planos ainda maiores para essa história, inclusive trazer personagens que apareceram em alguns capítulos anteriores novamente para adicionar mais algumas reviravoltas e temas, porém a série não foi tão bem recebida quanto o esperado. Para a publicação em encadernado então, Tezuka mudou o nome da série (originalmente eram 18 sobreviventes ao invés de 8), além de ter editado e modificado algumas cenas e diálogos para que possam comportar à mudança de título e premissa, e no fim, o resultado é o mangá que temos acesso hoje.

Apesar de não ter atingido o potencial que tinha, a série conseguiu ser interessante o suficiente pra me deixar uma impressão forte e bem sólida. Não diria que está entre os melhores trabalhos do Tezuka, ou muito menos entre seus trabalhos mais representativos, mas ele já traz um Tezuka bastante amadurecido em relação às suas fases anteriores, e isso é legal de se observar.

“O Diário do Meu Pai” (“Chichi no Koyomi”)

Guardei o melhor pro final!

Na data da publicação do texto, “O Diário do meu Pai” é o mais novo mangá do Taniguchi Jiro a ser lançado no Brasil, e consigo dizer que achei, com bastante folga, um dos melhores dele.

Esse foi publicado em 1994, e a história começa quando Yoichi, típico trabalhador, qualquer recebe a notícia de que seu pai, que há mais de dez anos não via, faleceu, e então ele volta à sua terra natal, em Tottori, para o funeral. E no funeral, ele conversará com alguns parentes, sobretudo sua irmã e um tio, sobre várias histórias a respeito do falecido, e assim Yoichi vai descobrindo coisas que não sabia sobre o seu pai, passando a vê-lo com outros olhos e enfim entendendo essa figura que por muito tempo lhe pareceu tão enigmática.

Esse aqui foi uma porrada bem dada, viu? O Taniguchi é muito conhecido e admirado por ter histórias bem contemplativas e algumas de “Homem vs Natureza”, mas é nos dramas humanos que ele me pega. Nada contra “O Homem que Passeia” ou “Gourmet Solitário” e similares, eu super entendo o apelo, apesar de não clicar muito comigo, mas o meu sabor favorito de Taniguchi é ele fazendo esses dramas reflexivos bem pessoais e intimistas.

Não acho que esse mangá seja autobiográfico ou coisa do tipo, como “Zoo no Inverno” (que eu também acho ótimo, aliás) é, mas o jeito que a história é passada parece tão intimista e pessoal que passa essa essa impressão, fora que a escolha do local ser Tottori, a terra natal de Taniguchi, e a idade do protagonista ser praticamente a mesma que o autor tinha na época da publicação não me parece ter sido por total acaso. O que temos aqui é um estudo de personagem fascinante e muito envolvente, conforme vamos descobrindo sobre o pai de Yoichi junto com ele, e tirando nossas próprias conclusões sobre ele, ao mesmo tempo que vemos o protagonista viver as fases do luto uma atrás da outra e ir assimilando o processo todo aos poucos. Mesmo sendo uma história sobre luto, em algum nível, ela não é nem um pouco mórbida, e até parece uma celebração da vida do falecido às vezes, e trata os seus temas com bastante sensibilidade e sinceridade. Ao mesmo tempo, também vamos vendo como foi a vida de Yoichi desde sua infância até onde ele chegou, e observando sua visão de mundo sobre seu pai e o ambiente à sua volta.

No final, eu já tava bem impactado pelo todo da leitura, e deu vontade de até aplaudir, porque não é todo dia que se vê um mangá tão concisamente bom desses.

Tranquilamente vai figurar entre as melhores leituras que tive esse ano, foi excelente.

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Bom, acho que é isso por enquanto. Se vocês gostaram desse formato comentem aí, que dependendo do quão bem-recebido isso tiver sido e da minha disposição, talvez eu faça isso mais vezes. Também aceito recomendações! Quem sabe eu acabe lendo alguma dica de vocês e acabe aparecendo aqui futuramente?

Bom, à essa altura acho que todo mundo já tá sabendo, né… E quando digo “todo mundo” é TODO MUNDO MESMO, saiu em praticamente todos os veículos de notícias imagináveis. Até no Jornal Nacional da Rede Globo passou!

Toriyama Akira, aos 68 anos de idade, faleceu, no último dia 1 de março de 2024, apesar de a notícia só ter sido divulgada no dia 8. Esse procedimento é comum no Japão quando gente famosa morre, pra dar tempo dos familiares e amigos próximos poderem fazer o velório e terem seu luto em paz sem o assédio da mídia. Eu lembro que quando saiu a notícia da morte do Taniguchi Jiro, por exemplo, já faziam uns bons meses que ele tinha falecido.

Numa coincidência muito bizarra, na tarde do dia 7 de março, me peguei pensando aleatoriamente em como é muito comum mangakás não mostrarem o rosto publicamente, e como hoje em dia a gente muitas vezes não sabe nem o gênero dessas pessoas ou o nome verdadeiro deles, já que muitos usam pseudônimos. Aí eu lembrei que a gente até tem algumas poucas fotos do Toriyama rodando por aí (e engraçadamente, em quase todas elas ele tá sorrindo), mas a grande maioria das poucas fotos que existem são bem antigas.

Lembro que em 2017 saiu uma foto nova dele que tiraram do coitado quando ele só foi botar o lixo pra fora em frente ao seu estúdio. É uma foto meio engraçada até, que ele tá de moletom e gorro, como se tivesse acabado de acordar, e diferente da grande maioria das suas fotos antigas, ele não tava sorrindo, mas com uma cara de “puta merda, eu não posso nem jogar o lixo pra fora mais sem me perturbarem”. Inclusive, acho que essa é a foto mais recente que existe dele, provavelmente foi a última que conseguiram tirar e imprimir publicamente assim.

E agora, olhando com mais atenção, se você botar uma máscara no Toriyama nessa foto, não fica nada longe do Tori-bot, o seu clássico avatar que aparece desenhado em todas as suas publicações, e curiosamente, pra mim, é um de seus designs mais icônicos, o que já é um feito gigantesco por si só se tratando de um artista com um currículo tão imponente quanto ele.

Enfim, pensar em mangakás não mostrando a cara, me fez pensar no Toriyama, que por sua vez não mostra muito a cara também, mas até aí ele não precisa mostrar o rosto, porque seus personagens já são “a cara Toriyama” pra mim. A gente não sabe se a cara do Leonardo da Vinci era a mesma que vemos em algumas pinturas já que não existiam câmeras na era da Renascença, mas a gente sabe que a Mona Lisa é a cara “arte” dele, e isso é o que ficou pra posteridade, o que importa.

E pensar no Toriyama, por sua vez, me fez pensar nessa “cara arte” dele, e pensar nele como mangaká absurdamente excepcional, quadrinista de primeira linha e ilustrador de mão cheia, com a personalidade estética que poucos poderiam sonhar, e então, me peguei pensando “mano, se eu não tivesse conhecido o trabalho desse cara na infância, minha vida provavelmente seria muito diferente, ele foi a minha porta de entrada pra esse mundo e foi excepcional. O cara é foda demais e tá aí vivão pra curtir o sucesso do trabalho dele, merecidamente. Vida longa ao Toriyama!”

… mal sabia eu que horas depois, antes de dormir, iria me deparar com um post no Twitter vindo da conta oficial de Dragon Ball, com um textão escrito todo em japonês num fundo branco e com um texto do tweet com legenda “um recado aos fãs e leitores”. Ver esse tipo de tweet vindo de contas oficiais de mangakás, séries e estúdios, é tipo receber ligação de telefone depois das 22h, mesmo antes de atender, você já sabe que não é notícia boa, na imensa maioria das vezes. Foi assim quando o Miura do “Berserk” morreu também, e mais alguns outros.

Eu nem precisei ler o textão todo pra saber do que já se tratava, bastou eu bater o olho no “68歳” e eu já tinha sacado o que era a mensagem toda mesmo sem ler o resto. Me veio um inevitável “não, cara, não pode ser… isso só pode ser brincadeira, não é possível”, e aí fui ler o resto e cara, não deu, eu desabei feio e fiquei arrasado, como se tivesse acabado de ouvir que um velho amigo se foi. Foi meio complicado dormir depois. Ultimamente, minha saúde mental já não anda das melhores, sendo bem generoso nas palavras, então isso foi mais uma bolada na cara pra coleção, mesmo que admitidamente não tenha tanto impacto consequencial prático na minha vida pessoal e eu estando perfeitamente ciente disso.

Mas por que isso me chocou e afetou tanto? Eu nunca conheci o Toriyama pessoalmente, ele nem sabe quem sou eu ou sabe da minha existência, mas mesmo assim a morte dele me chocou como se fosse um parente que tivesse morrido. E agora, quando eu paro pra pensar, a obra do cara esteve comigo a minha vida inteira, desde que eu me entendo por gente.

Uma das minhas memórias mais antigas de todas, por exemplo, é assistir “Dragon Ball” no SBT, com provavelmente uns 4 ou 5 anos de idade, e esse ano eu estarei chegando na casa dos 30. E eu já gostava, apesar de ainda não ter lá muita capacidade mental pra acompanhar e entender uma história serializada por ser pititico demais, e essa foi uma das minhas primeiras exposições a anime na vida, isso se não tiver sido a primeira.

Quando “Dragon Ball Z” chegou na exibição na Band, eu já era um pouco mais velho, e era O NEGÓCIO que eu acompanhava no Band Kids… até porque eu ia pra escola de tarde nessa época, então quando chegava só dava tempo de ver o DBZ mesmo, já que deixavam isso pro final. E ainda bem, porque ali, vendo aquilo, nunca mais fui o mesmo e esse desenho mudaria pra sempre a química do meu cérebro e o meu apreço por cultura pop. “Dragon Ball” era provavelmente o assunto que TODOS os moleques da escola tinham em comum, até eu que era bem recluso e tinha bastante dificuldade pra socializar e me enturmar com outras crianças conseguia participar da conversa também. Acho que “Dragon Ball” era pra nós o que as novelas eram pras nossas mães. Eu nem falo que era só “coisa de menino” (mesmo que indiretamente acabasse sendo), porque de vez em quando apareciam algumas meninas que acompanhavam também até! (e hoje a gente sabe que deviam ser muito mais, na real, porque meninos são umas pestes e meninas merecem socializar de formas mais saudáveis do que moleques de 8 anos do começo dos anos 2000 poderiam oferecer)

Anedota pessoal à parte, acho que isso fala bastante sobre a força da obra do Toriyama de cativar pessoas dos mais diferentes tipos. Eu já peguei até o meu pai assistindo casualmente algumas vezes, em dias que ele tinha folga do trabalho, e ele surpreendentemente tinha simpatia pela série! E não era só na TV, não! Tinham altos jogos de videogame pra galera curtir também, eu particularmente jogava muito os jogos de luta da série que saíram pro Super Nintendo e pro Mega Drive e ainda tinha a trilogia de pseudo-RPGs “Legacy of Goku” no Game Boy Advance, que mesmo tendo um primeiro jogo bem fraquinho mecanicamente, era bem marcante.

Mas acho que a maior porrada de todas nessa febre toda, foi quando o mangá caiu no meu colo. Eu tinha por volta de uns 8 ou 9 anos de idade e vi os primeiros volumes na casa de um primo mais velho e parei pra ler e foi amor à primeira vista. Era a primeira vez que eu lia um quadrinho japonês, e “de trás pra frente” (coisa que eu me adaptei bem rápido até) e era diferente de tudo que eu conhecia até então. Era rápido, dinâmico, visualmente atrativo e ágil, arte limpinha, empolgante. Acabei pegando o resto da série aos poucos pra ler, emprestado com um coleguinha de escola que tinha os volumes, por causa do irmão mais velho que comprava, na época que a Conrad publicava aqui. Foi lendo o mangá que eu coloquei a história toda “em ordem” pra mim mesmo, depois de ver vários trechos e arcos às vezes de forma separada ou até faltando alguns episódios no anime, e foi o primeiríssimo mangá que eu li na vida e completo. O negócio era tão foda que eu queria até desenhar também e acabei pegando ainda mais gosto por desenhar, coisa que se manteve até ali pro meio ou final da minha adolescência, quando finalmente entendi que não tinha talento pra isso e era perfeccionista demais pra aceitar que precisaria passar por um processo de aprendizado errando muito pra ficar bom.

Depois de “Dragon Ball” eu vi que “esse negócio de mangá é foda demais, quero mais” e aí não teve mais volta, fui lendo vários, um atrás do outro, até ser o connoisseur de mangá que eu sou hoje. E eu falo de cara limpa, que mesmo centenas de séries depois, milhares de volumes depois, eu consigo contar nos dedos quantas coisas se equiparam ao nível do que vi no magnum opus do Toriyama. É um dos melhores quadrinhos (sim, não só mangá) de todos os tempos, e eu esbravejo essa afirmação com toda a coragem do meu ser. E não se enganem achando que estou falando isso puramente baseado em nostalgia ou valor emocional, eu revisitei a série algumas vezes ao longo da vida e hoje eu acho a obra AINDA MAIS imponente do que achava quando criança, principalmente agora que eu conheço bem profundamente os pormenores de como mangás são feitos e conheço um monte de histórias de bastidores e até li o resto da bibliografia do Toriyama e inúmeros clássicos formadores da mídia. Mesmo antes e depois de “Dragon Ball”, tem pouquíssima coisa que consegue sonhar chegar minimamente perto.

E o mais impressionante de tudo pra mim? O Toriyama desenhou essa porra toda com pouquíssimo ou nenhum planejamento de longo prazo, foi puramente improviso e mesmo assim ele conseguiu, de alguma forma, criar um dos quadrinhos mais redondos de todos os tempos. O Isayama Hajime se cagou todo com “Attack on Titan” planejando horrores e tendo o cuidado possível dentro do limite de suas habilidades, enquanto o Toriyama provavelmente nem sequer sabia o que ele ia desenhar no capítulo seguinte, só pegava a caneta e ia fazendo.

Quem pensa muito sobre produção de histórias longas assim sabe o quão insanamente difícil é fazer uma história puramente na base do instinto e do improviso igual ele fez, e mais impressionantemente ainda, dar certo. O Nagai Go conseguiu isso em “Devilman”, mas mesmo lá, ainda que seja um excelente mangá, tem suas rebarbas.

O Toriyama é um mago por ter feito uma insanidade dessas dar certo na magnitude que deu por mais de 500 capítulos compilados em 42 volumes, é até engraçado pensar em como a série escala. Começando com uma releitura de “Jornada ao Oeste” e no final o negócio escalando pra guerreiros voadores atirando raios uns nos outros capazes de pulverizar planetas em batalhas onde o destino do universo estava em jogo, e mesmo assim, isso tudo fazer sentido pra caralho, ainda que não haja nenhuma explicação pra naquele mundo existirem dinossauros, robôs malucos, lutadores de artes marciais, animais antropomorfos falantes, seres humanos, seres mágicos, demônios, alienígenas, monstros bizarros e tudo mais coexistindo junto. Ele fez a gente aceitar essa mistureba toda com uma naturalidade surreal, sem questionar, e alimentou a nossa imaginação desse jeito.

Eu consigo falar sobre os méritos de “Dragon Ball” por muitas horas, mas não quero tornar esse texto gigantesco, porque acho que isso merece o seu próprio artigo, ainda que já tenha sido discutido inúmeras vezes o quão excepcional ele era em composição de páginas de ação. Então, pra tentar mudar um pouquinho de assunto, quero falar de um aspecto da obra do Toriyama que eu acho que é até meio subvalorizado.

“Dragon Ball” é, de longe, o mangá mais globalmente popular da história, e seu sucesso conseguiu atravessar gerações, a ponto de pais e filhos ambos serem familiarizados com a história. Até o meu pai conhece algumas coisas da história da série, e ele não é nada ligado em anime/mangá! O negócio não apenas furou a bolha, ele a obliterou completamente. Son Goku é facilmente colocável ao lado de personagens como Drácula, Frankenstein, Hércules, Sherlock Holmes, James Bond, Superman, Odisseu, e sua história provavelmente vai continuar sendo falada e lembrada mesmo daqui uns 100 anos. É um poder de alcance de zeitgeist cultural muito absurdo que pouquíssimos criadores conseguem sonhar em chegar.

… e naturalmente, um sucesso global gigantesco desse acabaria ofuscando o outro grande trabalho de sua carreira nos mangás: “Dr. Slump”.

“Dr. Slump” foi um sucesso bem grande também, mesmo fora do Japão, com o anime sendo exibido em alguns países europeus e até pela América Latina (esquisitamente, o Brasil não participou da festa, já que só veríamos a série dando as caras aqui com o mangá mesmo), mas mesmo sendo gigante, não teve o mesmo sucesso global… até porque é meio injusto comparar com uma das histórias mais populares de todos os tempos. Mas sabem de uma coisa? “Dr. Slump” é maravilhoso também! É o mais puro suco de Toriyama em seu estado natural, e eu digo até que “tanto quanto Dragon Ball”, por mais que alguns discordem de mim nessa.

“Dr. Slump” é um mangá de comédia bem idiota, do jeito que deveria ser, e ele não tem medo de ser idiota e acabar sendo criativo e inventivo no processo. Tá, tem muita piada com cocozinho, que é algo muito especificamente pra crianças japonesas acharem graça, já que por algum motivo elas acham cocô engraçado… se bem que, peraí, a gente aqui às vezes ri de umas piadas envolvendo bosta também e todo mundo conhece pelo menos um tiozão de 50 anos que já caiu na gargalhada tentando contar uma piada de peido ou de caganeira, se divertindo mais do que todo mundo que tava ouvindo. Quer saber? Retiro o que eu disse, as piadas de cocô de “Dr. Slump” são bem mais universais do que parecem, mesmo que bem juvenis. Me pergunto se a imagem da Arale catucando cocôs com gravetos ensinou às crianças que liam a Jump no começo dos anos 80 que existe alguma graça em cocôzinhos, e isso acabou sendo imprimido no zeitgeist mental. É, eu não tenho dados pra apontar isso, então vou ficar devendo, mas não me surpreenderia se fosse o caso.

Mas ei, nem só de piadas de cocô vivia “Dr. Slump”, a Vila Pinguim era cheia de personagens malucos tipo a organização do mundo de “Dragon Ball” onde um monte de elementos diferentes que aparentemente não fazem sentido juntos estão em harmonia, e isso dava palco pra todo tipo de história louca possível, além das invenções atrapalhadas do Dr. Senbei que acabavam causando o caos. As vezes que o Dr. Mashirito aparecia eram impagáveis também.

Inclusive, a primeira vez que eu fiz scanlation na vida foi um capítulo de “Dr. Slump”! Eu fiz unicamente como passatempo e acabou me servindo de ferramenta de aprendizado de algumas coisas pra editar quadrinhos no photoshop. Era especificamente o capítulo 3, onde o Dr. Senbei inventava um óculos que dava visão de raio-x, e ele saía pra tentar ver se conseguia espiar por trás das roupas das mulheres, só que evidentemente, tudo acaba dando errado pra ele. Eu devia ter mais ou menos uns 14 anos quando fiz essa edição. Uma pena que eu perdi o arquivo, mas talvez tenha uma cópia perdida dele em algum HD velho aqui em casa e eu procure em outra ocasião, mas que nostalgia que me deu lembrar disso… Até nisso a obra do Toriyama sempre esteve presente comigo, cacete.

“Dr. Slump” é um mangá fácil de cada pessoa ter um capítulo favorito diferente, eu particularmente lembro de um muito engraçado onde o Dr. Senbei, já casado com a Professora Midori, decide sair pra jantar com ela, um jantar em família num restaurante chique, só que acaba sendo um rolê meio “família buscapé” com a Arale fazendo bagunça no restaurante e o próprio Senbei não sabendo como se comportar nessa situação. Acho que o meu momento favorito deve ser os capítulos da introdução do Obotchaman, no volume 13, porque eu acho muito engraçadinho ele e a Arale brincando quebrando tudo com ela indo parar na lua e voltando pra Terra, e a confusão que vem depois disso, que, em algum nível, parece uma versão prototipada de muita coisa que veríamos em “Dragon Ball” futuramente.

A minha coisa favorita da série, é como o Toriyama se permite ser bobo, e ele abraça todo o lúdico desse mundo maluco e tá constantemente brincando com os limites dele e aumentando ainda mais essa barreira. Falo tranquilamente que “Dr. Slump” é um dos mangás que mais terminaram “no seu auge” na história da Shonen Jump, porque quando a série tava em seus capítulos finais, o Toriyama tava mais inventivo e cheio de vida do que nunca antes em seu mangá, e é fascinante como “Dragon Ball” herdou isso e adaptou à sua própria maneira, sendo um estilo totalmente diferente mas sem deixar a essência pra trás. Eu até fui exposto a alguns volumes de “Dr. Slump” quando era criança e adolescente (e evidentemente curtia), mas só fui conseguir ler a série na íntegra já adulto lá pra quando eu tinha uns 20 ou 21 anos no máximo, já com bagagem mais avançada de mangá, então deu pra saborear muito bem com essa ótica e percebendo o quão especial ele era.

Sempre digo que o Toriyama já era o rei da comédia só por causa de “Dr. Slump”, mas se consagrou ainda mais quando em “Dragon Ball”, pegou o Vegeta, o orgulhoso príncipe dos sayajins, todo cheio de “hurrr durrrr, eu vou destruir a Terra, seus vermes insolentes, HAHAHAHAHA!!!” e transformou ele em “marido capacho” da Bulma que agora parece um gremlin adestrado raivoso morando na casa dela, e provavelmente apanha de rolo de macarrão de vez em quando igual pai abestado de série de sitcom de família americana, meio Fred Flintstone assim, enquanto vira um dos heróis principais da série. Não é uma piada de punchline, a própria existência do personagem por si só se tornou uma piada, e não só isso como essa piada criou um arco de redenção genuinamente bonito pra um cara outrora cruel e psicopata igual o Vegeta. De guerreiro intergalático e provavelmente um dos seres mais poderosos do universo a “apanharia da mulher se tentasse sair escondido pra tomar uma cervejinha e é zoado pela filha se deixar o bigode crescer”. Não sei vocês mas acho uma sacada divertidíssima e genial de subversão com o velho tropo de “antigo adversário se torna um aliado” de vários mangás de luta, como já havia aparecido no “Ring ni Kakero”.

Isso já tava presente em “Dragon Ball” de ponta a ponta, mas acho que ler “Dr. Slump” com essa “atenção de sabido do assunto” me fez perceber e valorizar mais que uma das principais características do trabalho do Toriyama como mangaká é a simpatia, a irreverência e o carisma, e quanto ele só deixa rolar. Acho que Dragon Ball ter sido inteiramente desenhado no improviso é mais do que prova disso, ele só usou o “método Dr. Slump” com um mangá de gênero diferente e, estranhamente, deu certo até demais, a ponto de mudar de forma irreversível pelo menos umas três mídias diferentes. Isso é muito maluco de se pensar. Às vezes o segredo tá na simplicidade das coisas juntas.

Um grande exemplo de “menos é mais” na carreira dele pra mim é o design dos Slimes de “Dragon Quest”. Sem brincadeira nenhuma, é um dos designs mais icônicos da carreira do cara, e é um troço inacreditavelmente simples que ele deve ter desenhado em dois minutos e agora tem quase quatro décadas inteiras de influência, e contando! Ele só pegou um slime qualquer de RPG da quela época, puxou uma pontinha pra cima como se fosse uma gotinha caindo e botou uma cara besta de “:D” nele e pronto, tá aí um dos designs mais icônicos da história dos videogames. Era totalmente diferente do que o Horii Yuji pediu pra ele, mas ele entregou desse jeito porque quis e assim ficou, acho maravilhoso. Três formas geométricas muito simples combinadas num rabisquinho simples e pronto.

E já que estamos falando em videogames, eu de verdade não consigo imaginar “Dragon Quest” sem os designs de personagens e monstros do Toriyama. Os monstros, dragões, caveiras, cavaleiros, demônios, magos… tudo muito único e singular, transbordando de carisma. Além de ótimo contador de histórias e quadrinista excepcional, ele era um excelente ilustrador também. “Chrono Trigger” é um dos meus jogos favoritos da vida e um dos raríssimos casos de jogo que não consigo apontar defeito, mesmo já tendo procurado bastante, pelo puro experimento científico de ver se conseguia, e eu não consigo imaginar como seria sem os designs do Toriyama. Ok, vários deles parecem personagens de seus mangás, o Crono é quase um Goku de cabelo vermelho, a Marle parece a Bulma só que loira, e eu gosto de imaginar a Lucca como uma versão adulta da Arale que cresceu e virou cientista igual o Dr. Senbei, mas a gente tinha o Frog e o Robo! Dois dos personagens mais icônicos da história dos RPGs!

Eu nunca cheguei a jogar “Blue Dragon” porque nunca tive um Xbox 360, mas mesmo ouvindo que o jogo não era tão bom assim, eu queria jogar só por causa dos personagens do Toriyama, esse é o nível do carisma.

e cara, como esse cara desenhava bem as mais variadas coisas e tudo, TUDO tinha o “toque” dele, deixando o desenho facilmente reconhecível, até mesmo as máquinas e os robôs. Olha pra cara do Saber, do “Dragon Quest V” (eu adoro que o nome dele em japonês é “Borongo”, aliás), nem sequer é um personagem humano, mas ele tem toda a carinha de um personagem desenhado por ele. Ter uma identidade visual tão facilmente reconhecível assim é demais.

Uma outra coisa foda no desenho do Toriyama é como tudo parece ter sustância, e pra isso, vou parafrasear algo que o Araki Hirohiko, criador de “Jojo’s Bizarre Adventure”, outro mangá que foi crucial pra minha formação na adolescência, disse sobre, em julho de 2022, quando ele redesenhou uma das capas de “Dragon Ball”:

“Os desenhos do Toriyama parecem básicos e planos, mas eles possuem um estranho nível de 3D-eza neles. É uma técnica incrível capaz de ‘criar um efeito 2D e um 3D ao mesmo tempo’, enquanto ainda torna visualmente agradável”

ler esse comentário do Araki me fez entender e dar nome a essa sensação de que tinha algo bem vivo nos desenhos do Toriyama. E é muito engraçado que até em “Dr. Slump”, um mangá de comédia, gênero que não costuma ser exatamente lembrado por mangás de arte mais “rebuscada” isso já se fazia bem presente ocasionalmente.

Mas enfim, acho que falar das habilidades do Toriyama é chover no molhado e eu consigo fazer isso por horas e esse texto não acabaria nunca, mas quero encaminhar esse texto pra sua conclusão apontando uma última coisa que eu me peguei pensando depois de ler a notícia do falecimento e toda a comoção que isso causou, em mim incluso: o legado da obra do cara.

Sem brincadeira, acho que eu não consigo pensar em NENHUM dia em pelo menos nos últimos 20 anos da minha vida em que eu não tenha esbarrado o olho em pelo menos um ou dois personagens desenhados por ele. Seja em algum meme besta nas redes sociais usando os personagens pra ilustrar, estampa de camisa de alguém que vi na rua, algum muro grafitado com o Goku ou Vegeta, tatuagens nas pessoas, ou até dentro da minha própria casa, nem que seja em alguma camisa minha ou nas estantes com mangás dele.

Ok que o fato de eu estar inserido numa comunidade que conversa bastante sobre mangá e anime acaba facilitando muito pra tornar isso inevitável, então eu acabo sendo meio suspeito pra falar, mas mesmo quando eu não tô procurando nada, não é nem um pouco difícil esbarrar em imagens desenhadas pelo cara. Não fazem muitos dias desde que eu tô escrevendo esse texto de que vi um fiscal de sala de concurso público com uma tatuagem enorme do Vegeta cobrindo o antebraço todo dele, e o cara parecia ter da minha idade pra menos. Você provavelmente já viu também alguma lanchonete chamada “Goku Lanches” ou algo similar.

Eu não acompanho futebol, mas vira e mexe não é raro jogadores imitarem a pose do Kamehameha (e outros golpes icônicos da série) ou fazerem a dancinha da fusão pra comemorar gols e coisa do tipo. O Richarlison, um dos jogadores destaque da seleção brasileira na Copa do Mundo de 2022, tem uma tatuagem do Goku no braço. Já teve um jogador do Fluminense que era popularmente chamado de “Kuririn” pela galera por ser careca. Mesmo nos lugares mais “improváveis” de algo tão “otaku”/”nerd” aparecer, você vai dar de cara com imagens ou símbolos referentes a algum personagem de “Dragon Ball”. Mesmo se você não for um nerdão esquisito que nem eu, é relativamente fácil se esbarrar nessas ocorrências.

Acho que não consigo pensar em nenhuma outra série de mangá/anime com um poder de alcance tão grande de, não apenas furar a bolha, mas estourá-la completamente. “One Piece” pode até ser o mangá mais vendido de todos os tempos, e é outra série que eu amo com todo meu coração e é muito importante pra mim, mas não dá pra competir com “Dragon Ball” nisso. Ele é >O< sinônimo de mangá e anime pra muita gente. Apareceu até um moleque fazendo cosplay de Goku numa novela da Globo há alguns anos atrás e isso parecia ser engraçadamente relevante pra história! Se eu perguntar pros meus pais, nada ligados em cultura pop japonesa, quem é o Goku, eles vão saber me responder algo! Eu duvido que saberiam dizer algo se eu perguntasse quem é o Luffy, por exemplo.

Tá, talvez daqui a alguns anos a gente descubra se “Naruto” tem o mesmo alcance, apesar de ser gigantesco também, mas mesmo com tanto tamanho, acho que ainda não chega no que “Dragon Ball” é em zeitgeist cultural, e eu tenho minhas dúvidas se vai atravessar gerações igual ele fez. Me lembro de ter uma ocasião em que fiquei surpreso de ver que primos uns 10 anos mais novos que eu conheciam a história todinha e os personagens também. “Saint Seiya” foi um fenômeno gigantesco no Brasil antes mesmo da obra de Toriyama dar as caras por aqui, mas não conseguiu colar com a galera das gerações seguintes igual seu rival fez.

“Dragon Ball” é pra todo mundo, e tá em todo lugar. Mesmo quem não gosta tanto assim ou até mesmo não acompanhou, sabe alguma coisa ou outra sobre e até reconhecer a sua iconografia quando a vê. E até pra leitores de mangá da nova geração que nunca leram o nem curtem, não dá pra fugir. O Toriyama tem boas chances de ser o mangaká favorito do seu mangaká favorito numa Shonen Jump da vida se caso ele fizer mangá de luta, o DNA da série influenciou não só um gênero inteiro como uma mídia inteira. O mundo do mangá (e por extensão, dos animes) não foi mais o mesmo depois de Toriyama Akira.

A comoção global que estamos vendo diante da morte dele me parece como se estivéssemos experienciando em primeira mão como seria se houvessem meios de comunicação globalizados rápidos na época em que precisaram noticiar a morte do Leonardo Da Vinci, Homero, Hokusai, Michelangelo, Mozart, Pablo Picasso, Shakespeare, Mary Shelley, e tantos outros artistas importantíssimos de séculos passados.

Nem quando Tezuka Osamu e Ishinomori Shotaro, tão ou ainda mais influentes pro mundo do mangá que o Toriyama, faleceram isso aconteceu… em parte porque em 1989 e 1998 mangá ainda não era algo tão globalizado quanto hoje fora do Japão, sejamos sinceros, mas isso é bem maluco de se pensar. Tezuka e Ishinomori que me perdoem, por mais que sejam meus mangakás favoritos, mas acho que o Toriyama talvez seja o artista de mangá mais popular da história dessa mídia, ainda que tenha sido favorecido pelas condições de seu tempo. Tá, eu sei que comparações de “um mais que o outro” são uma idiotice absurda pra ficar pensando nisso, mas é meio que numa dessas que cai a ficha do quão gigante o cara era. Só posso imaginar que se eles tivessem num contexto similar ao do Toriyama, seriam as únicas pessoas do mundo do mangá capazes de gerar tamanha comoção nesse nível.

E ainda digo mais, com a cara mais limpa de todas: não acho nenhum exagero dizer que o Goku já está tão imortalizado no imaginário popular cultural quanto personagens como Frankenstein, Mickey Mouse, Drácula, Hércules, Sherlock Holmes, James Bond, Superman, Romeu e Julieta, Batman, Odisseu, Rei Arthur, entre tantos outros.

“Ah, mas ele foi inspirado e até leva o mesmo nome de um personagem que já era isso”, talvez você tentado me refutar mentalmente. Sim, eu conheço a história do Son Wukong e eu sei o que é “Jornada ao Oeste”, mas vamos combinar, quantos não-asiáticos você conhece que sabem disso? Talvez você até encontre alguns, mas não serão muitos, menos ainda que conhecerão em detalhes. Son Wukong e Son Goku podem até levar o mesmo nome e ter mais ou menos a mesma base, mas no fim das contas se tornaram personagens bem diferentes um do outro. Importantes, mas acho bem mais provável que as pessoas conheçam o Goku do Toriyama do que o da literatura chinesa.

E sabe o que é mais maneiro? O cara conseguiu esse feito ainda em vida, enquanto vários dos artistas que citei lá atrás só foram ter reconhecimento póstumo (e alguns foram até amplamente sabotados e sacaneados por circunstâncias além de seu controle, infelizmente). O Van Gogh não teve a chance de ver seu trabalho ser mundialmente aclamado enquanto vivo.

Não sei quanta noção o Toriyama tinha do próprio sucesso global e não posso falar por ele nessa, mas eu particularmente me sentiria bem lisonjeado se visse fotos de meus personagens ilustrando muros de locais públicos em vários países no mundo ou jogadores de futebol imitando poses de kamehameha pro mundo inteiro ver da forma mais espontânea possível, ou até pessoas de todos os tipos os tatuando em sua pele pra acompanhá-los pro resto de suas vidas de forma física. E pensar que ele teve a oportunidade de saber dessas ocorrências ainda em vida e se sentir com tamanho poder.

Eu nem vou falar que “o mundo do mangá perdeu uma lenda”, porque o homem pode até não estar mais entre nós, mas a obra ficou pra posteridade e ele deixou um legado que vai continuar sendo sentido por no mínimo o resto desse século. É o tipo de artista que raramente se vê em vida e tivemos a oportunidade de pisar no mesmo planeta que um cara desses, humilde que parecia ser, apesar das grandes habilidades. Saber que “tem um cara por aí respirando o mesmo ar que nós fazendo umas coisas muito fodas e unindo um monte de gente no zeitgeist geral das coisas” é uma coisa engraçada de se pensar.

Eu provavelmente não seria o mesmo sujeito que sou hoje se não fosse por um carinha japonês que se desenha como um robô gorduchinho mascarado e que por um acaso era muito bom manuseando canetas.

Muito obrigado pelas aventuras e risadas, Toriyama-sensei. Espero que o paraíso realmente tenha revistas de sacanagem e modelos de carrinhos de plástico pra montar igual você imaginava.

[AVISO: esse texto terá MUITOS SPOILERS da série original de “Mobile Suit Gundam”, de 1979, e consequentemente, suas versões alternativas]

Há não muito tempo atrás da publicação desse texto, a pergunta “Com que frequência você pensa no Império Romano?” viralizou nas redes sociais, num contexto onde mulheres perguntavam isso aos homens que conheciam e, inesperadamente, recebiam respostas positivas indicando que havia alguma frequência. Bobeiras de “comportamento de homem vs. comportamento de mulher” à parte, foi um questionamento que gerou reflexões curiosas e interações divertidas.

E, sim, eu, como entusiasta de história que sou, penso no Império Romano com alguma frequência, de fato, então não me parece uma pergunta exatamente inusitada de se esperar uma resposta positiva, se direcionada a mim. Minha namorada, por exemplo, nem perguntou isso pra mim porque ela já sabia que eu ia responder algo como “sim, de vez em quando, apesar de eu pensar mais frequentemente em outros eventos históricos tipo o Império Mongol ou o Bakumatsu” e aí nem teria graça ou efeito “TikTokável”.

Entre as coisas que eu penso mais frequentemente do que no Império Romano, estão… “Mobile Suit Gundam”, mais especificamente o Universal Century, e mais especificamente ainda, os trabalhos dirigidos pelo Tomino Yoshiyuki, o criador da série original. Então, sim, Gundam é totalmente o meu “Império Romano”.

Sem brincadeira, pelo menos algumas vezes por semana eu lembro ou penso sobre alguma coisa a respeito dessas histórias do Universal Century do Tomino. Imagino que estar cercado de outros fãs do negócio, entre muitos outros fatores, ajude a tornar isso meio inevitável.

Entre todas essas possíveis coisas de Gundam que podem vir à minha cabeça, na maioria delas são cenas e temas das séries, ou até reflexões sobre algum personagem específico. Eu tenho uma cena bem específica da série original de 1979 na qual penso com muita frequência e sempre volto pra revisitá-la.

Recentemente, resolvi fazer um experimento no meu humilde perfil no Twitter: perguntei aos meus seguidores fãs de Gundam qual seria a cena favorita deles da série original. Aquela que ficou marcada e pensam o tempo todo.

Algumas constatações interessantes que pude fazer com o que me responderam lá:

• Houveram bem mais respostas do que eu esperava. Mais de cem.
• Não apenas foram muitas respostas, mas elas também foram surpreendentemente bem variadas, ainda que houvessem algumas cenas que apareceram com bem mais frequência.
• Foram citados momentos de praticamente todas as fases da série. Desde o início, o meio e os episódios finais, apesar de estes últimos serem os mais numerosos.
• Uma quantidade considerável das respostas NÃO envolvia cenas de ação, explosões, tiros ou Mobile Suits (e pelo menos metade delas envolviam mortes de personagens).

Bom, entre as respostas que se repetiram com mais frequência, estava justamente a minha cena favorita, que mais ficou marcada a ferro embrasado na minha mente desde a primeira vez que assisti: a morte da Lalah Sune, e todo aquele diálogo final que ela tem com o Amuro instantes antes disso.

Essa cena assombra a minha mente há mais de uma década, e ela evoca muitos dos temas mais interessantes de Gundam pra mim, que é a tragédia humana causada pela guerra e… a realidade dos “Newtypes”.

Se você está lendo um texto sobre Gundam que se abre com aviso de spoiler, presumo que eu não precise explicar o que seja um Newtype. Bom, vez ou outra vejo dizerem que esse conceito acaba distraindo o expectador dos temas bélicos da franquia, e que soa distoante com o resto da história “pé no chão” que estava sendo apresentada até aquele ponto. E eu não poderia discordar menos!

Pra mim, “newtypes” são tão essenciais às primeiras séries de Gundam quanto carne é pra um Big Mac, e a cena da interação final dentre Amuro e Lalah é a coroação disso pra mim na série original, porque ela é uma das mensagens trágicas anti-guerra mais forte que poderiam existir numa série dessas: a tragédia entre duas pessoas em lados diferentes de um conflito que entenderam o coração um do outro, mas foram separados pelas circunstâncias do conflito armado e fragilizados pelo desgaste emocional e conflitos internos que vivenciaram até aquele ponto por causa disso.

E isso é tão crucial pra essa história, que literalmente existe um livro precisamente sobre essa parte específica da série, escrito pelo próprio Tomino, e assim finalmente cheguei no que me motivou a escrever esse texto…

Apresentando o livro

“Kidou Senshi Gundam: Mikkai - Amuro to Lalah” (“Mobile Suit Gundam: Encontros Secretos de Amuro e Lalah”, em tradução por minha conta), é um livro escrito por Tomino em 1997 publicado pela Kadokawa Shoten. Essa história foi originalmente publicada em dois volumes, mas posteriormente foi recompilada, corrigida, reorganizada e reimpressa em um livro só, em 2000.

* Importante dizer também que esse livro possui uma tradução amadora recém-finalizada pro inglês, no blog “Gunbuster Novel Translations”, feita por TheIdeon. Nesse blog existem traduções de novelizações de animes famosos, e traduções de diversas entrevistas sobre o assunto. Se isso é do seu agrado e você entende inglês, recomendo fortemente.

Enfim, apresentando brevemente o livro, ele é uma releitura resumida da história da série original, mas focando primariamente no Amuro e na Lalah, e suas interações e “conexões”. Antes que alguém pergunte, é bem diferente da outra versão novelizada do Gundam original, também escrita por Tomino, entre 1979 e 1981, que apresentava diferenças bem gritantes em relação às versões animadas.

“Encontros” (passarei a me referir assim ao livro) é bem mais próximo da versão animada, apesar de pular vários eventos para focar sua atenção em mostrar uma preparação narrativa para o clímax psicológico entre Lalah e Amuro. Uma proposta bem interessante, pra dizer o mínimo.

Eu sei que muitos fãs de Gundam não são exatamente familiarizados com o trabalho literário do Tomino, mas, é, ele escreveu bastante ao longo de sua carreira, desde livros originais (como “Garzey’s Wing” e “O Coração do Rei”) a novelizações de animes que ele dirigiu, como algumas séries de Gundam, “Ideon” e “Brain Powerd”.

Eu não vou nem tentar fingir que entendo de literatura pra analisar a prosa literária do Tomino e tentar falar como ela é, mas a impressão que fica é que ela é bem descritiva e “crua”, além de às vezes considerada “complicada”. Como não me considero apto pra fazer essa análise com o senso crítico literário que eu gostaria, vou citar um parágrafo do capítulo 9 que me chamou bastante a atenção enquanto eu lia, descrevendo um pouco da experiência sensorial do Amuro no campo de batalha, e deixo vocês tirarem suas próprias conclusões:

“Era como se essas máquinas de forma humanóide se chamassem ‘Mobile Suits’ apenas para ofendê-lo. Com quase vinte-e-cinco metros de altura, elas eram controladas por um computador incompreensível e estar confinado ao cockpit localizado em seu peito era exatamente como ser selado dentro de um caixão. Toda a má sorte de Amuro começou quando ele entrou em uma dessas máquinas de guerra e se mostrou capaz de produzir resultados. A razão pela qual ele não foi punido pelos militares era porque queriam usá-lo até que morresse. Era torturante, teria sido preferível uma condenação adequada. No campo de batalha, aquele Mobile Suit branco instantaneamente o transformava em alvo, e ele podia sentir os pensamentos dos outros pilotos o atingindo, tentando arrancar as entranhas de sua cabeça e garganta.”

Forte, né? A comparação do cockpit do RX-78 com um caixão me fez até olhar meio diferente pro formato dele, e engraçadamente sempre achei que o escudo lembrava um pouco o formato da tampa de um caixão.

Esse livro tem mais algumas passagens bem interessantes sobre as políticas de imigração do povo da Terra para as colônias, bem como suas vidas lá. Uma parte bem grande do capítulo 2 é dedicada a isso, como pode ser lida em:

“A história da exploração da Terra, que continuou pelo século XXI, finalmente empurrou o planeta à beira da morte. Consumo de recursos requer consumo de energia, e consumo de energia desperdiça recursos Para a maioria das pessoas continuarem com suas vidas diárias, comida precisava ser transportada para regiões remotas. Comunicação usando boca e ouvidos e transportes terrestres tornaram-se insuficientes, e uma multitude de redes de comunicações e transportes os substituíram. Casas precisavam fazer mais do que abrigar pessoas,e roupas e ferramentas eram atualizados anualmente, e essas estruturas eram vistas como atos de conhecimento, de cultura.

Vivendo vidas assim, os humanos modernos se tornaram mais aristocratas do que realezas medievais, se esquecendo de como usar o dinamismo dado a eles por seus braços e pernas, bocas e ouvidos, e esquecendo que, ainda que de dentro de suas casas, formadas por uma miríade de tecnologias que davam suporte a tais órgãos, no fundo eles eram animais

[…]

Diante de tal entendimento óbvio, o capitalismo moderno teve uma revelação. O Espaço Sideral permite espaço infinito para consumo!

A humanidade, que prosperou por causa da atividade econômica, não tinha como chegar a outra conclusão lógica. Era o pensamento de que, do ponto de vista comercial, tudo podia ou ser lucrativo ou não.

Mesmo que o desenvolvimento espacial que resultou nessa ideia desastrada pudesse oferecer nenhuma ajuda em prolongar a expectativa de vida da Terra, pessoas escandalosamente proclamavam o quão golpe de sorte era que a ciência e a tecnologiam progrediram de tal forma que tornassem a emigração espacial possível.

Da conclusão lógica desse raciocínio, surgiram a formação do governo da Federação da Terra, a construção de colônias espaciais e sistemas de transporte para os imigrantes. Essas promessas estimularam a economia, prometendo consumo ilimitado.”

Muito disso pode ser aferido observando detalhes visuais da construção de mundo das séries de Gundam do Tomino, mas ver escrito assim, de forma tão bruta e explícita, traz o seu próprio sabor e só reforça as mensagens de que nem todo esse desenvolvimento tecnológico são flores, e que colonizar o espaço seria uma ideia imbecil e perigosa, como o próprio Tomino já disse em entrevistas recentes onde que lhe foi perguntado sobre o assunto, por conta de projetos do megalomaníaco Elon Musk, por exemplo.

Bem, isso tudo é muito interessante e enriquece bastante a nossa noção de construção de mundo do Universal Century, mas a parte que mais me interessa nesse livro são Amuro e Lalah.

Lalah Sune e a quebra da Roda do Samsara

Não há grandes diferenças na apresentação inicial dos personagens principais, em relação ao que vemos na versão animada, mas há facetas deles que nos animes não são mostradas claramente…

O capítulo 1, e parte do segundo, é dedicado totalmente a apresentar a realidade onde Lalah vivia antes de conhecer Char.

Lalah vivia a trabalho num bordel no interior da Índia, sem muito interesse em ir ao espaço, já que essa era até mesmo uma realidade muito distante da que ela vivia, em um lugar onde era submetida a vender o próprio corpo. O espaço era uma não-opção, pra quê pensar nisso?

Esse primeiro capítulo é especialmente interessante não só por mostrar mais do background da Lalah de forma que nunca foi mostrada em anime, mas também por ilustrar como eram os pensamentos dela antes de conhecer Char, e podemos concluir que, por viver na Índia, ela já tinha algum contato com o Budismo. O livro já começa com um trecho implicando que ela fugiu do bordel e, e usou uma lambreta, que acabou esgotando sua bateria, e correu com toda sua força, até se cansar e escorar numa árvore, de tanta exaustão, onde ela começa a contemplar a noção da possibilidade da própria morte.

“Ela Acreditava que era seu destino nunca se lembrar de seus pais, razão pela qual ela acreditava que sua alma talvez pudesse ser reencarnada nem que fosse num pequeno rato selvagem.

‘…apesar de o Buda ter dito aquilo… a morte é o vazio…’

Essa era a ideia de que não havia vida após a que temos, uma negação do ciclo de reencarnação.

Pessoas que criticam esse tipo de pensamento tão desprovido de sonhos eram aquelas que não tinham preocupações na vida, pessoas reconhecidas por seu ego. O tipo de gente que tinha medo da morte, esperando que tivessem as mesmas coisas no além. Mas para quem passou a maior parte de sua vida na pobreza, quem experienciou trauma emocional ou quem chegou à velhice e ao crepúsculo de suas vidas, a ideia de que eles seriam forçados a continuar seguindo pela próxima vida era uma pílula amarga de se engolir.

O vazio era um vácuo.

Um vazio que não poderia sequer ser percebido era algo que não podia ser descrito pelo termo ‘niilismo’. Em outras palavras, um vazio que era de uma serenidade esmagadora e opressiva. Eu sou o vazio — o caminho revelado pelo Buda era sagrado porque trazia paz à mente, enquanto o infinito ciclo de reencarnações era um inferno no qual ninguém poderia escapar de tal sofrimento.”

A vida de Lalah era tão desprovida de significado e propósito que nem mesmo a própria morte poderia lhe trazer alguma libertação desse sofrimento, em conta com sua possível crença budista. Mesmo que morresse naquele momento, a reencarnação poderia apenas só resetar tal ciclo. É o conceito conhecido como “Roda de Samsara”, dentro do budismo (e no hinduísmo também, com particularidades nas quais não vou me aprofundar).

A realidade era aquela, contanto que ela servisse no bordel aos interesses dos seus ditos “amantes”, como lhe fora ensinado pelo seu “pai adotivo”, o dono do estabelecimento, seu abrigo e comida estavam garantidos.

“Ela foi ensinada que essas pessoas eram seus ‘amantes’, e apesar de ficar confusa quanto às diferenças aparentes em sua realidade quando comparada a dramatizações, as outras mulheres à sua voltam faziam a mesma coisa, então não havia nada ali que ela achasse vergonhoso. Na realidade, o dono — seu pai adotivo — se dava o trabalho de escolher apenas os ‘bons’ amantes para ela, permitindo-na que pudesse manter sua dignidade.”

Entre as coisas que o dono lhe ensinou, destaca-se…

“O Kama Sutra também diz assim. Um relacionamento onde se ama e é amado de volta não pode acontecer com qualquer um. Não é possível se apaixonar se não houver aparecerem o orgulho e a modéstia. Sem um coração com desejos, o relacionamento é infrutífero. Fazer amor é a união de corações entre pessoas.”

Bom, você já conhece a história, então lendo esse trecho, dá pra relacionar com o conceito principal envolvendo os newtypes. Mas vou deixar pra falar mais disso mais à frente.

Lalah tenta fugir novamente e, correndo de seus algozes, acaba sendo resgatada por Char, que a leva consigo e há algumas interações entre eles. A Lalah volta a aparecer depois só no capítulo 5, que mostrará o primeiro encontro dela com Amuro.

… se você assistiu “Gundam - The Origin” (ou lido o mangá) deve estar com uma coceirinha na cabeça lendo essa história de origem da Lalah. Lá isso é contado de maneira bem diferente, e a Lalah estava em Manaus, no Brasil, quando conheceu o Char, em uma situação bem diferente. Qual versão tá certa afinal?

Há muitos anos eu brinco dizendo que o conceito de “canônico” é bem maleável quando se trata de Gundam. O mangá “Char’s Deleted Affair”, mostrando a história de como a Haman conheceu o Char e o crescimento dela, bem como as peripécias do cometa vermelho entre os eventos de 0079 e “Zeta Gundam”, é canônico, por exemplo? Não houve nenhum envolvimento do criador original, mas é uma história que existe e foi publicada oficialmente. Mas IMPORTA ela ser canônica?

Há muitos anos sinto vontade de escrever um texto gigante à parte sobre esse assunto mas nunca consegui pôr em prática, então não vou me alongar aqui, mas numa situação como essa eu prefiro encarar apenas como “é uma possibilidade” ao invés de bater um martelo de “é canônico” ou “não é canônico”. A versão novelizada antiga de 0079 tem muitas diferenças com o anime, ela é canônica? Prefiro encará-la apenas como mais uma versão.

“The Origin” é notório por algumas alterações bem a gosto do Yasuhiko Yoshikazu, se é canônico ou não, fica a seu critério, apesar de normalmente levarem pro canon as coisas que foram animadas, o que acabou sendo o caso de “The Origin”. Eu particularmente prefiro confiar na palavra do Tomino e, tematicamente, essa versão da história agrega bem mais à personagem a longo prazo do que a versão do Yas, na minha opinião, ainda mais que a história desse livro está mais alinhada dessa vez aos eventos da série animada do que a novelização antiga. No fim, são apenas possibilidades, o ponto da história sendo aqui contada independe de rótulos da canonicidade ou não, ao meu ver.

Enfim, numa análise breve, eu vejo, nesse livro, a relação entre a Lalah e o Char como uma espécie de “co-dependência exploratória”, em virtude de a Lalah não estar mais sob a custódia do dono de um bordel, mas agora estar novamente sob custódia, só que de outro homem, e em condições “melhores”. A exploração agora não é do corpo como forma de trabalho sexual, mas sim de suas habilidades sensoriais como newtype num campo de batalha. Char tem seus objetivos, e pretende alcançá-los, custe o que custar, e vai precisar da ajuda de Lalah para chegar lá. Essa “co-dependência exploratória” fica ainda mais nítida nesse livro do que nas versões animadas, onde essa interação entre eles pode ser lida até como “tensão romântica” em algum nível, mas… Char Aznable é um personagem com MUITO mais nuances e camadas do que isso, e acho que é assunto até pra outro texto, porque, apesar de ele ser o meu personagem favorito da série, o meu interesse aqui é outro dessa vez.

acho que por enquanto chega de falar da Lalah, volto nela depois.

Amuro Ray e Confusões de Hormônios à Flor da Pele

A apresentação do Amuro nesse livro não tem muitas diferenças em relação à sua contraparte animada, exceto por… o fato de o Amuro ser um adolescente na puberdade explodindo de hormônios à flor da pele fica bem mais explícito aqui. No auge de sua imaturidade, logo no começo da história o Tomino já logo descreve os impulsos sexuais do rapaz com o seguinte trecho, no capítulo 3:

“ ‘Eu devo ter alguma coisa contra mulheres num geral… já que eu sou filho de uma mãe assim’… Amuro foi capaz de adquirir um audacioso entendimento de si mesmo após aprender termos como “complexo materno”, e enquanto se masturbava, ele começou a perceber que se excitava não apenas com pornografia normal, mas com BDSM também. ‘Eu quero rejeitar a genitália feminina… mesmo que eu goste muito de vê-la’. Ele chegou até mesmo a elaborar a teoria de que o seu desejo de desfrutar do erótico, quando combinado com a vontade de se esquecer de tais impulsos, resultava num novo desejo de destruir órgãos reprodutores femininos.

No entanto, ele também ficava preocupado que talvez pudesse ser um perigoso sinal o fato de que uma mulher nua normal não era o bastante para excitá-lo sexualmente. Esse era o motivo pelo qual ele definitivamente não queria que a Fraw Bow, uma saudável e doce garota, tivesse noção de seus fetiches. Então, ele permaneceu bem ciente de que ele precisava continuar se apresentando como um garoto normal para ela. Entretanto, ele ainda não havia chegado na importante conclusão de como ele deveria fazer isso afinal, o que só lhe frustrava mais ainda.”

Personagens explodindo de tesão num nível que lhes deixa perturbados não é algo novo nos animes do Tomino, nem mesmo em Gundam. Nos animes isso é bem mais sutil, ainda que a sutileza do Tomino seja a mesma que a de um elefante rolando na lama às vezes. Lembremos de como o Amuro se sente finalmente motivado a lutar sem reclamar tanto quando vê a Matilda, uma mulher madura que ele acha bem atraente (e certamente lhe parece mais “interessante” do que a sua amiga de infância Fraw Bow).

Isso sem mencionar que Amuro menciona o fato de a mãe ter ficado na Terra por conta de um caso extraconjugal dela, o que gera algum ressentimento dentro de si com a reflexão a respeito da mulher que sua mãe é. Análises com menos nuance chamariam o Amuro de “incel em potencial” por conta disso, mas a coisa é mais complexa. É importante lembrar que o Amuro é um adolescente tentando entender a si mesmo e, essa história toda vai acabar passando por esse tópico no fim das contas. O livro já vai tratar dessa questão, ainda que de forma que possa ser lida como “obtusa”.

Esse livro pula a parte do Amuro tentando mostrar seu valor pra Matilda (ela é citada bem brevemente apenas, como uma “paixão à primeira vista” pro Amuro), já que o capítulo 3 é uma grande apresentação da cabecinha dele e o capítulo 4 é basicamente uma adaptação literária do primeiro episódio do anime, com o confronto na colônia espacial Side 7 onde ele morava.

O capítulo 5 já se abre com a White Base indo pra colônia Side 6, mais ou menos uns seis meses depois, após a passagem da White Base pela Terra nos eventos da série, e coisas vão acontecendo até que o primeiro encontro com Lalah, observando o cisne no lago acontece.

Eu simplesmente AMO essa cena no anime (e nos filmes, as duas versões são excelentes), e acho ela interessantíssima, e agora lendo o monólogo interno da Lalah lá no primeiro capítulo, ela ficou ainda mais interessante pra mim, especialmente pelo fato de Lalah lamentar pela mortalidade do cisne, um ser tão belo e sereno que um dia irá envelhecer e morrer. Amuro não sabe como reagir diante dessa reflexão, ele encarou várias situações de vida ou morte nessa jornada até aqui durante a guerra, mas ele não teve uma situação similar à de Lalah enquanto crescia em seus anos formativos. Seja a situação financeira, social, como foram trazidos para a guerra, ou até a forma como viam atos sexuais.

Para Amuro, sexo era apenas luxúria inalcançável, já que ele ainda não entendia amor, enquanto Lalah, também não entendia o amor propriamente dito, mas já entendia a existência de sexo por conta do ambiente em que vivia, apesar de o dono do bordel ter lhe ensinado que “a cópula é a conexão de duas almas, segundo o Kama Sutra”. O mais próximo de amor que Lalah tinha era sua relação com Char, a quem ela servia, como forma de demonstrar gratidão àquele que lhe havia salvo. É discutível se há algum tipo de amor entre Lalah e Char, mas algum nível de respeito mútuo existe, mesmo que haja interesse por parte de Char, e ele, verbalmente, expresse que ame as habilidades de Lalah, e não a própria Lalah, que diz não se importar. Lalah e Char não possuem a possibilidade de estarem em pé de igualdade emocional, ao que parece, apesar de meio que dependerem da existência um do outro por razões de contexto e situação.

Mas Amuro fica completamente sem fôlego e embasbacado com Lalah nessa cena, de forma que mulher nenhuma que ele conhece provavelmente o deixou antes. Nem a Matilda, que era uma mulher adulta numa patente muito mais alta que a dele. O que diabos ela veria num moleque punheteiro de 16 anos? Ele pilotar o Gundam, a arma foda da Federação não daria esse passe livre com ela, então acabava sendo algo completamente platônico e unilateral, e o próprio Amuro parecia ter certeza disso. No fim, era só luxúria adolescente, algo que quase todo adolescente que não seja assexual acaba passando. Mas com a Lalah, a situação era bem diferente, havia a possibilidade de estarem no mesmo nível, a abertura pra conexão e aproximação mútua existia.

Essa cena se encerra com a chuva acabando e Lalah dizendo que os olhos de Amuro são bonitos, em tom quase de flerte.

“Ela já estava de pé na hora em que ele registrou a sua voz. Amuro assistiu a sombra do cisne desaparecer em meio à superfície do lago, e as nuvens se tornaram riscos verticais à medida que eram carregadas pela corrente de ar ascendente. A respiração da garota era quente e pesada. Percebendo isso, Amuro se sentiu envolvido pelo sentimento de sensualidade, e pela primeira vez ele olhou diretamente em seus olhos verde-esmeralda. Mesmo as suas pupilas bem escuras já eram o bastante para lhe tirar o fôlego.

‘Você tem olhos muito bonitos’. Deixando essas palavras ecoando nos ouvidos de Amuro, a garota se dirigiu até o lago limpo e levantou vôo. Era isso que parecia aos olhos dele.

Esse foi o primeiro encontro entre Amuro e Lalah Sune.”

Acontece depois a famosa cena onde Char e Amuro se encontram pessoalmente pela primeira vez, sem saber da identidade um do outro, tentando resolver mutuamente o carro atolado. Lalah está no local. E depois disso, Amuro parte pra procurar Lalah na cabana onde tiveram a conversa sobre o cisne na chuva de novo. Ele a deseja e está visivelmente interessado nela, e não é mera luxúria, apesar de isso estar envolvido. Lalah é uma mulher poderosa perto de um garoto que viveu isolado sem muito calor humano ao longo da vida, ele se sente intimidado perto de sua experiência, beleza, sensualidade e aparente maturidade.

Há alguns trechos evidenciando os desejos de Amuro para com Lalah, além de sua insegurança diante de tamanha “aura”. Existe curiosidade e desejos “vulgares”, os quais ele não nega. Amuro está finalmente entendendo melhor esse próprio tesão descontrolado, diante da garota que ele sabe que está “do lado do inimigo”, mas não demonstra animosidade nenhuma.

Não é exatamente a primeira vez que Amuro entende que do outro lado tem “gente com a gente”, já que ele conheceu o Ramba Ral uns arcos atrás (e isso é completamente pulado nesse livro, mas… estamos lendo um livro que presume que somos fãs de Gundam que já conhecem essa história de cabo a rabo, então tanto faz, direto ao ponto), e aqui ele não tá interagindo com um tiozinho de bigode, mas sim uma menina que lhe desperta desejo.

Existe uma interação física onde Lalah toca Amuro nas costas, e ele acaba se esquecendo de seus desejos mais vulgares por esse sentimento lhe lembrar de sua mãe ausente. Um perfeito exemplo de “mommy issues”, algo muito recorrente em Gundam e no trabalho do Tomino num geral. Tomino não fala muito de sua mãe, mas é curioso como VÁRIOS personagens em suas obras têm problema com as próprias mães, que muitas vezes são ausentes. “Victory Gundam” mesmo, por exemplo, é praticamente uma história inteira sobre “mommy issues” de um garoto de 13 anos interagindo com mulheres, que acabam sendo seus maiores exemplos de vida, tanto positivos quanto negativos. Já vi especulações de que Tomino não se dava muito bem com a própria mãe, mas não sei se isso geraria algum nível de self-insert em seus personagens, pelo menos não tão gritante. Talvez acabe sendo só algo subconsciente, vai saber…

O negócio aqui é que o garoto carente querendo alguém que preencha seu vazio finalmente tem a chance de se aproximar de alguém que lhe dá abertura pra conexões, algo que ele nunca teve a nível muito profundo por ser meio “emocionalmente dormente”, apesar de não ser como o Char, que banca o durão e ativamente foge dessas conexões humanas em prol de seu objetivo maior de acabar com a família Zabi por dentro. Char e Amuro são mais parecidos do que pensam, e talvez isso explique a atração de Lalah a ambos, mesmo que por razões muito diferentes um do outro.

O capítulo 8 é uma análise bem interessante dentro da cabeça do Amuro e a forma como ele enxerga as mulheres à sua volta na White Base, e como a Lalah se destaca entre elas. O título do capítulo é até “Algo chamado ‘mulher’”.

Lalah quer se aproximar dele, pois vê nele o potencial para entendimento mútuo que ela não vê em Char, mas o garoto, intimidado, fica relutante em permitir tal aproximação, com medo de que o menor dos delizes a faria odiá-lo. Relações humanas são frágeis, e numa calamidade como guerra, que separa pessoas, essa insegurança é ainda maior.

“Se a garota chamada Lalah demonstrasse mesmo que um mínimo de interesse nele, poderia acionar o tipo de bomba na qual ele a persegue sem pensar nas consequências”.

Amuro viveu até aqui disposto a se humilhar por causa de receber algum mínimo de migalhas de bajulação das mulheres à sua volta. Ele tá numa situação séria de guerra onde isso é algo mais importante a se preocupar, mas no fundo, não deixa de ser um adolescente explodindo de tesão doido pra esmerilhar o pinto mesmo que num buraco de tijolo, se desse mole.

“Entretanto, era a presença daquelas mulheres no Cavalo de Tróia que permitiam que ele se sentasse dentro da barriga daquele ultrajante objeto, uma arma projetada para combates a curta distância no espaço.

[…]

Se ele iria se tornar prisioneiro do amor, Amuro imaginava que seria de algum desses tipos de mulher. Comparada a elas, Fraw Bow era… Ele estaria bem enquanto elas estivessem ao seu lado, ele acabou pensando. Ainda assim, elas eram preciosas aliadas das quais ele jamais poderia destratar”.

Nesse “[…]” tinham descrições sobre as mulheres que Amuro lidou até aqui, na visão dele, e elas são… interessantes, pra dizer o mínimo.

“Sayla Mass. A definição-modelo da mulher de carreira. Apesar disso, ela tinha uma força feminina e plenitude dentro de si. Isso é o que ela havia lhe mostrado.

Mirai Yashima. A perfeita representação de uma mãe. Amuro jamais conhecera uma mulher tão jovem que tivesse tal cheiro maternal emanado à volta de seu ser..

Tenente Matilda Ajan, parte da tropa de suprimentos e grande amiga do Cavalo de Tróia. Ela era sem igual, uma verdadeira deusa que era a mais absoluta personificação da feminilidade. ‘Era’, pois havia sido morta em batalha logo antes do Cavalo de Tróia partir da Terra. No entanto, não haviam dúvidas de que ela era quem havia mostrado a Amuro as características de uma mulher ideal”.

Existe uma longa interação entre Amuro e Lalah buscando se entender e se aproximando emocionalmente e mentalmente nesse capítulo, mas não vou entrar em detalhes quanto a isso, porque estou mais interessado em pensar no que Lalah tinha de tão diferente pra Amuro, mas se eu tivesse de arriscar um palpite, diria que é a possibilidade de brecha pra aproximação e conexão, que Amuro, meio lerdo, foi capaz de perceber. Ele se sentiu intimidado, pelo fato de ela já ser aliada de Char. Char é poderoso e galante, o que uma garota que anda ao lado dele veria num garoto inseguro? Mas apesar disso, Lalah não pensa isso dele, e ela consegue a brecha para mandar seus sentimentos para ele.

Querendo ou não, apesar de esse livro ser uma novidade interessante em dissecar ainda mais a psiquê da Lalah do que conhecemos, o Amuro ainda é o protagonista dessa história, e ele acaba sendo o nosso principal ponto de vista para observarmos Lalah Sune sendo… Lalah Sune, a garota que lamentou pela mortalidade do cisne, provavelmente porque tal observação a lembrou de sua própria mortalidade. Ela não é um ser mágico e misterioso, ela é humana. Amuro está aos poucos entendendo que mulheres não precisam ser vistas como “criaturas de outro mundo”, pois são tão humanas quanto ele, e possuem fragilidades, mesmo como a Matilda que ele outrora endeusava, era tão mortal quanto o cisne e pereceu diante da morte. Se Matilda tivesse sobrevivido, ela envelheceria e morreria ainda assim, tal qual o cisne que Lalah observou.

Lalah não é mágica, ela só é humana.

Ela é newtype, e humana, e nenhuma das duas coisas se excluem.

Newtypes, o próximo estágio da conexão humana

Na minha opinião, newtypes são o núcleo do tema principal do Gundam original. Obviamente, Lalah está no centro disso tudo, ela é a peça mais importante desse quebra-cabeça. Sim, a guerra e suas mazelas são importantes na série, o lance da colonização espacial ser a receita pronta pra tudo dar merda e ser a evolução do capitalismo mais avançado possível também é, mas os newtypes dialogam com muito da humanidade que essa história apresenta, ainda que possam ser lidos como resultado direto de uma obra feita após o boom dos movimentos de contracultura dos anos 1970 pelo mundo todo.

Existem uma miríade de análises interessantes que eu posso fazer a partir do conceito de newtype, mas uma em específico me interessa hoje, que é a capacidade sensorial de “entender o outro”. A coisa de sintonia espiritual.

Daqui pra frente haverão uma série de “encontros secretos” entre Amuro e Lalah, como implica o título do livro, onde eles se encontram no campo de batalha em N situações diferentes e procuram se entender, ainda que as circunstâncias os coloquem em lados opostos do combate. Eu não vou dissecar todas porque esse texto vai ficar ridiculamente imenso e cansativo, e porque sinto que não sou capaz de fazer total jus à prosa do Tomino, que já é bem descritiva e aberta por si só, mas gostaria de analisar alguns aspectos dessas interações, e do próprio conceito de “newtype”, e o porque de esses “encontros secretos” só acontecerem porque Amuro e Lalah são… newtypes.

“Newtypes” são frequentemente definidos como indivíduos que atingiram o novo estágio da evolução humana, no universo de Gundam. Eles desenvolvem habilidades sensoriais maiores do que as de um ser humano comum, despertadas para a adaptação para a vida no espaço, muitas vezes se desenvolvendo e manifestando como uma espécie de “sexto sentido” ou poderes psíquicos. Por terem esse “sexto sentido”, na teoria, eles são capazes de uma comunicação mental mais clara uns com os outros.

Não acho que vem muito ao caso entrar nas teorias de Zeon Zun Deikun, o pai do Char, por enquanto, mas eu queria citar aqui um trechinho do prefácio do livro, escrito por Tomino, para apresentar a obra ao leitor.

“Essa história é uma análise dos sentimentos dos personagens do “Mobile Suit Gundam” original, como apresentada nas versões de televisão e cinema.

Eu gostaria de passar a ideia de que solo pra criar o tipo de reforma humana que segue a trajetória dos corações e mentes das pessoas — os newtypes — é formado pelas inabaláveis emoções das pessoas e por um inquebrantável presente.

A Memória se fortalece através da repetição, criando o solo capaz de dar luz a newtypes… vivemos não apenas para o presente, mas vivendo o agora, nós construímos o futuro.

Porque sabemos que nós, como “pessoas”, somos únicos que podemos…”

Interessantemente, a palavra “心”, “kokoro”, frequentemente traduzida como “coração”, também pode ser lida como “mente” ou “alma”, então é a explicação de essa tradução usar “corações e mentes” como duas palavras separadas, já que em japonês isso é tudo englobado num termo só. O coração aqui é figurativo, espiritual. O coração físico, o órgão cardiovascular, se chama “心臓” (“shinzou”), e tendo seus kanji separados de forma bem literal, expressa a ideia de “entranhas da alma”.

Não coincidentemente, quando o dono do bordel onde Lalah vivia lhe ensinou sobre “Fazer amor é a união de corações entre pessoas”, a frase no texto em japonês é “性愛というのは、心の交換だからな” (“Seiai to iu no wa, kokoro no koukan dakara na”).

“心” está presente de novo, e é a palavra usada pra “coração”, mas interessantemente, a palavra traduzida como “fazer amor” é “性愛”, que em condições normais é lida como “seiai”, trazendo a ideia de “amor sexual”, porém, nessa frase, há um furigana com “エロス”, leia-se “Eros”, indicando que a palavra deve ser lida dessa forma nessa frase. Na mitologia grega, Eros é o nome do deus do amor e do desejo. Platão descreveria “eros” como o conceito geral de “amor”, mas existem outras definições, como a da psicanálise moderna. Por agora, vamos com a definição de Platão.

Se “Eros”, segundo suposta definição do Kama Sutra citada pelo dono do bordel, significa a união de duas almas, então pode-se dizer que havia “eros” entre Lalah e Amuro? A minha resposta é que, sim, claro.

Todos os “encontros secretos” entre eles são uma grande construção até essa união de almas, que culmina na satisfação trágica dos momentos finais de Lalah. Esses encontros são secretos porque eles não precisam ser verbalizados aos olhos de quem vê de fora, a conexão é psíquica, os olhares de Lalah já comunicam essa aproximação, e não à toa a primeira coisa mais direta que ela disse a Amuro foi “seus olhos são muito bonitos”. Podemos ver os olhos como a janela da alma de alguém.

A grande ideia aqui é que newtypes são capazes de um entendimento mútuo sem a necessidade de tanta verbalização direta. Entendimento mútuo é o que evita discordâncias, logo, guerras, e nada mais poético de que trazer essa tensão espiritual entre dois personagens de lados opostos da guerra se aproximando, tal qual Romeu e Julieta, também com seu nível de tragédia, só que no caso de Lalah e Amuro, essa conexão trasncendeu ainda além, e seguiu para o território do “eros”.

Desde Amuro se descabelando pra tentar organizar sua cabeça com todo de pensamento sexual possível buscando a aprovação das mulheres à sua volta até Lalah buscando o significado de sua vida mesmo estando sob a custódia de um coronel, Char Aznable nesse caso, eles encontraram um no outro “o que faltavam”, e anseiam por essa conexão, que também tem um forte subtexto sexual.

Hora de citar mais um trecho do livro, dessa vez, próximo aos momentos finais de Lalah, ali antes deles terem o seu “encontro secreto” final, que seria interrompido por Char (e a Sayla vai acabar passando por ali também, se vocês lembram da cena), no capítulo 15.

“Amuro seguia enfrentando uma estranha e solitária batalha, distante dos mobile suits que se enfrentavam lembrando pessoas lutando com espadas. Se o ataque surpresa em Confeito fosse coisa da Lalah, então o uniformizado de vermelho Char estaria por trás dela. Amuro pretendia ir descobrir por conta própria. Ele não tinha nenhum objetivo maior, como trazer a guerra a um rápido fim ou algo do tipo. Ele não sentia nada além de vontade de ver Lalah de novo.

E qual seria o próximo passo depois que a encontrasse? Como de costume, ele não sabia. Ele queria se escorar na ingênua esperança de que de que ele talvez fosse capaz de mudar alguma coisa.

La, la…

‘O Chapéu Tricórnio? Uma Tulipa?’

Informações sobre a coisa fazendo aquele som, incluindo a sua silhueta, já haviam sido mandadas para a frota, e isso incluía o Cavalo de Tróia. Já tendo sido previamente informado disso, Amuro tomou a iniciativa, se deslocando para mirar em seu inimigo. Entretanto, dentro dos ressonantes sons de “la la”, ele podia detectar o cheiro de Lalah. O interior de seu útero estava lhe chamando, VENHA PRA CÁ.”

“Desejo” e “anseio” existem fortes aqui. O tiro comendo solto e a única coisa que o Amuro tinha na cabeça era ver Lalah de novo. Acabar com a guerra? Foda-se, isso não estaria no poder dele de toda forma, sendo um mero soldado no campo de batalha, esse tipo de decisão cabe aos políticos e quem está no poder, e esse não era seu papel. A moreninha era a única coisa que importava pra ele naquele momento.

A escolha da sequência de palavras “o interior de seu útero estava lhe chamando” parece curiosa, como se estivéssemos falando de animais no cio, ou de simplesmente pessoas deixando seus instintos mais primais de desejo uns pelos outros tomando conta de suasmentes. E, sim, o “VENHA PRA CÁ” realmente estava grifado e em destaque no texto original, não foi edição minha. Lembremos da definição de “Fazer Amor” lá atrás, a conexão entre duas almas.

Nisso, acho até que vale a pena citar que, na versão de TV do anime original, durante a cena da viagem psicodélica da morte da Lalah, entre as várias imagens coloridas, está uma de um óvulo sendo fecundado por espermatozóides. Não parece por acaso que Tomino tenha decidido usar a palavra “útero” aqui, num contexto de dois indivíduos de sexos diferentes buscando conexão um no outro, até que enfim a atinjam nesse encontro final, nesse grande clímax, um “orgasmo” metafórico. Em algum nível, esse encontro final de Amuro e Lalah é quase como uma cena de sexo, só que sem nenhum estímulo carnal “vulgar”, é puramente mental e metafórico. O que é “sexo” senão uma das várias formas de conexão entre indivíduos?

Aliás, quando saiu aquela notícia sobre a declaração de Tomino comentando, em tom crítico, os filmes românticos de Shinkai Makoto (“Your Name”, “Suzume”, entre outros), dizendo que neles faltava “intimidade sexual” entre os personagens, era disso que Tomino falava, e a declaração foi mal interpretada por muita gente. Ele não disse que os personagens de Shinkai precisavam transar em tela para isso, essa intimidade pode se dar por muitos outros fatores, e meros atos e diálogos já podem deixar claro que existe tal conexão, mesmo que seja offscreen. O tanto de sadomasoquismo saudável que deve rolar entre o Sho e a Marvel fora das telas em “Dunbine” deve ser brincadeira, porque esses dois têm muita química. Os animes do Tomino têm muito disso, e não há cenas de sexo explícito (ok que em alguns livros ele descreve cenas do tipo, mas em animação não. Só os fãs mais hardcore do trabalho do cara, tipo eu, que costumam ir atrás dos livros, de toda forma).

E então, eles se encontram no meio do campo de batalha em suas respectivas máquinas, e finalmente chegamos na cena que é o verdadeiro despertar newtype de Amuro, onde ele finalmente se vê capaz de se conectar em plenitude com outra pessoa, de corpo e alma, além do tempo e do espaço, da vida e da morte, sem nenhum tipo de desentendimento, sentindo tudo que Lalah sentia e a aceitando, bem como o mesmo por parte dela, a conexão mútua que faria o garoto entender o valor da vida humana e o peso que tirá-la pode trazer, que ele já experienciou diversas vezes nessa guerra e não teve como processar direito ainda.

Não irei parafrasear a cena toda porque é praticamente igual a como acontece nas versões animadas, só que com alguns detalhes interessantes de prosa pra expandir as coisas com mais tempo, mas tem um trecho em específico que me chama a atenção e dá um peso emocional ainda maior pra essa cena.

“Mesmo uma conexão física entre duas mentes não é nada de especial; nós experienciamos isso o tempo todo. O relacionamento íntimo entre pais e filhos é assim, bem como a conexão entre um casal onde um apaixonou pelo outro à primeira vista. Mesmo em um ambiente profissional, é possível que pessoas ressoem umas com as outras se seus objetivos são feitos da mesma matéria-prima.

A forma humana, e até mesmo a própria natureza, possuem a habilidade de lembrança. Se as memórias e objetivos estiverem em concordância, a ressonância será forte. No caso de Amuro e Lalah, havia a particularidade de que ambos estavam destinados a lutar, cada qual em suas respectivas máquinas. As dúvidas que eles tinham e as coisas que buscavam eram as mesmas, então suas consciências se conectaram girando em torno do mesmo tema. Nenhum deles queria lutar. Ambos queriam um relacionamento de amor.

Como eles poderiam alcançar isso? Seria ao menos possível dentro de tais circunstâncias?

Eles queriam tornar isso possível.

Se eles conseguissem, seriam capazes de amar um ao outro.

Se eles pudessem se amar…

Se eles… tivessem… amor…

Será que isso resolveria… tudo?

Eles tentariam.

Se não, um amor desafortunado deixaria ambos infelizes. Não seria amor o suficiente. Amar é ser bem amado. Mas o que eles deveriam fazer!? Usar seus poderes para parar essa guerra e buscar um lugar para o seu amor… eles seriam capazes disso?”

Eu acho até que toda essa passagem responde a grande pergunta que existe entre vários fãs de Gundam há anos: “afinal, a Lalah gostava mais do Char ou do Amuro?”

A situação é obviamente mais complexa e cheia de nuances do que isso, mas fato é que, com Amuro, a Lalah foi capaz de criar a conexão que ela nunca teve com Char, por mais que houvesse uma relação de co-dependência com ele. Char era seu superior, e existe um bom motivo para Lalah chamá-lo de “Capitão” e não por seu nome, igual ela faz com Amuro, mas talvez pudessem ser apenas as circunstâncias que fizeram ser dessa forma. Existe espaço para interpretação. Mas ao meu ver, se dá pra dizer que existe algum “vencedor” nesse “Lalah-bowl”, seria o Amuro.

Um entendimento mútuo que seria capaz de evitar a guerra, se não tivesse sido um grande desencontro, o que chega a ser irônico num livro analisando “encontros secretos” entre almas.

Para Lalah, foi tarde demais. Para Amuro, foi cedo demais. Como eles mesmos dizem nessa cena, enquanto lamentam que só foram capazes de atingir tal conexão em circunstâncias tão cruéis.

Essa é a tragédia humana da vida do newtype, humanos que se fossem escutados, poderiam evitar conflitos, já que entendem e sentem a empatia pelo outro, o amor ao próximo. E como poderemos ver ao longo da franquia, tragédias irão perseguir os newtypes em suas vidas, em níveis dos mais variados.

A Tragédia da vida de Lalah Sune

Entre todas as reflexões que esse livro trazendo essa versão da história me fizeram pensar, uma delas foi reforçar a grande tragédia que é a vida da Lalah Sune. Uma vítima das circunstâncias e de um destino cruel que a aguardava.

Muitos personagens morrem nessa história, mas na pequena pesquisa de campo improvisada que fiz, a Lalah foi a campeã nas respostas que envolviam mortes de personagens importantes, e com certa folga. É muito curioso que uma personagem que esteve presente na história da série por SETE episódios, de um total de 43, tenha causado tanto impacto quando morreu, e obviamente estou me incluindo nisso.

Sim, eu sei, o plano original era pra uns 50 episódios e a série acabou sendo cortada pra 39, aí deram uma choradinha e fecharam em 43 episódios, mas mesmo assim, me pergunto se a Lalah duraria mais tempo na história ou o que mais ela poderia ter feito com mais episódios. Ainda acho que o destino dela seria o mesmo, mas é inevitável pensar nisso. Inclusive, eu sou da ideia de que “nem parece” que a série teve uma reta final “apressada”. Dá pra facilmente passar uma vida inteira achando que não, se você não for atrás de informações de bastidores, de tão bem que Tomino e seu time amarraram essa história com os recursos limitados que tinham, na época da priemeira exibição na TV.

Mas agora deixando de pensar em aspectos técnicos e pensando na personagem, fazendo de conta que ela “existe”, o lamento fica bem forte. Desde o início dessa história a Lalah já parece fadada a uma morte trágica. A primeira cena em que ela aparece no anime é lamentando sobre a mortalidade de um cisne. O espectro da morte pairava sobre o imaginário dela, desde sempre, como esse livro nos contou.

Se eu manjasse mais do assunto, poderia até me arriscar a falar que, se “Eros” foi evocado lá atrás, “Thanatos” também está presente, mas deixo isso pra pessoas mais aptas a pesquisar e falar de psicanálise do que eu.

Uma coisa que eu pensei enquanto lia esse livro era o fato de que as passagens mostrando Lalah (e suas interações com Amuro) eram os meus momentos favoritos. Claro, as descrições de mundo e políticas de imigração e guerra eram importantíssimas, afinal, elas são, em parte, causa de tamanha tragédia, porque inevitavelmente mazelas sociais afetam as vidas dos indivíduos e a capacidade de interagirem uns com os outros. Uma sociedade doente gera indivíduos doentes. Mas não pude deixar de lamentar que queria ter visto mais da Lalah.

Porém, isso faz parte do sentimento, Amuro também deve ter sentido a mesma coisa, seus encontros eram tão breves mas tão marcantes. Maldita seja essa situação, esses jovens poderiam ter uma vida melhor e mais saudável.

É até meio bizarro pensar que a Lalah só conheceu o Amuro (e o Char) por causa dessa guerra. Amuro é quem melhor a entendeu. Mas também, foi a guerra que trouxe esse fim mórbido. Mas… será que ela estaria melhor se tivesse continuado no prostíbulo antes de ser levada por Char? Valeu a pena tirá-la da exploração sexual para virar “ferramenta de guerra”, mesmo que tudo isso tenha gerado um efeito dominó que faria com que ela atingisse o “orgasmo metafórico” do entendimento mútuo com outro newtype?

Eu não sei se sou capaz de responder a nenhuma dessas perguntas, não sei nem se eu DEVERIA respondê-las, ou se realmente elas precisam ser respondidas, mas a reflexão e potencial pra discussões é riquíssima.

Será que a Lalah conseguiu se livrar do sofrimento eterno da Roda do Samsara? Ela atingiu a iluminação, o estado de Nirvana?

… talvez, já que no pós-vida ela “está” no coração de Amuro, que carregará consigo as memórias e ideais dela pro resto de sua vida. Mas Amuro não está feliz, e nem pode-se dizer que ele saiu “vitorioso” dessa guerra. Seu único impulso pra sobreviver nesse finalzinho da batalha foi não deixar que a morte de Lalah tenha sido em vão. Não existirá Beltorchika capaz de curar 100% desse trauma, mesmo com um Amuro mais velho.

E quanto ao Char? Ele realmente “salvou” a Lalah daquele prostíbulo? Durante seu encontro final com Amuro, ela diz que luta por aquele que a salvou, o Char, afinal é uma forma de pagar a dívida, e no fim ela acabou pagando com a própria vida para protegê-lo e salvá-lo. É interessante pensar nisso de “dívida”, pois ela não tinha nenhum tipo de dívida com Amuro, o que os tornavam ainda mais “iguais” nessa conexão. A dívida de Lalah era com Char, e, em algum nível, com a guerra, se pudermos analisar dessa forma.

E ela atingiu seu clímax de conexão emocional, finalmente a tão sonhada plenitude, o significado, o fim do “vazio” que ela lamenta no começo da sua história, mas não teve tempo de aproveitar os frutos disso. Quantas Lalahs não existem por aí? Que tiveram suas vidas ceifadas por circunstâncias como guerra e similares, que nem ao menos puderam desfrutar de um “clímax emocional”. Quantas Lalahs precisam existir pra que a humanidade atinja a compreensão mútua com seus semelhantes?

Mesmo sendo uma personagem fictícia, ela traz essa reflexão pra nós no mundo real, ressalvadas as liberdades da ficção científica, como mobile suits, colonização espacial (por enquanto) e newtypes.

“Com Amuro, Lalah experienciou um momento de absoluta satisfação, no qual ela foi capaz de sentir vida.

{E é por isso que fui capaz de me lançar em meio a impedir o Coronel de matar sua irmã!}

Isso também era amor. Não dava pra dizer que não era amor. Não era uma mera questão de amores individuais.

Amar é um ato que reafirma a certeza da vida, e é por isso que eu amo Amuro. Por ter sido capaz de amar Amuro, eu pude dar a minha vida ao Coronel com gratidão e reverência em meu coração. Eu o retribuí por ter me salvado das areias amareladas da Índia, sem saber fazer nada além de vender meu corpo. E agora, deixo tudo com Amuro, que treme de desejo por mim. É por isso, Coronel, que eu lhe peço para suportar isso!

{Ah! As pessoas estão evoluindo. Exatamente como nós!}

{É isso mesmo, é como você disse.}

{Amuro, você também acha?}

{Sim… e foi assim que eu pude te entender. Um dia, as pessoas serão capazes de controlar até mesmo o próprio tempo.}

{Oh, Amuro! Eu posso ver o tempo!}

Nada naquela conversa era sonho ou alucinação.

No entanto, já havia o vazio.

Já havia o nada.

O capítulo 18, de título “Boa noite, Lalah”, é uma grande reflexão de Amuro enquanto ele processa a morte da garota, e ainda possui uma breve interação espiritual com ela, mesmo que seu corpo tenha sido reduzido a nada. Isso é conteúdo novo que não existe nas versões animadas, mas enriquece as motivações do Amuro nessa reta final.

Lalah vê o valor de Char e é grata a ele, mas reconhece que ele está seguindo um grande caminho sem volta de sanguinolência e amargor, e ela deseja que Amuro pare-o, para evitar que mais tragédias como a dela possam acontecer com eles.

“Me mostre o caminho, Lalah.”

Manifestações espirituais de Lalah Sune no ouvido do Amuro à parte, os dois capítulos finais do livro são basicamente idênticos aos dois episódios finais do anime original.

Esse livro, apesar de pular partes e adicionar muita coisa relevante pra análise psicológica de seus personagens principais, não foge muito do que vimos no anime. Dá até pra dizer que tudo isso já tava lá, mas na forma de subtexto. O conteúdo dele é canônico? Sei lá, não sei se isso importa, a análise de personagem e as reflexões sobre eles e seus temas são mais importantes do que esse rótulo, mas no meu coração quero acreditar que sim, apesar de isso não ser tão importante assim no fim das contas, fica a critério de quem lê.

Uma coisa que nunca vou deixar de elogiar nos animes do Tomino, e não estou falando apenas de Gundam, é que sempre tem MUITO conteúdo pra se pensar sobre, e vários pequenos detalhes que a gente só pega em revisitas. É um diretor excepcional, especialmente considerando que ele passou a maior parte de sua carreira degladiando com limitações de anime pra TV e patrocinadores fabricantes de model kits.

Enfim, sempre me chamou a atenção a forma como o Char reage diante da morte da Lalah, mas há diferenças entre a versão da TV e a dos filmes.

Na TV, Char contempla a explosão do Chapéu Tricórnio em profunda tristeza e frutração, e depois grita e dá um soco no painel. Nos filmes, ele se retira em silêncio, pensando “O eu de agora não é capaz de derrotar o Gundam. Lalah, me mostre o caminho.”, enquanto uma lágrima solitária escorre em seu rosto por baixo da máscara.

Eu não sei escolher qual das duas versões é melhor ou pior porque gosto de ambas, mas a dos filmes é mais elegante, embora não transpareça tanta frustração. “Encontros” escolheu seguir com a versão que acontece nos filmes, e me parece uma escolha bem inteligente por parte do Tomino pro ponto que ele quer passar aqui. “Me mostre o caminho” é uma frase bem impactante.

É curioso observar no livro que Lalah pós-vida não está com Char, mas sim do lado de Amuro. Char não entendeu Lalah, ele foge de conexões emocionais, e mesmo quando teve a oportunidade de se abrir com Lalah, ele não o fez. Sempre foi um sujeito perturbado, e maquiavélico, no sentido de os fins sempre justificarem os seus meios. Ele abertamente já disse a Lalah que amava suas habilidades, e não sua pessoa. Ao menos existe honestidade, apesar de Char ser perturbado pela sua frustração desde a infância, já que sua saga pessoal é inteiramente movida a frustrações, já que seu objetivo é acabar com a família Zabi por dentro, mesmo sabendo que pode acabar morrendo no processo. Tirar outras vidas pode pesar bastante na mente de quem não tem o preparo emocional pra isso, manifestando-se na forma de remorso.

Porém, eu me pergunto se o Char realmente não teria tal preparo. Por trás do mito, a lenda, o cometa vermelho, Char Aznable, existe um Casval Rem Deikun, fragilizado pelos próprios traumas. Qual seria esse caminho que ele queria que Lalah o mostrasse? Dar cabo dos Zabi logo?

O fato é, que aqui ficou evidenciado que Char sentia inveja de Amuro e ciúmes de Lalah, por causa da conexão que eles foram capazes de formar.

Enfim, coisas vão acontecer de forma igual à animação. Kycilia mata Gihren, o Gundam vai atrás do Zeong aos pedaços, o último tiro acontece, o duelo de esgrima entre Char e Amuro acontece, Sayla aparece, tudo começa a explodir, Char dá a bazucada na cara da Kycilia… Vocês já conhecem a história.

E então acontece a fuga, com Amuro voltando pra tripulação da White Base, que o guia com impulsos mentais, que acabam captados por ele. Tudo igual ao anime, mas Amuro diz que Lalah está com ele até o último momento, e talvez seja ela quem facilite que o contato mental da White Base chegue até ele. No fim, a Lalah mostrou o caminho pro Amuro… pelo menos o caminho até o pessoal da White Base, porque mais do que isso talvez seja pedir demais. E a história se encerra.

“Não houve a percepção de que uma Era Newtype viria após a guerra entre Zeon e a Federação, já que a humanidade não dispunha dos meios para amplificar a experiência dos indivíduos. Não havia necessariamente um pessimismo de que tal era nunca chegaria, mas era possível que o encontro secreto permaneceria para sempre como um encontro secreto…”

Fim

Posfácio

Eu não sei muito bem como encerrar esse texto porque acho que já falei praticamente tudo que tinha pra falar, mas…

Existe um posfácio nesse livro, também escrito pelo Tomino, que é majoritariamente sobre o papel de um livro como esse existir, já recontando uma história que foi recontada várias vezes, ainda que com um foco num aspecto bem específico dessa história. Tomino fala bastante nesse posfácio sobre controle autoral em cima de uma história com mão de patrocinadores por cima e como que, apesar das limitações, se sente privilegiado de ter controle sobre a história, mesmo que tenha tido ajuda de alguns roteiristas na série de TV e como, mesmo com isso, as linhas gerais da história toda ainda vieram dele.

Esse livro saiu quase 20 anos depois da exibição da série e, nos anos 90, Tomino tava numa fase um tanto curiosa da carreira dele. “Victory Gundam” teve uma produção bem turbulenta, e deixou Tomino pessoalmente insatisfeito. Pra mim, particularmente, é um dos meus Gundam favoritos, mas não é difícil de entender de onde vem esse pensamento por parte dele, principalmente lembrando do quanto a Bandai meteu o dedo em cima da produção, a ponto de termos o infame causo do episódio que era pra ser o 4 ter sido deslocado pra ser o primeiro só porque ele mostra o Victory Gundam e a Bandai precisa vender Gunpla. Produzir mecha anime e ter que lidar com patrocinadores de brinquedos deve ser um pé no saco. Tomino ficou teve que pegar o caderno do storyboard do tal episódio 4 e riscou um “1” por cima do “4” com tanta ira que dá pra ver na folha de papel, puta merda.

Tomino fica com tanto desgosto dessa produção que já é bem sabido que ele lidou com depressão por uns bons anos nessa época, e dá até pra sentir dentro do próprio “Victory Gundam”, porque os temas da história vão ficando cada vez mais sombrios e angustiantes. Quem assistiu essa série certamente lembra do episódio 36, quando uma certa personagem morre. Pra mim, aquele episódio é uma das coisas mais recheadas de angústia que já vi o Tomino fazer. É um caso notável de transformar o próprio desespero em arte das mais impactantes.

Como alguém que já assistiu e examinou a fundo basicamente todos os animes dirigidos por ele, sinto que tenho conhecimento de causa o suficiente pra dizer que os anos 90 foram uma fase de experimentações na carreira do Tomino, principalmente se comparados à década anterior, provavelmente a mais turbulenta de sua carreira. “Victory” é uma excelente série, pra mim, mas é daquelas que não seria o que é sem suas rebarbas, que eu acabo muitas vezes defendendo.

Em matéria de animação autoral, apesar de termos tido “Victory Gundam” (1993), “Brain Powerd” (1998) e “Turn A Gundam” (1999) na TV e “Garzey’s Wing” (1996) para o mercado de homevideo (OVA), os anos 90 não foram tão movimentados se comparado a antes, apesar de Tomino estar sempre trabalhando em alguma coisa.

“Garzey’s Wing” inclusive é um caso muito maluco, porque é provavelmente a coisa mais infame do currículo de Tomino como diretor de animação, e é, com razão, a ovelha negra da obra do cara. Trata-se da adaptação de uma série de livros de fantasia, que ele próprio escreveu entre 1995 e 1997, ambientada numa versão alternativa de Byston Well, o universo de “Dunbine”. Os livros até que são interessantes, sendo uma visão bem seca do “isekai” uns 20 anos antes de isso virar a moda que é hoje, já o OVA é só… dolorosamente medíocre. Algum dia quero parar pra ler sobre a produção disso, porque imagino que as condições devem ter sido terríveis.

Também teve a série “O Coração do Rei” (“Ou no Kokoro”), escrita entre 1995 e 1996. A história é sobre um rei que morre envenenado e é revivido pela vontade divina unicamente pra ser forçado a assistir de camarote o que acontece com seu reino e sua família durante sua ausência, sem poder interferir em nada enquanto o circo pega fogo.

Entre mais algumas coisinhas, “Encontros Secretos” estava lá. É curioso que haja um livro recontando uma história de quase 20 anos atrás em meio a tantos projetos novos. Seria isso parte da “reabilitação” de Tomino? Revisitar a história que é o seu trabalho mais famoso e trazer uma análise específica dessas me parece algo que ele faria, sim. Acho que vale a observação de que esse foi o último livro de ficção relacionado a Gundam que ele escreveu.

É engraçado que um livro cujo cerne seja a existência dos newtypes tenha vindo logo antes de “Turn A Gundam”, a série onde Tomino negou esse conceito e que no seu planejamento inicial, a ideia dele era deserdar tudo que Gundam tinha feito até então e ao mesmo tempo, paradoxalmente, contemplar tudo isso. O conceito de “newtypes” não existe no universo de “Turn A”, seria Tomino mudando de ideia e achando que esse conceito fazia mais sentido nos anos 70 do que duas décadas depois? Ou seria que tanto tempo se passou desde o Universal Century que agora todo mundo é newtype, logo, não precisa de palavra pra descrever essa reforma humana, que não é mais um “movimento de contracultura” e sim a norma? Não tenho resposta, mas é uma pergunta interessante.

Desde a primeira vez que assisti ao Gundam original, esse conceito me deixa muito pensativo, principalmente vendo como ele é usado nas sequências… e até nas versões dos universos alternativos, como “Seed” ou “00”. Mas mais do que isso, a conexão de Amuro e Lalah, e a morte desta, sempre me foram a cena mais impactante. O visual psicodélico por si só já chama a atenção, mas tinha bem mais peso ali, a melancolia, a tristeza de tudo…

Acho bem difícil que tenha havido alguma semana desde então, ainda que tenha se passado mais de uma década, que eu não tenha pensado nisso nem que seja uma única vez. Descobrir a existência desse livro atiçou a minha curiosidade, então finalmente poder lê-lo um bom tempo depois, por causa da tradução em inglês, foi uma experiência interessante e bem enriquecedora. Meu hiperfoco em Gundam agradece.

Sendo sincero, esse livro não me trouxe tantas grandes novidades, mas foi um ângulo de análise interessante desses personagens, que só reforçam algumas teorias que eu já tinha bolado a respeito durante todos esses anos. Nem todas as respostas e vontades foram atendidas, mas as reflexões que eu acabei tendo, e transformando nesse texto, eram o que mais importava.

Pelo jeito a Lalah não assombrava só o Amuro, mas a minha cabeça também, porque vira e mexe eu pensava no “Oh, Amuro! Posso ver o Tempo!”, entre várias outras frases. Quando cheguei nessa cena no livro, eu lia cada frase dessa ouvindo as vozes deles como no anime (ainda que eu estivesse lendo em inglês, as vozes eram mentalizadas em japonês, de tanto que eu revi essa cena bizentas vezes, de ambas as versões).

Talvez seja assim que os caras que pensam no Império Romano com mais frequência do que eu devem se sentir, afinal.

Acho que a maioria de nós gosta de um mangá/anime de lutinha, né… mesmo os que não apreciam tanto o gênero têm pelo menos UMA série do tipo que ressoa com eles em algum nível.

Não é pra menos que é talvez o gênero mais popular de quadrinho japonês no mundo todo há décadas. Não sei se é o meu gênero favorito mas… é, eu não vou tentar fingir que não, eu gosto também. Eu cresci lendo essas porras desde muito novo e até hoje, uns 20 anos depois, ainda consumo isso regularmente.

O texto de hoje é bem simples e bem mais descompromissado (e espero que menos longo) do que eu costumo fazer, então eu vou simplesmente falar de alguns clichês/tropes de mangás de luta que eu gosto! A princípio, vou escolher 10, sem ordem definida, e falar de um ou dois exemplos.

E bom, acho que nem preciso dizer que é uma seleção baseada em gosto pessoal meu, né? Se algo que você curte não está aí, provavelmente é porque eu: 1) esqueci. 2) gosto mais desses que escolhi. 3) são só 10, então precisei selecionar pra isso aqui não ficar gigante!

E por, “shounen de lutinha”, vamos entender aqui mangás com foco ou que dediquem uma parcela considerável de suas páginas em ação ou lutas. Talvez eu inclua mangás de esporte ou séries com mais ação num geral também pra ser mais abrangente, até porque algumas dessas coisas valem pra elas também.

(e a maioria das séries citadas vão ser da Shonen Jump, mas vou tentar puxar algumas outras de outros lugares também)

1- “Corredor de Inimigos” (ou vulgarmente chamado por mim de “arco à lá Doze Casas”)

Em japonês chamam isso de “Saint Teko”. “Teko”, vem de “Tekoire”, que significa algo como “alavancar”, no sentindo de usar uma alavanca de emergência pra alguma coisa específica e… “Saint” vem de “Saint Seiya” mesmo, e eu imagino que não preciso me alongar quanto a isso.

Mesmo eu sendo da geração dos anos 90–2000, engraçadamente só comecei a gostar mais de Cavaleiros do Zodíaco depois de adulto, revisitando a série. Quando criança eu achava meio saco mesmo já tendo visto o anime e lido o mangá na época que a Conrad lançou no Brasil pela primeira vez, MAS… a ideia da coisa toda sempre me agradou, e é provavelmente por isso que eu achava legal ter os bonequinhos e ficar vendo as armaduras deles, mas isso não vem muito ao caso!

Mas tá aí, uma coisa que eu sempre gostei nele é toda a premissa do arco das Doze Casas. Essa ideia de ter uma sucessão linear de inimigos cada vez mais fortes a serem vencidos até chegar num “chefão final” é divertida e até hoje eu gosto quando um mangá de luta faz algo do tipo. Engraçadamente, isso não surgiu em “Saint Seiya”, apesar de ser provavelmente o expoente principal desse tropo. “Ring ni Kakero” e “Fuuma no Kojirou”, ambos também do Kurumada Masami e anteriores a “Seiya” já tinham isso.

Inclusive, apesar de hoje em dia muita gente criticar (várias vezes com razão), acho que temos muito a agradecer ao Kurumada porque sem a influência dele, o desenvolvimento desse gênero teria sido bem diferente (e pra pior), mas isso é um assunto que fica pra outra ocasião e eu tenho vontade de discorrer sobre, mas… hoje não!

Inclusive, pra fechar, um grande agradecimentopro Araki Hirohiko por ter feito um mangá inteiro em cima disso, que é a parte 3 de “Jojo’s Bizarre Adventure”: “Stardust Crusaders”. É uma das minhas partes favoritas de “Jojo” até hoje.

2- Luta “engraçada”

Esse não é tão comum assim mas, quando aparece, me agrada bastante e… o post anterior a esse foi sobre um mangá que é INTEIRAMENTE isso, que foi “Chinyuuki”.

Eu via muitos filmes do Jackie Chan quando moleque, e era frequente ter cenas engraçadas no meio das lutas, ou até alguns movimentos engraçados, então provavelmente minha inclinação a gostar disso vem daí.

E, existem alguns mangás de luta que misturam comédia no meio da ação. Dentro da Shonen Jump mesmo eu consigo lembrar fácil de “Kinnikuman”, “Jungle no Ouja Tar-chan”, “Seikimatsu Leader Den Takeshi”, o próprio “Chinyuuki”, “Bobobo-bo Bo-bobo” e, mais recentemente, tivemos “Mashle”. Gosto de todos esses em algum nível, alguns mais que outros… e “Mashle” pra mim inclusive só se salva quando o Mash tá em cena porque, apesar das lutas visualmente impressionantes, 99% do resto do elenco é extremamente desinteressante pra mim, mas o Mash? Ele é engraçadíssimo e sozinho consegue carregar esse mangá nas costas, porque ele sim entende o equilíbrio entre ser engraçado e ser daora nas lutas.

Mas acho que pra mim não tem exemplo melhor do que o Luffy, em “One Piece”, certamente. Ele tem várias lutas assim, e ele NUNCA perde a essência!

Acho que desde os primeiríssimos confrontos da série, o Luffy sempre busca resolver as coisas na base da força bruta só que de maneiras bem esdrúxulas. Ele não é de pensar muito e tá sempre fazendo alguma coisa ridícula no meio da luta e… frequentemente vence! Nos primeiros capítulos a gente vê ele fazendo cosquinha no pé do Buggy, o que acaba salvando a Nami, que tava ali na hora. O Luffy tentando brigar com o Arlong usando as mandíbulas descartáveis dele! Ou quando ele encheu a barriga de água na frente do Crocodile, a cara de puro terror que o Enel fez quando viu que o Luffy era imune aos seus trovões, e muitas outras ocorrências do tipo ao longo da série. E pra ser justo, não é só o Luffy que é bom nisso, “One Piece” num geral é uma série excelente em misturar ação com comédia de forma bem orgânica, quem aí lembra do Usopp sendo capaz de vencer a Perona em Thriller Bark só porque ele já era muito negativo?

No último arco terminado da série (da data da publicação desse texto) tivemos a cerejinha do bolo desse tropo na série, que foi o Gear 5th, que essencialmente transforma o Luffy numa espécie de “O MÁSKARA” e resolve a briga com o vilão da vez como se fosse um episódio de Tom & Jerry enquanto informações importantíssimas sobre o mundo da série são reveladas. Simplesmente a coisa mais “One Piece” possível!

O Oda aprendeu direitinho a lição de quando ele foi assistente do Tokuhiro Masaya, durante a serialização de “Tar-chan”, mostrando bem que herdou muitas das mesmas características dos mangás dele e ainda expandiu em cima. Que se foda o Watsuki Nobuhiro, o Tokuhiro foi o verdadeiro mentor do Oda!

Eu não falo muito disso por aqui mas é… eu gosto pra cacete de “One Piece”, se alguém aí por algum motivo ainda não sabia.

3- Vilão caricato do mal

Estamos numa época em que está cada vez mais comum narrativas onde o antagonista tem algum passado conturbado que o justifique, ou que possui morais “cinzentas”, e camadas de complexidade pra refletirmos sobre a sua moral e, em alguns casos até acharmos que ele pode não estar tão errado assim, e personagens desse tipo podem ser riquíssimos tematicamente, que nem o Griffith, em “Berserk” (que não é bem um “shounen de lutinha”, mas o personagem é um exemplo perfeito disso). Ok, tivemos a Makima em “Chainsaw Man” recentemente também, se quisermos analisá-la sob esse prisma.

Mas sabe uma parada que eu curto muito quando acontece? Vilão que é mal por ser mal e o cara é sangue ruim DE VERDADE, de maneiras quase caricatas, do tipo que dá rasteira em velhinha e chuta cachorro, e tudo que você quer é ver esse cara apanhar depois.

Poucos personagens ilustram isso pra mim tão bem quanto o Dio Brando, de “Jojo”.

Em “Jojo” já tivemos vilões desses dois tipos que eu mencionei, mas o meu favorito ainda continua sendo o Dio, não só por isso, mas porque ele é extremamente icônico e emblemático. É muito memorável em tudo: cenas, jeito de falar, comportamentos, maldade, design. O Araki concebeu um dos vilões mais facilmente reconhecíveis dos quadrinhos, e que não perde em nada pra, sei lá, vilões icônicos do Batman ou a Paola Bracho de “La Usurpadora”. O cara é um nojo, mas é divertido ver ele fazendo essas nojeiras porque é uma antecipação pra quando chegar a hora de ele apanhar ou se dar mal e ser muito satisfatório quando a hora chegar.

E quando o Jotaro chega pra bater no Dio, o resultado é muito satisfatório. No mangá (e, por extensão, o anime pra TV dos anos 2010) é bom demais, mas particularmente gosto muito da versão do OVA de 1993 também, que tem lá suas diferenças mas é igualmente tão memorável e satisfatório quanto.

O Kira Yoshikage na parte 4 é excelente também, apesar de mais complexo e multifacetado, mas quando lembro de vilões icônicos de Jojo, é impossível o Dio não ser o primeiro que me vem na mente, e não apenas por ele ser o mais “mitologicamente importante”.

4- ARMADURA DE BATALHA (ou algo próximo disso)

Bom, eu mencionei lá atrás que, como muitos moleques da minha geração, eu também gostava das armaduras dos cavaleiros de “Saint Seiya”, né? Eu nem gostava tanto assim da série, mas as armaduras sempre me interessavam, e parabéns à Toei (ou ao Araki Shingo, não sei de quem partiu a ideia) por tê-las feito ainda mais legais no anime da série.

Quando rola uma armadura de combate ou algo do tipo, a estética da ideia costuma me agradar. As ombreiras dos personagens de “Hokuto no Ken”? Foda, queria uma igual! Ombreira é um troço muito estiloso. A armadura do Raoh, com aquele capacete de chifres, também é super memorável. O Dark Schneider tem algumas dessas ao longo de “Bastard!!” e são bem estilosas também. O Toguro, em “Yu Yu Hakusho” é praticamente uma armadura de músculos! E por mais ridículo que eu ache tematicamente, o traje fullbringer do Ichigo em “Bleach” também é legal (e essa é provavelmente a única coisa positiva que eu sou capaz de falar desse arco). A Berserker Armor do Guts em “Berserk” também pode ser mencionada aqui.

E não é pra menos que eu goste bastante de tokusatsu também, como muitos de vocês já devem saber. Design de armadura de Kamen Rider pra mim é uma arte por si só.

E sabe um mangá que gira praticamente inteiro em volta de uma armadura de batalha? Sim, “KAKUGO NO SUSUME”! (conhecido em alguns lugares do ocidente pelo título muito menos legal “Apocalypse Zero”)

… Ok, vocês não conhecem, né? Imagino que muitos de vocês talvez não tenham ouvido falar e um dia gostaria de falar dele com mais detalhes, mas pra mim é um dos mangás de ação mais cheios de personalidade dos anos 90! Tentando resumir bem rápido, a premissa é sobre um garoto que vaga por um mundo pós-apocalíptico defendendo os fracos, só que ele tem uma armadura “viva” que aumenta drasticamente suas habilidades de combate e guarda um terrível segredo que não vem ao caso agora, e ele precisará enfrentar o seu irmão, que é a maldade pura e deseja conquistar poder pra si.

É tipo… uma mistura de “Hokuto no Ken” com um herói de armadura de Kamen Rider procurando um vilão sangue ruim que parece o Dio, de “Jojo”. E agora comigo descrevendo isso noto como esse mangá alinha uma série de elementos específicos que parecem calculados pra me agradar, além de ele ter VÁRIOS elementos que estou citando nesse texto.

5- O Mentor do Herói tendo uma luta foda ou um momento icônico

“My Hero Academia” entraria numa lista pessoal minha de “20 melhores mangás de lutinha já feitos”? Com toda certeza NÃO, mas eu acho que o All Might dando aquele socão absurdo bem dado na cara do All For One é tranquilamente um dos socos mais bonitos já dados na história da Shonen Jump.

Por incrível que pareça, apesar de ser conhecido na internet pelo meu gosto de tiozão pra mangá, eu curto “My Hero Academia” (mesmo sendo uma série que tenha demorado bastante pra conseguir me conquistar), e essa deve ser a cena que mais me vem na mente quando eu lembro da série, de imediato. E… o All Might é o meu personagem favorito, e um dos que eu acho mais tematicamente interessantes, mas isso é assunto pra outro dia.

Acho que num geral eu tendo a curtir esses personagens que são o “mentor” numa história desse tipo. O Kakashi em “Naruto”? Bem maneiro, eu gosto. O Jiraiya? Provavelmente meu personagem favorito de “Naruto”. O Gai-sensei? protagonizou um dos poucos momentos que eu realmente gostei muito no arco final de “Naruto”!

O Toki em “Hokuto no Ken” não é bem um mentor pro Kenshiro, mas é um dos personagens que eu mais lembro da série, e ele foi bem marcante pra mim quando eu era criança, e a cena dele segurando, do lado de fora, os portões de um bunker pra proteger as pessoas lá de dentro do bombardeio nuclear conta como um momento desses, ou as várias vezes que ele intervem pra impedir o Kenshiro de fazer algo despreparado contra o Raoh. Tem o Avan no começo de “Dragon Quest: Dai no Daibouken” também, ele é legal! E o Netero lutando contra o Meruem em “Hunter X Hunter” é foda também, um dos melhores momentos da série.

Pô, e o Takamura lutando contra o Bryan Hawk em “Hajime no Ippo” pelo primeiro título mundial dele? Foda pra caralho! Ok, o Takamura não é bem um “mentor” pra galera da Academia Kamogawa… bem longe disso na real, mas ele é uma figura exemplar pro Ippo e seus amigos, e é o lutador que todo mundo ali gostaria de ser. Ok, ele é um arrombado às vezes, mas um baita boxeador que todo mundo aspira ser!

Se esse tropo vier acompanhado de uma “passagem de tocha” pra outro personagem, igual aconteceu em “HeroAca” ou “Naruto” como mencionei no começo dessa seção então, aí que é legal mesmo!

É um “You’re Gonna Carry that Weight” impactante.

6- PODER DA AMIZADE

Um grande clássico do gênero! E parte do lema “Esforço, amizade e Vitória” carregado pela Shonen Jump há décadas, a principal casa de mangás do gênero!

Pense em qualquer mangá do gênero, e você terá grandes chances de citar um que traga isso em algum momento. Mesmo os mais antigões como “Dragon Ball”, “Hokuto no Ken”, “Saint Seiya” ou “Kinnikuman” (sendo que nesse o poder da amizade é LITERALMENTE um poder que existe entre os personagens, nomeado e tudo), até coisas mais recentes como “One Piece”, “Naruto”, “Fairy Tail”, “Black Clover”, ou sei lá, “Yu-Gi-Oh!”… e alguns desses tem até isso como um de seus temas centrais!

Mesmo em mangás que não são tão “pra cima” ou falam tão explicitamente disso, dá pra ver isso ali. Talvez seja a mensagem bonita de esforço coletivo por um bem maior que os leitores infanto-juvenis precisem ver, afinal.

“Kinnikuman” provavelmente tem a minha manifestação favorita desse tropo, porque não apenas o poder da amizade é algo que existe canonicamente naquele universo, nomeado e tudo, como também até OS VILÕES o utilizam, porque mesmo os vilões precisam de amigos entre si, se quiserem ter alguma chance de vencer a união e irmandade dos heróis.

Em “My Hero Academia”, gosto de enxergar o “One for All”, o poder herdado pelo Deku, como uma leitura interessante desse conceito, conforme a série vai desenvolvendo melhor essa ideia. É um poder que vai passando de usuário pra outro, através das gerações, e o novo usuário ganha a força dos antecessores e precisa moldá-la ao seu próprio modo pra assim passá-lo adiante quando o momento chegar, e continuar essa manutenção do polimento desse poder, usado pra um bem maior por heróis de todas as gerações. Não é “exatamente” o poder da amizade do jeito mais brega e legal que a gente gosta, mas o fundamento por trás não é tão diferente.

7- Personagem desprezível apanhando FEIO

Sabe aquele personagem detestável que tá na história só pra ser desprezível? Essa aqui talvez seja uma extensão do item 3 e tá aparecendo só agora porque… sim?

É muito bom quando eles apanham, seja um vilãozinho zé ruela qualquer, um vilão maior nomeado, ou simplesmente um personagem que você não goste. Não é difícil pensar em exemplos por aí, e podem variar de pessoa pra pessoa, mas eu particularmente lembro bem de quando, em “One Piece”, o Luffy deu um socão no Bellamy na ilha de Jaya, afundando o chão e tudo… ou quando o Luffy deu um soco em um daqueles Dragões Celestiais na ilha de Sabaody, ou quando o Luffy bateu na gangue da Ilha dos Tritões, bateu no DoFlamingo, bateu no Kaidou… caramba, o Luffy bate em bastante gente desprezível, né! É por isso que eu adoro ele!

Um outro exemplo muito notável pra mim, e um dos meus favoritos até hoje, foi em “Hokuto no Ken”, quando o Kenshiro finalmente acaba com a raça do Jagi, um de seus irmãos adotivos, um cara tão sangue ruim que manipulou várias pessoas, enganou outros se passando pelo Kenshiro por também ter cicatrizes no peito, deu ideia no Shin pra ele sequestrar a Yuria e brigar com o Kenshiro, e tocou o terror por onde passou, sendo um trapaceiro verminoso. Quando chegou a hora de ele enfim ter o que merecia, o Kenshiro não brincou e deu a ele uma das mortes mais brutais da série.

https://youtu.be/LHIQY2I7mO4

Em todo “Hokuto no Ken”, se tem um cara que mereceu morrer do jeito que morreu, esse cara foi o Jagi, e ele conseguiu deixar o Kenshiro puto como poucas vezes ficou ao longo da série. Como é bom ver esse desgraçado apanhar

8- Escalação absurda de eventos

Eu gosto de cenas de ação exageradas com situações impossíveis de acontecer, e poderes de grandes proporções destrutivas. Isso indo desde cena de filme de ação que faria seu tio falar “Oh lá, começou a mentirada!” até cena em mangá de personagem dando soco no chão pra parar um terremoto ou gente disparando raios uns nos outros capazes de obliterar uma montanha.

Eu também gosto daquela sensação de pensar no começo da série e comparar com o momento absurdo atual e pensar “uau, as coisas escalaram bastante, hein!”. É o que no Tv Tropes está classificando como “Jumping the Shark”, ou simplesmente “O PULO DO TUBARÃO” em bom português.

Há uns meses atrás li “Black Angels”, um mangá do começo da Shonen Jump do começo dos anos 80 que, a princípio era sobre um cara que fazia assassinatos de gente ruim na escuridão e… alguns volumes depois virou uma perseguição de máfia com vários agentes com superpoderes bizarros, aí depois veio um plano pra fazer o Monte Fuji entrar em erupção com uma bomba nuclear, aí veio uma Tokyo pós-apocalítpica onde todo mundo ficou doido, e aí os vilões passaram a ser uns padres fascistas e o protagonista vai ter que praticamente virar um deus e despertar poderes psíquicos pra lutar de igual pra igual com eles e… caralho, que mangá maluco, meu deus! Tudo isso começou com um cara enfiando agulhas no crânio de una galera ruim. Mas acho que ele ilustra bem o tipo de coisa a qual me refiro e um dia gostaria de falar dele em mais detalhes.

Outro mangá que também tem um festival de absurdos assim, e é basicamente isso que me mantem lendo ele até hoje, mesmo que tenha piorado absurdamente, é “Baki”. Já estamos na casa dos 150 volumes de Baki, e contando, mas estou aqui lendo até hoje, desde a minha adolescência e agora tô com quase 30 anos nas costas lendo essa merda ainda.

“Baki” já deveria ter acabado no volume 110, quando ele e o Yuujiro lutaram, mas de alguma forma o Itagaki Keisuke ainda continua fazendo mais, e quase tudo que veio depois disso foi de ruim pra pior. Mas… apesar de tudo, “Baki” continua sendo “Baki”. Se eu disser que não fiquei minimamente entretido com um arco inteiro onde eles decidiram clonar o Miyamoto Musashi e revivê-lo nos dias atuais pra lutar com o Baki só porque ele tava entediado por não ter mais ninguém à sua altura, eu estaria mentindo. As lutas ainda são visualmente legais, e tivemos uma cena onde o Baki literalmente falou na cara do Musashi um belo “Eu não vou te vencer, eu vou te dar tanta porrada que vou apagar a sua existência desse mundo”, que é uma das melhores frases de efeito que eu vi em mangás desse tipo em muitos anos.

Já o arco do Nomi-no-Sukune, que acabou bem recentemente, não tem a mesma sorte comigo. Foi um lixo inacreditável do começo ao fim, e foi tão ruim que conseguiu me deixar puto de verdade com o quão ruim foi, pra no final eles trazerem o Jack Hammer, inimigo bem antigo do Baki, de volta pra um acerto de contas final, que vai ser o próximo arco (que, na data da publicação desse texto, ainda não começou).

Minhas expectativas? Honestamente, baixas, mas podem ter certeza de que eu estarei lá lendo essa merda! Já cheguei longe demais com “Baki” pra largar esse osso à essa altura, e agora eu só quero ver até onde vai o limite da insanidade do autor, porque ESSA é a parte mais divertida de “Baki” pra mim, e o que me segura lendo esse mangá até hoje.

9- Luta num lugar extravagante ou perigoso

Uma coisa que eu gosto bastante em ficção é cenários com arquitetura “incomum”, o que muitas vezes acaba sendo só “é, eu gosto de lugares extravagentes ou exagerados”, e vários deles são palcos de lutas memoráveis. O simples fato de a luta acontecer ali já me deixa mais investido do que se fosse numa arena normal de um torneio (e… é, eu não falei dos torneios até agora. Eu gosto deles, mas, como disse lá atrás, gosto mais dessas outras coisas).

O critério é: “isso viraria um cenário de fundo legal num jogo de luta?”. Se a resposta pra isso for “sim”, então já é meio caminho andado.

Cenários icônico são tudo! O Vale do Fim em “Naruto” é um excelente exemplo disso, dois dos momentos mais emblemáticos da série acontecem nele, e um deles é o acerto de contas final entre o Naruto e o Sasuke, que foi um momento TÃO bom que quase, quaaaaaase, me faz querer perdoar boa parte dos tropeços do arco final da guerra (e toda aquela merda envolvendo o lance com “Deusa do Chakra” porque, meu deus do céu, eu achei aquilo um lixo inacreditável e até hoje nunca engoli essa merda).

As doze casas dos Cavaleiros de Ouro em “Saint Seiya”? É, elas são bem simples mas gosto delas. “One Piece” também é CHEIO de lugares assim: o Baratie, o Arlong Park, Marineford, o castelo da Big Mom, Onigashima em Wano… não faltam lugares. Eu também gosto de lutas em lugares perigosos como vulcões, arenas com espinhos ou veículos em movimento. Tem uma luta em “Baki” que acontece numa montanha-russa em movimento e ela é bem memorável. Eu também gosto do Circo da Meia-Noite em “Karakuri Circus” (vale citar que: excelentíssimo mangá, por sinal, já que eu sei que não é todo mundo que conhece).

Mas se for pra juntar lugares que são, ao mesmo tempo, extravagantes e perigosos, desconheço mangá mais eficiente nisso do que “Sakigake!! Otokojuku” (e por extensão também sua sequência “Akatsuki! Otokojuku”). Já falei de “Otokojuku” em outro texto, mas pra quem não leu lá, a série é bem conhecida por causa de suas lutas surreais, com armas bem inusitadas e acontecendo em cenários com “stage hazards” das mais variadas: Poços de ácido ou lava, espinhos, arenas que dão choque, globos da morte, embaixo d’água, base na lua, precipícios onde os dois combatentes estão amarrados por uma corda, teias de aranha, templos chineses, cachoeiras no meio do mato, prisão de segurança máxima e até bases no espaço! Temos arenas de todos os tipos que você imaginar!

Agora imagine isso, uma ilha cheia de lugares do tipo, e não apenas isso como a própria ilha é toda desenhada como se fosse uma grade de torneio! Temos um arco INTEIRO de “Otokojuku” se passando nessa ilha, com dezenas de lutas, e isso se extende por 17 volumes, que é basicamente metade da série original. E a cereja do bolo é ter o rosto do grande vilão do arco, um criminoso de guerra da época da Segunda Guerra Mundial e basicamente o nêmesis do mentor dos protagonistas, esculpido numa rocha gigante!

Agora ninguém pode reclamar que eu não falei dos torneios, eu acho… né? Toma eu aí logo falando de um mangá cujo 80% dos arcos são torneios então!

(o torneio que tem no começo de “My Hero Academia” eu acho meio que um saco, aliás. Só queria tirar isso do peito)

10- Batalha final mostrando todos os personagens da série torcendo pelo protagonista

Eu malandramente deixei esse pro final porque é super cafona mas me pega quase todas as vezes em que acontece. Eu gosto de quando reúnem todo o elenco pra isso, e mostra até uns personagens que você nem lembrava direito que existem.

Tem uma pá de exemplos famosos por aí, mas arrisco dizer que o mais notável de todos eles é certamente a formação da “Genkidama” em “Dragon Ball”. A própria ideia da Genkidama por si só parece uma manifestação literal dessa ideia, só que ela vai muito além, principalmente na luta final do Goku contra o Majin Buu, onde todas as pessoas da Terra levantam os braços pra dar um pouco de sua energia pro Goku poder finalmente vencer o inimigo que até então parece invencível.

Se parar pra pensar, isso também parece uma releitura de “poder da amizade”, né?

Uma outra que ficou muito na minha cabeça desde adolescente também foi em “Ushio to Tora”, porque a batalha final da série tem um pouco disso, e no arco final, basicamente todos os personagens que apareceram, desde o começo, acabam voltando pra fazer alguma coisa.

Acho que até quando o arco da batalha final não tá tão legal assim, se eu gostar dos personagens e o mangá meter essa, eu dou um sorrisinho às vezes… mas só às vezes.

É bobo, brega e cafona, mas costuma funcionar comigo.

CONCLUSÕES FINAIS:

• “One Piece” é legal pra caralho e até hoje um dos melhores mangás em publicação.
• “Baki” é muito bom em fidelizar seus leitores, por pior que esteja atualmente. Me sinto torcedor do Vasco.
• Eu elogiei “My Hero Academia” mais vezes do que eu esperava, pra alguém que não gostava quase nada da série no começo. Uau!
• Vocês deveriam ler “Kakugo no Susume”, só acho.
• Puta merda, meu gosto pra mangá realmente é o de um velho japonês de 45 anos, às vezes.
• Quero que um dia existam traduções completas de “Jungle no Ouja Tar-chan” pra mais gente além de mim poder ler também e ver que “One Piece” herdou muita coisa de lá. E… eu gosto de misturas de ação com comédia!
• Eu nunca consegui passar dos primeiros 3 volumes de “Fairy Tail”. Já tentei algumas vezes, desde quando a série estreou, mas nunca me desceu e foi enjoativo em todas elas. Um dia quem sabe eu consiga.
• Não tive muito espaço pra falar disso mas… adoro mangás de artes marciais, caso não tenha ficado óbvio.
• “Hokuto no Ken” foi um dos meus mangás “formador de caráter e de gosto”, por mais ridículo que isso soe. Esse negócio era praticamente a minha bíblia quando era adolescente. O eu de 12 anos achava o Kenshiro muito foda… e o de hoje finalmente entendeu a essência do Musou Tensei, após uns bons anos de depressão na vida adulta.
• Passei a dar mais valor ao “poder da amizade” depois de marmanjo velho. Acho que envelhecer faz isso com a gente às vezes, ou pelo menos foi o meu caso.

… E acho que é isso por hoje.

Acho que a essa altura do campeonato todo mundo já sabe que “Dragon Ball” era, a princípio, pra ser uma “releitura” ou paródia (ou seja lá o que tava passando na cabeça do Toriyama) do famoso livro chinês “Jornada ao Oeste” e, se você conhece o básico da premissa, os elementos dessa história são bem perceptíveis no começo da série. Mas e se eu falar pra vocês que houve uma OUTRA paródia de “Jornada ao Oeste” rolando dentro da Shonen Jump coexistindo junto com ele no começo dos anos 90.

Mais surpreendentemente ainda, e se eu dissesse que esse mangá é consideravelmente importante dentro da história da Jump dessa época e lançou um dos artistas mais únicos dessa indústria ao estrelato? Hoje eu vim falar de um mangázinho fascinante chamado “CHINYUUKI”, escrito e desenhado por um cara que atende pela alcunha de “Man Gatarou”. Se você gosta de ler sobre causos curiosos da história da Jump, esse mangá inteiro por si só já é um desses.

Mas antes de começar, se você sabe como as coisas nos meus textos funcionam, preciso dar um pouquinho de contexto.

Uma breve apresentação da “Jornada ao Oeste”

Se você conhece cultura pop asiática certamente já ouviu esse nome antes ou viu alguma referência a isso que seja, mas trata-se de um grande clássico da literatura chinesa, escrito no Século XVI tendo sua autoria atribuída a Wu Cheng’en. O livro é considerado um dos grandes clássicos da literatura chinesa, junto com o “Romance dos Três Reinos” (sobre o qual já escrevi mais detalhadamente aqui), “A Margem da Água” e “O Sonho da Câmara Vermelha”. É uma história tão famosa que se espalhou pra todos os cantos da Ásia e ganhou umas boas centenas de versões e reinterpretações dos mais variados tipos em todas as mídias possíveis até hoje, e atualmente é conhecida no mundo todo, até fora da Ásia.

Eu não pretendo entrar em muitos detalhes porque isso alongaria demais o texto e eu não julgo isso ser TÃO importante quanto talvez possa parecer pro assunto em questão, mas a premissa aqui é a história é sobre Son Wukong (às vezes chamado de “Rei Macaco”), um macaco muito brigão e baderneiro, que arrumou tanta confusão que o Buda resolveu prendê-lo por ser perigoso e poderoso demais. E então ele é encontrado por Tang Sanzang, um monge budista, que decide levá-lo numa jornada de peregrinação até a Índia, passando por toda a “Rota da Seda”, e nessa viagem eles passam por muitas experiências diferentes e encontram personagens dos mais variados tipos nessa aventura.

… e eu acho que é isso que vocês precisam saber sobre a premissa do conto original pra pegar a ideia do que eu vou desenvolver ao longo do texto, mas isso vai deixar de ser tão importante depois de um tempo.

Agora sim, hora de começarmos a falar do assunto de hoje…

Jornada à Jump de 1990

Agora, avancemos para o ano de 1990 no Japão, onde surge um mangá chamado “Chinyuuki”, escrito e desenhado por um cara que assina como “ManGatarou”, pseudônimo esse que pode ser lido como “Zé do Mangá”.

Uma coisa que eu não mencionei é que a “Jornada ao Oeste” no Japão se chama “Saiyuuki” (西遊記), e esse mangá se chama “Chinyuuki” (珍遊記), mudando o primeiro kanji, “Sai”(西), pra “Chin” (珍), e já nesse detalhe já dá pra saber que se trata de uma versão desvirtuada da “Jornada ao Oeste”. Esse mesmo kanji de 珍, é usado na palavra “Chin-na” que é um adjetivo pra “estranho” ou “bizarro”… além de remeter um pouco à palavra “chinko”, que é um termo vulgar pra “pênis” em japonês.

Ou seja, isso tudo quer dizer que se esse mangá saísse aqui eu votaria pra adaptar o título pra “Jornada ao Fodeste” ou algo tão ridículo quanto senão mais.

O título todo é “Chinyuuki: Tarou do Yukai-na nakamatachi”, e isso poderia ficar em português como “Jornada ao Fodeste: Tarou e seus simpáticos amigos”. Agora vem a pergunta… onde diabos entra um “Tarou”, um dos nomes japoneses mais comuns possíveis (tipo um “Joãozinho”), nessa história se é uma adaptação do livro da história do Son Wukong?

(“Son Wukong” esse que é chamado de “Son Gokuu” em japonês… mas acho que disso vocês já sabem, né? Às vezes me pego imaginando uma realidade alternativa onde a gente chamaria o protagonista de “Dragon Ball” de “Son Wukong”, ao invés de meramente “Son Goku” como fomos condicionados a fazer no ocidente)

A história do mangá já começa jogando merda no ventilador, mostrando uma cidade sendo bem bagunçada por um ser poderoso e carrancudo com cara de macaco chamado… Yamada Tarou. Ele enche a cara de cachaça, cospe fogo, sai voando com seus peidos, quebra tudo, explode coisas. Enfim, é uma versão exagerada do Son Wukong, só que com o nome japonês mais genérico imaginável possível.

E de uma maneira similar ao “Conto do Momotarou”, nessa versão, ele foi criado por um casal de velhinhos numa área rural, que o encontraram ainda bebê depois de ele aparecer no meio da plantação deles depois de um trovão. Tarou sempre foi uma criança problemática e que arrumava muita confusão e constantemente fazia bizarrices, trazendo imenso desgosto aos velhinhos que o criaram.

Pra sorte deles, Genjou, um monge montado em seu cavalo, passava pela região em busca de um lugar pra passar a noite, e após sentir a energia ruim da casa onde Tarou vive com os velhinhos, decide ajudá-los a se livrar dele de uma vez por todas com o melhor exorcismo que o budismo tem a oferecer, e então acaba travando uma intensa batalha com Tarou, até que consegue selar boa parte de seu poder e o transforma em um carequinha feio pra dedéu que continua um legítimo baderneiro porcão de incríveis maus modos, e decide levá-lo ao Oeste numa jornada de peregrinação… mas não antes sem colocar uma coroa de ouro em sua cabeça pra tentar controlar seus impulsos violentos caso ele fuja do controle, igual acontece com o Son Wukong na história chinesa original.

Até aqui foram os 3 primeiros capítulos do mangá, e do jeito que eu descrevi parece até meio normal, mas o negócio que pega aqui é a forma como essa coisa toda acontece, de um jeitão bem específico que acabaria virando o estilo do autor, já que esse foi o primeiro mangá notável de sua carreira… eu vou falar do Man Gatarou em mais detalhes numa seção específica depois, porque ele CERTAMENTE merece esse destaque, mas agora é hora de falar de como as coisas nesse mangá funcionam.

“Chinyuuki” é um mangá de comédia, e dos bem trash. É maravilhosamente trash de um jeito que parece ter sido desenhado por um garoto de 12 anos que sabe usar rachuras muito talentosamente. Tudo é extremamente “over” e absurdo, tem muitas piadas escatológicas e com nojeira num geral ou de humor físico mais pastelão (o famoso “slapstick humor”) e várias vezes onde existem quebras de 4º parede onde os personagens estão gritando o tempo todo. É bem aquele tipo de comédia onde TUDO pode acontecer e é bem imprevisível com situações ridículas e absurdas das mais variadas.

Uma mera cena que num mangá normal demoraria uma ou duas páginas, aqui pode demorar vários capítulos pra terminar por conta do jeito que o autor costuma usar desenhos com quadros enormes pra dar impacto o tempo todo, e esses desenhos são bem detalhados. O mangá já começa com várias dessas características, mas esse estilo próprio vai se desenvolvendo um pouco depois, e é fascinante vermos em tempo real o “estilo Man Gatarou” sendo forjado durante uma serialização semanal, já que isso foi bem no começo da carreira dele, e logo conquistou o público e fez um sucesso considerável, tendo sido serializado na Shonen Jump por pouco mais de um ano e sido compilado em 6 volumes, com 64 capítulos.

E falando nesse “estilo Man Gatarou”, acho que chegamos em uma boa hora pra começar a falar sobre o artista por trás dessa maluquice

O maravilhoso mundo de degeneração de Man☆Gatarou

Man☆Gatarou é uma figurinha um tanto quanto… fascinante.

Às vezes também chamado de “Man F Gatarou”, “Gatarou Man” (normalmente de forma errônea quando tentam ocidentalizar o “nome” dele sem muito contexto) e de mais uma penca de outras variantes desse pseudônimo que, se levados a sério, causam dor de cabeça nos catálogos de livrarias japonesas tornando um caos compilar seus trabalhos às vezes, ele tem um estilo bem único. Passarei a chamá-lo de “Mangatarou” aqui pra facilitar.

Não se sabe praticamente nada sobre sua vida pessoal, além de que ele é bastante recluso socialmente e que poucas pessoas dentro da Shueisha já viram seu rosto (que supostamente apareceu naquelas capas da Jump antigas onde os autores das obras estavam todas presentes… mas vai saber se o Mangatarou que estava lá era ele mesmo). O que sabemos é: ele está em atividade desde o começo dos anos 90 e tá aí fazendo mangá até hoje, e consistentemente faz títulos de comédia. “Chinyuuki” foi o seu título de estreia, e a série conseguiu fazer sucesso o bastante pra lançá-lo ao estrelato pra que ele tivesse vários outros depois, e alguns desses até ganharam adaptações pra outros formatos, em especial filmes live-action (incluindo o próprio “Chinyuuki”).

Eu definiria o estilo do Man Gatarou como “anarquia total em forma de quadrinho depois de umas dez carreiras de pó”, porque ele sempre demonstra um profundo desapreço por formas convencionais de fazer mangá, e sempre descamba pra fazer isso da forma mais trash e absurdista possível, sempre com humor extremamente juvenil, com constantes piadas de peido, caganeira, pinto, mijo, gente pelada, velhas peladas, mortes grotescas, piadas de cunho sexual e quebras de quarta-parede, e MUITO mais. Qualquer coisa pode acontecer em um mangá dele.

E, é, definitivamente não é pra todos os gostos, mas eu tenho uma firme opinião de que todo mundo deveria experienciar pelo menos um mangá dele ao menos uma vez na vida pra sentir o gostinho, porque é, pra bem ou pra mal, uma experiência bem marcante. Ou ama ou odeia, dificilmente dá pra ficar indiferente. Falando como alguém que teve muito mais contato com coisas como “Ren & Stimpy” do que deveria quando criança, devo dizer que é sempre um divertimento pra mim.

Além desse senso de humor de garoto adolescente que viu Youtube Poop em excesso numa idade em que seu cérebro ainda estava em formação, acho que o maior destaque nos mangás dele é a forma como eles normalmente fluem, porque ele tem uns cacoetes bem específicos que são facilmente reconhecíveis, e estão presentes em quase todos os seus mangás e já viraram marca registrada.

Entre esses, ele tem algumas piadas clássicas bem específicas. É bem comum em seus mangás termos alguma cena super detalhada de algum personagem caindo de uma escada rolando ela abaixo enquanto faz cara de desespero; Às vezes temos cenas de personagens sendo atropelados por um caminhão, que os parte em pedacinhos; às vezes, temos velhinhas peladas… e todo tipo de pessoa pelada também, mas idosas peladas são, especificamente, as que mais aparecem nessas piadas clássicas dele; às vezes tem gente se cagando horrores ou tendo membros decepados de maneiras bem grotescas que parecem saídas do “Itchy & Scratchy” (“Comichão & Coçadinha”, para os que estão mais familiarizados com o nome da versão dublada) dos “Simpsons” (sério, o humor é MUITO parecido)… e às vezes, ele consegue juntar TUDO isso acontecendo ao mesmo tempo, o que nos pode levar a uma cena de uma velha pelada caindo rolando escada abaixo enquanto se caga toda com a merda voando pra tudo quanto é lado até ela ir parar no meio da rua e ser atropelada por um caminhão que a despedaça todinha como se fosse um desenho animado e ela conjura mil palavrões e gritos durante o processo.

“Ah, mas isso nem dá pra encaixar no contexto de tantas histórias diferentes assim…”, talvez você esteja se questionando, sem nunca ter lido os mangás dele antes, porém eu, falando como alguém que já leu alguns, digo… ele é capaz de fazer muitas variações dessas “piadas de uma nota só” específicas, e ainda conseguir fazê-las acontecerem de forma orgânica dentro do que seus universos de maluquice desenfreada permitem.

Eu não sei se ele já falou isso em algum lugar, e provavelmente não disse, dado todo o mistério em volta da sua persona pública, mas arrisco dizer que seu trabalho possui bastante influência do humor de desenhos norte-americanos dessa época ou mais antigos. Não acho que é tanta distância assim comparar seus mangás a piadas que víamos em “Tom & Jerry” ou cenas de desenhos da Warner Bros. para os Looney Tunes, especialmente aquelas onde os personagens tão batendo uns nos outros com porretes, ou é o Hortelino dando um tiro na cara do Patolino fazendo o bico dele virar pra trás da cabeça, ou quando algum personagem anda pra além de um precipício sem perceber e cai no abismo depois que percebe que não está mais no chão. É o tal do “slapstick” e isso não era exatamente comum em mangás japoneses de comédia, pelo menos não desse jeito, e provavelmente foi justamente essa novidade que o ajudou a se destacar dentro da Jump com o “Chinyuuki”, e vou até ousar dizer que esse mangá é um pedacinho bem importante dentro da história da genealogia dos mangás de comédia num geral, em especial esses com comédia mais “nonsense”… porém, o mais engraçado é que os mangás do Mangatarou ainda parecem bem únicos até hoje, e mesmo atualmente não existem muitas coisas que podem ser comparadas com ele.

Como vocês devem imaginar, a carreira dele foi um sucesso. “Chinyuuki” teve alguns “problemas” em sua publicação, mas vou deixar pra falar disso lá na frente, mas depois disso a carreira dele deslanchou e ele teve vários títulos de sucesso, e alguns chegaram até a ganhar adaptações, como já disse antes. Entre alguns mangás notáveis dentro de seu currículo, podemos citar “Jigoku Koushien”, que é um mangá de baseball absurdo, que lembra bastante aquele filme “Shaolin Soccer”, caso já tenham visto, só que com baseball, que saiu na Jump mensal nos anos 90.

Um outro que acho que chama bastante atenção é “Tsumi to Batsu”, que… é uma adaptação do famoso romance russo “Crime e Castigo”, originalmente publicado em 1866 por Fyodor Dostoevsky, e como vocês devem imaginar por tudo que eu descrevi que pode acontecer num mangá do Mangatarou, é uma releitura… bastante sórdida da história que vira tudo que você conhece do livro original de ponta-cabeça.

Mais recentemente, acho que vale a menção, teve também “Hoshi no Ouji-sama”, que como a tradução literal pode sugerir, é uma adaptação de “O Pequeno Príncipe”, o famoso livro infantil francês de Antoine de Saint-Exupéry, e esse certamente vai a lugares…

… acho que ainda não falei de uma coisa que é bem importante e característica de seu trabalho também, que é a sua arte… muito mais detalhada do que provavelmente precisava ser, como vocês devem estar percebendo pelas imagens. Os personagens são desenhados fazendo caretas com MUITOS detalhes, com frequentes closes em suas caras mostrando rugas, perebas e tudo mais. O tal do Gross-up Close-up, que a gente via muito em “Ren & Stimpy”, e não é exagero dizer que pelo menos metade das páginas são desenhadas desse jeito. Não se enganem, mas o cara é um puta ilustrador e sabe comunicar sua comédia visual desse jeito tão bem que até mesmo sem saber ler uma única palavra de japonês dá pra achar alguma graça e entender o apelo só de folhear algum mangá dele, mesmo sem nenhuma tradução… claro que lendo fica melhor, porque o texto muitas vezes é tão escrachado quanto os desenhos, e formam um casamento perfeito, mas esse é o poder de comunicação visual da arte do cara, e isso pra mim é uma qualidade que a maioria dos artistas de quadrinhos sonham em alcançar.

Outra coisa que ele faz bastante também é repetição de páginas, quadros e layouts, onde os mesmos desenhos estão visíveis, às vezes com alguma variação muito pequena ou só o texto diferente, e isso é tão idiota quanto parece e só adiciona mais ainda ao humor dele, quase como uma piada de Youtube Poop onde a graça está em captar a edição bizarra daquilo que está sendo mostrada. Preguiça de desenhar mais ou genialidade? Fica a seu critério, mas o desgraçado sabe usar muito bem essas páginas repetidas pro que ele quer fazer.

Leiam “Gyakusatsu!!! Heartful Company” (“ATROCIDADES!!! A Firma do Amorzinho”, em adaptação livre por minha conta). É um excelente cartão de visitas demonstrando como é um típico mangá do Mangatarou, e esse tem tradução em inglês. É um voluminho único e não deve te tomar muito mais do que meia hora pra ler, e nele já dá pra ver praticamente uma cartela de bingo marcada inteirinha de todas essas características que falei sobre.

Bom, ainda tem mais uma característica típica dos mangás dele que não tinha falado antes, mas eu propositalmente deixei essa por último porque é ela que vai nos levar à próxima seção desse texto…

Não é raro que em seus mangás, um mero acontecimento tome, ao invés de umas duas ou três páginas, tome dezenas de páginas ou até capítulos inteiros. E bem, em “Chinyuuki” ele fez isso e fez de um jeito que palavras não fazem justiça, mas vou tentar falar sobre como aconteceu, e pra mim esse virou um dos eventos mais engraçados da história da Shonen Jump, e foi a coisa que me motivou a escrever esse texto.

Agora que já dei o contexto de quem é o autor e como ele opera, acho que já posso voltar pro mangá em si…

A Briga de Bar mais Feia da História da Humanidade

Bem, estamos de volta a falar diretamente sobre “Chinyuuki”.

… Onde a gente tinha parado mesmo? Ah, sim, o Son Wukon- digo, Yamada Tarou saiu amarrado à força com o monge Genjou. Durante essa aventura de peregrinação, Tarou ainda vai tentar pregar várias peças no monge e tentar fugir… e todas essas tentativas irão falhar de forma miserável. Eles passam por alguns perigos muito bizarros até chegarem numa cidadezinha aparentemente bem normal e coisas acontecem. Um dos eventos mais notáveis é quando o monge ajuda o dono de uma restaurante de ramen que tá quase indo à falência porque ninguém vai comer lá, e eles descobrem que é porque o cozinheiro tem uma catinga de suvaco tão de arrepiar que empesteia o lugar todo e até a comida, e então o monge o “cura” dessa “doença”. Testemunhando tal milagre, toda a população da cidade passa a ir até o monge pra que ele os cure de suas dores com seus milagres, e Tarou, entediado com aquilo e buscando uma oportunidade pra matar o monge mas sem ninguém olhar, decide dar uma voltinha por uma cidade.

Ele arruma briga com um trio de moleques que roubam os livros de uma livraria velha onde a dona é uma velha rabugenta! Essa briga idiota dura uns bons capítulos, quando num mangá normal duraria um só no máximo, e acaba com o Tarou descendo a porrada neles e roubando a roupa do líder, chamado “Takeshi” (e fica com o nomezinho dele escrito ali no peito).

… E essa página aí em cima é do meio dessa briga.

Depois da briga, Tarou decide ir pra uma taverna (ou um bar, se preferir chamar assim, é a mesma coisa, afinal) encher a cara, e é aqui que vai começar o espetáculo.

Estamos no capítulo 13, e ele, em português bem adaptado, tem o título “Os Capítulos dos Imbecis Escolhidos”, que é uma paródia com o subtítulo de “Dragon Quest IV”, recém-lançado naquela época e hoje lembrado no ocidente como “Dragon Quest IV: Chapters of the Chosen”, seu título em inglês (“Os Capítulos dos Escolhidos”). Se você não jogou Dragon Quest IV, no jogo passamos por vários capítulos separados no começo onde as histórias vão se converg- Pera, isso não é tão importante assim de saber, é só que tavernas são bem comuns em Dragon Quest e essa franquia já era absurdamente popular na época e o cara queria zoar um pouco com isso, nada mais! Vamos continuar…

Logo na entrada do bar, Tarou vê um cartaz de procurado com sua antiga face e uma enorme recompensa por sua cabeça (figura acima), e então, lá dentro, decide beber barris inteiros de cachaça e arrumar briga com todos os caçadores de recompensa que estão no bar (vários deles com roupas que de fato parecem ter saído de Dragon Quest IV, inclusive) em busca de um pouquinho de diversão, só porque tal qual o Son Wukong original, ele também é o caos encarnado ambulante. O que é a vida sem um pouquinho de agitação, afinal?

Com um bocado de álcool já afetando seu juízo, ele então começa a tocar o terror no bar. Dá chute na cadeira de um cara, quebra a espada de outro, xinga uma galera e então sobe na mesa, e começa a provocar todo mundo dizendo que ele é o Yamada Tarou, evidentemente já caçando briga! Ok, que o pessoal demora pra acreditar nele, mas quando acreditam todos começam a pegar em armas e botar armaduras e partir pra cima dele, todos juntos ao mesmo tempo, e Tarou vence todos eles como se fosse nada… e vale dizer que depois de levar porrada todos eles ficam pelados e carecas, porque aparentemente a porrada foi tão forte que até rasgou as roupas deles, tipo como se algum personagem de “Saint Seiya” desse aqueles socos que o inimigo voa pra cima e cai de ponta-cabeça no chão… porque é EXATAMENTE o que acontece aqui!

Depois de uma literal montanha de gente desmaiada pelada depois de levar porrada, surgem uns caçadores de recompensa gringos que estavam dormindo em quartos da taverna (?) reclamando da barulhada e xingando, e eles também decidem partir pra cima, e aí Tarou começa a brigar com eles um a um enquanto se estabaca de tanto rir igual um maníaco.

Os quatro caçadores de recompensa são:

• Zarmuth (ou “Zarmass”, “Zaamasu”… sei lá como era pra isso ser romanizado), um feiticeiro com cabelo de rockeiro dos anos 80 e que parece ser o líder do grupo. Ele fala meio engraçado igual o Iyami de “Osomatsu-kun”, que terminava todas as frases em “-zansu” pra tentar fingir que era francês e que na frança as pessoas têm um sotaque que as faz terminar as frases falando “-ança”, de alguma forma.
• Funga, um cara meio carrancudo com um jeitão meio “monstro de Frankenstein”. Ele não fala nada além de seu nome e grunhidos e é capaz de aumentar o seu tamanho absurdamente. É meio que o tanker ou o bárbaro do grupo, se você quiser imaginar algo assim.
• Gance, o guerreiro do time, com um cabelinho de herói de JRPG dos anos 90, e eu espero do fundo do meu coração que o nome dele não tenha sido inspirado no “Rance”, daquela franquia de jogos que… se você conhece, sabe do que estou falando. Esse cara é esquentadinho e impulsivo e talvez o mais malandro do grupo e só vai aparecer de cueca no mangá… porque é assim que ele estava quando foi acordado com a confusão no bar.
• Kaikai, a sacerdotisa desse time, e única mulher. Ela é gorda e meio porcalhona, e essa é uma das principais piadas em volta dessa personagem, porque afinal estamos numa comédia dos anos 90, e ela vive usando pancadas nos outros falando “DOSUKOI” igual lutador de sumô. Ela sabe usar magias de cura, mas como é enorme, pode acabar amassando seus companheiros acidentalmente se não tiver cuidado e rolar por cima de algum deles sem querer. O Gance vai gastar literalmente um capítulo inteiro tentando acordar ela da cama pra trazê-la pra ajudar na briga contra o Tarou.

Agora, o principal grupo de antagonistas do mangá foi apresentado e sem brincadeira… eles vão brigar com o Tarou por praticamente todo o resto do mangá.

Sim, é isso mesmo que você leu, essa briga de bar vai durar DEZENAS de capítulos. O Tarou entra no bar no capítulo 13 (no comecinho do volume 2), e a briga só vai oficialmente acabar de uma vez por todas no capítulo 48 (no meio do volume 5). Do 49 ao 57 o mangá para pra mostrar uma outra coisa paralela, mas vou falar disso depois, e no capítulo 58 (no volume 6, o último!) a gente vê o “epílogo” da briga no bar.

Agora vamos analisar alguns números pra termos noção do quão absurdo foi isso, se já não ficou claro o suficiente ou se você não conseguiu fazer a conta aí…

“Chinyuuki” teve um total de 64 capítulos, e ficou em publicação por um pouquinho mais de 1 ano… 1 ano e 3 meses, pra ser mais específico. O Tarou entrou no bar no capítulo 13, e a briga foi até o 48… fazendo isso ser 35 capítulos, se ignorarmos o 58, que adicionaria mais um à essa conta. Fazendo uns cálculos aqui, vemos que essa briga ocupou… 54% do mangá, e eu estou contando APENAS a briga no bar, porque se eu incluir a chegada de Tarou com o monge na cidadezinha (que acontece no capítulo 7) e os capítulos 49–57, esse percentual sobe pra 80%… porém, os últimos capítulos ainda acontecem na cidadezinha, então esse número sobe pra quase 90% do mangá se passando nessa cidadezinha. Quantos mangás que você conhece na Jump gastam 90% do seu tempo num único arco? Provavelmente não devem ser muitos, mas “Chinyuuki” fez isso.

E o que levou essa briga a durar TANTO tempo é que, provavelmente, foi justamente aqui que o Mangatarou deve ter descoberto o seu talento sobrenatural pra esticar cenas banais além do que a sanidade humana comporta, adicionando todo tipo de reviravolta cômica imaginável.

Vamos lembrar que essa foi a primeira serialização do cara, e ele provavelmente tava descobrindo os seus próprios truques ao vivo na base do improviso aqui, e ele mesmo nem esperava que isso fosse levar tantos capítulos e páginas. Eu quero até parafrasear aqui rapidinho o que ele mesmo diz na orelha do volume 3:

“Tinha pensado que conseguiria fazer esse arco da taverna durar uns 6 capítulos, mas enquanto eu desenhava, pouco a pouco comecei a ir pelas tangentes, e quando me dei conta, já era tarde demais pra terminar isso do jeito que eu tinha planejado… Que desastre. A cada dia que passa, sofro mais pensando em como posso terminar isso… À essa altura do campeonato descobri minha falta de talento. Vai ser impossível continuar levando meu trabalho de piloto de Fórmula 1 tendo que lidar com isso também!”

Eu não sei o quanto disso é relato pessoal sério ou o o quanto é piada autodepreciativa porque com o Mangatarou é difícil saber quando é sério e quando é zoeira dele, mas supondo que tenha sido sério… uau, que dó. Por outro lado, ele parece ter descoberto completamente por acidente a característica que viraria uma de suas principais piadas em seus mangás por décadas depois disso. “It’s not a bug, it’s a feature” (“Não é um erro, é um recurso”), diriam os amigos programadores!

… mas a parte de ser piloto de Fórmula 1 é sacanagem dele sim… eu acho. Era o começo dos anos 90 e os japoneses estavam fissurados no Ayrton Senna!

Em números a duração dessa briga de bar parece um absurdo, mesmo que hoje possamos ler o mangá inteiro de uma vez em seus volumes encadernados mais confortavelmente, mas vamos agora fazer um exercício de imaginação e tentar voltar no tempo com isso, lembrando que esse mangá era publicado na Shonen Jump, uma revista semanal.

Esses 35 capítulos de briga de bar significa que foram pelo menos 35 semanas corridas. “Pelo menos” porque às vezes há semanas que a Jump não sai por conta de feriados e coisas do tipo, então podemos dizer com segurança que essa confusão durou pelo menos… NOVE MESES no tempo real, pra quem lia o mangá semanalmente dentro da Jump.

Pra referência, a contagem regressiva de 5 minutos pra explosão do planeta Namek no anime de “Dragon Ball” lá no arco do Freeza, que hoje é uma piada manjada entre o público já, demorou 10 episódios… quase 3 meses de exibição semanal (o que é especialmente engraçado pelo fato de no mangá terem sido 8 capítulos, o pessoal da Toei tinha talento pra enrolar).

Ok, vamos agora pra um exemplo mais justo e comparar então com a própria luta do Goku contra o Freeza no mangá, que dura do capítulo 307 ao 327, tendo assim 21 capítulos, o que foi um pouquinho mais de 5 meses. O Mangatarou teve a pachorra de fazer essa briga de bar durar mais do que a luta do Goku contra o Freeza, um dos combates mais emblemáticos da história dos mangás de luta!

Calma, continuem comigo que eu consigo deixar isso melhor ainda!

Enquanto o pau tava comendo solto nessa exata luta em “Dragon Ball”, “Chinyuuki” TAMBÉM estava com essa mesma briga de bar rolando ao mesmo tempo. E não apenas isso, como que na edição da Jump em que o Goku chegou pra peitar o Freeza, “Chinyuuki” estava no seu capítulo 8, o que significa que Tarou tinha acabado de chegar na cidade com o monge, e um mês depois essa putaria começaria lá também!! Fica mais engraçado ainda se pensarmos que ambos começam como, a princípio, releituras de “A Jornada ao Oeste”. É uma coincidência que parece escrita nas estrelas.

Eu queria deixar isso pra próxima seção, mas agora é o melhor timing possível pra falar disso, porque há capítulos da confusão no bar em “Chinyuuki” em que rolam até paródias diretas de páginas de “Dragon Ball”, e exatamente da luta do Goku contra o Freeza! Com o texto idêntico, posições de personagens nos quadros e tudo!! (inclusive, essa que tá aí em cima também é uma delas)

Tem várias, mas quero dar pelo menos só um exemplo. Como essa aqui em cima do capítulo 24 de “Chinyuuki”, que é paródia da mesma cena que há no capítulo 314 de “Dragon Ball”, onde o Freeza avança pra cima do Goku pra revidar o Kaiouken que levou na fuça dizendo “ESSA DOEU!”. A de “Chinyuuki” saiu 9 edições da Jump depois, o que significa pouco mais de 2 meses… e esqueci de mencionar, mas o Tarou avança pra cima pra revidar um chute no saco que ele levou. O que será que dói mais, um kaiouken ou um chutão no saco?

A Banpresto até fez uma figure disso pra vender!!!

Sabem o que é mais engraçado nisso tudo? É que o Mangatarou tem um controle de cenas de ação muito similar ao do Toriyama em “Dragon Ball”. E eu nem tô exagerando, a leitura visual dessas cenas é quase tão fluída quanto, quando elas aparecem. Chega a ser quase irônico o fato de que, de todos os mangás possíveis na história da Jump que foram influenciados pelas ação de “Dragon Ball”, o que chegou mais perto de conseguir um fluxo visual suave parecido foi justamente a porra do “Chinyuuki”, e NINGUÉM esperaria isso, e é o tipo de coisa que ninguém acreditaria em mim até eu mostrar as páginas do negócio em si.

Um mangá de comédia escrachadasso conseguiu fazer algo que muito mangá de ação na Jump até hoje pena pra conseguir e não acertam de um jeito tão suave assim, e isso por si só já parece uma piada desnecessariamente bem elaborada. Talvez o Mangatarou tenha conseguido e desenvolvido essa técnica até por acidente, mas cacete, é bem impressionante pensar que ele, de todos os autores possíveis, conseguiu chegar lá, e nem precisou passar tanto tempo assim depois de “Dragon Ball” porque ele já fazia isso COEXISTINDO com ele, e até no mesmo arco enquanto lançava. É muita loucura pensar nisso. Me pergunto se o Toriyama chegou a ver essas páginas na época e se ele riu lembrando dos tempos em que ele fazia “Dr. Slump”.

Ok, deixando os paralelos com “Dragon Ball” um pouco de lado e agora tentando voltar à contemplação do quão longa foi essa treta no bar em tempo real, acho que já podemos ir pra próxima seção do texto, que vai ser uma extensão dessa em que estamos.

Top-sei-lá-quantos Momentos da Briga de Bar!

Vocês gostam de vídeo de listinha de Top 10 no Youtube? Então pega essa que agora vou fazer um Top-sei-lá-quantos dos melhores momentos da Briga do Bar que acontece nesse mangá!

Mangatarou se meteu numa furada acidentalmente megalomaníaca com essa briga de bar e perdeu tanto o controle dos seus próprios personagens e acontecimentos que acabou descobrindo o talento de arrumar novas maluquices pra enrolar e esticar isso, testando os limites da sua criatividade e do que os leitores poderiam esperar. Virou praticamente um desafio pra si mesmo arrumar novas piadas pra enrolar isso de formas absurdas a cada capítulo. Ele perdeu o controle ou foi um caos calculado? Podem ser as duas coisas, em algum nível, mas prefiro acreditar na segunda opção, e a primeira levou à segunda de forma orgânica.

Eu não consigo fazer justiça à experiência sensorial que é ler “Chinyuuki” apenas descrevendo em texto, mas vou tentar compartilhar alguns dos meus momentos favoritos, em ordem cronológica, mostrando as melhores piadas e mais criatias (ou pelo menos as que eu acho mais marcantes e criativas), então vamos lá…

Acontece muita coisa, então eu não vou descrever todas as piadas porque esse texto ficaria longuíssimo, mas vou deixar na ordem em que elas acontecem e vocês preencham as lacunas entre um evento e outro mentalmente… ou leiam o mangá, se tiverem a oportunidade, seria melhor ainda!

Ah, sim, e se caso não ficou óbvio… haverão spoilers aqui.

1- Página de abertura em inglês (capítulo 18)

Ok, essa é bem simples, mas é só pra dar a ideia de que os caçadores de recompensa são estrangeiros e eles já chegam falando “GODDAMN FUCK SHIT!!” com legendas em japonês em baixo. Tarou começa a rir igual um alucinado e o Funga decide tentar esmagá-lo com uma pisada, mas é rapidamente vencido com uma cabeçada no queixo que o Tarou dá nele

2- AMIZADE, ESFORÇO E VITÓRIA (Capítulo 20)

Bom, essa não é piada de alguma cena específica, mas é um detalhe de construção de personagem que eu particularmente gosto: acho que já dá pra ver que esse mangá não dá muita bola pro clássico lema da Jump de “Amizade, Esforço e Vitória” que vários mangás famosos de sua história levam no coração… ou pelo menos o protagonista não dá a mínima pra isso. É quase como se o Son Wukong se comportasse igual o Dark Schneider de “Bastard!!”, só que sem a parte de agir como um predador sexual… apesar de que o Son Wukong do romance original ter essa vibe mesmo. Tarou é um legítimo anti-herói, e disso não dá pra ter a menor dúvida.

Por outro lado, os vilões principais desse arco são justamente os que seguem (ou pelo menos tentam) o lema de “amizade, esforço e vitória”, e eles estão claramente em posição de desvantagem contra o nosso anti-herói aparentemente indestrutível e invencível, então eles precisam se unir pra pensar em como vencer essa ameaça. E, como veremos daqui pra frente, eles vão sofrer TANTO na mão do Tarou, que você começa até a ficar com pena deles, a ponto de nos questionarmos quem é o real vilão dessa história… o que nos leva diretamente à próxima piada!

3- Tarou, o novo Freeza (capítulo 23)

Eu já falei ali atrás das paródias diretas com “Dragon Ball”, mas eu não podia deixar essa de fora, que é o Tarou voltando depois de mijar de tanto que riu (literalmente) pra continuar a briga com os caçadores. Os enquadros são exatamente os mesmos de “Dragon Ball”, e até o texto é idêntico. Faz até a gente se questionar se ele é realmente o herói dessa história ou o vilão, tal qual o item anterior nos fez pensar.

4- A vingança da tortura testicular (Capítulos 25)

O Tarou leva uma porrada no saco e resolve revidar… pegando o Gance e arrastando pelo chão e pisoteando o saco dele enquanto ele grita escandalosamente de dor, e a gente vê páginas e mais páginas seguidas disso. É tipo aquelas vezes em “Tom & Jerry” quando o Tom levava uma ratoeirada na mão e gritava ou algo do tipo, só que bem mais hardcore.

5- A DESTRUIÇÃO MÁGICA (capítulo 26)

Essa aqui eu só quero deixar porque a página é bem impactante, mas acontece enquanto Zarmuth está conjurando uma poderosa magia pra tentar destruir Tarou e seus amigos estão ganhando tempo o segurando e batendo nele. A página da magia sendo liberada é muito boa, e tal qual vários golpes de “Dragon Ball”, ela deixa uma cratera enorme no meio do bar por causa da explosão.

6- O Homem Unidimensional (capítulo 27)

Durante o quebra-pau em que Kaikai e Gance estão tentando segurar Tarou pra que Zarmuth possa usar sua magia aniquiladora, Kaikai acaba caindo em cima de Gance depois de dar uma bofetada aérea em Tarou (naquela página que eu postei na seção anterior)… e Gance fica esmagado no chão igual personagem de desenho animado, só que ao invés de ele voltar ao normal logo depois…. ele vai ficar desse jeito pelo resto do mangá. Eu acho a cena dele mostrando que agora tem uma dimensão a menos bem criativa, pois mostra ele virando e, logo, desaparecendo do ponto de vista do leitor e dos personagens dentro da página do mangá.

7- Encontro com “Deus” (capítulo 33 e 34)

Essa aqui provavelmente é a minha favorita.

Tarou sobrevive à magia de Zarmuth e acorda depois de alguns capítulos onde mais maluquices acontecem, e ele acorda incrivelmente puto, como é de se esperar. Os caçadores, desesperados, precisam bolar algum jeito de detê-lo ou senão eles podem morrer, e eles só possuem uma saída: usar a magia proibida suprema, que é proibida de tão perigosa que é, e se eles forem pegos usando podem ser presos e mandados pra pena de morte.

Eis então que Zarmuth simplesmente dá uma pirueta pra trás do nada sem nenhum tipo de aviso prévio, mas cai desajeitadamente, quebra o pescoço e MORRE da forma mais imbecil possível de pescoço torcido e bunda pra cima. Nas páginas seguintes (essas que tão aqui logo acima) o vemos se levantando e percebendo que estava deitado em cima das páginas do mangá e percebendo que ele morreu, e então ouve uma voz misteriosa e olha pra cima e percebe que é DEUS… ou melhor, o autor do mangá, o próprio Mangatarou!

Mangatarou então diz que fez Zarmuth se matar desse jeito imbecil porque precisava falar diretamente com ele porque ele já está de saco cheio que ele não consegue fazer a história do mangá avançar (lembremos que já se passaram uns 20 capítulos desde que o Tarou entrou no bar), e resolve dar uma mãozinha pra ver se isso resolve, e lembra a Zarmuth que eles podem sim usar a tal magia proibida… contanto que tenham permissão da polícia pra isso em situações extremas. Depois de passar o recado, Mangatarou dá um tapão em Zarmuth na sua mesa o esmagando pra de volta pras páginas do mangá pra revivê-lo pensando “vai lá e me ajuda acabar com essa merda dessa história de uma vez!”

Zarmuth volta à vida e seus amigos gritam em profundo horror vendo que o defunto reviveu, e ele grita mais ainda vendo que Tarou tá chegando a passos sólidos pra merendar eles de porrada, e todo mundo grita em uníssono, até que Tarou tropeça e sai escorregando escada abaixo gritando também, e aí acaba o capítulo em gritaria total.

Ah, e eu ainda não mencionei que o capítulo 34 saiu numa Jump em que “Chinyuuki” foi a capa, mas não foi apenas isso, porque o Tarou está na capa junto com o ARNOLD SCHWARZENEGGER, pra uma divulgação do filme “Kindergarten Cop” (“Um Tira no Jardim de Infância”, aqui no Brasil), que estava sendo lançado no Japão naquela época.

8- Uma súplica desesperada de Mangatarou (orelha do volume 4)

Similar àquela que eu parafraseei lá atrás, agora tem outra. Eu não vou comentar muito, mas vou deixar o próprio autor falar aqui…

“Puta que pariu! Não importa mais nada do que digam! Eu já fiz o melhor que eu pude, sabe? Já tentei acabar esse arco de tudo quanto é jeito, até me enfiei dentro do mangá! Mas eu ainda não consegui… Os personagens não dão a mínima pro que eu digo e não me obedecem mais! Eu não aguento mais, sério, me rendo…”

Dá até dó… e a capa do volume 4 parece ser uma própria autocaricatura do Mangatarou, aliás.

9- “O Iluminado” (capítulo 37)

Os caçadores de recompensa se escondem numa sala e botam várias barricadas na porta pra que Tarou não entre. Zarmuth conta aos seus amigos o que Deu- digo, o autor do mangá disse pra eles e então Gance decide aproveitar que agora é tão leve e fino quanto papel pra sair voando pela janela pra pedir permissão pra polícia na delegacia mais próxima pra usarem a magia.

Mas Tarou aparece logo depois já quebrando a porta e eu só queria chamar a atenção disso porque acho a cena visualmente bem-feita e mostra como Mangatarou é genuinamente um bom ilustrador e seus desenhos são bem expressivos.

E então começa (mais) uma batalha pra ganharem tempo enquanto Gance vai e volta da delegacia, e Kaikai é rapidamente derrotada, sendo arremessada pra bem longe de cada no chão, agora só sobrou o coitado do Zarmuth, que vai ter que fugir dele como se estivesse num filme slasher fugindo do assassino.

Olha o que ele tem que enfrentar agora…

A perseguição toda do Tarou atrás do Zarmuth sozinha já renderia mais um item na lista, mas não tenho muito o que dizer porque os desenhos falam por si só.

10- Funga Oozaru! (capítulo 40)

Funga acordou, e não apenas isso como ele virou um macaco gigante, no melhor estilo Oozaru em “Dragon Ball”, e agora tem um macaco gigante dentro do bar que vai destruir tudo em sua frente, sem diferenciar amigo e inimigo, e ele arremessa o Tarou pra algumas centenas de metros dali, e ele vai parar numa praça com uma fonte enorme em forma de cabeça… cabeça essa que inclusive lembra bastante a autocaricatura do Mangatarou.

Tarou tá muito puto, pra variar, e arranca esse chafariz enorme do chão e sai levando na mão correndo de volta até o bar, onde ele já entra quebrando tudo e enfiando essa cabeça de pedra na cabeça do Funga transformado como se fosse um capacete.

11- Tarou contra os aliens (Capítulo 43)

Funga dá um tapão em Tarou, que sai voando de novo, mas dessa vez pra cima, e ele vai parar num disco voador. Não demora muito pra Tarou arrumar confusão lá dentro e começar a quebrar tudo e espancar os pobres alienígenas, derrubando o disco voador no processo, e agora ele caiu no meio das montanhas, exatamente na plantação do casal de velhinhos que o criou, lá do começo do mangá, e precisa voltar pra cidade pra continuar a briga no bar, e sai dali correndo uma maratona até lá.

12- Funga se livra do chafariz e… acaba virando um chafariz (capítulo 43)

Ainda com o chafariz agarrado em sua cabeça como se fosse um capacete apertado, Funga tenta tirar o troço enorme de pedra da sua cabeça… mas acaba arrancando a sua própria cabeça no processo e virando um chafariz de sangue ele próprio, enquanto Zarmuth (agora pelado e sem cabelo, de tanto estresse) testemunha a cena totalmente incrédulo.

Não tenho mais nada a dizer, a imagem e a descrição já falam por si só.

13- Gance volta e dá de cara com O HORROR (capítulo 45)

Eu tinha até esquecido que o Gance saiu do bar… bom, ele foi pra polícia e não conseguiu pedir permissão porque acabou acordando o policial que estava dormindo, e saiu de fininho antes que fosse visto, achando que não era lá uma hora muito boa pra pedir permissão pra usar uma magia proibida, inventando que a permissão foi dada pra eles usarem essa merda e acabarem logo com isso de uma vez, mas ao chegar, ele é recepcionado por Zarmuth, agora pelado, careca, todo enrugado e coberto de sangue, e Gance grita em desespero e foge voando pela janela do bar e… nunca mais é visto.

14- O Fim de Zarmuth (capítulo 46)

Zarmuth cai pela janela tentando alcançar Gance, e decide usar suas últimas forças pra ir até a delegacia pedir permissão pra usar a magia, e já chega batendo no policial em pleno desespero e aos gritos.

O policial acorda de novo e vê aquilo dizendo “Ah, então foi você que me acordou aquela hora, é?” e joga Zarmuth numa cela preso antes que diga qualquer coisa, e a última página que vemos é ele deitado de barriga pra cima todo mijado dentro de uma cela.

Um fim tão deprimente pra ele que na página seguinte somos mostrados a supostas cartas de leitores que acharam que o Mangatarou foi longe demais… essas cartas são reais ou são invenção do autor? Sei lá, fica o mistério.

15- Taro volta e percebe que venceu, e o fim (capítulo 48… e 58)

Tarou finalmente consegue voltar pro bar, e vê tudo quebrado e vazio, com apenas o enorme corpo do Funga autodecapitado no chão, e então percebe que foi o vencedor dessa briga, 35 capítulos depois de entrar no bar. Ele então se escangalha de tanto rir, pede mais um barril de cachaça pro pobre do Barman, que estava escondido em puro terror durante essa briga, e decide usar uma espada perdida que estava por ali pra “barbear” Funga e deixá-lo igual à sua antiga forma, que estava no cartaz de procurado que ele viu assim que entrou no bar.

E então, Tarou leva a cabeça gigante pra delegacia e consegue a recompensa, e num de seus raríssimos gestos de bondade, dá uma boa parte do dinheiro pro barman pra compensar a baguncinha que ele fez no bar…. assim acabando a absurda batalha no bar.

BÔNUS- A Página colorida pro aniversário de 1 ano da série (capítulo 49)

Não tem nada de (muito) absurdo acontecendo aqui, eu só queria propor que façamos novamente um exercício de imaginação pra mentalizar a situação onde alguém comprou a nova Jump, que tem “Chinyuuki” na capa e… dar de cara com essa página aí cima assim que abre a revista.

É o Tarou simplesmente sendo jogado pra cima pelos outros protagonistas das séries que estavam circulando na Jump naquela época. Imagino que alguns desses personagens já devem ser facilmente reconhecíveis pra vocês, mas vou listar todos os mangás de onde eles vêm, em sentido horário começando pelo Goku e pelo Jotaro ali:

“Dragon Ball”, “Jojo’s Bizarre Adventure”, “Slam Dunk”, “Kochikame”, “City Hunter” (que chegaria ao final duas edições depois), “Video Girl Ai”, “Jungle no Ouja Tar-chan”, “Time Walker Zero” (que estava tendo seu capítulo final publicado nessa edição), “Tengai-kun no Kareinaru Nayami”, “Yu Yu Hakusho”, “Ten Yori Takaku”, “Dragon Quest: Dai no Daibouken”, “Hana no Keiji”, “Libero no Takeda”, “Pennant Race: Yamada Taichi no Kiseki” e “Magical Taruruuto-kun”.

… ah, sim, o carro de Fórmula 1 ali é de “F no Senkou: Ayrton Senna no Chousen”. Sim, isso mesmo, era um mangá de Fórmula 1 sobre o Ayrton Senna!

Só isso mesmo, eu acho.

…. Ufa, acho que deu pra resumir a briga bar e listar os pontos altos, né? E olha que eu ainda tive que pular muita coisa, mas no fim consegui fazer isso virar um top 15. Eu gosto de números múltiplos de 5! Muito bom, muito bom. Agora que vocês já sentiram um gostinho do que foi isso, tá na hora de caminhar pra próxima seção e finalmente começar a encerrar isso aqui…

O que aconteceu depois?

Bom, eu não vou entrar em muitos detalhes sobre o que acontece no que sobrou desse mangá, mas pra tentar resumir.

Aqueles capítulos 49–57 mostram aqueles moleques de quem o Tarou roubou a roupa lá no começo sendo pegos pela velha dona da livraria que eles roubaram. Aqui vemos mais demonstrações de “Amizade, Esforço e Vitória” pois os garotos precisam unir forças se quiserem sobreviver à ferocidade da velha enrugada que tá doida pra enchê-los de porrada, e serão múltiplos capítulos dessa confusão, e muitas páginas como essa que você tá vendo aí em cima.

Depois, vemos que o monge Genjou até se esqueceu da existência do Tarou, de tanto tempo que já se passou na serialização e essas dezenas de capítulos, sendo que esse tempo todo ele ficou curando gente dentro do restaurante de ramen do cara da suvaqueira. Ele está até cansado já, mas coisas acontecem e ele recupera o macaco merdeiro

E aí, os 5 capítulos que restam são uma longa noite que começa com Tarou tentando matar Genjou enquanto ele dorme, mas acaba se envolvendo em uma briga com um bêbado que tava fazendo barulho vomitando ali em frente na rua, e no capítulo final, o dia amanhece depois demais essa última baderna e os jornais da cidade noticiam a suposta morte de Yamada Tarou, já que sua cabeça foi aparentemente entregue na delegacia no dia anterior… mas vocês leram aquilo ali na seção anterior e já entenderam como isso aconteceu, e então todos na cidaezinha viverão felizes para sempre

O mangá literalmente passa a ter uma sequência onde os créditos vão subindo por algumas páginas como se fosse um filme, mostrando Genjou e Tarou indo embora com a Índia finalmente à vista.

E na página final vemos o que aconteceu com os caçadores de recompensa depois disso tudo: Gance tá voando por aí sem rumo depois de ter sido pego numa tempestade, Zarmuth fugiu da cela onde foi preso e agora tem uma recompensa sobre sua cabeça, Kaikai perdeu a memória e virou dançarinha do barzinho, e o Funga foi empalhado e virou atração do bar.

… FIM! E é assim que “Chinyuuki” acaba.

… Pelo menos na Jump, porque a versão encadernada ainda tem mais umas páginas onde tem um leitor muito puto (que apareceu em outros extras dos volumes anteriores xingando, além de ser quem está na capa do volume 5) com o Mangatarou por ter terminado o mangá “em aberto” assim e indo atrás da casa dele, que é um barracão de palha no meio da cidade, que está sendo desmontado pela prefeitura, e aí procura ele por toda a cidade, até ver o pôr do sol e ficar triste, perguntando “MANGATAROU, ONDE VOCÊ ESTÁ!?” enquanto chora… e no último quadro, vemos o suposto mangatarou dormindo embaixo da ponte reclamando da gritaria.

… Agora sim, é isso!

A entrada de “Chinyuuki” pro Hall da Fama na Jump

Bom, passada a história, acho que podemos falar que “Chinyuuki” foi um sucesso, mesmo sendo bem mais curto do que a média dos sucessos da Jump, e com esse final que pra mangás normais dariam cara de “final de mangá cancelado”. A série foi capa da Jump 5 vezes, fora mais algumas outras ocasiões em que recebia páginas coloridas e tinha boas posições no ranking de popularidade da revista, mas o mais impressionante é que a série vendia MUITO bem e seus 6 volumes venderam impressionantes mais de 4 milhões de cópias, o que significa que vendia pelo menos umas 650 mil cópias por volume, e isso é um número muito mais alto do que a média que mangás de sucesso ok conseguem alcançar, mesmo naquela época.

Mas, apesar desses números, por incrível que pareça, “Chinyuuki” FOI CANCELADO, e o mais impressionante é que não foi nem pelas vendas e pela popularidade, que eram muito boas, mas sim porque a Shueisha, a editora da Jump, recebia toneladas de reclamações de pais que odiavam que seus filhos estivessem lendo esse “lixo” e consideravam inapropriado pra crianças e adolescentes, que, querendo ou não, eram o principal público-alvo da maioria dos mangás que saem na revista, e aparentemente a pressão foi tanta que tiveram que descontinuar a série por causa do conteúdo violento e chucro, às vezes escatológico.

Pelo menos, essa é a história que já li sobre, pesquisando por aí, mas me parece crível o bastante porque no Ocidente, nessa mesma época, “Ren & Stimpy” tava causando problemas similares por motivos bem parecidos, e mesmo assi foim um dos desenhos americanos mais populares dos anos 90. Se a série ter sido cancelada for verdade, sabe-se lá onde isso teria ido parar se não tivessem puxado o freio do Mangatarou…

Por outro lado, lendo outros mangás dele que foram publicados depois, não me pareceria estranho se ele mesmo tivesse decidido acabar a série onde acabou, porque as séries dele não costumam ser muito longas e não é raro terminarem com finais desse tipo sem qualquer preocupação com “resolver pontas soltas”… afinal, você não está lendo Mangatarou esperando uma história que vai ser fechadinha e contada de maneiras convencionais, né? Enfim, acho que fica o mistério aí se foi cancelado ou não.

Porém, apesar da passagem curta pela Jump, a série foi um sucesso e memorável o bastante pra render um spin-off curto na própria Jump, em 1994, chamado “Manyuuki: Baba to Aware na Geboku-tachi” (“Manyuuki: A Velha e seus Patéticos Servos”, em tradução), que é tão caótico quanto, mas nada relacionado ao “Chinyuuki”, diretamente, apesar do nome parecido. Essa seria sua última passagem pela Shonen Jump, e então ele publicaria outras séries que já foram citadas lá atrás em vários outros lugares, até que em 2009 ele aparece com “Chinyuuki 2: Yume no Inzei Seikatsu-hen” (“Chinyuuki 2: A Saga da Vida de Realeza dos Sonhos”), que foi publicado na Business Jump, uma das revistas adultas da Shueisha (e que atualmente não existe mais e foi transformada, junto com a Super Jump, na Grand Jump).

Aliás, uma curiosidade inusitada e pouco divulgada é que o Oda Eiichirou, de “One Piece”, foi assistente do Mangatarou! Mais especificamente, o Oda ajudou no primeiro capítulo do “Manyuuki”. Então talvez o Oda seja uma das poucas pessoas que existem que saibam algo sobre o mistério da verdadeira identidade do Mangatarou? Vai saber, mas hoje em dia é bem sabido que existe um desenho dele que é uma paródia de “One Piece”…

Fora isso, “Chinyuuki” foi publicado em outros formatos também dos mais variados, incluindo um kanzenban, que é um dos formatos mais luxuosos, além de ter recebido uma adaptação animada em Flash pra homevideo em 2009, e o filme live-action em 2016.

A série é totalmente desconhecida fora do Japão, mas o Ocidente teve um pequeno contato com ela através do jogo “J-Stars Victory VS”, que foi lançado em 2014 pra PS3, PS4 e PSVita, onde Tarou foi um dos personagens jogáveis… o que provavelmente frustrou alguns jogadores ocidentais que provavelmente preferiam ver um personagem que eles conhecessem, ao invés desse “barrigudinho careca pelado aleatório de cara besta de um mangá que ninguém liga”, como alguns podem ter descrito. Pois saibam que esse mangá é bem maior do que vocês pensam e esse texto aqui prova isso, tá!!!

Pra fechar…

Ok, mostrei aqui que esse foi um mangá notável na história da Jump e o artista é mais notável ainda na indústria e bem único, mas… onde que se lê esse negócio aí?

É aí que vem a parte onde eu lamentavelmente digo que não existem traduções completas desse mangá… pelo menos em português ou inglês, que acho que são as línguas em que o pessoal mais costuma ler por aqui, mas surpreendentemente, existem scans em espanhol da série toda, feitas pelo pessoal dum grupo chamado Nikuman Tabetai. Essas mesmas scans podem ser facilmente achadas no Mangadex também e existe uma versão em inglês sendo feita, bem aos poucos. Imagino que espanhol não seja uma língua lá muito cômoda pra se ler pra alguns (pra mim mesmo não é, apesar de eu entender espanhol bem. Acho inglês bem mais suave, por exemplo), mas é uma opção por agora.

A real é que a parada triste de tentar ler Mangatarou é que pouquíssimos de seus trabalhos possuem qualquer tradução, mas isso só começou a mudar recentemente, então quem sabe no futuro tenhamos mais traduções de outras coisas. Ao menos o “Chinyuuki”, que é provavelmente o mangá mais conhecido dele (ou um dos mais, pelo menos) tem alguma tradução razoavelmente acessível pra quem quiser conhecer.

Mas apesar disso, optei em ilustrar esse texto todinho com as páginas em japonês mesmo porque quero testar o poder de comunicação visual do Mangatarou com vocês e espero ter sido bem sucedido nisso.

E se você não era familiarizado com o trabalho dele até ler isso aqui: “Seja bem-vindo ao mundo de degeneração”, como diria ele próprio nas aberturas dos volumes de “Chinyuuki”.

Eu às vezes gosto de pensar que existe uma espécie de ritual de batismo que quase todo fã não-japonês de Ishinomori Shotaro e sua obra passa: a descoberta de que ele também fazia quadrinhos eróticos, mas, mais especificamente… um que envolve sadomasoquismo num mundo distópico de ficção científica construído em cima de fundações racistas e que literalmente tortura o leitor a cada página que passa com artifícios dos mais variados, ao ponto de que, quem conseguir chegar vivo até o final dessa epopeia não sai dessa experiência continuando a mesma pessoa.

Já consegui sua atenção (e provavelmente estranhamento) nesse primeiro parágrafo? Se sim, ótimo! Senta aí que a história de hoje é bem cabeluda.

Esse mangá se chama “Kachikujin Yapoo” (家畜人ヤプー), ou em tradução livre por mim “Yapoo: Gado Humano”.

O título por si só já é uma espécie de amostra do que está por vir. “Kachikujin” é um neologismo que parte da palavra “kachiku” (家畜), que é um termo usado para designar animais domesticados, mais especificamente, aqueles que são criados como gado. O kanji de “pessoa” (人), que normalmente é lido como “hito”, mas ao ser adicionado como um sufixo para outras palavras atribui uma personalização a elas, na maioria das vezes lida como “jin”. Por exemplo, ブラジル (“burajiru”) é “Brasil”, mas ao adicionar esse kanji, fica ブラジル人 (“burajirujin”), dando a ideia de “pessoa do brasil”, logo, um “brasileiro”. O título então nos diz que essa vai ser uma história sobre seres humanos que foram transformados em “gado”, despersonalizados de sua humanidade como indivíduos. Ainda vamos descobrir o que é um “Yapoo”, mas calma que eu já chego lá.

E qual é a premissa disso aí? Bom, espero que você esteja preparado, pois coisas absolutamente horríveis serão descritas a partir daqui. Vamos lá…

Aviso de potenciais gatilhos: racismo, conteúdo escatológico, tortura psicológica, body horror pesado, guerra, armas biológicas, violência sexual… e muitas outras coisas.

I. O começo da tragédia toda

Nossa história começa em algum momento não especificado dos anos 1960, em algum momento da então Alemanha Ocidental, onde somos apresentados a um jovem casal heterossexual, que tem lá seus 20-e-poucos anos de idade, andando de cavalo nas montanhas. A moça se chama Clara von Cotwick e é alemã, de uma família bem prestigiada que lhe deixou uma herança invejável, já o rapaz se chama Sebe Rinichirou e é japonês e foi parar aqui por causa de um intercâmbio. Eles se conheceram estudando na mesma universidade e estão noivos e parecem se dar muito bem um com o outro. Ao voltarem pro xalé onde parecem morar, Rinichirou decide tomar um banho no rio, enquanto Clara fica em casa.

E é aí que um enorme disco voador cai em cima do xalé, destruindo tudo, mas por um triz, Clara consegue escapar ilesa e Rinichirou, ainda nu de sua ida ao rio, chega rapidamente pra ver o que aconteceu e eles decidem investigar a nave, encontrando lá dentro uma mulher, de aparência caucasiana, desmaiada e… próximo dela uma criatura esquisita com traços humanóides. A mulher acorda e fica horrorizada ao ver Clara tratar Rinichirou com aparentemente tanto afeto, e então chama um bizarro cão de rosto humano para mordê-lo, assim lhe injetando uma toxina desconhecida que o paralisaria. E a mulher se revela uma viajante do tempo que veio de mais ou menos 2000 anos no futuro, numa realidade distópica dominada pelo “Império dos Cem Sóis” (no texto original “The Empire of Hundred Suns”, frequentemente abreviado como “EHS”… sim, em inglês mesmo, mais sobre isso depois), que consiste numa sociedade matriarcal que funciona regrada em cima de supremacia branca, onde apenas pessoas brancas podem viver com privilégios e terem sua humanidade reconhecida, enquanto negros são considerados “semi-humanos” e normalmente servem como escravizados… e abaixo deles ainda há os “yapoos”, termo usado por essas pessoas do futuro para se referir a pessoas de etnia asiática, que nem sequer são reconhecidos como humanos e são literalmente objetificados, tendo seus corpos geneticamente alterados para servirem de mascotes bestiais ou até como “objetos vivos”, tais quais cadeiras, mesas ou até privadas e mictórios. Os yapoos são muito usados como forma de entretenimento para os brancos, que os humilham, chicoteiam, pisoteiam, exatamente como em práticas de sadomasoquismo.

Com isso, acho que está explicada a reação da mulher do futuro, que se chama Pauline Jansen, que viu um homem japonês sendo tratado com alguma humanidade e decidiu colocá-lo no que é, ao seu ver, o “seu devido lugar”. Clara tenta defender Rinichirou a todo custo enquanto a mulher bizarra explica sobre como o mundo de onde ela veio funciona, e Pauline resolve fazê-la se juntar ao Império, lhe dizendo que eles irão conseguir um antídoto para Rinichirou na nave de sua irmã, que está vindo para rebocar o disco voador e levá-lo de volta para o território do Império Galáctico.

Enganada e sem muita escolha diante de uma ameaça alienígena, Clara se vê obrigada a aceitar o acordo, e então a nave da irmã de Pauline leva o casal para o Império, e durante a viagem inúmeras coisas horríveis irão acontecer enquanto Clara tenta passar uma boa impressão para os alienígenas racistas, na esperança de conseguir algum dia voltar pra casa com Rinichirou, que será brutalmente torturado de várias maneiras inimagináveis para ser “domesticado” como um yapoo e obedecer à sua dominadora, Clara. Apesar dessa esperança inicial, é claramente uma viagem só de ida à tragédia que mudaria pra sempre a vida desse casal.

E eu garanto, essa história consegue ficar MUITO pior que isso.

Mas antes, pra esse mangá eu acho importantíssimo e imprescindível fazer a devida contextualização, então vamos lá…

II. De onde veio “Yapoo”?

“Yapoo: Gado Humano” não é uma criação original de Ishinomori. A história originalmente foi publicada como uma série de livros de mesmo nome, de autoria de Numa Shouzou, lançada entre 1956 e 1958, tendo seus capítulos publicados de forma serializada numa revista de sadomasoquismo e fetichismo chamada “Kitan Club”.

O livro causou certo burburinho com alguns intelectuais da época, tendo como possivelmente o mais notável deles Mishima Yukio, um nome bastante conhecido na literatura japonesa do século XX, e discutivelmente mais conhecido ainda por ser uma figurinha um bem controversa, frequentemente lembrado como um dos ícones da extrema-direita japonesa e por sua tentativa de golpe ao governo da época para restaurar o poder e a honra do Império, que acabou em falha e Mishima decidiu cometer seppuku, o famoso ritual de suicídio muito comum entre os samurais do país antes da Restauração Meiji. Sim, a história desse cara é muito louca e ele é uma figura excêntrica o suficiente pra render um artigo inteiro só sobre ele, mas não vem muito ao caso aqui agora.

A ficção científica japonesa estava tomando forma nessa época, então o livro chamou a atenção de entusiastas do gênero e acabou ficando conhecido no mundo literário. Mishima comparou Yapoo com “120 Dias de Sodoma”, de Marquis de Sade, e dizia que o grande apelo do livro e sua principal força estava na lógica de sua construção de mundo, que apesar do surrealismo grotesco, era inspirado em coisas que existiam de verdade no nosso mundo, quase como uma sátira ou completa perversão de valores que conhecemos. E era uma perversão que ia crescendo e conforme as páginas iam se passando, mais parecia uma sessão de tortura sadomasoquista, onde o autor usa palavras incrivelmente pedantes (além de inúmeros neologismos e palavras em inglês ou alemão sendo usadas porque sim) de forma calculada para justamente torturar o leitor, que fica instigado a ver como essa história terrível irá terminar, mesmo que não haja a menor esperança de um final feliz. E como se isso não fosse o suficiente, Numa ainda fazia questão de explicar, com muito mais detalhes do que você provavelmente gostaria de saber, o funcionamento de dezenas de objetos e conceitos daquele mundo, o que quer dizer que você vai ver uma página inteira com vários parágrafos descrevendo em detalhes de forma ridiculamente expositiva o funcionamento de, por exemplo, um mictório humano, além de todo o processo de modificação corporal que submetem pessoas de pele amarela a ficarem com essa deformidade até se tornarem tal objeto. E existem MUITOS trechos assim na história, alguns também descrevendo toda a história e sociologia desse futuro distópico, explicando em detalhes como uma Terceira Guerra Mundial levou ao extermínio de parte considerável da população humana pelo uso de armas nucleares e biológicas, que perdurou por séculos, até isso de alguma forma desembocar em colonização espacial e minorias étnicas sendo escravizadas por dominadores brancos.

Apesar do conteúdo repulsivo e alto potencial para polêmicas, o livro se tornou um clássico literário do horror no Japão e gerou um certo “cult following”. Podemos atribuir a esse livro ele ter tido influência em coisas como o “eroguro” (o Maruo Suehiro já declarou ter lido o livro e o quanto o impactou, por exemplo), o termo “Yapoo” passar a fazer parte do léxico de comunidades de BDSM no Japão e até mesmo uma banda de post-punk experimental que surgiria nos anos 80, chamada “Yapoos”, que contou com participação da famosa Togawa Jun e está em atividade até hoje.

(e eu consigo ir ainda mais longe e dizer que o Yapool, o vilão principal de “Ultraman Ace”, de 1972, provavelmente tem esse nome como uma referência ou homenagem ao livro)

Na época havia um grande mistério sobre a real identidade do autor do livro, pois muito pouco se sabia sobre “Numa Shouzou”. Já houveram até mesmo discussões se o Mishima Yukio foi o autor, assinando sob esse pseudônimo. Alguns anos mais tarde, já na década de 80, seria revelado que o autor do livro na verdade se chamava Amano Tetsuo, que já tinha uma carreira bem sólida como escritor, e “Numa Shouzou” era apenas um de seus pseudônimos. Amano veio a falecer em 2008 aos 82 anos.

E nisso, com o passar dos anos foram surgindo adaptações para outras mídias. Não foram muitas, mas a mais notável é a adaptação de Ishinomori para mangá, que teve seu primeiro volume em 1971. Vários anos depois, sequências desse volume surgiriam, desenhadas por Sugar Satou, um dos principais assistentes de Ishinomori, que supervisionou o projeto. A série foi encerrada em 4 volumes e conseguiu adaptar toda a saga dos livros. No fim, os 4 volumes foram lançados desse jeito e com estes subtítulos:

• “Yapoo: Gado Humano - Convite para o Império Galáctico” (1971)
• “Yapoo: Gado Humano - O Pesadelo da História Japonesa” (1984)
• “Yapoo: Gado Humano - Os Prazeres da Supercivilização Sadomasoquista” (1993)
• “Yapoo: Gado Humano - Rendição Incondicional” (1994)

Gostaria de chamar a atenção para os títulos do segundo e, principalmente, o do quarto volume, pois ele realmente usa um termo militar e não é por mero acaso, mas logo mais chego nessa parte.

Mas aí pode vir a pergunta de porquê logo o Ishinomori, de todos os artistas possíveis da época, ter decidido fazer uma adaptação de um livro como esses. Isso, a princípio, parece ir totalmente na contramão dos superheróis e aventuras joviais de ficção científica pelos quais Ishinomori era muito conhecido, tipo “Cyborg 009” ou “Mutant Sabu” (não vou citar o primeiro “Kamen Rider” porque ele ainda não existia nessa época, veio praticamente junto com “Yapoo”). Ele já era um artista bem respeitado nessa época, e tinha uma audiência especialmente grande no público infanto-juvenil, apesar de já ter feito algumas histórias com o público adulto em mente (como “Sabu to Ichi”, que é um de seus trabalhos mais conhecidos, por exemplo). Parece um salto muito grande ir disso para adaptar um livro com conteúdo tão grotesco e específico.

Por mais que eu nunca tenha encontrado palavras do próprio Ishinomori explicando diretamente a motivação por trás da existência dessa adaptação e, eu não poder falar por ele nessa, acho que o contexto sociopolítico por trás do Japão dessa época pode nos ajudar a chegar nessa resposta e termos um pouco de noção do quão ambicioso e ousado foi esse projeto.

“Yapoo” é completamente fruto desse contexto e definitivamente não podemos ignorá-lo quando se fala da obra porque ele é importantíssimo pro que ela quer dizer e simbolizar. Mas já adianto que, pra mim, essa história é um dos retratos artísticos mais viscerais do sentimento de derrota moral do Japão pós-Segunda Guerra Mundial.

III. A Submissão do Japão Pós-Guerra e a abjeção do homem japonês

Antes da gente começar essa parte, só queria sinalizar que algumas das informações desse texto tiveram como fonte o excelente artigo “Empire through the Eyes of a Yapoo: Male Abjection in the Cult Classic Beast Yapoo” da Christine Marran, com quem entrei em contato e me deu a bênção pra escrever o texto e me autorizou a traduzir alguns trechos do artigo dela caso ache necessário. Ela é professora do departamento de Línguas e Literatura Asiática da Universidade de Minnesota, nos Estados Unidos. Esse artigo foi originalmente publicado no volume 4 da revista acadêmica de cultura japonesa “Mechademia”, em 2009.

Cada volume da revista, que sai anualmente desde 2006, reúne artigos acadêmicos dos mais variados sobre animes, mangás e assuntos relacionados, focando em algum tema específico em cada edição. O volume 4 se chama “War/Time” e trazia artigos com análises sobre várias obras que trazem temas bélicos ou reflexões sobre, como “Túmulo dos Vagalumes”, “Patlabor 2”, “Grendizer”, “Paprika” e “Final Fantasy X”.

Ok, isto posto, vamos seguindo adiante…

Como muitos de vocês bem devem saber, a Segunda Guerra Mundial foi uma coisa aí que aconteceu e mudou drasticamente o cenário sociopolítico do mundo no século passado, e o Japão foi um dos seus principais participantes… e também um dos que mais foi afetado por essa guerra.

Muitos consideram que o grande ponto final da guerra foi quando o Japão, que já era regido por uma onda feroz de Imperialismo fascista há alguns anos desde o começo do século, enfim se rendeu em agosto de 1945, logo após os ataques com bombas nucleares em Hiroshima e Nagasaki, comandandos pelos Estados Unidos, o principal inimigo do Japão nessa guerra. Não havia a menor chance de qualquer vitória e continuar insistindo nesse conflito era suicídio. A redenção foi acompanhada de uma transmissão radiofônica de um discurso do então imperador Hirohito, que anunciava a… rendição incondicional. Inclusive, essa transmissão foi a primeira vez que muitos japoneses ouviram a voz do imperador, que falava num dialeto arcaico meio esquisito, diferente de como o japonês médio costumava falar.

Após isso, veio o evento para o qual eu mais gostaria de chamar a atenção aqui: a ocupação americana no Japão, que se iniciou logo após o fim da guerra e durou até 1952. Esse evento mudaria drasticamente a imagem do país e seus efeitos são sentidos até hoje. É um tópico MUITO extenso, mas vou tentar resumir e focar nos detalhes mais importantes pro tema do texto.

O governo estadunidense ordenou uma completa desmilitarização do Japão, a ponto de que isso seria até mesmo um dos pontos mais notáveis da nova constituição japonesa, que entraria em vigor em 1947. Tal texto legal é o artigo 9 dessa constituição, que explicita que o país renunciaria completamente à guerra para sempre, e assim teve todo seu poder bélico desmontado. O mais próximo disso que o Japão tem hoje em dia é a “Rikujou Jieitai”, ou “Força Terrestre de Autodefesa do Japão” (também popularmente conhecidos como “JSDF”, acrônimo pra “Japan Self-Defense Force”), mas isso é assunto pra outra ocasião.

A ocupação foi liderada pelo general Douglas MacArthur, que passou a meio que governar o país sob supervisão do governo dos Estados Unidos. A princípio, essa ocupação traria uma série de mudanças políticas para o Japão: a mais contrastante delas em relação ao que acabavam de viver, é que o imperador, que até então era pra visto como uma existência quase divina, teria o seu poder político e autoridade MUITO reduzidos, apesar de continuar sendo uma figura simbólica; poder esse que passaria a ser majoritariamente exercido por um Primeiro-Ministro. Além disso, todos os territórios que eram colônias japonesas (Coreia, Manchúria e Taiwan, por exemplo, entre vários outros) se tornariam novamente independentes, e várias bases militares americanas foram instaladas no país, especialmente em Okinawa, onde várias existem até hoje.

Apesar de essa “democratização” estar acontecendo, a ocupação, como qualquer operação de ocupação norte-americana em qualquer lugar do planeta, não foi algo floreado como podem fazer parecer, e também trouxe episódios negativos que não costumam ser muito falados. Eram bem frequentes relatos de mulheres japonesas sendo violentadas por soldados americanos, por exemplo.

Mas aí chegamos no motivo de essa ocupação sequer ter começado, e o motivo é que o mundo tinha acabado de sair de uma baita duma guerra e já tava entrando numa outra fase de conflitos, e se você não matou aula de história na escola, provavelmente já deve ter sacado pra onde essa história tá indo, e aqui chegamos nela: a Guerra Fria.

Se precisar de um memorando rápido e ridiculamente simplificado, a Guerra Fria foi um confronto ideológico onde seus principais encabeçadores eram os Estados Unidos (capitalismo) de um lado, e a então União Soviética (comunismo) do outro. Ambos disputando por territórios no mundo todo pra onde expandiriam suas zonas de influência. Isso acabaria gerando coisas como a Guerra da Coreia, que acabou na divisão entre “Coreia do Sul” e “Coreia do Norte” que conhecemos hoje em dia. No meio dessa confusão toda, a ocupação americana era a jogada perfeita pros EUA expandirem sua influência em cima de um país devastado pela guerra e, não apenas desmilitarizá-lo, mas também contribuir com sua reconstrução para aos poucos ir moldando o Japão à forma americana, quase como uma “domesticação” do Japão, para que se tornem um novo aliado contra essa dita “ameaça comunista” que a propaganda norte-americana dizia existir.

E com essa palavrinha grifada de ainda agora, acho que já dá pra começar a ligar essa história toda com o livro do Numa Shouzou, imagino…

E agora podemos sair um pouco da contextualização histórica e ir pros aspectos sociológicos da coisa. E é aqui, como aponta o artigo da Christine Marran, que entra Oe Kenzaburou, um importantíssimo escritor da literatura japonesa moderna, ativo desde 1950 e que ganharia o Prêmio Nobel de literatura em 1994, e ele já apontava para uma castração simbólica do homem japonês do pós-guerra que, ironicamente, produziu “uma nação de homens sexuais que se deleitavam em paz e conforto sendo dominados e subordinados a uma poderosa América”. Discutindo implicitamente uma visão masoquista do homem japonês, ele escreveu: “vejo dificuldades e ansiedade sendo um fardo para os ativistas políticos progressistas dessa nação; uma poderosa muralha se apresenta diante deles. Num país de homens sexuais, homens politizados podem ser nada além de estranhos, não apenas impotentes mas também tragicômicos”.

Aqui, Oe descreve uma castração simbólica do homem japonês dos tempos de guerra que prontamente se submete a essa castração do pós-guerra. Aliás, “castração” é outra palavra que vai ser importante aqui, guardem bem.

A minha interpretação pessoal da frase de Oe vem de ela evocar um sentimento de “emasculação” do japonês médio daquela época. Em japonês, o termo que ele usa para “homem sexual”, é 性的人間 (“seiteki ningen”), que significa de forma bem literal “ser humano sexual”; já com “homem politizado”, é 政治的人間 (“seijiteki ningen”), literalmente “ser humano político”. Optei por traduzir como “politizado” para remeter à ideia de uma reeducação, onde uma força externa trouxe valores diferentes a serem seguidos, os impondo ao lado dominado, como uma espécie de castração moral e política. Uma sociedade falocêntrica outrora “viril” (ainda que essa dita “virilidade” tenha sido canalizada para os piores caminhos possíveis durante a época do Império Japonês) foi reduzida à domesticação.

A vitória moral do dominador sobre o dominado é quando este para de reagir, sem impôr suas próprias vontades e desejos, servindo apenas a outro. Esse sentimento era forte no cenário pós-rendição incondicional em que o Japão se encontrava naquele momento e muito do que a ocupação americana se mostrou ser.

A cena inicial de “Batalhas sem Honra e Humanidade” (仁義なき戦い, “Jingi Naki Tatakai”, às vezes reconhecido como “Yakuza Papers” no ocidente), o clássico filme de yakuza de 1973 dirigido pelo Fukasaku Kinji, consiste em uma mulher japonesa sendo perseguida e estuprada por soldados americanos durante a ocupação, e o resto do filme inteiro passa um ar de “frustração”. O “Tetsujin 28-gou”, do Yokoyama Mitsuteru, já mostrava que a sociedade vivia o pós-guerra com bastante melancolia e tristeza enquanto tentavam reconstruir tudo, apesar de não falar muito da ocupação americana em si e estar mais focado em outros temas, por mais que essa seja sua ambientação.

O Japão se reergueu aos poucos, mas unicamente porque se pôs submisso a outro, que aproveitou de sua fragilidade pra impôr seus ideais, costumes e poder.

… e lendo isso e lembrando da premissa inicial básica de “Yapoo”, dá pra entender onde uma metáfora com BDSM entraria, só que aqui é levada a níveis bem extremos e pra falar de sentimentos horríveis e mortificantes.

Tatsumi Takayuki, acadêmico da universidade de Keio e grande entusiasta de ficção científica que já escreveu vários livros de ensaios sobre o assunto, em “Full Metal Apache: Transactions Between Cyberpunk Japan and Avant-Pop America”, discorre que metáforas sobre sadomasoquismo sempre estão presentes quanto o assunto é política internacional, geralmente e especialmente dentro do contexto Japão-EUA, e que um discurso a respeito de “masoquismo criativo” permeia o Japão do Pós-Guerra, no qual a humilhante experiência de uma derrota é “transformada num princípio tecno-utópico de construção”. Ele também faz referência a outros escritores que já descreveram a mentalidade derrotista do Pós-Guerra como masoquista usando expressões como “derrota criativa” (Tsuru Shingo) e “a estratégia de ser radicalmente frágil” (Matsuoka Seigo). Ao escrever sobre “Yapoo”, Tatsumi sugere que “A degradação biológica do povo japonês apresentada por Numa previu a lógica autorreferencial e metaestrutural do masoquismo consumista, no qual o sujeito consumindo novas tecnologias aprecia ser disciplinado, chicoteado e enfim consumido pela própria tecnocracia”. Neste trecho, Tatsumi parece chamar a atenção especialmente para uma prática de leitura masoquista… que é parte do apelo do livro de Numa Shouzou.

E passada essa longa contextualização histórica e sociológica, isso, finalmente me leva à próxima seção…

IV. Torturando com palavras e ideias… agora em quadrinhos.

Acho que existem poucos textos na ficção científica que conseguem expressar a sensação de estar sendo torturado junto com o seu protagonista como em “Yapoo”. E eu não exagero quando digo isso: é uma leitura PENOSA, em vários aspectos. Eu particularmente me senti totalmente drenado e cada página parecia chacoalhar a minha cabeça com violência, isso sem mencionar as caretas que vêm em algumas cenas “nojentas”, que o autor ainda faz questão de descrever em muito mais detalhes do que gostaria de saber (e por consequência, Ishinomori consegue replicar surpreendentemente bem na sua adaptação pra mangá).

Nas palavras do próprio Ishinomori no prefácio do segundo volume do mangá, ele diz o seguinte:

“Algo interessante sobre ‘Yapoo’ é a forma como o autor brinca com as palavras, trazendo para si um estilo masoquista para a ficção científica, atraindo o leitor para um mundo repleto de imagens pedantes, que é forçado pra cima do leitor. Em dado momento, o leitor se vê capturado pela tapeçaria das palavras, e se vê imerso naquele mundo com o autor, como se estivesse aproveitando os prazeres do sadomasoquismo”.

O livro possui uma escolha bem calculada de escrita pedante e extremamente prolixa feita pra ser desconfortável e dolorosa, e isso é reproduzido no mangá do Ishinomori de uma forma bem curiosa e… bem pouco convencional se comparada ao que leitores já familiarizados com seu trabalho esperariam.

A começar pelo fato de o primeiro volume do mangá ser publicado em ordem de leitura ocidental, com seus quadros e páginas sendo lidos da esquerda pra direita, como se fosse um quadrinho ocidental. E não apenas isso, pois a escrita do texto nos balões é feita na horizontal, muito diferente do habitual de quadrinhos japoneses, onde o texto normalmente é diagramado na vertical. É um detalhe que infelizmente se perderia em traduções, mas já é notável o suficiente pra ser parte da experiência. (e, curiosamente, isso só está presente no primeiro volume, que foi desenhado pelo próprio Ishinomori. Os outros três volumes, ilustrados pelo Sugar Satou não apresentam essa característica)

Ishinomori é um cara que sempre gostou de experimentar com formas de narrativa em seus trabalhos (com “Fantasy World Jun” sendo um dos exemplos mais notáveis disso em sua carreira, senão o mais notável), e não é raro vermos longas cenas cheias de movimento, com storyboarding quase cinematográfico, brincando com várias possibilidades visuais que a linguagem dos quadrinhos permite. Os enquadramentos e layouts de página costumam ser muito marcantes, mas no caso da adaptação de “Yapoo”, Ishinomori faz as coisas de um jeito bem diferente.

A arte ainda está lá como conhecemos, já bem amadurecida em relação aos seus primeiros trabalhos do final dos anos 50 e começo dos anos 60 (se comparar com páginas de “Mutant Sabu” ou até dos primeiros volumes de “Cyborg 009” já dá um grande contraste), mas a progressão da narrativa, propositalmente, não é nem de longe tão dinâmica, e isso é uma das coisas que observo causar mais desconforto em quem está lendo, principalmente em quem já conhece as obras do Ishinomori de outros carnavais (e convenhamos, se você chegou nesse mangá sozinho hoje em dia no ocidente, é muito provável que tenha sido por já conhecer algo do Ishinomori previamente, já que o livro é quase desconhecido fora do Japão).

Temos que lembrar que esse mangá é adaptação de um livro, e dos bem densos ainda por cima, que usa uma linguagem bem complicada e até mesmo usa esse artifício linguístico como uma de suas inúmeras ferramentas pra criar tensão, estranhamento e horror. Sua principal marca é, no meio da narrativa, criar parágrafos e mais parágrafos longos e prolixos pra descrever em detalhes bem expositivos alguma coisa daquele mundo, ou até mesmo a contextualização histórica do universo do Império dos Cem Sóis. Ishinomori encontrou uma solução nada ortodoxa pra isso, se é que dá pra chamar de solução, mas funciona pra causar o mesmo desconforto:

páginas com MURALHAS de texto contendo essas descrições detalhadas sobre os objetos e trejeitos culturais daquele mundo. Muitas vezes essas páginas possuem apenas uma ou duas ilustrações em quadros pequenos, ou às vezes até só uma ilustração do objeto em questão que está sendo descrito, caso seja esse o conteúdo do texto.

Sério, saca só a quantidade de texto nessa página dupla aqui embaixo explicando a confecção de uma cadeira feita de corpos humanos vivos geneticamente modificados, que foram colados uns nos outros e tiveram sua biologia interna alterada para comportar um sistema sanitário para servir de privada. Tem casos bem mais tensos, mas esse aqui já serve pra exemplo do tipo de coisa nojenta e perturbadora que existe nesse universo (e vou até usar página da versão de scanlation em inglês, caso alguém quiser ler o conteúdo).

Essa página captura bem a atmosfera da história e do mundo horrível onde ela se passa. Uma pessoa branca sendo servida por um serviçal negro, enquanto amarelos são sujeitados e distorcidos até aquém da humanidade, para literalmente servir de mobília ou depósitos de excrementos… ou como meros brinquedos para sadistas, como aquele kappa, criatura típica do folclore japonês, ali de ponta-cabeça, que na verdade é um “yapoo” alterado para ter forma de kappa e servir de animal doméstico (que nem aqueles dois cachorros ali em cima, que também são “yapoos” alterados) e alvo de tortura sádica daqueles que estão hierarquicamente acima dele nessa sociedade. Tudo isso enquanto tem dois blocões de texto descrevendo em detalhes a mobília perturbadora usada naquele contexto (honestamente, esses são até pequenos em comparação com outros que aparecem, muito mais longos).

Essa não é nem mesmo uma cena de grandes acontecimentos para os personagens principais da história, mas já encapsula alguns dos principais elementos da construção de mundo e como podemos ver alguns dos elementos narrativos que contribuem para a construção desse horror apresentado pela história.

Às vezes a informação contida nesses blocos de texto não é exatamente essencial para entendermos os personagens, servem mais para o leitor entender as regras daquele mundo. É como ser jogado em outro planeta, no qual você não conhece a língua, os costumes, a cultura e a história, mas milagrosamente, você tem um “manual de instruções” junto com você pra te dar alguma informação pra compreender melhor as nuances daquele ambiente hostil onde você está.

E essa é praticamente a situação em que o nosso protagonista, Rinichirou, se encontra, diante de seres de dezenas de séculos depois, que falam entre si uma língua que ele desconhece (mas eles sabem japonês, porque saber japonês é essencial para prevenir que haja alguma revolta dos “yapoos” contra os seus donos e poder agir o quanto antes para impedir que essa classe se organize contra seus opressores) e adotam inúmeros termos bizarros e possuem noções de sociedade que lhe são completamente alienígenas. (e nesse aspecto, vale a pena ressaltar que “Yapoo: Gado Humano” é frequentemente comparado com o clássico britânico “As Viagens de Gulliver”, de Jonathan Swift)

Você pode até tentar pular esses blocos de texto expositivo pra tentar acompanhar as imagens para acompanhar apenas os personagens, mas se o fizer, ficará tão perdido quanto Rinichirou e não entenderá quais são as circunstâncias que o ameaçam ou o que são aqueles objetos e criaturas bizarras que ele vê, mas ler esses textos, meticulosamente pensados para torturar o leitor com tamanho pedantismo, é incrivelmente desconfortável, então acaba sendo um “mal necessário” saber como os opressores se comportam e as coisas horríveis que eles acham normal. Não há escapatória desse estranhamento quando a imagem por si só já é horrível e a explicação consegue ser ainda mais aterrorizante.

E acredite, a cada página, essa história estranha com explicações ainda mais estranhas vai tentando te torturar junto com o protagonista, testando a sua resiliência em sucumbir à dominação total… quase como se fosse uma sessão de tortura sadomasoquista. Se você estiver imerso e intrigado nessa história, não vai conseguir parar de querer voltar a continuar a ler e, se chegar ao inevitável final trágico, terá passado por todo esse ritual maluco que leva à… rendição incondicional, que é como a história acaba.

É como trilhar um caminho sem volta, enquanto acompanhamos Rinichirou sendo completamente transformado e desumanizado a cada página, enquanto ele tenta resistir a todo custo se revoltando contra aquele mundo e aquelas pessoas, ainda que sem nenhuma chance de poder revidar, enquanto vê sua liberdade de indivíduo ser tirada da sua vida.

Em certo momento do primeiro ato da história ele é até literalmente castrado (e tem seu pênis transformado num chicote, para justamente chicoteá-lo durante sua “domesticação”), e então passa a ser domesticado por Clara (que está numa óbvia posição privilegiada em relação ao noivo), numa tentativa de ainda viverem juntos depois de serem tirados à força do mundo pacífico em que viviam, sendo obrigados a se ajustarem àquela sociedade se ainda quiserem continuar a viver juntos. É uma história sobre o terror da impotência diante de opressores muito mais poderosos que nem sequer dão chance de revidar e já controlam todos os recursos.

V. Uma viagem pelas origens do Império dos Cem Sóis

Além dos méritos técnicos e formais do livro e de sua adaptação pra mangá, algo que Ishinomori já disse que causou uma imensa dificuldade para que possa funcionar em sua versão, o conteúdo da história por si só tem material o suficiente para seus autores, se tiverem o talento necessário, usarem para causar a repulsa desejada nos seus leitores. Como dito lá atrás, é reconhecido que uma das forças dessa história está na sua construção de mundo e mitologia, e tudo isso está explicado pelos inúmeros textões entrelaçados no meio da narrativa, e esse mundo fictício criado por Numa e adaptado por Ishinomori tem uma história absurdamente densa e complicada, tal qual a nossa real.

Quando Pauline conhece o casal de protagonistas da história, ela chega a mencionar em seus pensamentos que ela está vendo pessoas dos anos 1960, e que, dado isso, a Terceira Guerra Mundial não estaria muito distante. Depois, o mangá traz um texto narrando como isso tudo aconteceu, o que acaba explicando os motivos históricos de a sociedade do Império dos Cem Sóis ser estruturada do jeito que é, com a hierarquia racial que possui. O texto narrando isso é ridiculamente extenso e detalhado então vou TENTAR resumir, mas pra quem quiser ler na íntegra uma versão traduzida pro inglês, podem procurar no capítulo 3 do volume um do mangá, na scanlation que fizeram dele.

E reforçando, por via das dúvidas, que os eventos narrados a seguir são inteiramente fictícios. Se quiser pular essa parte enorme, pode ir scrollando até aparecer uma linha inteira negritada.

Esse caos todo começa durante o auge da corrida espacial da Guerra Fria, onde após os Estados Unidos conseguirem mandar o primeiro homem à lua, e eles começam a disputar pela posse de territórios de sua superfície com a União Soviética. Os EUA possuem dois grandes aliados nessa empreitada: a Grã-Bretanha, que já estava desenvolvendo armas nucleares e planejando mais foguetes para exploração lunar, e o Japão, que apenas seguia os americanos e se submetiam completamente à sua mercê. A Grã-Bretanha tinha construído um laboratório nas montanhas da então República Sul-Africana, e a escolha não foi por acaso, visto que era um dos países do continente onde a influência branca era grande e havia muita mão-de-obra negra para explorar, e como o país estava meio isolado do resto dos seus vizinhos africanos por conta do Apartheid, acabou sendo uma localização conveniente para o desenvolvimento dessas armas e foguetes permanecer ocultado do resto do mundo. E em 1977 naquele mundo, de lá do Cabo da Boa Esperança, no litoral sul da África, parte um foguete em expedição para a lua, transportando inúmeras tropas de exploração e armas nucleares.

No ano seguinte, enfim estava delcarada a Terceira Guerra Mundial, e a gota d’água pra esse conflito escalar foi os EUA mandarem um devastador ataque nuclear ao Bloco Comunista (aqui entendido como União Soviética, Américas Central e do Sul, China e Oriente Médio), onde literais centenas de milhões de pessoas morreram e mais outras centenas de milhões se contaminaram com radiação e morreram pouco depois ou ficaram severamente doentes. Naturalmente, os Soviéticos retaliariam esse ataque hediondo logo em seguida.

A vingança soviética veio através de armas biológicas que eram bombas virais espalhadas pelo mundo todo, causando uma doença fatal e altamente contagiosa que seria conhecida como “Febre Ômega”. Mas havia algo muito curioso com essa doença: a taxa de fatalidade entre pessoas caucasianas era de 99%, enquanto outras raças ou mestiços tinham uma resistência muito maior (negros eram os que mais tinham resistência). Com base nisso, teorias da conspiração sobre a arma biológica ter sido desenvolvida pensada especificamente para atingir pessoas com menos melanina começaram a circular pelo mundo, e isso fez as tensões raciais dispararem, principalmente em relação à população negra.

A população da Europa foi dizimada pelo vírus, enquanto a Ásia continental ainda estava desmoronando por causa da contaminação nuclear do ataque americano. Mas com a morte de uma quantidade imensa da popução branca dos EUA, os negros passaram a ser maioria populacional e em 1983 e declararam o controle do país enquanto uma guerra civil comia solta por lá.

No meio dessa confusão toda, o Japão foi um dos poucos países da Ásia que não foi afetado pelas armas nucleares americanas, porém o ataque virulento soviético teve efeitos e a taxa de mortalidade da Febre Ômega entre os japoneses era de mais ou menos 50%. Tudo isso causou uma queda na população mundial, que era de 3 bilhões de indivíduos, para restarem apenas mais ou menos 100 milhões, dos quais nem 5 milhões eram “brancos puros”.

E aí que em 1987, aquele foguete britânico que partiu portando tropas e armas nucleares volta pra Terra, e os tripulantes encontram um cenário de terra arrasada. Durante a expedição, eles encontraram um planeta bem longe, com condições climáticas parecidas com as da Terra, subjulgaram sua população indígena e o declararam como uma nova colônia britânica, que seria chamada de “Terra Nova”, e essa colônia espacial britânica seria possivelmente a nova salvação da humanidade, e as autoridades mundiais restantes iriam começar a discutir os planos para dar início à imigração humana para o espaço.

No ano seguinte, novas “Arcas de Noé” começaram a ser desenvolvidas, à base de mão-de-obra escravizada sul-africana, e cada foguete seria capaz de transportar cerca de 100 mil pessoas e levariam 9 anos por viagem, para tentar imigrar os 5 milhões de brancos restantes da elite, sem que os negros americanos ou japoneses soubessem desse plano. 9 anos depois da partida do primeiro foguete, ele retorna à Terra e vê que não restou nenhum branco para ser levado em outra viagem, pois a população negra descobriu o plano e, ressentidos por essa opressão racial, resolveram massacrar os brancos restantes. Em retaliação, a tripulação do foguete os queimou vivos com lasers, e menos de 200 mil negros sobreviveram. E no ano 2000, esses 200 mil negros embarcaram nos foguetes para ir até Terra Nova.

Essa narração super extensa continua no capítulo 8 do primeiro volume e passa a se focar em contar como foi o declínio do Japão enquanto nação, ao passo que a seção anterior falou do Mundo num geral.

O Japão havia perdido mais ou menos metade de sua população, enquanto a outra se encontrava irradiada, e a maioria dos nascimentos que aconteciam eram bebês que apresentavam deformidades por conta dessa radiação. Escapar para a Ásia continental não era uma opção, pois toda a terra se encontrava devastada por bombardeios nucleares, se tornando um ambiente totalmente hostil até para plantas e insetos… algo que o Japão já tinha sofrido no fim da Segunda Guerra Mundial. Enquanto a situação de poluição viral e nuclear no hemisfério norte piorava, os povos restantes foram decidindo migrar para o Hemisfério Sul, mas chegaria o momento onde nem isso bastaria, pois a imigração espacial parecia inevitável, e os japoneses restantes ainda não se sentiam prontos ou hábeis o bastante para desenvolver esse plano. Aqui é dito que os japoneses só faziam imitar civilizações brancas, e não desenvolveram essa habilidade sozinhos, então a opção que restou era imigrar para o Hemisfério Sul.

Os negros, que já encerrando sua imigração para a América do Sul decidiram emprestar seus navios para que os japoneses pudessem também fazer essa imigração, mas sob alguns requerimentos específicos para selecionar quem embarcaria ou não, e isso fez o que restava do Japão entrar em rebuliço completo, num país onde só restou a violência, fome, miséria e doenças. E os japoneses escolhidos que desembarcariam na América do Sul, mais precisamente no Brasil (!) seriam explorados como mão-de-obra escravizada, de maneira mais ou menos similar à que os ancestrais desses negros americanos foram escravizados no que o autor diz ser uma espécie de “reparação psicológica”. O “Nippon” de outrora estava em ruínas.

O ano agora era 2067, e uma frota de naves vindas de Terra Nova chegou à Terra, comandada por um “General Mac” (!!), e o objetivo era recuperar o planeta natal da humanidade, agora que supostamente havia tecnologia avançada o bastante para limpar a Terra da radiação nuclear e da peste virulenta.

Durante o processo dessa limpeza, as tropas de Terra Nova descobrem que haviam sobreviventes em cavernas no arquipélago japonês, mas eles possuíam feições similares às de macacos, e entre eles, haviam vários deformados, provavelmente por ação da radiação prolongada dos bombardeios, e acabou iniciando-se um debate para saber se esses sobreviventes deveriam ser considerados humanos ou não.

Esses sobreviventes começaram a ser transportados para Terra Nova numa operação liderada por um cara conhecido como “Capitão Rosenberg”, que não os via como humanos e dizia que esses deveriam ser tratados como animais, para que, caso esses morressem, ninguém seria responsabilizado ou julgado e essas mortes seriam moralmente justificáveis sob aquela lógica. Era óbvio que as deformidades eram por conta da radiação, mas Rosenberg alimentou a tese de que estes japoneses “voltaram ao estado primal” por conta de punição divina e que deveriam ser domesticados, já que na visão dele, os japoneses não faziam nada além de imitar pessoas brancas, e sem a influência destas, eles voltariam a se comportar feito macacos selvagens, e foi definido que estes japoneses deformados seriam tratados como animais.

E com isso, a questão passa para “como lidar com os outros japoneses que migraram e estão saudáveis, sem deformidades?”. Com a teoria do capitão, eles também seriam tratados como animais, já que eram supostamente “da mesma espécie”, e passaram a ter seus direitos humanos retirados e chamados de “Simian sapiens”, como se fossem de outra espécie. A teoria pegou tão forte entre aquela sociedade que, ao ver que os japoneses estavam sendo escravizados por negros, um povo que outrora também foi escravizado, os brancos dessa expedição se recusaram a estar em pé de igualdade, e passou até a se criar um plano perverso de permitir que os japoneses saudáveis voltassem à sua Terra Natal, para que lhes fosse dada uma falsa ilusão de pertencimento a uma terra, quando na verdade, estavam sendo tratados literalmente como uma criação de gado ao ar livre, para serem explorados de todas as formas possíveis, séculos depois quando passariam a ser chamados de “yapoo”, como uma corruptela bizarra de “Nippon”, que virou “Japan”, e aí “Jaban” para então… “Yapoo”. E então os séculos foram se passando, e a colonização espacial foi avançando, até esse mundo chegar no estado em que vemos no livro (e no mangá).

Ei, psiu! Você aí que ficou com preguiça de ler essa parte enorme, já pode voltar a ler se quiser. Nem te culpo por pular porque é uma história indigesta pra cacete.

Ufa! Agora finalmente terminei de contextualizar todo o background por trás da construção de mundo dessa história doente de revirar o estômago que a gente tá lendo sobre aqui, posso avançar.

Só consigo imaginar o estado mental do Numa Shouzou pra ter conseguido pensar numa história tão detalhada dessas apenas pra explicar o presente doente da sociedade do Império, e isso que eu ainda pulei algumas partes. Que dó do Ishinomori e do Satou por terem topado a empreitada de adaptar essa história escabrosa pra quadrinhos.

Porém ao ler essa parada toda aí, tudo isso se relaciona com praticamente todos os temas que eu abordei nesse texto até agora, e os paralelos com a história real e as alegorias com a ocupação americana no Japão são bem evidentes, o que explica esse livro ter causado o impacto que causou naquele momento específico em que foi publicado e até hoje deixa pessoas horrorizadas com a reflexão que essa história nos traz.

Mas ainda tem uma parte que eu quero abordar.

Vamos falar de mitologia e símbolos culturais…

VI. A deturpação e apropriação da identidade cultural japonesa

Durante a viagem na nave até o império, há uma cena em que Clara está socializando com outros habitantes do Império na Nave, enquanto tenta se passar por alguém que apenas perdeu a memória, para que não descubram que ela é uma humana que veio do passado. Para passar o tempo, as pessoas do futuro resolvem assistir um entretenimento um tanto inusitado.

Tal passatempo consiste em assistir yapoos miniaturizados , aqui chamados de “pigmeus”, que são encolhidos a um tamanho suficiente pra caber na palma da mão, em competições das mais variadas. É decidido no dado que eles irão assistir uma “batalha de espadas à moda antiga”, e então, é aberta uma gaveta com várias divisórias, cada uma como se fosse um “quarto”, com yapoos pequeninos, vestidos com roupas de samurais.

São escolhidos dois deles para lutarem até a morte como gladiadores do Pão e Circo do Império Romano, um deles chamado “Kojirou” e o outro “Musashi”. Os yapoos são encorajados com uma cusparada de saliva neles antes da luta, e idolatram essas pessoas que os escolhem como se fossem deuses, e então partem para um duelo brutal até a morte, para entretenimento daquelas pessoas.

Numa pausa pra uma aulinha rápida de história do Japão, talvez você já tenha ouvido falar nos nomes desses samurais, e não foram nomes escolhidos por acaso. Eles são referências diretas a Sasaki Kojirou e Miyamoto Musashi, dois dos samurais mais conhecidos da história pós-Era Sengoku do Japão (depois do ano 1600), e em 1612 eles travaram uma batalha que foi eternizada em estátuas, pinturas, literatura, mangás, filmes, videogame, anime, e tudo mais que você imaginar. São duas figuras históricas tão respeitadas que são quase vistas como lendas por séculos depois da época em que viveram. O duelo em questão acaba com a vitória de Musashi, e Kojiro acaba morrendo por ter tido uma de suas costelas fraturadas, assim perfurando um de seus pulmões por dentro.

E aqui estamos vendo um duelo entre outro Kojiro e outro Musashi, que acaba também com a vitória deste segundo, mas Musashi sai gravemente ferido. Acreditando que está em seus últimos momentos, Musashi pede a Clara, a pessoa que o escolheu para lutar, mais um pouco de saliva. A moça questiona se o pobrezinho não pode ser salvo, e então aquelas pessoas que estão com ela dizem que até pode, mas que seria um desperdício gastar recursos com um mero “yapoo”, e que muitos desses gladiadores ficam mais fracos depois desses tratamentos, e que não há propósito nenhum em manter um gladiador fraco vivo. Os novos colegas de Clara dão a ideia de que ela ordene que Musashi performe um “hara-kiri”, para ter uma morte honrosa. Você provavelmente já sabe o que é um “hara-kiri”, mas caso não, é aquele ritual onde samurais se davam uma morte honrosa após uma derrota ou coisa do tipo, cortando a própria barriga ou tendo alguém para decepar suas cabeças.

(e claro, como não poderia deixar de ser, existem blocões enormes de texto entrelaçadas aos quadros da batalha explicando todo o processo de como os yapoos são encolhidos e como foi feita a descoberta científica que levou para que esse processo seja possível)

Hesitante, Clara pede que Musashi performe o hara-kiri, e ele aceita com um sorriso no rosto, e ela acaba assistindo a cena grotesca de ele ser decapitado por outro “yapoo” miniaturizado também trajado com roupas de época, visivelmente incomodada com aquilo.

Toda essa cena que acabei de descrever é uma outra constante que aparece muito em “Yapoo: Gado Humano”, e essa é a frequente apropriação e/ou ridicularização e banalização de símbolos culturais e históricos japoneses.

Eu não sou japonês, mas a cena de ver dois guerreiros importantes da história desse país sendo reduzidos a brinquedos para uma elite branca se divertir às custas dos ferimentos e morte deles, acabando dessa forma tão desumana é… desconcertante, pra dizer o mínimo. Dá uma sensação amarga ver que essas pessoas que foram subjulgadas a níveis tão crueis de desumanização serviram apenas como um espetáculo para outros passarem o tempo durante essa viagem.

Os yapoos miniaturizados com roupas tradicionais antigas japonesas como se fossem pequenos bonequinhos é apenas a pontinha desse iceberg de símbolos nacionais sendo pervertidos e desapropriados de suas origens, como se estivessem sendo ridicularizados.

Como isso não para por aí, teremos outras ocorrências bem notáveis disso e essas deturpações ficam ainda mais evidentes quando os personagens enfim chegam ao Império, passando pelo “Takamagahara”. Originalmente na mitologia japonesa, o Takamagahara é uma espécie de plano astral onde residem os “amatsukami”, que são um dos tipos de “kami” (deuses) do shintoísmo, seres ditos como puros, e é visto como um local sagrado. Em “Yapoo”, o Takamagahara é uma vila pra moradia de cidadãos do Império dos Cem Sóis, e temos toda uma explicação técnica para o fato de ser uma estrutura gigante feita pelo homem flutuando no céu.

Ao chegar nesse local, os personagens do Império são recebidos por anjos que descem do céu, com auréolas e tudo na cabeça. Esses “anjos” estão ali unicamente pra saudar essas pessoas brancas e são… é, você chutou certo, “yapoos” modificados, de novo. Durante a estadia no Takamagahara, os personagens serão vistos usando roupas tradicionais japonesas MUITO antigas, tendo direito a perucas e tudo, enquanto Rinichirou assiste isso sem poder fazer nada.

Existem muitos outros elementos e dá pra escrever um monte sobre, mas o que podemos ver aqui nessa reapropriação de símbolos culturais icônicos e mitológicos do Kojiki e do Nihonshouki, os registros escritos mais antigos sobre a história do Japão antigo e suas tradições, é meio que uma grande zombaria da identidade nacionalista do Japão Imperial até o fim da Segunda Guerra Mundial. Ideologias imperialistas tendem a reaver símbolos tradicionais e dar ênfase numa espécie de “passado glorioso”.

Mas a coisa aqui vai além do deboche com o Imperialismo japonês. Você já deve ter percebido que “Yapoo” é muito uma história sobre perda, de vários tipos. Temos perda de autonomia, perda de direitos, perda de individualidade, perda de felicidade e também uma perda de identidade e noção de pertencimento. Os japoneses, agora chamados de “yapoos” tiveram sua humanidade tomada de si, e não apenas isso como tiveram seus símbolos e heranças culturais reapropriados por colonizadores brancos como se esse legado fosse grandioso demais pra estar na mão de “gado adestrado” e indo para mãos que se sentem mais capazes de adornarem esta iconografia sem serem julgados ou vistos como uma “raça inferior”. Parando pra pensar, é um tanto curioso que uma história originalmente escrita no final dos anos 50 já aborde esse tema de “apropriação cultural” que passou a ser bastante discutido na última década, mostrando que a obra de Numa Shouzou ainda continua culturalmente bem relevante, apesar de sua ligação visceral com o contexto do Japão pós-guerra.

Toda essa discussão sobre identidade nacional e cultural e “não-pertencimento” apareceria futuramente em outro grande clássico literário japonês: “Japão Submerso” (日本沈没, “Nihon Chinbotsu”), escrito em 1973 por Komatsu Sakyou. Não vou entrar em muitos detalhes, mas lá o ponto é que o Japão está literalmente afundando e a população precisa evacuar do arquipélago, e acaba não restando opção além de se misturar com povos de outros países, já que a natureza destruiu aqueles locais, história, artefatos, registros históricos, e tudo agora está nas memórias de quem viveu ali enquanto ainda existia um Japão, e a população passa a ter um conflito pessoal e surge a discussão de “O que é ser japonês? O que é a identidade nacional do Japão? O que faz que nós sejamos japoneses?”

A obra de Komatsu tem outros focos e interesses em sua narrativa, mas tem algumas semelhanças com a história original de Numa, por mais que aqui o povo japonês tenha tido um destino muito mais incomparavelmente brutal e infeliz, e tiveram sua identidade tomada por outros seres humanos que se consideravam mais poderosos, e não pela natureza. As duas possuem esse quê de “horror existencial”, mas isso é MUITO mais pesado em “Yapoo”, onde vemos uma perversão (até em sentido sexual, numerosas vezes) de todos esses valores e ícones. Aquele é um mundo onde tudo que o japonês conhece ou viveu foi corrompido e já não lhes pertence mais, junto com sua autonomia.

Tudo isso se conecta com a história da ocupação dos Estados Unidos no Japão, e ela tem efeitos até hoje. Um exemplo disso é só observamos como que, de todos os nomes asiáticos, os japoneses são os únicos que, no ocidente, possuem a ordem “sobrenome + nome” revertida, prática essa que passou a ser comum com o fim da Segunda Guerra Mundial e acabou se extendendo para todo o Ocidente além dos Estados Unidos. (mais sobre isso no excelente vídeo do Rafael do canal “Ilha Kaijuu” sobre o assunto, recomendo fortemente o conteúdo).

Mas uma coisa essas duas histórias têm em comum: em ambas o Japão deixou de existir. Para Komatsu, a causa foi geológica; e para Numa, política e moral, e em ambas as versões não é dada a opção de resistir.

VII. Rendição Incondicional

Na véspera do dia de sua morte, Mishima Yukio, em uma de suas reflexões sobre literatura moderna ao redor do mundo publicadas em seu livro de ensaios “O que é um Romance?” (小說とは何か “Shousetsu to wa nani ka?”) que seria lançado em 1972 (dois anos depois do seu suicídio durante a sua famosa tentativa de golpe) chegou à conclusão de que “Yapoo: Gado Humano”, com toda sua escatologia, “tocava nas funções essenciais da literatura” quando usava o masoquismo para aterrorizar seus leitores. De certa forma, dá pra dizer o mesmo de Mishima e sua morte absurdamente dramática, que escandalizaram uma nação inteira quando aconteceu. Mishima parecia masoquista de certa forma, e é muito engraçado que uma história como a de Numa tenha lhe chamado tanto a atenção, considerando todas as suas tendências reacionárias que remetiam ao “glorioso império” que na obra de Numa é visto com escárnio e parte do motivo pelo qual o Japão afundou e seu povo foi junto.

Existem ainda um monte de coisas pra se falar sobre “Yapoo” e sinto que eu não consegui arranhar nem a superfície direito pois é uma obra absurdamente densa de coisas escrotas que estão ali com o objetivo de provocar uma reflexão política e pessoal além do fetichismo bizarro que por si só pode ser super aterrorizante, mas pra esse texto não ficar mais colossal do que já está, imagino que está na hora de contar como essa jornada de absoluto desgraçamento mental termina, por mais que eu tenha dado um pequeno spoiler do (bem óbvio e inevitável, convenhamos) final lá atrás de forma bem breve.

Mas antes, um detalhezinho que pode ser bem importante pra tudo isso que já falamos sobre e que vai voltar aqui de novo: no posfácio da edição de 1991 do livro original, Numa Shouzou declara que a ideia por trás do Império dos Cem Sóis foi inspirada por experiências pessoais que ele teve num relacionamento com uma mulher britânica, durante o pós-guerra bem recente. Aoyama Tomoko sugere que as insistentes tentativas de decompor a cultura e mitologia japonesa, além da própria figura do Império Japonês claramente se originam da desgraça particular do autor durante a ocupação americana. Bom… o Rinichirou vive uma situação de submissão parecida, e prontamente vai se rendendo à sua “mistress”, não é?

Como se a situação de ser literalmente reduzido um animal castrado adestrado já não fosse humilhante o suficiente, Rinichirou enfrenta uma situação que escapa completamente de qualquer controle que ele possa ter, já que “controle” é algo que já não lhe pertence mais em nenhuma hipótese possível. Clara, apesar do estranhamento inicial, acaba aos poucos se acostumando à ideia de viver nessa sociedade onde ela pode ser idolizada e se deleitar em luxúria sádica, e não apenas isso, como também ela acaba sendo seduzida por aquele cara que ela conheceu na nave, o William, que é bem assertivo com ela.

Depois de viver um tempo no meio do Império conhecendo os prazeres dessa sociedade distópica fundada em hierarquias raciais onde sadomasoquismo é uma das principais formas de controle entre as classes (que aqui são reduzidas a “espécies”), Clara decide viver entre aquelas pessoas (não é como se ela tivesse outra opção de simplesmente… volta pra casa, também), totalmente integrada à essa sociedade, e até mesmo tem um noivado anunciado com William. Clara ainda sente algum afeto por Rinichirou, mas não como ela sentiria por um homem, mas sim como se fosse por um animalzinho de estimação, o algo do gênero.

O capítulo final do mangá (e também do livro) se abre com Clara chegando a seus aposentos acompanhada de Rinichirou, decide tomar um banho e ter uma conversa importante com ele, que prontamente responde “sim, senhora” e ela retruca “Pode me chamar apenas de Clara entre nós”, e logo ele diz sentir uma certa dor em ver essa gentileza no tratamento dela com ele, naquele ato de suposta compaixão.

Rinichirou está completamente transformado psicologicamente, e condicionado a aceitar as regras de dominação daquele mundo, e Clara ainda mostra alguma gentileza e resistência, de certa forma. Ela propõe que Rinichirou volte à Terra, mais especificamente ao Japão, e pode usar sua posição privilegiada para que a ciência restaure o seu corpo para como era antes dessa tragédia toda, e até que possa ser feita uma lavagem cerebral para que ele esqueça tudo que viu ali. Porém, ele iria sozinho, já que Clara decidiu ficar.

E, chocando Clara, Rinichirou recusa a proposta, alegando que se ele retornar à Terra e ao Japão, isso não impedirá a Terceira Guerra Mundial, e consequentemente todas aquelas coisas que vieram depois que contei lá atrás, de acontecer. Ele já sabe que sua terra natal será destruída e que ele provavelmente não iria durar muito lá de toda forma, não o suficiente pra ver o século XXI chegar. Além disso, ele diz que quer ficar ao lado de Clara, mesmo que isso signifique ser tratado como um animal ou objeto e está satisfeito só de ela permitir que ele esteja ao seu lado.

Clara ainda tenta convencê-lo, dizendo que naquele mundo ele não tem vez e que, com as regras daquela sociedade, ele não é visto como um homem (ela diz essa frase enquanto segura o pênis amputado dele que agora é usado como chicote, inclusive), mas ainda assim ele insiste em ficar e não deseja voltar atrás e começa a lamber os pés de Clara e achar aquele sentimento reconfortante, enquanto reflete um pouco sobre como eles se conheceram e tudo que passaram até chegar agora. Mesmo nessa situação, Clara ainda é seu porto seguro, o que mostra uma clara dependência moral e emocional.

E ele prossegue em sua reflexão, percebendo que Clara é a única mulher que ele aceita em sua vida e que agora ela é muito mais do que uma amante, mas também sua proprietária. E além disso, ele demonstra ter assimilado todo o racismo estrutural daquela sociedade como algo natural, e que ele foi posto “em seu devido lugar” porque decidiram que ele deve agir daquela forma. Clara ainda está confusa com a reação de Rinichirou e estranhando ele estar gostando de ter se submetido a essa situação, de maneira evidentemente masoquista.

E ele ainda rejeita a ideia de passar por uma lavagem cerebral para esquecer tudo que aconteceu, pois isso envolveria esquecer Clara, e ele não consegue mais se imaginar num mundo onde Clara não existe. Ele aceita se tornar propriedade de sua dona, que o chicoteia e declara posse e controle. É quase como se ele se sentisse um novo Rinichirou, com um novo propósito na vida que lhe foi dado, e supõe que todos os outros ditos “yapoos” nunca foram tão “úteis em sua existência” quanto agora. É um renascimento trágico para uma realidade em que lhe é definido tudo que ele fará, sem nenhuma escolha à mercê de sua dominante: em suma, uma rendição incondicional, e o exato termo militar em japonês, 無条件降伏 (“mujouken koufuku”) é usado aqui de novo.

Nessa palavra, em japonês escrita do jeito que está, eu gostaria de chamar a atenção para o último kanji, o 伏, que traz a ideia de se prostar ou se curvar diante de outro. Na língua japonesa, uma coisa curiosa nos kanji é que vários deles são aglutinações de kanjis mais simples, que são vistos como “radicais”. O Kanji de 伏 é composto de duas dessas partes, uma delas é o kanji de “pessoa”, 人 (“hito”); o outro é o kanji de “cão”, 犬 (“inu”). Juntos, eles remetem à ideia de um cão acompanhando uma pessoa que está o controlando, e é exatamente o que estamos vendo nessa cena. Rinichirou agora é totalmente comparável a um cão adestrado, aos olhos de Clara.

E então, a seguinte troca de palavras acontece:

- Clara: “Você será como o país que se rendeu incondicionalmente e não resistiu ao exército de ocupação.”

- Rinichirou: “Sim, eu não sou um país independente, apenas seu protetorado.”

- Clara: “Você tem certeza de que quer ser meu animal de estimação? Você não se importa com a forma como será tratado, certo?”

- Rinichirou: “Isso mesmo, por favor!”

Clara sente uma estranha sensação de lisonjeio ao ver que Rinichirou decidiu abdicar de sua própria liberdade unicamente para estar ao seu lado, e não apenas isso, como agora Rinichirou também servirá a William, o novo “homem” de Clara, em submissão total. Ela pergunta mais uma vez se ele está preparado para viver essa vida de agora em diante, e então, ele responde que sim, e que nasceu pra isso.

Não existe mais nada a perder, se frustrar ou se revoltar, apenas devoção à sua nova mestra e abraça essa humilhação de ser visto por alguém do lado imperialista como um “yapoo”, sem questionar mais.

a cena final é Clara se levantando de sua poltrona e chamando “Komm mit, Rin! Mein Hund!”, que em alemão significa “Venha, Rin! Meu cachorro”, e o texto está com “legendas” em japonês. E ele é enfim marcado com o brasão de Clara que determina que agora é propriedade dela.

E assim, essa história então chega ao fim.

Rinichirou, homem japonês, abdicou de sua identidade e liberdade pessoal para ser assimilado como parte de um sistema Imperialista e seu futuro será decidido por seus novos “donos”. Seus desejos, ambições e vontades estão todos girando em função da vontade de quem o domina. Ele sente que não é nada sem isso e que não pode viver por si só, e optou pela rendição e submissão incondicional ao invés de procurar sua própria liberdade.

VIII. Conclusões finais

Mishima diz que “Yapoo: Gado Humano” é um dos trabalhos literários japoneses mais poderosos do pós-guerra e um dos livros mais importantes da segunda metade do século XX. Pode ser praticamente desconhecido fora do Japão (a única tradução completa oficial que existe para alguma língua ocidental é para o francês, por exemplo), mas é daqueles trabalhos que quem leu, foi impactado por ele, pra bem ou pra mal.

Imagino que a adaptação de Ishinomori seja uma forma mais fácil de espalhar essa história, já que ele (e o Sugar Satou, claro) teve um cuidado ímpar para tentar emular tudo que fazia essa história ser tão intrigante e perturbadora de juízo. Eu particularmente considero uma das histórias de horror mais fortes que já li. Cada página parece drenar a sua alma até que no final da leitura você esteja um caco.

A minha vontade depois de chegar no final é de nunca mais tocar nisso de novo, enquanto reconheço uma técnica literária magistral em passar sensações horríveis de forma que vi poucos artistas de horror fazerem dentro do gênero. “Yapoo” tenta destruir o leitor moralmente para que ele aos poucos aceite aquela experiência masoquista, mais ou menos como Rinichirou passou. A ideia aqui é que, se você sobreviveu até o final da história lendo, você provavelmente deve ter algum masoquismo dentro de si.

Apesar de tudo isso, é um trabalho artisticamente muito influente. Não vou me atrever a chamá-lo, provavelmente de forma errônea, de “uma das sementes do eroguro, porque imagino que a história desse subgênero seja ainda mais antiga, mas “Yapoo” é uma de suas peças fundamentais, definitivamente.

A sensação que me passa é essa é aquele tipo de história que parece ardilosamente calculada pra torturar todos os envolvidos: quem está escrevendo, quem lê, quem edita, quem escreve sobre, quem traduz, quem resolve adaptar isso pra alguma mídia, e por aí vai. Ler foi difícil, ler sobre para pesquisar às vezes foi também mas menos, escrever sobre foi penoso, agora imagina desenhar as cenas disso e pensar em como replicar seus efeitos em quadrinhos? Não acho que seria exagero dizer que essa adaptação é um dos trabalhos mais ambiciosos da carreira do Ishinomori, e mesmo assim, sabendo de todo o seu currículo invejável, é até impressionante que ele tenha conseguido terminar isso com sucesso. Existem poucas adaptações do magnum opus de Numa por aí, e dessas poucas, a de Ishinomori é a mais notável por ter capturado por completo a essência do livro e conseguir adaptar isso a uma nova linguagem. O Egawa Tatsuya tentou décadas depois, mas não conseguiu, e ninguém parece doido o bastante pra tentar fazer um filme disso hoje em dia.

Meu objetivo com esse artigo enorme foi apresentar essa história e, principalmente o que ela quer dizer, já que as poucas pessoas que tentam ler o pouco que existe dela traduzido vão ler sem esse contexto, e acabam não entendendo qual foi o objetivo desse mangá existir ou mais ainda o motivo de Ishinomori ter decidido adaptar essa história. Mas depois de tudo isso e todo esse contexto sociopolítico por trás dos temas da obra original de Numa, não me parece muito estranho que o cara que fez “Cyborg 009” e o primeiro “Kamen Rider”, histórias com temas nitidamente anti-imperialistas sobre resistência a opressão (o primeiro Rider literalmente escapa de um laboratório onde estava sendo torturado pra sofrer lavagem cerebral para se tornar um supersoldado pra uma organização maligna composta por remanescentes nazistas), tenha decidido adaptar um livro que usa sadomasoquismo como uma metáfora para as relações entre o Japão, seu povo e os Estados Unidos e o Imperialismo de forma geral, além da submissão cultural presente aqui. Ele provavelmente achou que essa é uma história que mais pessoas deveriam conhecer para refletir sobre.

É um poderoso retrato da desolação japonesa do pós-guerra e mais especificamente ainda uma mensagem bem forte para alertar sobre o perigo de uma ocupação imperialista, que também pode ser visto como um conto sobre como querer imitar nações imperialistas pode acabar se voltando contra você de alguma forma.

https://youtu.be/5VgjsksLRJc

Se algum dia esse material chegar a ser lançado no ocidente, é daqueles que pedem textos de apoio pra contextualizar, porque é bem difícil aproveitar o que essa história tem a dizer sem ter em mente o contexto por trás de sua criação. Nem culpo mal existirem traduções pro inglês, porque é um texto super difícil e penoso de traduzir, mas espero que ao menos o mangá do Ishinomori veja uma tradução completa um dia, pois o primeiro volume que recebeu scanlations em inglês já causa uma impressão bem forte.

E nem consigo falar “isso, leiam ‘Yapoo’ vocês também”, não apenas pela barreira da língua, mas também porque não é pra todo mundo, e quem consegue se aventurar nessa história e chega até o fim dela, não sai a mesma pessoa que era antes.

É engraçado pensar como o horror é um gênero pensado em causar desconforto e, muitas vezes, reflexões junto com esse desconforto e entretenimento. Por quê alguém se sujeita a sentir isso em prol do entretenimento? E mesmo assim, continuamos procurando mais e mais obras de terror para testar nossos limites e ver até onde pode ir nossa imaginação.

Talvez fãs de horror sejam todos um tiquinho masoquistas, em algum nível, afinal.

Fontes:

• “Empire through the Eyes of a Yapoo:Male Abjection in the Cult Classic Beast Yapoo”, por Christine Marran.
• “More than Skin Deep: Masochism in Japanese Women’s Writing”, por Emerald Louise King.
• “The Rise and Fall of Modern Japanese Literature”, por John Whittier Treat.
• “The Negative Legacy of Japan’s Occupation”, por Masuda Hiroshi.