Una sabe como cuesta mantener tibia la mente
pero todo está bien… –¿todo está bien?
Una aprende a sosegar el llanto por las mañanas
limpiando toda la casa.

Y entonces una se aburre:
cuando no quema el sol lo suficiente,
cuando no arde la entraña,
cuando una no es un vuelco al drama.

Las cabezas que me piensan mal no saben que las escucho.
No saben que les doy el gusto.
No saben nada.
Y se destruye su discurso chillante detrás mío:
opuesto,
doble cara,
obligado,
compasivo.

Y a los mosquitos que me rodean les urge que les responda, pero no los escucho,
porque yo no entiendo nada (para variar) de las frecuencias altas,
soy más de los sonidos graves
las ondas lentas y los pasos suaves.

A veces camino donde me acompaña el miedo.
Lo llevo de la mano, luego lo suelto y me escondo de el.
Me busca con angustia.
Y como si yo fuera su madre,
gozo al verlo temblar por mi.
Luego lo calmo y le pongo a un lado a sus hermanos,
aprendo a dialogar con ellos.

Pero en mi mente quisiera verlos a todos ahí
cayendo
de uno a uno.
Y yo, con el arma en la mano
columpiando de mis nervios.

-…

Yo me justifique al iniciar este poema
y no lamento tener malos pensamientos.
Es el sonido que resuena con mi centro.

Yo entiendo al fuego de mi pasado
(Pasado de hace unas semanas)

Y su naturaleza de ahogarse.
De decirse: no puedes ser feliz

Me gusta porque observo. Observo su naturaleza volátil, su elevada fortaleza, y su frágil devenir.
Cuando no es capaz de tolerar las leyes gravitatorias de sus sentimientos.

Pobre. La pasada que sufre, que grita de ira, que llora.

Ahí, donde no se encuentra
Allá, donde se añora
Aquí, donde se apaga

Siento lástima y siento pena
por su sordera abismal, su terquedad
por su alma herida con sus propias venas

No puede ver, más allá que con sus ojos, -mirada ciega.

Preferí dejarla enfrentarse…
pero, dulces lágrimas, sin estrategias, sin buscar nada, fue una perfecta esfera- la abracé, la quebrante y la escuché:

– No tengo rutina específica, he estado viajando hace algún tiempo. Me gusta hacerlo. Y tengo errores disponibles en mi travesía… para después morir contenta de saber –de saber con certeza- que esa fue mi contribución a la cadena evolutiva.

Y mis hijas y mis nietas recordarán (y espero que sin pena -si recuerdan-) «mi abuela que,
que gritó de ira,
que llora,
que carcajeaba,
que maldecía,
mi abuela erguida
solo ahí donde se ignora
mi abuela muerta
que no está acá para escucharme»

de nuevo, lo sé -aunque creo-
lograré ser y estar
receptiva

a lo que escuché de otros,
a lo que escribí de otros,
a lo que hice a partir de mi
y para otros.

Honesto o no, con eso me quedo.

Dicen que tan solo el mismo 2020 es un capítulo de Black Mirror, incluso ellos hicieron una broma al respecto en Facebook, no sé si recuerdan esa imagen que publicaron en sus redes:

Y pues cómo no, toda esta temporada tan surreal en la que prácticamente nos comimos las uñas más de una cuarentena. Y miren la verdad no quiero tocar temas sobre eso, porque ya bastante estamos fastidiados con el tema. Así que a lo que vamos, encontremos juntos aquella decadencia que fue bastante notoria en la ultima temporada de Black Mirror y en algunos otros capítulos e incluso en su entrega especial: Bandersnatch.

Pero antes recordemos algunos de los mejores capítulos (que al menos para mi lo fueron).

Be Right Back (Capítulo 1, Temporada 2)

A este capítulo le guardo un cariño en especial, y es probablemente por ese sentimiento que es de mis favoritos. Fue el primer capítulo que vi de esta serie, en el 2016 cuando estudiaba cine, lo proyectaron en mi clase de ficción, justo para analizarlo, fue así como conocí todo el mundo de Black Mirror, y así comencé a tener más acercamiento a la serie.

Al ver por primera vez una producción de este tipo y en una clase me dejó con muchas expectativas a lo que seguirían siendo los siguientes capítulos. En ese entonces Black Mirror aún no se encontraba en Netflix, así que me pasaron toda la primera y segunda temporada por USB.

Be right back, aparte de su argumento y de ser otra cosa más que ciencia ficción, me dejó ese sentimiento de incertidumbre y desesperación de no saber que haría yo en esa situación, ya que como Martha (Hayley Atwell) también me considero muy vulnerable a las pérdidas y con una eterna nostalgia. Ella, al perder a Ash (Domhnall Gleeson) entró en el clásico proceso psicológico de sanación donde justo en la etapa del duelo entre dejar ir o aferrarse al recuerdo, vino a ella una interesante propuesta por revivir a quien fuera su único compañero de vida. Y pues en esas palabras determinó este capítulo: incertidumbre y nostalgia.

The Entire History Of You (Capítulo 3, Temporada 1)

Este sin duda es de los capítulos que más impotencia me ha generado, creo que una de las mayores fortalezas y búsquedas de todo Black Mirror es ocasionar ese tipo de emociones en sus espectadores tales como frustración, desesperación el incluso incertidumbre a lo que pareciera un futuro muy cercano pero con historias muy reconocibles y vivenciales.

“Toda tu historia” como se llamaría el capítulo en español, nos muestra una terquedad por obtener ese privilegio de confiar en tus recuerdos por el hecho de grabar absolutamente todo y literalmente con los ojos; donde existe una memoria de una manera artificial y así mismo olvidarte de lo que habita en una consciencia natural… no sé ustedes pero al menos yo me considero que recuerdo demasiado las cosas y que incluso así como Liam (Toby Kebbell) parece que recupero datos atrasando o adelantado el recuerdo como si este se tratara de un capítulo en alguna serie.

Darnos visualmente la oportunidad de ver en los personajes aquella herramienta solo nos hace pensar que quizá nosotros hubiéramos optado por la misma opción que Liam, y recabar información que su esposa Fi (Jodie Whittaker) le guardó por tanto tiempo ocasionándose así, una quiebre intenso en nuestro protagonista, de cordura y de paciencia, llevándolo al borde la locura donde no solo se sintió engañado, sino casi encarcelado de sus propios recuerdos combinados con la línea de memoria de Fi y de Jonas.

Hated in the Nation (Capítulo 6, Temporada 3)

Este capítulo ya contaba como el primer largometraje de Black Mirror, sin necesidad de hacerle una mención especial o más propaganda externa, (si, si estoy hablando de Bandersnatch).
Odio Nacional fue un capítulo más de la temporada 3, pero por decir un capítulo más no lo estoy subestimando, sino que me refiero a que es un capítulo que sin ser pretencioso, (si, de nuevo me refiero a Bandersnatch) logró convertirse en lo que siempre busco Black Mirror, darnos un detalle de lo que en un futuro lejano, con actividades cotidianas puede llegar a pasarnos.

En este capítulo ya empezarían a entregarnos más easter eggs, en los que los siguientes capítulos, conoceríamos más artefactos con los que jugaría la serie, por ejemplo la posibilidad de ser vigilada por medio de los datos en que tenemos en la web y en las redes sociales, de cómo seguir tendencias juega un papel importante en pertenecer al mundo actual, Black Mirror prácticamente fue entregando sus elementos poco a poco a nosotros para que aunque las historias dieran ilusión que no tenían nada que ver una con la otra, había mucha conexión; incluso, ya lo habíamos visto en el capítulo de Blanca Navidad donde nos mostraron esa forma de recapitular recuerdos, ¡yissus craissst! hasta de bloquear gente de verdad.

Pero sin duda, aunque en los artefactos o elementos tecnológicos nos daban la intuición hacia la ciencia ficción, ese no era el brillo más importante de Black Mirror, era en la historia y el argumento donde la ciencia ficción jugaba con nuestra mente en donde nos posicionada en situaciones que parecieran tan irreales y sin embargo lográbamos empatizar al 100% por sentirlas tan cercanas.

Debo decir que cuando vi está historia de Odio Nacional lo hice completamente sola y con la luz apagada en mi cuarto, no había nadie en casa y fue de las sensaciones más terroríficas que llegue a sentir, el solo imaginar que una simple mala decisión de compartir una tendencia en redes sociales podría acabar con mi vida, eso y que también le tengo pavor a las abejas.

Shut up and Dance (Temporada 3, Capitulo 3)

ALV, solo de ver este gif se me pone chinita la piel, y es que sin duda es uno de mis favoritos mostrando no solo un excelente guión, actuaciones, locaciones, continuidad, banda sonora, argumento y por supuesto la carita tan creíble de Kenny (Alex Lawther), por este capítulo fue que comencé a ponerle curitas a la cámara web de mi computadora y bueno, me gusta demasiado este capítulo porque son tantas las veces que nos hablan sobre la facilidad del acceso de virus e incluso existen páginas de internet donde puedes observar las cámaras web del mundo… este capítulo solo genera mayor estrés al respecto dándole así una dosis mayor de drama, juntando la historia de las diferentes victimas de este troll que prácticamente les pide lo que sea y nuestros personajes lo hacen a manera de amenaza y manipulación.

Aquí nos adentramos una vez más a una situación en donde aunque no hubo tantos elementos tecnológicos como lo hemos visto en otros capítulos, llegamos al clímax con una historia tan pero tan fuerte que nos hace considerar dos veces lo que hacemos actualmente de nuestra vida privada.

Crocodile (Capítulo 2, Temporada 4)

Antes de empezar a dar mi punto de vista les quiero reconocer que yo también pensé que esté capítulo se iba a trata de la tal droga esa que deja a las personas como zombies, pero quedé como estúpida cuando lo vi. (xD)

Vaya que esté capítulo es de mi top si no es que mi favorito número 1. Cuando ya salió esta temporada en Netflix fue el primero que vi por la misma razón de morbo que les acabo de contar. Fue sin duda el capítulo que mayor pavor me generó, gracias esa magnífica actuación de Mía (Andrea Riseborough) quien con una sola expresión en su rostro nos daba una cantidad inmensa de incertidumbre, pánico, a la vez violencia pero sobre todo miedo. De nueva cuenta los elementos tecnológicos hacen un papel importante en esta historia como ese pequeño artefacto para localizar en la memoria recuerdos necesarios para la resolución de pequeños crímenes.
Crocodile nos hace analizarnos desde una posición que posiblemente no creemos futura donde prácticamente debemos olvidar nuestro pasado y reivindicarnos, pero donde la moraleja más antigua del mundo hace un papel importante: la verdad siempre saldrá a flote, y eso es justamente lo que crea el terror en este capítulo.

Les dejé 5 de mis capítulos favoritos con los que quise iniciar a hablar de esto ya que vuelvo a repetir: que lo grandiosos de al menos primeros capítulos de Black Mirror fue que no estábamos centrados en aquellos elementos tecnológicos sino en la sensación que estos ocasionaban, en situaciones irreales, siendo nuestro interés alrededor de las decisiones de los personajes con la problemática y no nuestro interés alrededor del artefacto.

Creo que lo que provocó que algunos capítulos llegarán a ser tan flojos fue donde la historia se concentraba únicamente en el elemento tecnológico. Tal y como le paso a los últimos episodios de la temporada 5, y a la entrega especial Bandersnatch.

En pocas palabras la decadencia de Black Mirror fue concentrarse en los elementos tecnológicos para la historia dejando de lado los argumentos las sensaciones y sobre todo las emociones que podría generar la serie como lo hizo en otros capítulos.

Ya que aquellos elementos claro que funciona como esos easter eggs, que hacen conexión entre temporadas para entenderlo a una manera futura y en la que casi pareciera que nos hace falta mucho para llegar, sin embargo, Black Mirror convierte estas historias en ciencia ficción por medio de la sensación, la reinterpretación, reflejos personales y por supuesto referencias de nuestro cotidiano.

Sin duda, la mayoría de seguidores de esta saga, nos sentimos bastante resentidos con la última entrega de Black Mirror junto con el especial de Bandersnatch donde nos engañaron haciéndonos sentir emociones efímeras con el juego de la tecnología y pues la importancia de aquella decadencia fue por subestimar a la audiencia por medio de patrones tecnologicos para jugar con nuestra sensación, pero al final fue eso efímero.

No nos dejó nada. Aún así yo recuerdo más a Black Mirror como esa serie que me provocó tener pesadillas luego de ver capítulos donde un primer ministro tenía sexo con un cerdo por culpa de una manipulación en internet, sin irnos tan lejos a la tecnología, una serie que en un capítulo nos mostró la facilidad y la impotencia de bloquear gente, que también nos enseñó como una simple mala decisión de seguir tendencias nos podría provocar el ataque de una abeja… como para darnos la historia donde Miley Cyrus seguía siendo Miley Cyrus o incluso Hannah Montana pero más depresiva.. en fin nada es eterno ni lo bueno que fue Black Mirror, el consejo que les doy es que no hagan corajes como yo, al final, de las historias efímeras nadie se acuerda, y de las que nos dejaron todo tipo de emociones son las que siempre debemos recomendar.

Por cierto, ya suficiente teníamos con la quinta temporada como para que nos dieran ese trailer donde salían influencers.. afortunadamente eso solo fue una mala broma y nunca salió a la luz.

Espero mi puntuaje:

Lo crea o no, agradezco
 — de estos días o de cualquier otro -
poder estar escribiendo sentada en una mesa.

una mesa en una casa
que con mis manos y otras manos
estoy construyendo y habitando.

después de algunos sentires vagabundos
sin que nadie me diga
“ bájate de ahí”

una mesa que es mi mesa
donde hay notas
entre papeles olvidados, que guardo por las dudas
2 litros de agua y en el ambiente olor a café.

los placeres simples
no deberían darnos miedo
los placeres simples
son esa carne que somos.

porque no hay nada de malo
en saber que se oculta el sol
y usar ese saber para generarse
una buena fuente de calor

no debería darnos miedo quedarnos contemplando
que la combustión genera vida

quieto, en un silencio

que suena
más alto
que cualquier canción.

El sábado 3 de Octubre fui a ver “Mano de obra” dirigida por David Zonana, película mexicana cuyas características fueron muy nombradas en la 62ª Edición del Premio Ariel, incluso en dicha entrega obtuvo los premios a Mejor ópera prima de David Zonana y Mejor actor con Luis Alberti.

Dicha película me provocó mucha intriga después de ver un poco del trailer en una publicación de Facebook. Debo decir que desde “Ya no estoy aquí” de Fernando Frías, no había estado al pendiente de los más recientes estrenos del cine mexicano independiente, hasta “Mano de obra”, y después de ver la lista de nominados de los premios Ariel, ahora tengo mucha tarea por ver.

El clímax de Mano de Obra es inesperado, y aunque se piense que el trailer es predecible, estoy segura que absolutamente nadie se espera lo que pasa en el desarrollo complejo de la película. El clímax de la historia es el final, tal cual.

Y sé que quizá suena un poco raro eso de que el clímax es el final, pero no me refiero a que quede incompleta, si no que, por la definición de la palabra, nos deja más exaltados que en un inicio del filme, logramos hacer conjeturas, acaba donde debe y no hay marcha atrás en las decisiones y vida de los personajes, a partir de ese final es que fácilmente nos imaginamos todo lo que puede pasar después con los personajes, y haber alargado la historia partir de ese punto, hubiera sido una mala idea, afortunadamente no fue así, y por eso vemos una historia atinada para el vaivén de las personalidad de los personajes. Estoy muy segura de que si se hubiera alargado más la trama a partir del final que les menciono, es muy posible que se volviera predecible, justo ese error que cometen casi todas las películas mexicanas comerciales que quieren permearse con tintes dramáticos sociales.

No habrá spoilers en este texto, es más bien una invitación a que la vean, ya habrá tiempo para rescatar un análisis profundo de esta película. Como mencioné en un principio, fui a verla días después de los premios Ariel, donde fue muy nombrada. Yo vivo en Xalapa, rogaba porque llegara hasta acá, y afortunadamente se proyectó en dos cines, con las debidas precauciones fui a verla.

La historia sigue a Francisco (Luis Alberti) quien junto con un grupo de albañiles trabajan construyendo una lujosa casa en el Pedregal en la Ciudad de México. Lo que vemos en el trailer es la escena esencial de la muerte de uno de los albañiles, quien es el hermano de Francisco.

Luego del suceso, Francisco trata de investigar y hacer posible que su cuñada reciba una indemnización por parte del dueño de la casa. A partir de esta introducción nos adentramos a las nulas compensaciones, a una vida llena de carencias, opresión e injusticia en los personajes.

El trailer que yo presencié, tenía escrita una descripción que abogaba por el silencio a los albañiles y artistas de estas casas lujosas, a la invisibilidad a su oficio y que por ende son injustamente pagados. Y si, estoy muy de acuerdo pero también creo que esta película en especial no solo se centra en aquellas injusticias, también se centra (y de hecho es unos de los temas principales) en la utopía de las aspiraciones que tenemos como humanos, a veces el deseo y el rencor nos pueden jugar mal, y sin darnos cuenta terminamos convirtiéndonos en lo que nunca quisimos ser, y al llegar a ese punto ya no hay marcha atrás… ¿Realmente los humanos seremos tan egoístas hasta perder cada fibra de empatía hacia las personas, sin necesidad de que un título de amistad haya de por medio?

Visualmente nos comparten planos amplios y estrechos para conectar con la diferencia entre la riqueza y la pobreza, analogías en los personajes y el uso de actores naturales (o no actores) que favorece la trama y a el objetivo de la película, sin embargo hay un par de elipsis que no terminan de cuadrar con el final de un tiempo o un discurso, fuera de esto la película cumple con las sensaciones que van emergiendo en los personajes, el diseño de producción señala un estilo de cine, tanto el arte, el vestuario, los escenarios terminan de detallar las sensaciones de frustración, sofocamiento, deseo, aspiración y soberbia.

Finalmente, algo que noté con mucha presencia fue el elemento del olor.

Los olores acompañan toda la película, y esto la hace mas profunda en su entorno, están representadas en cadena cada una de las cualidades olfativas de objetos, ropa, calles, acciones, e incluso agua.

Y respondiendo a la pregunta del título, si es o no una película que debe ser vista por todo México, yo creo que si y ojalá que las pocas personas en la sala de cine la vez que fui a verla, hayan sido únicamente por la pandemia y no por la falta de interés y apoyo continuo en el cine mexicano de autor, soy muy optimista y espero que la razón sea solo por culpa de la sopa de murciélago.

¿Hasta que momento es insano pensar solo en nosotros mismos?

[Organismo] Que se alimenta de las sustancias que elabora un ser vivo de distinta especie, viviendo en su interior o sobre su superficie, con lo que suele causarle algún daño o enfermedad.

La primera vez que vi Parasite fue en un cine de Xalapa, la experiencia fue indescriptible ya que al salir de la sala, sentí que todo lo que había visto, aun lo estaba codificando mi cerebro, y es que, quizá las premisas que Bong Joon-ho abordó en este, su más reciente filme, no son tan complejas, todo lo contrario, son interpretables y comprensibles por casi todos sus espectadores. Fue tan descriptiva que sinceramente me dejó pensando bastante, sin tener palabras, y por ello me refiero a lo que si está absolutamente en otro nivel: el montaje y la fluidez del guion, que te envuelven en la historia, en la venganza y en cada fibra metafórica del largometraje. El nivel del lenguaje cinematográfico también es admirable, así que aprovechando que ahora está en un nuevo acceso como Netflix, hice un análisis sobre lo a que a mi me ha causado y me ha orillado a la reflexión.

El primer plano de Parasite muestra unos calcetines colgados, que son de los miembros de la familia, vemos al fondo una calle con basura tirada, se entiende que la vivienda esta al ras del piso y con un movimiento descendente de la cámara observamos a Ki-woo (interpretado por Choi Woo-shik ), buscando robar una señal de Wi-Fi.

Con un plano, ya nos contaron el dilema principal de los personajes, en menos de un minuto.

Existe un término llamado Coreografía Creativa, el cual se determinó a partir de los análisis psicológicos para el cine de Lev Kuleshov, así es, el mismo que creó el famoso efecto cinematográfico que lleva su nombre.

La Coreografía Creativa determina que el montaje es muy importante para contar historias en el cine, por medio de la organización del material y del tratamiento, es por eso que, si hay personajes que no comparten espacio en escena, pueden mirarse a través del corte, y este efecto se construye en la mente del espectador por medio de los planos. Para que el público logre completar la combinación necesita, según el teórico Jean Mitry: “establecer relaciones entre lo que observa y lo que conoce”, o apelar a la memoria, no olviden esta frase para más adelante.

El espectador construye una lógica en torno a las imágenes y las une en un espacio inexistente; y es esta premisa, la que usa Bong Joon-ho en Parasite, no solo con el corte, también en otros elementos importantes para esta película, por estas razones es que se le consideró una obra maestra.

Transita entre la comedia a la tragedia de una manera muy sutil, ese manejo de tonos ya es un sello característico para Bong Joon-ho, y por lo cual se ha colocado dentro de una nueva ola de cine surcoreano, que desde los 90's ha ganado mucho renombre, gracias a sus atrevidas historias, esta ola surcoreana está creciendo junto con el k-pop y los doramas, que actualmente han ganado mucha distribución, incluso más que las películas hollywoodenses.

Las temáticas de la cinematografía surcoreana van desde la división de clases sociales, la violencia y la injusticia social. Bong Joon-ho ya había demostrado que puede adaptarse a las producciones hollywoodenses con Snowpiercer.

El director surcoreano, muestra en Parasite el tema entre las diferencias sociales que existen en Corea del Sur, entre la miseria y la riqueza, hacen de la pobreza un espectáculo y explota la miseria con tintes negativos, cuya unión entre ambas clases sociales es por como una sirve a la otra, y la solución para resolver la diferencia es a través de la infiltración

A partir de aquí habrá spoilers.

Uno de los elementos principales son los espacios como analogía social, esto son: los más compactos y los que se encuentran descendiendo corresponden a la pobreza, incluso en estos espacios estrechos, nos muestran casi en todas las escenas a la familia junta, por lo tanto, los espacios y tomas amplias, con ascendencia corresponden a la riqueza, donde con tanta amplitud, observamos a los miembros de esta familia rica, en lejanía y solos.

La historia sigue a la familia Kim, compuesta por el padre Ki-taek (interpretado por Song Kang-ho), la madre Chung-sook (interpretada por Jang Hye-jin), el hijo Ki-woo (interpretado por Choi Woo-shik) y la hija Ki-jeong (interpretada por Park So-dam), padres desempleados con dos hijos de edad suficiente para trabajar, pero que por las escasas posibilidades laborales y recursos económicos para estudiar, se mantienen en trabajos frágiles para alcanzar sobrevivir a los meses, y por el otro lado la familia Park, con una moderna mansión en una colina, donde los ricos gozan de la lluvia que despeja el cielo, mientras los pobres lamentan los diluvios.

Por lo tanto una familia parasitaria, resuelve brevemente sus faltas a base del engaño, gracias a la inocencia y ingenuidad de los ricos.

El discurso de los intentos también es algo importante, aunque solo sea inicial en la historia, y esto se observa cuando Min-hyuk (interpretado por Park Seo-joon), amigo de Ki-woo, invita a este a darle clases particulares de inglés a Da hye Park (interpretada por Jung Ji-so). Min sabe que Ki-woo es capaz de realizar tales actividades sin necesidad de un título profesional, al mismo tiempo que llega con esta noticia de oportunidad de trabajo para Ki-woo, le obsequia una piedra que según el padre de Min trae riqueza a las familias, a partir de esto, para Ki-woo cada momento que pasa es metafórico. Su hermana Ki-jung le falsifica el título profesional para que él pudiera mentir acerca de su formación. Pero otro sentimiento se ve reflejado cuando Ki-woo le menciona a sus padres que piensa en ir a la universidad el siguiente año, solo que el título lo necesitaba un poco antes.

Y es que Ki-woo comenzó en el trabajo como una señal de que las cosas mejorarían para él y su familia, incluso al pensar en su hermana para las clases particulares del más pequeño de la familia Park, luego de que la madre Yeon-kyo (interpretada por Cho Yeo-jeong ) le contara de la falta de autoridad hacia su hijo. Ki-woo dedujo que su hermana tiene dotes para la educación artística y para la actuación y percibe una oportunidad, por lo tanto el inicio de un plan, acción que tanto le aclaman a su padre Ki-taek, por ser siempre el responsable del camino de la familia.

A partir de que se van infiltrando más y más, la malicia aumenta, la ambición, el egoísmo y los ligeros toques vengativos hacia la familia Park.
Se reconoce la malicia de la gente que ha vivido en la falta y necesidad, saliendo a flote su egoísmo y venganza porque han sido ignorados toda la vida y aun así sueñan con algún día ser como los ricos, teniendo la misma posición de ellos, y esto se demuestra en el diálogo de la madre Park Chung-sook:

“Si yo tuviera todo este dinero, también sería buena.”

El uso de la coreografía creativa se activa por el uso del sótano como principal recurso narrativo y también por el olor, ese hedor húmedo debido al encierro del sótano. Debido al diálogo del pequeño Da-song (interpretado por Jung Hyeon-jun) cuando huele a todos los integrantes de la familia Kim, mencionando a sus padres que huelen igual, este planta la semilla de la locura y del resentimiento, y que tiene que ver con la revelación más importante y desastrosa dentro de la película, los otros parásitos en el sótano oculto que guarda al esposo de la anterior ama de llaves Moon-gwang (interpretada por Lee Jung-eun).

La unión de sótanos hace estallar la escena final en plena luz del sol, el señor Park (interpretado por Lee Sun-kyun) huele al esposo muerto de Moon-gwang, con un gesto de asco, cuando el señor Kim mira esta acción se envuelve en locura reconociendo la discriminación por medio del olor, matando con frenesí al señor Park.

El director construye esta secuencia, a partir de todos los elementos del lenguaje cinematográfico: montaje, sonido, actuación, fotografía y apela a la memoria, está tan perfectamente escrito que nos hace parte del ataque. Kuleshov hablaba de un espacio físico pero aquí el espacio fue interno. La fotografía se complementa con el decorado de la escena principalmente las escaleras, otro elemento simbólico, la cámara se angula en contra picada para observar la magnífica mansión, hay que subir literal y metafóricamente para vivir en ella.

Otra secuencia maravillosa es el escape de la familia Kim hacia su casa bajo una tormenta, la cámara desciende con ellos, la inundación de su casa es una advertencia de lo que sucederá al final de la película. El elemento del sótano fue herramienta de suspenso, el espectador sabe que hay ahí, pero la familia Park desconoce su ubicación, así como las personas que habitan ahí, incluso en la planta de arriba suceden momentos cómicos, pero abajo llega un momento que hasta hay un cadáver.

Se construye tensión después del descubrimiento del segundo sótano las acciones tiene un peso doble por lo que los espectadores son conscientes que para el tercer acto todo se vuelve oscuro, el espectador deja de reírse y se cuestiona por qué y desde dónde todo se salio de control. La tensión se apodera, la sátira termina y el suspenso se eleva, nos damos cuenta de que hemos avanzando a un clímax trágico donde los parásitos devoraron a los huéspedes, y se destapa una caja de pandora de delirio y oscuridad.

¿Cómo podría describir este tipo de desilusión? El sentimiento de la falsedad, la perpetua dolencia por lo que no llega ni llegará, pero sientes que lo ves en el camino.

Mi primer gato lo adopté cuando una de mis amigas me mostró fotos de el, estaba muy chiquito y orejón. Cuando lo llevé a mi casa, mi perro se sorprendió de ver semejante rareza, el gato poco a poco se acostumbró a nosotros y nosotros a el. Un día, cuando comenzaba a adaptarse a nosotros, abrí la puerta de la azotea y el gato salió corriendo, eso no fue lo peor, en ese momento no me rompió el corazón, vi que se detuvo más adelante, luego lo perdí de vista, era de noche y lo único que alumbraba era el foco de la vecina, le ofrecí comida y vino a mi de nuevo, cuando lo cargué comenzó a ronrronear y entonces algo muy adentro de mí, me hizo reconocer el primer acercamiento a el.

Lo quería cuidar como una parte nueva e importante en mi pequeña familia: Pancho, yo y, en ese momento, Emiliano el Gato.

Un domingo no encontrábamos a Emiliano, mi antigua casa era de dos pisos, lo busqué por todos lados menos en el piso de abajo, cuando vi que Pancho bajó las escaleras de caracol y se acostó sobre un colchón, vi que algo se movía cerca de su patita, era Emiliano durmiendo en el colchón, acurrucadito — esa parte de la casa no la usaba, mi casa solo conectaba al piso de abajo pero jamás bajaba, esa fue la primera vez que lo hice — Cuando vi que Emiliano siempre estuvo ahí, solo reconocí que mi preocupación por el ya era muy evidente, como las de las Madres cuando los hijos no llegan a la casa de noche o no contestan el teléfono.

Para ese entonces, Emiliano ya estaba muy cotidiano en la vida de Pancho y mía.

Nos mudamos de casa, para que Pancho pudiera salir a correr, mi gato estaba acostumbrado a la antigua, sin embargo comenzó a observar que Pancho salía y volvía, entonces Emiliano comenzó a hacer lo mismo. Pancho no usaba cadenas ni nada que lo mantuviera atado a mi mano, caminaba a mi lado o a veces corría mucho y volvía conmigo cuando yo me cansaba, Emiliano comenzaba a hacer lo mismo cada que salíamos, los dos corrían hasta el área verde del fraccionamiento y se quedaban dando vueltas, jugábamos con unas pelotas de goma que cambiaba cada cierto tiempo por lo rotas que ya estaban. Supongo que éramos una familia feliz, teníamos momentos muy buenos, a veces Pancho y Emiliano peleaban pero nada que se arreglara con una siesta en conjunto, despertando los dos encima de mi estómago o en la cama y Emiliano acurrucado con Pancho.

En este punto considero decir que soy una persona totalmente sentimental, aunque escribirlo me vuelva vulnerable pero así soy, uno de mis amigos dice que mis sentimientos son muy grandes tanto que a veces ni yo los percibo. Que por eso me gana el sentimiento. En fin. Mi gato siempre fue libre de salir a dar una vuelta, regresaba y jugábamos, tomábamos la siesta, comíamos con Pancho, me acompañaban a leer, a estudiar y a escribir. Formamos un cotidiano demasiado bueno, volver a casa siempre se se volvía automáticamente mi momento favorito de verlos esperándome, o de esperarlos mientras iban a correr. Pero entonces Emiliano comenzó a faltar a algunas actividades, cuando llovía rascaba la puerta para entrar, pero un día de lluvia fuerte no venía, estaba en la ventana con Pancho a un lado esperando verlo para que entrar a casa. Regresó hasta la noche.

Emiliano continuó faltando a nuestro cotidiano, una mañana lo vi corriendo a todo lo que daba por alcanzarnos y lo metí a casa, cuando entramos vi que tenía en su cuellito una especie de pulsera color rojo, se la quite, sentí tan raro verlo con eso y la tire a la basura. Luego los bañé a ambos y tomamos una nap reparadora como en los viejos tiempos. Me dijeron de una campaña de esterilización y los llevé a ambos, esa noche los cuidé después de su operación, se quedaron dormidos toda la noche y yo con ellos, sin querer era la última siesta que tomamos juntos. Yo no lo sabía.

Emiliano comenzaba a faltar, poco a poco dejamos de verlo durante el mediodía, luego faltó en las siestas, cuando estaba trabajando o escribiendo volteaba y solo veía a Pancho durmiendo sin Emiliano, cuando salía con Pancho lo veía caminando hacia nosotros y regresábamos a casa, Emiliano llegaba muy cansado; volvía para comer un poco pero la mayor parte del tiempo para dormir toda la tarde, después se salía otra vez, cada que quería salir lo dejaba y volvía en la noche para dormir.

Hasta que en las noches también comenzó a faltar. Yo pensaba que Emiliano disfrutaba de salir a dar la vuelta, de estar solo un rato y de jugar, pero siempre volvía, me preocupaba por el cuando tardaba.

Entonces llegó el día, no había dormido de noche con nosotros, salí con Pancho y vi a Emiliano al otro lado del fraccionamiento, cuando estaba a punto de gritarle para que viniera, escuche la voz de otra persona — ¡Valente, ven! — Emiliano tenía otra familia, tenía otro nombre, y tenía otro cotidiano.

Emiliano se quedó mirando a Pancho corriendo, luego el vecino se acercó a el y lo cargó, lo metió a su casa.

Lo que pasó después fue que fui a casa del vecino y le dije era mi gato, que se llamaba Emiliano, no pasó mucho, en si Emiliano ya había decidido mantenerse en dos familias, que al final nos enteramos que eran 3, la tercera familia si lo retuvo. Emiliano no volvió en días, lo veíamos cada tanto, pero siempre fue bienvenido en casa, a veces tomábamos la siesta los tres juntos. Quizá se pregunten por qué no lo retuve y no lo deje salir más. Pero siempre pensé que Emiliano confiaba en nosotros como familia y que venía porque le dimos un hogar, el decidió ir a otra gente que de igual manera lo trataba bien, que lo alimentaban y que posiblemente jugaban con él, le dieron un nombre e incluso lo mantuvieron cerca, sin embargo yo sabía que Emiliano tenía un vínculo en especial con Pancho y fuera de mi, ellos siempre fueron amigos.

Incluso una noche antes de que Pancho falleciera, Emiliano lo fue a visitar y a pasar el día con nosotros. No volví a ver a Emiliano y tampoco a Pancho al otro día. Mi familia de tres se extinguió.

A partir de entonces he considerado conservar su lugar en los trocitos de mi corazón metafórico, sé que Pancho sigue aquí y seguirá, al igual que Emiliano, alguna vez volví a ese lugar donde viví con ambos y me lo encontré más adulto y mas quieto. Me miró, pero como si nos saludáramos pronto para no tocar la herida del recuerdo de Pancho, ambos no nos acercamos.

Sé que buscó una vida más sedentaria, y formó parte de las nuestras en pequeños momentos, gracias a Emiliano recuerdo los últimos días de Pancho felices y también los míos. Me gusta ese recuerdo de mirarlos juntos, jugando… y no a un Emiliano triste por la ausencia de Pancho.

Nos recuerdo en el pasto, acostados luego de jugar, dormidos, comiendo y eso es más reconfortante, que lo que pudo haber terminado como un mal sabor de boca. . . Siempre fuimos los mejores amigos.

Una película de corte independiente con intensidad hollywoodense. Fernando Meirelles y Kátia Lund dirigieron la que es hasta la fecha, una de las películas mas emblemáticas del cine contemporáneo, esto por el manejo de dirección absolutamente apasionado y ambicioso del guión de Braulio Mantovani (basado en la novela de Paulo Lins).

La historia está narrada de forma no lineal, ya que se utilizaron diferentes tomas de cámara y edición, su principal tópico es el deterioro social en los años 60 y 80 de las favelas en Ciudad de Dios. Un dato curioso es que los directores tuvieron que pedir a los jefes de dichas favelas permiso de filmar, y así mismo, contar con seguridad en el lugar. Aunque algunos otros críticos e investigadores de la película, aseguran que gente de la producción fueron asaltados por niños del lugar, incluyendo al director Fernando Meirelles, quien confirmó este dato años después del éxito de la película.

Por las investigaciones que hice luego de ver la película, confirmé que la mayoría de las actuaciones del largometraje fueron hechas por actores naturales es decir, personajes que son habitantes de la zona, por ejemplo uno de los personajes principales, Alexandre Rodrigues, quien le dio vida a Buscapé. Y comienzo con este punto importante porque parte de la grandiosidad y credibilidad de la película (aparte de que el guion y libro se basaron en hechos reales), las personas utilizadas en la película resuelven a los personajes verosímilmente, son parte del lugar, de la historia, acuerpan el objetivo de la película, y sobre todo, saben lo que están haciendo perfectamente, lo cual hace que cada aspecto técnico de la película resalte aún más, la película tiene mayor peso por las actuaciones y la dirección impecable de esta, lo cual se abraza de la fotografía, la banda sonora que es bastante metafórica, la recreación de escenarios, el arte, la iluminación tan esplendida y por supuesto del montaje.

Otro de los aspectos que son muy notables y que por lo tanto enriquecen la historia, es el manejo de la fotografía. Esta tiene su propio discurso, lo podemos notar en los momentos donde observamos los inicios de las favelas, estas tomas son amplias con bastante aire, lentas, muy limpias en un tono más amarillo y naranja, casi siempre las tomas son en atardeceres y en planos generales, americanos y centrados de frente, para mostrar cómo era Ciudad de Dios antes del mayor crimen, en cambio, la fotografía es notoriamente diferente en el presente de los personajes y con el crecimiento de las favelas, la delincuencia y los mismos protagonistas; las tomas son mas detalladas, visualmente estrechas, ligeramente inclinadas, en tonos azules y en ocasiones muy oscuros, hay bastantes tomas cenitales y junto con ello en situaciones violentas son tomas veloces en cuestión de ritmo, con notables inestabilidades intencionales en la cámara para intensificar la tensión de la narrativa. Es decir, las tomas del pasado se muestran mas abiertas para dar a entender el cambio de espacio y tiempo y de narrativa menos violenta y el presente se demuestra, estrecho, estresante, intrigante, cerrado y ajetreado mostrando la inestable y violenta condición de nuestros personajes.
En coreografía con la fotografía contamos con la iluminación, con esta se creó todo el ambiente y el sentimiento con el que avanza la película, uno sabe muy bien diferenciar entre el presente de la historia y el pasado, entre el comienzo de un problema, el clímax del conflicto y el final de una etapa, y junto con estos dos aspectos como la fotografía y la iluminación contamos con la banda sonora, usada en el montaje de la película, que realmente abraza toda la narrativa y metaforiza, sentimentaliza y da significado a muchos posibles análisis y disparos de argumento.

La escena de la discoteca es una de mis favoritas porque nos encontramos en la parte media de la película donde ya nos adentramos a los personajes y conocimos bien a qué se dedican casi cada uno o al menos nos lo imaginamos por la cantidad de datos implícitos que hay en el guion, esta escena muestra a Bené, uno de los integrantes de la banda de Zé Pequeno. Bené decide salir de esa vida del crimen y drogas, imaginándose en otro lugar y por lo tanto queriendo dejar lo que hasta ese momento era su rutina diaria, lo que vemos en pantalla es a una cantidad máxima de gente divirtiéndose y bailando al ritmo de diversas canciones de las que destacan: So Very Hard To Go de Tower Of Power, Kung Fu Fighting de Carl Douglas y Hold Back The Water de Bachman Turner Overdrive, en ese orden.

Las siguientes acciones determinan la ligera tensión entre los bandos, ya que a Bené se le cataloga como una persona buena dentro del negocio, incluso mencionan que es el único capaz de juntar a diferentes comunidades de Ciudad de Dios en un mismo lugar, vemos entrar a cuadro a Zé pequeno, quien en un acto fallido de querer salir a bailar a la novia de Manuel Galinha, comienza a entrar en rencor y humilla frente a todos a Galinha, en ese momento escuchamos de fondo So Very Hard To Go de Tower Of Power.
En medio de la pista vemos a Thiago acercándose para comprarle droga y dándole a intercambio una cámara fotográfica con la que le pagaría por unos cuantos gramos de cocaína, y escuchamos de fondo Kung Fu Fighting de Carl Douglas, Bené parece renuente ante la acción sin embargo acepta considerando así su última venta y su último rastro dentro del mundo de las drogas, asumiendo así que la cámara fotográfica se la daría a Buscapé, de quien sabemos desde el inicio de la película que quiere ser fotógrafo y que le ha costado lograr entrar al mundo del periodismo sin que sea necesario estar dentro del negocio de las drogas.

Bené le obsequia la cámara fotográfica a Buscapé y luego de esta acción Zé pequeno alcanza a Bené, arrebatando la cámara fotográfica y dejando al descubierto su violencia desenfrenada, esta escena es un claro ejemplo de que los problemas cruciales en la historia son a partir de la violencia desenfrenada de Zé pequeno y por lo que es el causante de los finales y comienzo de distintas etapas en la película, regresando a la escena luego de que le haya arrebatado la cámara notamos un cambio de música con Hold Back The Water de Bachman Turner Overdrive, cuando comienzan a vislumbrarse los clásicos estrobos de una discoteca, pero esta vez con una connotación distinta, y en un forcejeo por la cámara y por el poder para arreglar la situación, Bené recibe un disparo por parte de Negrinho, cayendo muerto junto a Zé pequeno, el cual se reduce a tirar disparos al aire.

Sin duda traduje esta escena como un parteaguas de la historia, a partir de la muerte de Bené, todo en la historia se vuelve más violento, todo se viene abajo, todos pierden la razón por el poder. Y parte de que sea de mis escenas favoritas es porque me di el tiempo de analizar metafóricamente los argumentos y lo que podría significar cada elemento con la escena final de la película: la muerte de Zé pequeno. En la escena de la muerte de Bené observamos los estrobos simulando un tipo de flashasos de cámara fotográfica frenados, lo cual hace significado a que al final de la película Buscapé logra convertirse en fotógrafo, a partir de esa cámara fotográfica logró la foto que lo llevaría al reconocimiento, en la escena de la muerte de Bené, Zé pequeno lanza disparos al aire simulando algún tipo de impotencia y venganza, por lo que en la escena final cuando muere, observamos a los niños del ghetto asumiendo el mando de las bandas y favelas a su cargo, disparando a Zé pequeno en símbolo de venganza y de poder.

Encontré dichos significados en toda la película, tiene movimientos frenéticos con la cámara, el lenguaje utlizado se aprovecha del ritmo y la velocidad que se transforma en avisos para las escenas más violentas y significativas de la película, como el ejemplo la muerte de Bené junto con la escena final de la muerte de Zé pequeno.

El guion de Ciudad de Dios también aborda la historia de distintos personajes secundarios, que son impulso para los principales y que a manera de causa y efecto se demuestra que sin tal acción no hubiera pasado otra, y aunque la historia no es lineal nunca perdemos el hilo de absolutamente nada. Un ejemplo es el personaje de Berenice, que vemos muy poco, quien primero fuera conquistada por Cabeleira, luego intentara huir con él, pero Cabeleira siendo parte de trío ternura era perseguido, a partir de la muerte de Cabeleira pareciera que no la volveremos a ver, pero después aparece de nuevo siendo novia de uno de los integrantes de las bandas de narcotraficantes, demostrando como fue su vida a partir de la muerte de Cabeleira, y finalmente a mitad de la película hay un flachazo tipo foto periodística donde la vemos muerta en una zanja.

Ciudad de dios, es una inspiración y ejemplo del uso de un guion real y serio y así mismo llevado con bases ambiciosas a un proyecto grande, primeramente por las destacadas actuaciones naturales, y la conexión entre los personajes, el profesionalismo con su personaje, lo cual también se da a notar por la dirección, la fotografia y la iluminación, tenemos también el uso detallado del arte y escenografia y finalmente la selección musical, la cual hace que algunas personas hagan referencia de Ciudad de Dios con las películas de Tarantino y Scorsese, esto tiene sentido porque hay escenas totalmente violetas que se convierten en ligeras por el uso de la música, como lo hemos visto en Pulp Fiction, nos convierte en seres de dos atenciones y no solo en visualcentristas.
Finalmente el montaje logra empalmar cada uno de los elementos dándole así un ritmo frenético que dan significado a la historia y se acerca a los hechos reales.

Mira, fui bien ilusa
porque te aburre lo fácil
y yo te dije a todo que sí.

Y terminé en el mismo cajón,
donde enterraste otros muertos
donde dejaste olvidadas
otras historias,
y todos tus cuentos.

Acá me quedé yo.
sigo teniendo:
Las mismas series apiladas y
libros empolvados,
frente a mi cara.

Y la verdad es que aún no encuentro
algo que goce tanto
como tu mirada clavada
en el medio de la almohada.

Donde a veces dormimos
donde a veces cogímos
donde a veces reímos
donde a veces nos quisimos

donde solo en las noches quisiera sentir más

(sin preguntarte cómo estás)

donde solo en las mañanas quisiera sentir menos

(sin cuestionar que todo depende del tiempo).

Qué no se ha dicho ya de esta película, y qué tanto no he pensado luego de verla por primera vez, debo decir que siento emoción cada que la veo o cada que investigo más sobre ella y sobre su producción, incluso ahora que decidí escribir sobre lo que trata y lo que es, siento mucha emoción, porque más que una reseña y una invitación a que la veas, es sobre todo una reflexión de manera personal, y de como la producción del cine en México siempre será un pilar importante en nuestra sociedad a manera introspectiva.

Iniciemos por lo principal, esta película puedes encontrarla en filminlatino, rentándola por 29 pesos. Aquí te dejo el link para que la veas.

Hace un par de meses si no mal recuerdo, agregué esta película a una selección de 15 razones que también son películas mexicanas que recomiendo, si quieres ver dicha lista, has click aquí.

Ahora si, comencemos por su creación. Dicha película fue dirigida por Alejandro Guzmán Álvarez, quien fuera ganador de la convocatoria emitida por el CCC para la realización de Ópera prima, de igual forma fue acreedor del Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (Foprocine). El guion fue escrito por Itzel Lara, becada por el IMCINE y quien básicamente dedica su vida a escribir historias, una vida muy anhelada. Dicho guion llegó a las manos de Alejandro Guzmán, tras presentar evidencias, participó en la convocatoria y ganó, de ahí vino la materialización de Distancias Cortas.

La historia trata sobre Federico Sánchez, interpretado por Luis “Luca” Ortega, (cabe decir que esta película fue su debut como actor), un hombre de 45 años solitario, con obesidad mórbida y que eventualmente huele mal.

Federico se siente solo y está solo la mayor parte del tiempo, la única visita que recibe es la de su hermana Rosaura, (interpretada por la actriz Martha Claudia Moreno, quien ganó el premio Ariel a Mejor Actriz de cuadro, por Distancias cortas en el 2017). Rosaura es una mujer muy rígida que demuestra poco interés en las pasiones y deseos de su hermano o en lo feliz que este suele ponerse al ver que lo vistan ella y su cuñado Ramón, (interpretado por el actor Mauricio Isaac), este es un hombre que se lleva muy bien con Federico, el cual aparenta ser muy frágil ante el supuesto mandato de Rosaura, pero en realidad yo lo veo como el personaje mediador de la historia y quien es el impulso para los sueños de Federico.

En una de estas visitas semanales, Ramón le muestra a Federico una cámara fotográfica que compró para un viaje que él y Rosaura habían hecho, Federico al ver la cámara y las fotos que su cuñado había tomado con la intención de narrarle el viaje visualmente, se emociona demasiado, por lo que cuando Federico encuentra un rollo fotográfico en su casa, decide salir para ir a revelarlo, esta situación hace que conozca a nuestro último personaje importante: Paulo, (interpretado por Joel Figueroa, un joven actor mexicano y también músico), Paulo, trabaja en la tienda de fotografía de su papá, este chico en realidad es otro pilar para los sueños de Federico, ya que es quién le vende su primera cámara fotográfica, y que lejos de ser solo el vendedor y un chico amante de los cómics, se convierte en un amigo para Fede.

Así comienza esta historia, con una breve presentación de cada personaje, los cuales rodean las aspiraciones y esperanzas de Federico, pero que a su vez demuestran un poco más de lo que los constituye importantes, a todos los une Federico, pero cada uno tiene cierto valor reflexivo en la historia.

¿Por qué es un cuento de hadas urbano?

En palabras de su director así resume la idea creativa y reflexiva, y parafraseando un poco de lo que he visto en algunas entrevistas a los actores, al director y la guionista, Distancias cortas representa esa esperanza e ilusión hacia la amistad sincera y el núcleo familiar real, esta película no tiene salidas de emergencia hacia lo básico y lo demuestra en lo trascendente de sus diálogos y en la química visible entre los personajes.

Comenzaré por el personaje de Rosaura, personaje que no considero en ningún momento antagonista, ella es una mujer preocupada por el dolor que pueda sentir ante otra pérdida familiar y la impotencia que la envuelve, al no poder hacer más para cuidar de su hermano, por lo que recurre a la mínima sobre protección de Fede, es una mujer que le cuesta demostrar sus sentimientos y que a la vez, el título de hermana lo lleva arrastrando en su vida, por lo que se obliga a visitar a su hermano y a pasar tiempo con él, sabe que es lo mínimo que puede hacer por la familia que le queda, así como seguir cuidándolo y tratando de alargar más su presencia en el mundo.

De manera que se ve bloqueada por sus sentimientos y emociones, haciendo de sus acciones, limitantes y pesimistas, Rosaura es el reflejo ante la negación al dolor y a la perdida que todos podemos sentir por la intención de proteger lo que más amamos, no creo que sea una buena salida la protección, pero lo que si creo es que es una etapa muy difícil de superar, hay mucha necedad y negación de por medio, que lo único que se piensa hacer es sobre proteger de una manera desinteresada.

Ramón, es un personaje que me hace sentir increíblemente conmovida, es esa persona que necesitamos en el mundo para sentirnos apoyados y entendidos, él, a diferencia previa de Rosaura, actúa de otra forma protegiendo a Fede, lo cuida pero sobre todo trata de pasar tiempo de calidad con él, platicando con él de cosas, y disfrutando el tiempo en su casa, sobre todo ve a Federico como un hombre capaz y que aún puede realizar sus sueños y objetivos, jamás lo ve como alguien incapacitado o como alguien que no tiene posibilidades, al contrario, su manera de ser con Fede es de alguien que cree en los sentimientos y capacidades de las personas, es quien básicamente formula las esperanzas de Federico y quien materializa los sueños de este. Ramón es otro elemento de la sociedad que se ve invisible pero que conociéndolo es alguien valioso. Si algo hay que resaltar de esta película es que muestra lo magníficas y maravillosas que son las personas sencillas e invisibles, personas que a veces somos todos nosotros, o con quienes nos cruzamos día a día y que no conocemos del todo pero que a veces juzgamos.

Por otro lado tenemos a Paulo, este otro elemento principal es quien en compañía de Ramón crean un vínculo de amistad con Federico, Paulo es otro reflejo de personas invisibles en la sociedad. En la historia remarcan a Paulo como un joven que, al tener otro tipo de gustos en literatura, música o vestimenta, aparenta cierta soledad, creando así, a un personaje que fácilmente conecta con Federico, convirtiéndose en su amigo, me parece importante rescatar que esta idea de personajes marginados en la sociedad, hace que el título de un cuento de hadas urbano, tenga sentido, ya que si lo pensamos objetivamente, cuándo pensaríamos que un hombre adulto de 45 años solitario y obeso, junto con otro que solo se dedica a trabajar y a estar con su esposa se convertirían en amigos, junto con otro joven lector de comics, y que también es solitario… A los tres los une la misma esperanza, que es darle otro estilo de vida e inspiración a Fede, quizá eso ven en sus vidas, que no importa la condición física, a veces todos nos podemos sentir limitados ante algunas actividades y por lo tanto es más sencillo alcanzar nuestras metas teniendo de nuestro lado personas que creen en nosotros.

Por lo tanto, Federico, se crea ante estos personajes mencionados, revive gracias a las acciones de Rosaura, Ramón y Paulo. Encuentra en su vida otro objetivo, otra inspiración y esperanza. La fotografía se convierte en la metáfora de puede dejar esta película, es un vínculo con aquellas promesas que nos hacemos en la vida y con sobre todo guardar recuerdos de nuestras mejores épocas, para que en los momentos más oscuros, ver estos recuerdos, nos regrese la esperanza e inspiración a la vida.

Intenté no escribir con spoilers, porque de verdad es una película que recomiendo a cada persona de cualquier edad, es una completa maravilla, y les escribí esto con mucho cariño y respeto a todos los que han llegado hasta este punto.

No me digas que no hay nada más triste que lo tuyo.
Hay miles de cosas en el mundo,
Que son mucho peor…