Um pequeno favor (A Simple Favor), é um suspense policial dirigido por Paul Feig (As Bem Armadas, 2013) baseado na obra literária de Darcey Bell lançada ano passado.

Na trama, acompanhamos o surgimento da amizade entre Stephanie Smothers (Anna Kendrick) e Emily Nelson (Blake Lively), ambas se tornam melhores amigas e quando Emily pede para que Stephanie busque seu filho na escola desaparecendo logo após, Stephanie não mede esforços para descobrir o que aconteceu com sua amiga.

Filmes de suspense sempre caíram no gosto popular, a trama cheia de reviravoltas e mistérios que nos faz criar inúmeras teorias. Um Pequeno Favor possui a trama que fisga e todos os elementos de um bom suspense, porém ele é mais do que um suspense bem feito. Ele nos oferece um plus nos entregando um thriller diferente e inteligente, repleto de humor e sarcasmo.

A narrativa é acelerada, mas sem nos deixar perdidos. É contada com a ajuda de flashbacks (recurso muito bem utilizado), a história nos prende durante toda a duração, não nos sentimos cansados em momento algum e isso se deve muito a quantidade de plot twists presentes, por um momento pode até parecer excessivo, mas ao final notamos que cabem perfeitamente dentro da proposta.

Toda a trama que se inicia em torno do desaparecimento de Emily pode ser o centro do roteiro, mas a cereja do bolo são Stephanie e Emily, a construção das personagens é consistente e muito bem apresentada. Kendrick faz a mãe, doce e ingênua que possui um canal de dicas para mães na internet enquanto Lively é manipuladora, sedutora e tem uma posição importante no mundo da moda.

Mesmo que completos opostos, a amizade entre as duas nasce.

O maior acerto da produção é, sem dúvida, a excelente escolha das atrizes protagonistas. Anna Kendrick entrega uma Sthefanie impecável, impressionante como o papel lhe cai bem, a atriz parece ter facilidade em interpretar papeis que detenham um cunho humorístico e o faz de forma muito natural. Já Blake Lively está exatamente o que o papel pede, UM MULHERÃO! Sexy e elegante, impossível desviar os olhos.

Podemos dizer, com propriedade, que Um Pequeno Favor bebe da fonte de Garota Exemplar (Gone Girl, 2014) ao montar sua trama, mas nem de longe se parece com o longa dirigido por David Fincher. Aqui a narrativa é construída de forma bem-humorada, sarcástica e ácida, bem diferente do tom sombrio em que Garota Exemplar é conduzido.

Um Pequeno Favor foi uma grata surpresa para a pessoa que vos escreve, é um daqueles filmes que queremos rever logo depois de ter assistido. Você ficará preso nele sem sentir, vai estar se divertindo muito para isso.

CURIOSIDADES

- O filme é maravilhoso, Blake Lively de terninho é ainda mais.

- Você vai aprender, com muita elegância, com o se faz um Martini de verdade.

NOTA: 9.0

Becks é um drama musical norte americano dirigido por Daniel Powell e Elizabeth Rohrbaugh sobre corações partidos, recomeços, relações familiares e problemas da vida de jovem adulto.

Acompanhamos Becks (Lena Hall), que volta para a casa da mãe depois do término do seu último relacionamento. Becks é uma cantora lésbica na casa dos 30 que ainda não galgou o sucesso, acaba de ser trocada pela sua namorada com quem morava e sem muita ideia do que fazer precisa ficar na casa da mãe.

A história se desenvolve pelas relações pessoais de Becks ao voltar para bairro onde foi criada, é assim que vemos antigas e novas feridas sendo expostas. É pelo contato da protagonista com os demais personagens que vamos a conhecendo melhor, o amigo de infância, o irmão, o novo interesse amoroso e a mãe religiosa.

Duas dessas relações recebem maior foco: a relação entre Becks e a mãe Ann (Christine Lahti) e o começo do relacionamento com Elyse (Mena Suvari). Uma é um acerto e a outra um erro previsível e muito comum em produções voltadas para o público LGBTQIA+.

Vamos começar pelo acerto, a relação de Becks com Ann é algo que chama atenção logo nos primeiros momentos. Ann é uma mulher religiosa, que possui uma vida rotineira e feliz com seu grupo de outras mulheres do bairro, porém nunca superou a morte do marido.

A volta da filha para casa reacende questões adormecidas como a condição sexual da filha, a morte do marido e o apego dela pelo passado. Isso faz com que as duas batam de frente diversas vezes e expõe o quanto Becks lida com sua sexualidade de forma incisiva e bem resolvida (vemos isso em diversos momentos do longa). As cenas com as duas são as melhores do longa.

Agora vamos ao erro (mais uma vez eu preciso falar sobre um filme voltado à comunidade LGBTQIA+ que não acerta na abordagem, isso cansa, mas falar é necessário). A relação entre Becks e Elyse, uma mulher casada que vive em um casamento morno e acaba se apaixonando por Becks. Poderia ser um romance interessante se não caísse na mesmice do FINAL TRISTE DE (quase) TODA PRODUÇÃO LGBTQIA+. Mesmo que a narrativa tente trabalhar o final triste fazendo com que ele não fique tão triste, demonstrando uma maturidade adquirida pela protagonista, ainda assim cai no mesmo padrão.

Eu não sei vocês, mas eu quero um draminha saudável (amém, Desobediência) sem sexualização da mulher (foi para você mesmo azul), uma farofinha LGBTQIA+ para chamar de minha, um “Para Todas as Garotas que já Amei”. Estamos bem cansados dos mesmos finais tristes, mesmo que teoricamente eles possuam coerência dentro da trama.

No fim, Becks, mesmo possuindo uma história rasa, acertaria muito mais se trabalhasse seu casal central de forma justa (da mesma forma que trabalha a sexualidade de sua protagonista) ou se simplesmente não apostasse no romance e focasse em ser um bom drama sobre maturidade, recomeços e relações familiares.

CURIOSIDADES

Nossa musa LGBTQIA+ dona do melhor álbum de 2018 Hayley Kiyoko (Scooby-doo e A Maldição do Monstro do Lago) faz uma ponta como ex namorada da protagonista.

Nota 6.0

Quem aqui no fundo não é um pouco fã de um terrozinho slasher, que atire a primeira pedra. A verdade é que o gênero ainda leva muita gente aos cinemas e mesmo que a fórmula nunca mude, sempre estamos torcendo para que nossos mocinhos não façam o óbvio — “PELO AMOR DE DEUS, A ESCADA NÃO” — mesmo sabendo que eles farão. Porém, os slashers estão, digamos que, colocando uma nova roupagem nos nossos clichês tão característicos e esse é o caso de As Garotas da Tragédia (Tragedy Girls) de Tyler MacIntyre, que veio para mostrar que é possível reinventar a antiga fórmula sem abrir mão da sua essência.

Na trama acompanhamos as amigas Sadie (Brianna Hildebrand) e McKayla (Alexandra Shipp), duas psicopatas obcecadas por assassinatos que, ao capturarem o serial killer, Lowell (Kevin Durand) que anda cometendo crimes pela cidade, veem a oportunidade de que ele as ensine tudo que sabe. Diante da negativa, as jovens resolvem buscar suas próprias vítimas enquanto galgam a fama em seu blog “Tragedy Girls”.

As Garotas da Tragédia poderia ser igual a qualquer outro filme do subgênero, mas ele não é, os únicos minutos em que pensamos que seria mais do mesmo são os 5 primeiros, a partir daí a gente muda de ideia. O roteiro é inteligente, satírico, repleto de referências aos clássicos do subgênero, desconstrói todos os clichês e conta com uma excelente construção das suas protagonistas.

Sadie e Mckayla não dão chance para que nenhum mocinho roube a nossa atenção. É impressionante o quanto nos afeiçoamos por elas logo no começo, sabemos quem elas são e as amamos mesmo assim.

Ambas são frias, calculistas, encaram a violência com naturalidade e não possuem travas para conseguirem o que querem, não importa quem precisem passar por cima. Devemos esse fato a excelente química entre Brianna Hildebrand (Deadpool 1 e 2) e Alexandra Shipp (Com amor, Simon) que com muita competência nos entregam as anti-heroínas mais fáceis de amar que eu já vi. Você vai torcer por elas, é inevitável (não diga que não avisei).

Tendo as personalidades das nossas protagonistas bem definidas, é prudente falar que o longa é violento da forma mais natural possível justamente por suas protagonistas encararem violência e morte dessa forma. Todas as mortes são carregadas de humor já que as assassinas também enxergam a essa maneira, para elas tudo é muito divertido e é por esse viés que As Garotas da Tragédia é conduzido.

As Garotas da Tragédia é competente em todos os seus aspectos, os clichês, as referências, o humor, o gore, a trilha e a fotografia, tudo é muito bem colocado. Até os personagens com menos tempo em tela são muito bem aproveitados dentro da narrativa, como é o caso do Xerife que nunca aceita o fato de que existe um serial killer na cidade, vivido pelo ator Timothy V. Murphy (A Lenda do Tesouro Perdido: Livro dos Segredos), e as participações de Craig Robinson (A Ressaca) e Josh Hutcherson (Jogos Vorazes) que nos entregam duas das cenas mais impagáveis do longa.

As Garotas da Tragédia é um acerto dentro do subgênero, se você é fã do segmento não pode deixar de conferir.

CURIOSIDADES

• O roteiro faz referência a filmes do gênero e menciona filmes como Premonição (Final Destination, 2000) e Mártires (Martyrs, 2008).
• Os sobrenomes das protagonistas Sadie Cunningahm e McKayla Hooper fazem referência aos diretores Sean S. Cunningahm (Sexta Feira 13) e Tobe Hooper (O Massacre da Serra Elétrica)

Nota: 8

No longa, acompanhamos a história da adolescente Charleen (Jasna Fritzi Bauer), que aos 15 anos resolve cometer suicídio, entrando em uma banheira com o secador nas mãos. Após o fracasso da tentativa a vida cotidiana da adolescente se transforma.

Temos aqui uma protagonista com uma relação um tanto peculiar com a morte, é estagiária em uma funerária, tem o hobby de fotografar animais mortos que encontra pelas ruas, além de todos os seus ídolos estarem mortos. Podemos notar em Charleen todo aquele peso existencial que a adolescência carrega, todos os dramas estão ali, relação conturbada com os pais, sentimento de incompreensão e de não se encaixar e o uso do mal humor para afastar as pessoas.

Todos esses fatores levaram Charleen a cogitar o suicídio, e o longa aborda esse tema e tudo que o envolve de maneira competente. A forma que a narrativa trabalha a questão do suicídio é o grande trunfo de Desligando Charleen, embora o tema seja “pesado”, ele é apresentado de forma sútil ao espectador.

Toda a produção de Desligando Charleen roda em torno da protagonista, mesmo que tente explorar personagens secundários faz isso de forma rasa, os que ganham mais destaque só o ganham por motivos claros de: construção da protagonista. Embora alguns merecessem um espaço maior, como a mãe da Charleen, Sabine (Heike Makatsch) e a melhor amiga, Isa (Amelie Plaas-Link). Podemos sentir os efeitos da tentativa de suicídio da filha em Sabine, porém bem pouco explorado e a melhor amiga fica em segundo plano durante toda a narrativa, tendo um breve momento de destaque apenas no final (um destaque bem positivo, mas sem spoliers aqui).

Assim como esses mereciam mais destaque, existem os que não acrescentam muito na produção, como é o caso de Linus (Sandro Lohmann) que vem a ser o interesse amoroso de Charleen, o romance não é desenvolvido, a presença de Linus só nos permite perceber uma mudança da protagonista na forma de enxergar a vida (e também nos rende momentos fofinhos, coming of age também é feito disso), além do psicólogo que é colocado ali para trazer mais humor a narrativa, um clichê desnecessário e mal utilizado.

O saldo final de Desligando Charleen é positivo, mesmo que a fórmula seja antiga e batida, o longa consegue se apresentar de forma diferente. Abordando temas importantes e delicados como bullying, descoberta da sexualidade, suicídio e depressão na adolescência de forma pertinente e responsável. Em tempos de produções que mais se preocupam em lucrar com temas “polêmicos” essa produção é muito bem-vinda.

CURIOSIDADES

Embora a atriz Jasna Fritzi Bauer tenha interpretado uma adolescente de 15 anos em Desligando Charleen, ela tinha 25 anos na época da produção.

Nota: 6

Que Hollywood anda estagnada todos nós sabemos, mas o segmento que mais vem sofrendo com essa maré ruim, indiscutivelmente, é o cinema de horror. Em meio a tantas produções de procedência duvidosa, os fãs do gênero ainda acreditam que podem se surpreender dentro dos cinemas, e a verdade é que ainda podem, como vimos há alguns anos atrás com o começo do universo de Invocação do Mal (The Conjuring, 2013) de James Wan, a produção prometeu e entregou. Porém, nem toda produção que faz barulho na mídia faz jus a confiança depositada e esse é exatamente o caso de Slender Man — Pesadelo Sem Rosto, filme do diretor Sylvain White que tem como foco uma lenda “urbana” da internet sobre uma entidade que se apresenta como um homem, sem rosto e de braços alongados.

A lenda do Slender Man começou em 2009 quando sua aparência foi concebida para um concurso de photoshop e a seguir histórias foram sendo contadas e viralizadas na internet sobre o homem de braços alongados que entrava na mente das pessoas e as perseguia. A história tomou proporções gigantescas quando duas meninas esfaquearam uma amiga da escola nos EUA alegando que foram ordenadas pelo Slender Man. Com todo o mito que envolve a figura do Slender Man não é surpresa que Hollywood quisesse lançar um filme sobre ele e também que a produção fosse ser aguardada pelos fãs do gênero. O problema é que Slender Man promete muito e não entrega nada, não é bom em nenhum aspecto, seja em criar tensão/ medo, seja em mostrar as armadilhas e perigos da internet. A produção peca em absolutamente tudo.

A história acompanha um grupo de amigas que durante uma festa do pijama resolvem invocar a figura do Slender Man em um site da internet. Após o sumiço de uma delas, passam a suspeitar que o desaparecimento tenha ligação com a entidade. A história é bem clichê: colégio, grupo de amigos, entidade que após ser invocada se dedica a perseguir todas as pessoas do grupo. Já vimos essa fórmula em diversos filmes, porém não é a história batida que prejudica a produção, o fato de não conseguir sustentar nem uma história tão simples é o real problema.

Possui um roteiro raso, mal escrito e previsível, exibe pontas soltas e nenhuma preocupação com o desenvolvimento de seus personagens (ruim mesmo para o padrão de filmes do gênero, ficamos perdidos até em descobrir qual das meninas detém o protagonismo), não convence nem nos efeitos especiais, abusa do uso do CGI, é extremamente repetitivo em suas tomadas (metade do filme se passa na floresta com tomadas praticamente idênticas, é desgastante acompanhar) e o pior: não causa medo, não dá tensão, nem o artifício de assustar pelo barulho funciona bem aqui.

O mais frustrante é saber que a história tinha potencial para muito mais, histórias de terror baseadas em fatos verdadeiros já possuem por si só todo um imaginário, infelizmente esse ponto a favor da produção foi desperdiçado. É difícil apontar algo positivo, poderia ter sido uma ótima aquisição para o gênero, porém Slender Man — Pesadelo Sem Rosto cai no mesmo limbo de diversas outras produções e será facilmente esquecido, aqui o que realmente assusta só a capacidade de assistir até o final sem dormir.

Curiosidades:

Aparentemente a atriz Joey King está colecionando filmes de terror em seu currículo, também podemos vê-la em Quarentena (Quarantine, 2009), Invocação do Mal (The Conjuring, 2013) e 7 Desejos (Wish Upon, 2017).

Houveram muitas controversas em torno da realização do longa, já que remetia ao caso das meninas que esfaquearam uma colega nos EUA e por isso, com o intuito de não exibirem cenas de violência explicita, o filme foi drasticamente cortado.

Nota: 2

Estamos em meio a uma Hollywood estagnada em remakes, continuações desnecessárias e inúmeras adaptações de livros duvidosas, (as adaptações sempre foram bastante duvidosas, mas agora o número aumentou), nesse cenário, poucas produções se destacam como obras em que realmente vale a pena conferir, seja em casa ou no cinema. Infelizmente, esse não é o caso de Os estranhos: caçada noturna (The Strangers: prey at night), sequência de Os Estranhos (The Strangers, 2008) de Bryan Bertino.

Os subgêneros slasher e gore tem um lugar cativo entre o público, dificilmente encontraríamos alguém que não tenha visto pelo menos um dos filmes das franquias Sexta Feira 13 (Friday the 13th) e A Hora do Pesadelo (A Nightmare on Elm Street), que se tornaram clássicos dentro do cinema de horror. Filmes como esses citados, acompanhados de Halloween (Halloween) e O Massacre da Serra Elétrica (The Texas Chain Saw Massacre) nos fizeram vibrar com uma fórmula: mocinhos/assassino/muito sangue/situações improváveis. Os nossos amados clichês de filmes slasher que penduram até hoje.

O problema das produções atuais é que elas usufruem sempre dessa fórmula raramente trazendo algo novo, era inovador décadas antes, mas o público atual não se assusta como o público das décadas de 70/80/90 e também não aceita que o filme tenha somente essa fórmula para ser bom, nós já temos os clássicos. Os estranhos: caçada noturna cai exatamente nisso, na repetição dos mesmos clichês e sem um roteiro minimamente aceitável.

No filme, acompanhamos o casal Mike (Martin Henderson) e Cindy (Christina Hendricks) que decidem mandar a filha rebelde Kinsey (Bailee Madison) para o colégio interno, por isso saem de viagem levando ela e o irmão mais velho Luke (Lewis Pullman), em meio a viagem decidem parar em uma parque de trailers pertencente a familiares, porém a estadia da família é interrompida por estranhos mascarados.

A premissa é bem simples e não existe pretensão nenhuma de ser algo além disso, pelo menos no que diz respeito ao roteiro da produção. Nos primeiros 30 minutos somos apresentados a família, forma de nos fazer criar afeição pelos personagens, por mais desinteressantes que eles sejam, o público precisa torcer pelos mocinhos, aos poucos vamos sendo apresentados aos “estranhos”, porém somente de forma rasa, sabemos que eles estão ali para matar, mas não sabemos suas motivações.

O foco maior fica na filha problemática do casal, que de cara sabemos que será aquela mocinha que nos deixa aflitos enquanto quase morre várias vezes, sobrevivendo no final. Esse subgênero adora uma mocinha que no final da trama vira bad ass e acaba com tudo, particularmente o clichê que mais gosto. Felizmente, dentro de uma enxurrada de péssimas atuações, Bailee Madison consegue minimamente sustentar a protagonista.

Os demais personagens não convencem, nem os mocinhos e muito menos os assassinos, as mortes são rápidas e previsíveis, destaque apenas para dois momentos que podemos julgar como acertos na produção. O primeiro é a cena da piscina banhada a luzes de led, temos uma luta entre Mike e um dos estranhos ao som de “Total Eclipse Of The Heart” da cantora Bonnie Tyler e é a primeira vez durante toda a duração do filme que torcemos de fato para um dos mocinhos. O segundo é a cena final de Kinsey se arrastando pela estrada banhada em sangue enquanto um carro em chamas a persegue, a cena tem a mesma música de plano de fundo. Além da trilha sonora ter casado muito bem com as cenas, outro acerto da produção são os cenários, a atmosfera criada pela escuridão e o deserto do parque dão mais medo que os próprios assassinos. Na humilde opinião de quem voz escreve, o filme só vale por esses pontos e nada mais.

O filme falha como sequência e falha ao jogar todos os clichês em cima do público sem se preocupar em fazer isso de forma aceitável. Tirando alguns pontos positivos, Os Estranhos: Caçada Noturna é um filme totalmente dispensável dentro do segmento.

Nota: 2

Na história, acompanhamos a adolescente Cyd Loughlin (Jessie Pinnick) que por possuir problemas de convívio com o pai vai passar uma temporada na casa da tia, Miranda Ruth (Rebecca Spencer), uma bem-sucedida escritora. Lá conhece Katie (Malic Withe), por quem desenvolve um interesse. O foco principal da trama é a relação que se desenvolve entre Cyd e sua tia, ambas as atrizes dividem o protagonismo da produção. Embora em alguns momentos se de foco na relação de Cyd e Katie, esse foco funciona mais para entendermos as descobertas e questionamentos de Cyd.

Justamente pelo foco principal estar na relação tia/sobrinha é preciso se ater a elas. Cyd é uma adolescente engraçada, alegre, joga futebol e almeja uma bolsa de estudos, possui questionamentos sobre sexualidade como todo adolescente, porém leva isso de forma muito natural, como podemos ver na relação que começa a construir com Katie, o receio do novo está ali, mas não tem um sentimento de algo errado ou não aceito. Esse retrato, ainda nos dias atuais, é difícil de encontrar, um acerto do roteiro. A construção da personagem é interessante quando paramos para analisar o contraste com sua infância, logo nos primeiros minutos da trama somos apresentados a uma cena de assassinato, que no decorrer do filme descobrimos serem a mãe e o irmão de Cyd. A mãe, assassinada pelo irmão que comete suicídio logo após, tudo isso enquanto Cyd dormia. A partir daí entendemos também o motivo dos problemas de convívio da personagem com o pai, que sofre de depressão. O diferencial da personagem é que não notamos um impacto disso em sua vida, o roteiro prefere não trabalhar a fundo essa questão, optando por seguir a linha da leveza.

Já a personagem de Miranda, uma escritora de sucesso que nunca se casou e vive sozinha na casa em que cresceu, é o completo oposto de Cyd e essa relação de contraste é o trunfo da produção. Miranda é solitária, mesmo repleta de amigos e de certa forma a personagem prefere que seja assim. Tem uma vida pacata e uma rotina, frequenta os mesmos lugares com as mesmas pessoas e não sai da bolha. Isso até Cyd chegar.

Vemos a relação ser construída de forma lenta e despretensiosa. Miranda passa a enxergar aspectos de sua vida de forma diferente e se permitir experiências que a fazem sair da bolha e da rotina, em contrapartida Cyd encontra alguém com quem se sente à vontade para dividir seus problemas e pensamentos. A troca de experiências entre elas é muito interessante de se acompanhar, ambas têm um impacto muito grande na vida uma da outra e é disso que o filme se trata. Os diálogos entre elas são muito bem construídos e pertinentes, além da boa química entre as atrizes.

O roteiro se propõe a algo leve, mesmo abordando assuntos delicados como assassinato, suicídio e abuso sexual, o que o faz pecar. Na busca de se manter leve ele não trabalha como deveria esses assuntos. O assassinato da mãe, o suicídio do irmão e o impacto que isso trouxe na vida de Cyd não são trabalhados, a tentativa de abuso sexual sofrido por Katie não recebe a devia atenção, é inserido de forma tão rápida que não conseguimos perceber se foi realmente uma tentativa ou se o ato aconteceu. O caminho que o roteiro escolheu apresenta uma narrativa lenta e sem um clímax, embora possa parecer arrastado, os personagens nos conquistam e acabamos não nos incomodando.

Princess Cyd é uma produção que sabe medir muito bem as doses de drama, é uma boa pedida para quem busca uma produção com personagens verdadeiros e bons diálogos, tudo construído com muita naturalidade e leveza.

Nota: 08

Em Edward, mãos de tesoura, Burton nos apresenta a história do jovem Edward, (Johnny Depp), criado por um inventor, (Vincent Price), que morre antes de completar sua obra, deixando Edward com tesouras no lugar das mãos e completamente solitário. O filme parte do momento em que a vendedora de cosméticos, Peg Boggs (Dianne Wiest), com o intuito de aumentar suas vendas vai parar na sombria propriedade de Edward nas montanhas e decide levá-lo para casa. Assim acompanhamos a tentativa de Edward de se encaixar na vizinhança, tendo de aprender a lidar com o convívio social que nunca havia tido e com o sentimento do primeiro amor que desenvolve por Kim, (Winona Ryder).

O Frankestein de Burton é tímido, assustado, não distingue muito bem o certo do errado e tem dificuldade em se conectar com as pessoas. As tesouras podem ser vistas como um tipo de simbolismo que ajuda a compor o personagem, a falta de habilidade em se conectar com as pessoas e é complementada pela presença das tesouras que o impedem de qualquer toque. O próprio Burton ressalta isso em um relato contido no livro “ O Estranho Mundo de Tim Burton” de Paul A. Woods: “ As tesouras causam certo efeito que me agrada, pois impedem o toque. Eu só queria um personagem que, visualmente, fosse ele mesmo, interna e externamente. É uma representação visual do que tem lá dentro”.

O personagem de Edward é ao mesmo tempo simples e complexo e ao analisarmos podemos encontrar muito do próprio diretor em sua concepção. Burton era um menino tímido, dado como esquisito e que tinha como hobby assistir filmes de terror, cresceu com os filmes de Vicent Prince, tendo sido seu primeiro curta (Vicente, 1982), uma animação sobre um menino fascinado pelo macabro que desejava ser Vicent Price. Ainda no livro de Paul A. Woods, Burton relata “Houve um longo período no qual simplesmente não conseguia me conectar com ninguém ou ter algum tipo de relação. Todos passam por um período assim, quando há uma sensação de que você não pode se conectar, não pode tocar”.

Além do personagem principal, temos diversos personagens pitorescos que complementam a narrativa da vida no subúrbio da Flórida. Temos a religiosa fanática, a madame, o menino rico e valentão que tem problemas com os pais, a típica família norte americana. A relação que o protagonista começa a construir com a vizinhança hipócrita e fofoqueira é um claro retrato de como o diferente é tratado na sociedade. Edward, primeiramente, é recebido de forma aberta por todos, conforme seus dons com as tesouras vão sendo explorados pelas pessoas, primeiro nos jardins, depois nos cachorros e cabelos das mulheres do bairro, ele teoricamente vai ganhando cada vez mais a afeição das pessoas, porém, quando comete o primeiro erro, esse mesmo círculo de pessoas não demora a julga-lo, principalmente por sua aparência. Todos nós podemos nos identificar com Edward nessa busca por ser aceito em meio a uma sociedade que julga todos os nossos passos.

A construção da vizinhança suburbana que Burton apresenta é bastante emblemática e feita de maneira a contrastar com o protagonista. As casas pintadas em cores pasteis, as ruas sinuosas, os jardins. Fica claro, por exemplo, o contraste entre as casas e a propriedade onde vivia Edward, do sombrio ao alegre. A produção se empenha em deixar tudo harmoniosamente encaixado, até as cores das comidas casam perfeitamente com os tons dos cenários, vemos isso claramente na cena do churrasco em que Edward é apresentado a vizinhança. Outro acerto é a trilha sonora de Danny Elfman: triste, bonita e delicada. Inesquecível para todos que assistem à produção, inevitavelmente.

A magia singular de Tim Burton tem sua melhor performance em Edward, mãos de tesoura, um roteiro singelo, mas que carrega diversos simbolismos. Aqui vemos todas as excentricidades que fazem Burton ser quem ele é. Como fã da filmografia do diretor considero esse um dos ápices da sua carreira, é como ver uma de suas animações stop motion ganhar vida e se você, assim como eu, cresceu nas décadas de 1980 e 1990, com toda certeza carrega com carinho na memória a história do menino com mãos de tesoura.

Curiosidades

Esse foi o último filme do ator Vincent Price antes de falecer.

O filme marca o começo da longa parceria do ator Johnny Depp com o diretor, podemos vê-los juntos em Ed Wood (Ed Wood, 1994), A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça (Sleepy Hollow, 1999), A Fantástica Fábrica de Chocolate (Charlie and the Chocolate Factory, 2005), A Noiva Cadáver (Corpse Bride, 2005), Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet (Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street, 2007), Alice no País das Maravilhas (Alice In Wonderland, 2010) e Sombras da Noite (Dark Shadows, 2012).

Sangaile (Julija Steponaitytė) é uma introspectiva jovem de 17 anos apaixonada por aviação que passa o tempo das férias assistindo shows acrobáticos de aviões, é em um desses shows que ela conhece Auste (Aistė Diržiūtė), atendente em uma confeitaria e apaixonada por fotografia e costura. A partir desse encontro as duas desenvolvem uma amizade que aos poucos vai se transformando em um envolvimento amoroso, a construção da relação de ambas e como ela modifica a vida de Sangaile é o foco principal do roteiro.

Sangaile e Auste são personagens completamente opostas, Sangaile é tímida, fechada, não tem amigos, possuí fobias e uma distante relação com os pais, já Auste é sedutora, alegre e extrovertida. O roteiro trabalha bem essa dicotomia na relação das duas, deixando bem evidente toda a diferença que possuem, a construção da relação das duas acontece sem pressa e de forma sensível. O roteiro não peca na construção do relacionamento de suas personagens, porém erra drasticamente na forma rasa em que trata as questões psicológicas de sua protagonista.

Kavaité nos apresenta uma protagonista complexa que é pouco explorada, a sensação é que foi jogado aspectos da personagem sem a menor intenção de trabalhá-los. Sangaile, além da fobia quanto a andar de avião, possui questões que a fazem se cortar e a escolha do roteiro foi não trabalhar essas questões de forma satisfatória. Somos apresentados com soluções simples ou a falta delas e esse é a grande falha do roteiro, pois quando se propõe a debater assuntos de tamanha importância se requer cuidado e aqui faltou.

Se por um lado O verão de Sangaile desliza no roteiro, na fotografia e na direção de arte ele é impecável, um dos filmes mais bonitos que você verá, com toda certeza. As locações têm uma beleza ímpar e contém uma simbologia que ajuda a contar a história das personagens, do começo ao fim. Os planos e takes são minuciosamente trabalhados e é incrível de acompanhar uma produção tão competente.

Outro ponto alto da produção é sem dúvida alguma a química entre as atrizes, Steponaitytė e Diržiūtė estão incríveis em suas cenas juntas, muito reais e muito entregues. Embora Steponaitytė sustente bem como protagonista, Diržiūtė consegue roubar para si os holofotes em todos os momentos que aparece, conseguimos ver pelo olhar tudo que a personagem sente, ansiosa por mais trabalhos da atriz.

O verão de Sangaile é um filme bonito para os olhos e para quem gosta de uma história contada de maneira leve. Com todos seus problemas, ainda é um filme belo e muito bem produzido. Porém, nada mais que isso.

Nota: 06

Estrelas além do tempo (Hidden Figures, 2016) é baseado no livro de Margot Lee Shetterly e conta a história de três mulheres negras que fizeram a diferença nos EUA em meio a corrida espacial na década de 60 entre a União Soviética e os EUA. A NASA (National Aeronautics and Space Administration) possuía os chamados “computadores humanos” mulheres negras que eram contratadas para fazerem os cálculos das trajetórias e assim se insere a história das nossas três protagonistas.

Katherine Johnson (Taraji P. Henson) é um prodígio desde a infância e se vê mudando de setor para analisar e revisar cálculos de voo, um setor totalmente composto por homens brancos. Aqui somos apresentados aos personagens de Jim Parsons, que interpreta o engenheiro chefe Paul Stafford e de Kevin Costner que interpreta Al Harrison o responsável por comandar todo o setor de voo incumbido de levar o homem até a lua. Enquanto isso, temos as histórias de Dorothy Vaughan (Octavia Spencer) que precisa lidar com um equipamento que pode deixar tanto ela quanto suas funcionárias obsoletas e Mary Jackson (Janelle Monáe) que tenta se tornar uma engenheira mas para isso precisa estudar em uma escola para brancos.

O roteiro é mais centrado na história de Katherine Johnson, as histórias de Dorothy Vaughan e Mary Jackson possuem menos tempo em tela do que merecem (um aumento na duração do longa resolveria) porém o resultado não deixa de ser satisfatório.

Durante todo o longa vemos as constantes hostilizações sofridas pelas protagonistas devido a cor de suas peles e em alguns momentos por serem mulheres, como a cena com Mahershala Ali (muito competente no papel) em que seu personagem, um coronel que possui interesse amoroso em Katherine se questiona sobre mulheres trabalharem na NASA.

O roteiro escolheu seguir uma linha mais simplificada, adicionando pitadas de humor, o que fez o filme se transformar em algo leve de ser assistido, o que atrapalhou o impacto de certos momentos, como nas cenas em que Katherine precisa atravessar um bom caminho até encontrar um banheiro para negros, o humor se sobrepôs à carga dramática que a cena merecia. Esse caminho é um ponto fraco no roteiro do longa, porém é compreensível se pensarmos que foi feito para abranger qualquer tipo de espectador, até aqueles que não assistiriam um filme com um peso dramático maior. A presença do chefe Al Harrison, um homem branco como salvador e “ombro amigo” de Katherine também é, de certa forma, outro ponto fraco no roteiro, pois bate na tecla de que um branco precisa estar dando suporte para um negro subir seus degraus, o que vimos em “Histórias Cruzadas, 2011” (filme que deu o Oscar de melhor atriz coadjuvante para Octavia Spencer) com a personagem de Emma Stone ajudando as negras domesticas com a publicação das suas histórias.

Independente dos pontos fracos do roteiro, o filme de Theodore Melf traz bons momentos com excelentes diálogos e principalmente um elenco muito competente, ressaltando o incrível trabalho das três protagonistas. Taraji P. Henson nos emociona durante todo o filme, Octavia Spencer trouxe de volta o ar cômico de Histórias Cruzadas e a ótima surpresa que temos com Janelle Monáe tanto neste longa quanto em “Moonlight, 2016” muito competente em ambos, ansiosa para os próximos projetos.

Estrelas Além do Tempo é um filme leve com uma história poderosa e importante de ser contada. E que as histórias inspiradoras dessas três mulheres sejam lembradas sempre e não somente durante os 127 minutos do longa.

Nota: 8