C’è una parola che gira da un po’ nella mia testa:

Scoperta.

Da Treccani:

scoperta /sko’pɛrta/ s. f. [part. pass. femm. di scoprire]. — 1. a. [lo scoprire fatti, luoghi, oggetti e sim.: la s. di nuove terre] ≈ rinvenimento, ritrovamento, (non com.) scoprimento, [riferito a oggetti e sim.] reperimento. b. [acquisizione alla conoscenza umana di fenomeni, leggi e sim., ancora sconosciuti] ≈ rivelazione. 2. (estens.) [presa d’atto del valore di un artista da parte della critica: la s. di Svevo fu opera di stranieri] ≈ riconoscimento. ‖ apprezzamento. 3. (estens.) [accertamento dell’identità dei responsabili di un azione: s. dei colpevoli] ≈ identificazione, individuazione, riconoscimento.

Conoscenza. Rivelazione. Identificazione.

Indugio sulla parola rivelazione.

Togliere il velo.

Disvelare qualcosa che agli occhi era nascosto.

Se togliamo il velo, potremmo vedere:

• qualcosa di conosciuto a noi, ma non altri altri;
• qualcosa di conosciuto a noi e agli altri;
• qualcosa di non conosciuto a noi;
• qualcosa di non conosciuto a noi e agli altri.

E poi c’è l’ultima scoperta, quella per cui la mia sorpresa è sempre enorme:

Quando scopri il nome di qualcosa che conosci molto bene.

Non è la prima volta che scopro che tra le metodologie aziendali si nascondono scoperte ormai radicate e praticate a cui qualcuno, lì fuori, ha dato un nome.

E a me piace dare un nome alle cose, proprio o improprio.

Mi capita sott’occhio, girando sui social, un nome proprio:

Lean UX Discovery

Leggo qualche articolo nel mare digitale, finchè interrogo l’artificio intelligente di OpenAI, ChatGPT, il quale ormai da tempo ormai mi risponde chiamandomi “Nicola”.

Ci ho rinunciato a correggerlo.

Per cui, mi sintetizza una sua definizione:

La Lean UX Discovery è una fase intensiva di ricerca e progettazione collaborativa che serve a capire cosa costruire, per chi e perché, prima ancora di scrivere una singola riga di codice o creare design ad alta fedeltà.

Si basa sul principio che il design è un’ipotesi e il codice è costoso: quindi, meglio validare le idee subito piuttosto che scoprire dopo 6 mesi di sviluppo che nessuno userà quel prodotto o che l’infrastruttura tecnica non lo supporta. Ecco i tre pilastri che la definiscono:

1. Eliminazione degli sprechi (Lean)

2. Team Multidisciplinare (La fine dei Silos)

3. Ciclo: Think → Make → Check

E qui succede una cosa strana.

Perché mentre leggo, mi aspetto di incontrare qualcosa che non conosco. Un metodo nuovo, una pratica da aggiungere alla mia cassetta degli attrezzi, un modo diverso di fare UX.

Invece riconosco qualcosa.

Ma questa cosa io la faccio già.

E forse è proprio questa la parte più interessante della scoperta.

Non scoprire qualcosa che prima non esisteva, ma scoprire che esiste un nome per qualcosa che fai da tempo.

La Lean UX Discovery mette insieme parole che, prese singolarmente, mi sono familiari: ricerca, collaborazione, ipotesi, confronto, prototipazione, validazione.

La novità non è necessariamente nei singoli pezzi.

È nel modo in cui vengono messi insieme.

E soprattutto nel momento in cui vengono messi insieme.

Prima di costruire.

Prima di innamorarsi della soluzione.

Prima di aprire Figma e iniziare a disegnare schermate.

Prima ancora che qualcuno dica: «Ok, quanto ci vuole per svilupparlo?».

Il problema prima della soluzione

Una delle cose che mi ha sempre affascinato del lavoro di progettazione è che spesso ci viene chiesto di trovare una soluzione prima ancora di aver definito bene il problema.

«Ci serve una nuova dashboard.»

«Dobbiamo rifare questa sezione.»

«Facciamo una nuova app.»

«Gli utenti non usano questa funzionalità, cambiamola.»

Sono frasi che sembrano già contenere una direzione.

E in parte la contengono.

Il problema è che una soluzione, quando arriva troppo presto, rischia di diventare il problema.

Perché se qualcuno ha già deciso che dobbiamo fare una dashboard, il nostro lavoro diventa facilmente quello di progettare una dashboard migliore.

Ma la domanda sta nel fare un passo indietro:

Perché ci serve una dashboard?

E ancora:

A chi serve?

Quale problema dovrebbe risolvere?

Come sappiamo che questo problema esiste davvero?

Come viene risolto oggi?

Cosa succederebbe se non costruissimo niente?

Queste domande non producono immediatamente un’interfaccia.

Producono qualcosa di molto meno spettacolare: conoscenza.

E forse è proprio questo il punto della discovery.

Scoprire prima di costruire

La parola Discovery mi piace perché non promette una risposta.

Promette un percorso.

Non dice: «abbiamo già capito tutto».

Dice: «andiamo a vedere».

E andare a vedere significa parlare con le persone, osservare come lavorano, raccogliere informazioni, mettere in discussione quello che pensiamo di sapere, confrontare punti di vista diversi.

Significa anche accettare che l’idea con cui siamo entrati nella stanza potrebbe non essere quella con cui ne usciremo.

Questa, secondo me, è una delle cose più difficili.

Perché progettare significa anche affezionarsi alle proprie idee.

Succede con un’interfaccia, con un flusso, con una soluzione che abbiamo appena disegnato e che improvvisamente ci sembra ovvia.

Ma una buona discovery dovrebbe permetterci di innamorarci un po’ meno delle soluzioni e un po’ di più dei problemi.

Non per complicare il processo.

Al contrario.

Per evitare di passare mesi a costruire qualcosa che non risolve niente.

E allora perché chiamarla Lean?

Qui arriva un’altra parola che conosciamo bene.

Lean.

Snello.

Ridurre gli sprechi.

Imparare velocemente.

Fare qualcosa, verificarlo, imparare, cambiare.

Il principio sembra quasi banale.

Eppure, applicato alla progettazione di prodotti digitali, cambia parecchio il modo in cui guardiamo al lavoro.

Se una nostra ipotesi è sbagliata, scoprirlo con una conversazione, uno sketch o un prototipo a bassa fedeltà costa relativamente poco.

Scoprirlo dopo mesi di sviluppo costa molto di più.

E non parlo soltanto di costo economico.

Costa tempo.

Costa energia.

Costa credibilità.

Costa anche quella piccola parte di noi che, dopo aver lavorato per settimane a qualcosa, deve ammettere:

Ok. Non funziona.

La Lean UX, in fondo, sembra suggerire proprio questo: cerchiamo di scoprirlo prima.

Il momento in cui mi sono accorta che lo facevo già

Ed è qui che torno alla mia scoperta iniziale.

Perché continuando a leggere, mi sono accorta che molte delle cose descritte dalla Lean UX Discovery fanno già parte del modo in cui, nel tempo, ho imparato a lavorare.

Parlare con le persone prima di progettare.

Fare domande.

Mettere in discussione il brief.

Cercare di capire quale sia il problema reale dietro la richiesta.

Coinvolgere persone con competenze diverse.

Fare emergere più possibilità prima di scegliere una soluzione.

Prototipare.

Testare.

Cambiare idea.

Ripetere.

Non perché avessi seguito alla lettera un framework.

Non perché qualcuno mi avesse detto: «Adesso facciamo Lean UX Discovery».

Semplicemente perché, lavorando, alcune pratiche diventano necessarie.

E poi, un giorno, incontri qualcuno che ha raccolto quelle pratiche, le ha organizzate, le ha descritte e ha detto:

Questa cosa ha un nome.

Ed è una sensazione stranissima.

Da una parte pensi: ma allora non sto inventando niente.

Dall’altra pensi: forse non sto inventando niente proprio perché qualcun altro ha già trovato un modo per raccontarlo.

Dare un nome non significa inventare

Forse è questo che mi interessa davvero dei metodi.

Non tanto il metodo in sé.

Ma la possibilità di dare un linguaggio a qualcosa che prima era difficile da raccontare.

Perché finché una pratica non ha un nome, spesso rimane personale.

Io faccio così.

Quando invece trova un nome, diventa condivisibile.

Puoi parlarne con un collega.

Puoi insegnarla.

Puoi metterla in discussione.

Puoi confrontarla con un’altra pratica.

Puoi anche decidere che non fa per te.

Dare un nome alle cose, quindi, non significa necessariamente inventarle.

A volte significa renderle visibili.

Ed è curioso che torniamo proprio lì.

Alla scoperta.

Alla rivelazione.

Al togliere il velo.

Perché forse una metodologia non è sempre una nuova terra da esplorare.

A volte è una mappa che qualcuno ha disegnato dopo essere passato nello stesso posto in cui sei passato tu.

E improvvisamente riconosci la strada.

Ma quindi, serve davvero sapere come si chiama?

Non sempre.

Posso continuare a fare discovery anche senza chiamarla Lean UX Discovery.

Posso fare domande senza chiamarle interviste qualitative.

Posso costruire un prototipo senza dire «stiamo validando un’ipotesi».

Posso coinvolgere gli sviluppatori prima del design senza trasformare necessariamente la cosa in un workshop con un nome preciso.

E forse va bene così.

Perché il rischio opposto è quello di trasformare ogni attività in una metodologia, ogni riunione in un framework, ogni post-it in un rituale.

E finire per fare le cose perché si fa così.

La cosa che mi interessa, invece, è il momento precedente.

Il momento in cui qualcuno si ferma e chiede:

Perché lo facciamo?

Cosa stiamo cercando di scoprire?

Quale ipotesi stiamo mettendo alla prova?

E soprattutto: cosa abbiamo imparato?

Se una metodologia riesce a farci fare queste domande con maggiore consapevolezza, allora forse il suo nome serve.

Non per dirci cosa fare.

Ma per aiutarci a riconoscere quello che stiamo già facendo.

E magari, la prossima volta che scopriremo una nuova metodologia, invece di chiederci immediatamente «come si applica?», potremmo chiederci:

Questa cosa la sto già facendo senza sapere come si chiama?

Perché a volte la scoperta non è trovare qualcosa di nuovo.

È rendere visibile qualcosa che conoscevamo già molto bene.

Brano consigliato per la riflessione post-lettura:

Lean UX Discovery: dare un nome alla scoperta was originally published in weBeetle on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Ho scritto tanto di design, di tips tecniche ma anche di temi artistici con più ampio respiro.

Da un po’ di battute a questa parte, ho virato totalmente il mio viaggio di scrittura in spazi non proprio comodi.

In spazi più intimi, più profondi, più personali.

Questa retrospettiva nasce da un mio bisogno frenetico, come il tremolio della gamba sotto la scrivania: quello di mettere nero su bianco qualche nervo scoperto, quel dente che duole ogni volta che lo tocchi.

Qualche anno fa ho provato a scrivere la parola fallimento.

La butto così, a freddo, senza troppi giri di battute.

Ho provato a sviscerarla la parola fallimento.

È stato come mettere in un vetrino il mio cuore.

Ho visto muoversi sotto il microscopio tanti organismi: esperienze, sogni, idee, paure, soddisfazioni, non solo fallimenti.

Ho provato a sviscerare scrivendo.

Scrivendo un pitch che non ho mai esposto ad alta voce.

Ma oggi, qui, mi sembra il momento e lo spazio giusto per dare voce a questa retrospettiva.

Mi sembrava di aver avuto l’idea del secolo.

Il titolo era “Avere fiducia nelle proprie idee”.

Che bomba, ho pensato.

Poi è passato un giorno, poi due, poi sette e mi son detta:

Ma sei pazza?

Ma da dove t’è uscito?

Da un pappa-libro sonoro di colloqui motivazionali con LeChuck?

Io, campionessa olimpionica di “discussioni postume sotto la doccia”, che faccio un discorso motivazionale?

Io.

…io?

Oggi penso che l’obiettivo non era la motivazione.

Forse in quel momento volevo darmi motivazione, sì.

Oggi invece, con queste parole, vorrei prendere e dare consapevolezza della nostra evoluzione in quanto organismi emotivamente complessi.

Paure e altri demoni

In quel vetrino, ho visto alcune paure più o meno consapevoli.

Tra queste posso elencare quelle più consapevoli:

• i ragni;
• l’eventuale-remota-lontana inesistenza degli unicorni;
• gli animali che saltano (rane, conigli, cavallette);
• E.T. (sì, l’extraterrestre);
• parlare in pubblico (per una serie di motivi: perchè non mi piace la mia voce, perchè incespico e mi escono parole strane, perchè da bambina avevo una “r” moscia che ho perso col tempo ma mi ha lasciato tanta insicurezza — non me ne volere, amore mio Francesca Postiglione, la tua è così bella… la mia, giuro, era ri-di-co-la!).

Tra quelle meno consapevoli o inconsapevoli e che forse sto cominciando a vedere ora, posso nominare:

• il giudizio;
• l’aspettativa altrui;
• l’aspettativa personale;
• i cambiamenti non controllati;
• l’emotività.

Ho capito e sto capendo che sono figlie della stessa madre: la paura del fallimento.

La paura di fallire, quando hai sogni e idee, è un’arma che funziona con abilità alternative, o con un super bonus o con un super malus:

• 🦄 SUPER BONUS: si attiva una sorta di rage mode¹, un misto di adrenalina e istinto di sopravvivenza che catalizza le forze verso l’obiettivo;
• ☢️ SUPER MALUS: si attiva una sorta di debuff², tipo un incantesimo che blocca e indebolisce tanto da impiegare il doppio delle forze per arrivare all’obiettivo.

In entrambi i casi non è detto che sblocchi il prossimo livello.

In rage mode ci arrivi caricə, col debuff ci arrivi prosciutatə di ogni energia.

C’è una massima, un motto che ci diciamo sempre io e Davide Albanese:

“Vai semp’!

Ovvero “Vai sempre!”.

Acronimizzato in “VS”.

Forse era quello il tono motivatore che volevo dare a quel pitch.

In quel “Vai semp’!” c’è quel mix energetico da shake proteico che da fiducia anche quando questa è scarica.

Un po’ come l’effetto placebo in Space Jam.

E se ti carichi di fiducia anche quando questa è scarica, significa che stai usando la tua paura di fallire col super bonus, significa che stai uscendo dalla comfort zone.

Regola nr 1 del Fear Club

Ora, sul concetto di comfort zone, devo intalliare³ un po’.

Spesso si sente questa espressione.

Esci dalla tua comfort zone.

Come se fosse una zona pericolosa, un deserto arido con sabbie mobili che ti risucchiano.

Nella mia immaginazione, la comfort zone è una stanza dove fare cose che non faremo nella vita reale, attività estreme o difficili da affrontare… ma tutta fatta di gommapiuma.

Una stanza in cui provare senza farsi male sul serio, senza la “complicazione” della vita.

Un po’ come un videogioco.

Zerocalcare dice:

“I videogiochi sono come il sogno americano.

Lavora duro e avrai la tua villetta col barbecue.

Non ci sono porte chiuse a priori. ”

― Zerocalcare, La profezia dell’armadillo (2011)

Lì possiamo essere leggeri, lì siamo al sicuro, lì abbiamo mille possibilità.

Tanto possiamo cliccare “restart”. E quella zona ci serve proprio per restartare.

La comfort zone non è il demone della pigrizia. È il nostro tutorial di gioco dove siamo al sicuro.

Il punto è che poi bisogna entrare in game.

E se hai paura di perdere, sbagliare, fallire la missione, in questo caso non ha senso giocare e rigiocare il tutorial. Non ha senso rimanere nella comfort zone. Non ha senso nemmeno accenderlo quel gioco.

Tutto bello, sì.

Ma come si esce dal tutorial?

Regola nr 2 del Fear Club

Ha senso affrontare la realtà come un videogioco? Con qualche regola e legalità in più, ovviamente.

Forse la verità è nel mezzo: concedersi di non prendere la vita troppo sul serio. Buttare quei braccioli di gommapiuma e tuffarsi. Poi l’acqua sarà fredda, ci saranno le meduse o le onde, però poi… che vista sugli scogli.

Io lo so che anche tu hai paura di tuffarsi perchè c’è sempre qualcuno a fianco che sa fare un tuffo doppio-triplo-carpiato esagerato e ogni volta pensi:

Seeeee, ma ‘ndo vado?

Tante volte il confronto con gli altri ci demotiva.

Ed è in questo momento che arrivano i due demoni mutaforme: giudizio e aspettativa.

E scatta il super malus: ci sentiamo bloccatə tanto da pensare di abbandonare quell’idea.

Perchè non ci sentiamo all’altezza.

Perchè credevamo che fosse un’idea “originale”.

Perchè crediamo sempre che le idee degli altri siano più valide.

E ti convinci che, tanto, pur provandoci, non ci riusciresti o la tua vita non cambierebbe molto. E abbandoni.

L’ho fatto tante volte.

Regola nr 3 del Fear Club

Ma se prendo la regola 2 e rendo tutto di gommapiuma?

Guardare gli altrə e le loro idee è fonte di contaminazione, di “deformazione” positiva. È stimolo.

È conferma.

Conferma del fatto che se tiziə è arrivato a realizzarla probabilmente non stavamo andando verso una strada assurda. È una strada già battuta, sì, ma va bene.

Possono esistere solo pionieri e nessun esploratore?

E se arriviamo ad un vicolo cieco o, peggio, ad un burrone, dobbiamo accettare di cambiare strada.

L’ultima regola è che dobbiamo metterci in testa che non tutte le idee sono “buone” idee.

Qualche tempo fa ho seguito un workshop di Game Design per giochi da tavolo, “Come si crea un gioco da tavolo” con Massimo Di Bello, owner di GameWay.

Si parlava di idee e di quante vanno alla deriva senza concretizzarsi.

Mi dice un detto che mi rimane addosso come un tatuaggio:

Kill your parents

Che letteralmente significa “uccidi i tuoi genitori”.

Metaforicamente è “uccidi quello che hai più a cuore”, “sii disposto ad uccidere le tue idee”.

Mettiti in discussione.

Ci sono idee che portano ad un nulla di fatto, a un “errore”.

Errare però vuol dire anche vagare senza meta precisa.

Probabilmente quell’idea non era pronta o non era la migliore versione di sé. O semplicemente è stato un tentativo che ci ha fatto capire di dover andare in un’altra direzione.

Ci sono idee che non si realizzano e rimangono sogni.

E credo che sia giusto così.

Se potessimo realizzare tutto ciò che sognamo, allora che senso avrebbe il sogno stesso?

L’immaginazione non avrebbe più il suo spazio di manovra, ma sarebbe tutto delegato alla realtà.

E l’equilibrio tra sogno e realtà è importante. Il sogno è importante tanto quanto la realtà.

E qui voglio citare Morfeo (Sandman):

“You say I have no power? Perhaps you speak truly… But — you say that dreams have no power here? Tell me, Lucifer Morningstar… Ask yourselves, all of you… What power would hell have if those imprisoned were not able to dream of heaven?”
― Neil Gaiman, The Sandman, Vol. 1: Preludes & Nocturnes

“Tu dici che non ho alcun potere qui. Può darsi che sia vero. Ma dire che i sogni non hanno alcun potere all’Inferno… Dimmi Lucifer Astro del Mattino, che potere avrebbe l’Inferno se coloro che vi sono dannati non potessero sognare il Paradiso?”

A mantenere questo equilibrio, tra sogno e realtà, sono le nostre azioni. Quel super bonus di cui sopra che ci spinge oltre la paura è il coraggio.

Il coraggio di prendere per mano un sogno e portarlo nella realtà.

Il coraggio di girare e cambiare strada.

Il coraggio di accogliere la paura.

E dato che vorrei farmi scrivere la vita da Neil Gaiman, lo ricito qui:

Non era stato coraggioso, restando lì fermo a farsi pungere — disse Coraline al gatto. — Non era stato coraggioso perché non aveva avuto paura: quella era l’unica cosa che potesse fare. Ma quando era tornato a riprendersi gli occhiali, sapendo che lì c’erano le vespe, aveva avuto veramente paura. Quello era stato vero coraggio. -
Mosse il primo passo lungo il corridoio. Sentiva odore di chiuso, di polvere e di umidità.
Il gatto avanzata lentamente accanto a lei. — E perché mai? — le domandò il gatto, con un tono che rivelava scarso interesse.
- Perché — disse Coraline — quando hai paura di qualcosa, ma la fai comunque, quello è coraggio.

― Neil Gaiman, Coraline (2002)

Per avere fiducia nelle proprie idee, in sè stessi, c’è un bisogno, oltre il sogno, che è quello di accettare che il fallimento esiste e fa parte di noi. Può fallire un progetto, un’attività, una relazione.

Qual è il tuo più grande fallimento?

A te che leggi, vorrei chiederti se ti sei mai sedutə a tavolino e hai preso un caffè con un tuo fallimento. Vorrei sentire tanto la tua risposta oltre questa pagina html.

Quindi la rivolgo a me, marzullianamente.

Qual è il mio più grande fallimento?

Note

¹ rage mode

² debuff

³ intalliare

Sogno che queste parole, questo super bonus, invadano gli occhi di una persona, come la luce lunare: a G.

Brano consigliato per la lettura

Podcast consigliato

Humanagement I Track 1: Giuseppe De Simone. “Ciascuno cresce solo se sognato”.

Sogni, idee e fallimenti: una retrospettiva a cuore aperto was originally published in weBeetle on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

A humble note from outside these digital walls: | Polaroid

Aperi-painting, corsi di ceramica, gruppi di trekking.

Vedo “in giro” online un trend che va verso attività creative, di gruppo, manuali. Insomma: poco digitali.

Poi mi capita di incrociare un post di Polaroid su Linkedin:

A humble note from outside these digital walls:

The life you see on a screen is not real. You find real life when you look up. When you switch off. When you live it for real.

The Polaroid Flip was made for that — a little push to unplug, step outside, and keep your memories in your hands, not your phone.

Flip the switch and live the #AnalogLife.

Un’umile nota dall’esterno di queste mura digitali:

La vita che vedi su uno schermo non è reale. Trovi la vera vita quando alzi lo sguardo. Quando si spegne. Quando lo vivi per davvero.

La Polaroid Flip è stata creata per questo: una piccola pressione per staccare la spina, uscire e tenere i tuoi ricordi tra le mani, non il telefono.

Gira l’interruttore e vivi la #AnalogLife.

“Trovi la vita vera quando alzi lo sguardo.”

Il mio sguardo rimbalza tra questa frase su schermo e il vuoto fuori lo schermo.

Cerco di andare oltre la poesia e trovo una retorica di marketing che “punta il dito” su un dispositivo specifico: il telefono.

Quelli più “vintage” hanno usato il loro primo telefono per chiamare.

Probabilmente da casa, da una cornetta.

Quelli della mia gen, facevano gli “squilli”: un modo per dire “ti sto pensando”. E se avevi la promo estiva, eri totalmente emozionatə nel poter mandare SMS e MMS.

Il telefono si è digievoluto in uno smartphone.

Da Treccani:

smartphone

s. m. inv. Telefono cellulare multimediale, che include alcune funzioni tipiche di un computer palmare.

Tra le tante funzionalità, ha anche quella di fotocamera.

Funzionalità che nel tempo è cresciuta tanto tecnicamente. Oggi Apple, nei commercial visual dell’iPhone, utilizza uno storytelling così cinematografico da far gola a tanti e tante multimedia creator, fotografi/e, videomaker.

Perchè, ovviamente, è spesso girato con l’iPhone stesso.

La digievoluzione è stata quella di portare, appunto come definito da Treccani, un pc nel palmo di una mano.

Lasciando un attimo da parte le modalità e le finalità di utilizzo nella vita personale, nel lavoro oggi è quasi impossibile trovare qualcuno che non utilizza strumenti digitali.

Un rapporto di Anitec-Assinform sull’analisi del mercato digitale in Italia e su come e quanto influisca sulla crescita economica, dichiara che il 71% delle imprese italiane utilizza almeno una tecnologia digitale.

Più dei due terzi degli italiani utilizza il digitale.

Qualsiasi tecnologia utilizzi, ha uno strumento digitale sempre a disposizione.

Lo smartphone è quello sempre con noi, attaccato col nostro cordone sociale e talvolta professionale.

Quante volte avrai sentito:

“Vado in ferie e spengo il telefono!”.

Oppure

“E se poi mi serve? Me lo porto il pc?”

Spegnere. Servire.

Mi soffermo prima su spegnere. Oltre che essere irrealistico, emerge solo una grande voglia di distacco. Ma non un distacco con lo strumento, ma con le “cattive” abitudini:

• notifiche email di qualsiasi genere (lavoro, newsletter mai aperte, spam);
• gruppi WhatsApp con mille messaggi non letti;
• app che ti ricordano che devi bere, camminare, fare cose, vedere gente, svegliarti, andare a yoga;
• social media vari ed eventuali (che se sei owner di pagine business, beh, poteva andare peggio, poteva piovere).
• + BONUS TRACK: poi c’è Netflix che ti notifica nuove uscite che metti nel backlog di “cose da fare”.

Passiamo a servire. Emerge quell’ansia di essere inadempiente nel caso si palesi la possibilità o l’imprevisto che “servi” e che, di conseguenza, ti servono gli strumenti del mestiere.

La verità è che può servire, sì. Per fare tante cose, non solo lavorare.

La verità è che non ti serve, se hai l’ansia che ti serve: ne sei dipendente.

Hai bisogno di appianare una forma di potenziale senso di colpa (quell’ansia di cui sopra), che ti si piomberebbe addosso se e solo se fossi impossibilitatə a fare quello che si aspettano.

O forse quello che ti aspetti.

Perchè ti aspetti di essere sempre sul pezzo, prontə, performante, disponibile.

Ed è qui che è stato coniato/invocato il digital detox.

Da Treccani.it:

detox

agg. e s. m. inv. Detossinante, disintossicante, depurativo, detto in particolare di trattamento concentrato in tempi brevi. ◆ Le cosiddette diete “detox”, o disintossicanti, che sono diventate molto famose e seguite in tutto il mondo, forse non sono così sicure ed efficaci come si crede. (lm&sdp, Stampa.it, 27 gennaio 2014, Salute) • Fiale magiche, lattine design, succhi fluo, pillole e tisane detox promettono di depurare da stress, inquinamento, additivi alimentari, pesticidi. Il toccasana globale ha conquistato star e modaioli. […] Decisamente di moda, la parola ha delle applicazioni multiple. C’è il detox digitale; quello cosmetico che rende la pelle luminosa o gli asana purificanti dello yoga. (Silvia Luperini, Repubblica.it, 7 giugno 2014, Salute).

Dall’ingl. detox, scorciamento di detoxing (‘disintossicare, disintossicante’).

Il digital detox quindi prende in eredità la parola detox da quelle pratiche alimentari depurative la cui efficacia è dubbia.

La verità è che non vedo nessuna tossina digitale.

Qualcuno ha invocato anche il cortisolo. Ma forse è solo un altro social trend.

Ritorniamo a noi. Rileggo la frase di Polaroid:

“Trovi la vita vera quando alzi lo sguardo.”

È provocatorio, ovviamente.

Scritto poi su un social media, ancora di più.

È provocatorio perché sembra voler buttarti una secchiata d’acqua digitale per svegliarti.

Per farti reagire. Ma reagire a cosa?

“La vita che vedi su uno schermo non è reale.”

Sembra quasi uscita da Matrix.

E in un certo senso, sembra voler invitare ad uscire dal Matrix.

Un invito a prendere la pillola rossa.

C’è stato un momento in cui, ammaliatə dalle mille possibilità, abbiamo delegato tutta la nostra vita ad uno strumento digitale.

Se prima avevamo una sveglia, oggi è il telefono a squillare alle 7:00 del mattino.

Se prima avevamo un quaderno per scrivere, oggi apriamo il nostro PC portatile e refreshamo Google Documents.

Se prima alzavamo il telefono e digitavamo un numero per chiamare una persona, oggi mandiamo messaggi su messaggi su vocali.

Se prima avevamo una macchina fotografica, oggi scattiamo con la camera del cellulare che è sempre più potente le cui foto sono sempre più pesanti e ci intasano memoria interna e cloud.

E il nostro digital tool non si ferma mai.

Tutta la giornata perennemente attivo.

E noi di conseguenza attivi e totalmente dipendenti.

È giusto puntare il dito verso lo strumento?

È una questione di comportamento, non di strumento.

Di consapevolezza.

Di scelte.

Di sane abitudini.

Oggi sono qui a scrivere un articolo su Medium, sul mio PC portatile.

Dopo forse guarderò qualche reel su IG.

Ieri ho letto un libro.

Domani uscirò con un mio caro amico.

Nel weekend impasterò qualcosa che verrà male perchè odio leggere le ricette su internet.

Comprerò prima un libro di pasticceria allora.

Trovi la vita vera quando trovi il tuo equilibrio tutti i giorni.

Fun fact

Le tossine digitali esistono ma non sono quello che pensi. Benefici e controindicazioni qui:

Digitale: proprietà, uso, controindicazioni - Cure-Naturali.it

Brano consigliato per la lettura (solo se vuoi)

Digital Detox: è giusto puntare il dito verso lo strumento? was originally published in weBeetle on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Per chi segue un po’ il blog, saprà che nelle mie riflessioni mi soffermo molto sull’etimologia e il significato delle parole.

Per chi legge le mie parole digitali e digitate per la prima volta, ho un particolare bisogno di definire prima di scrivere.

Forse per essere più chiara, forse per essere sicura di star parlando la stessa “lingua”.

Sì, perché immagino sempre un dialogo tra me e te che leggi.

Come se fossi un mio o una mia amica di penna.

Qui, al sud Italia, usiamo utilizzare intalliare, per gli extrapartenopei “perdere tempo”, “ciondolare”, “indugiare”.

Mi piace intalliare sui significati delle parole.

Mi piace prendermi, più che perdere, il tempo per fermarmi a pensare alle parole e alla loro moltitudine di forme.

Anche ora, che dovrei affrontare il tema su cui ho deciso di scrivere, ho intalliato sulla parola “intalliare”.

E se non l’avessi fatto non avrei scoperto che, seppur di origine incerta, la sua plausibile genesi viene attribuita al verbo greco thallèin , ovvero “mettere radici”¹.

E forse il mio bisogno sta nell’atto stesso di intalliare, di mettere radici, di creare una base solida sulla quale dialogare.

Intalliamento a parte, ho bisogno di intalliare su un’altra parola:

Designer

Già sulla traduzione di Google Traduttore, la testa mi va in tilt.

Designer. Progettista. Disegnatore.

Chiaro che è un termine radicato nella lingua italiana e pertanto la prima traduzione è uguale a sè stessa.

Il tilt parte rimbalzando tra “progettista” e “disegnatore”.

Vado al loro significato.

Il o la progettista “esegue professionalmente progetti di nuove opere”, mentre il disegnatore o disegnatrice è “chi disegna”.

La mia necessità di intalliare sulla parola designer nasce dal forte disagio di spiegare, ormai da anni, cosa “faccio” nella vita.

La mia risposta ironica di evitamento è sempre:

“Faccio i disegnini”

O anche mamozi.

Per colmare un gap culturale sul significato di mamozio, devo invocare Amedeo Colella (e devo ringraziare obbligatoriamente Davide Albanese ❤).

Scivolo via dalla responsabilità di rispondere per evitare di guardare un’espressione ricorrente:

Tralasciando il discorso sull’identità professionale e quella personale che ho già affrontato qui, la mia necessità è quella di fissare nero su bianco il significato della parola “designer” poichè sento che siamo (e sono) più abituati ad avere esperienza con il suo significante, la sua “immagine acustica”.

E nel precedente articolo, ho deciso quindi di frequentare ogni tanto la palestra della comunicazione.

Se ti dico:

Faccio la designer.

Cos’è la prima cosa che ti viene in mente?

Che associazione fai tra quella parola e il suo significato?

Osservando le persone nel tempo, ho notato 3 tipi di reazioni:

1. “Ah! Sei un’artista!” (reazione di chi è piuttosto lontano professionalmente dal mio mondo);
2. “Di preciso di cosa ti occupi?” (reazione di chi è a contatto, direttamente o indirettamente, col mondo del design ed ha una piccola consapevolezza della vastità di ramificazioni che ha);
3. “Ah wow! Dove hai studiato? Dove lavori?” (questa reazione dipende dalla risposta che io dò al punto 2, ovvero se quella persona sa esattamente cosa faccio, quella consapevolezza diventa reale conoscenza, altrimenti mi viene restituita la risposta al punto 1).

Vorrei soffermarmi quindi sulla prima reazione, che è mediamente quella più comune.

C’è un “pregiudizio” o un automatismo mentale che genera un match tra design e mondo artistico.

Tra designer e artista.

Che, in p-arte, è vero.

Ma in parte è anche un bias.

arte

s. f. [lat. ars artis]. — 1. a. In senso lato, capacità di agire e di produrre, basata su un particolare complesso di regole e di esperienze conoscitive e tecniche, e quindi anche l’insieme delle regole e dei procedimenti per svolgere un’attività umana in vista di determinati risultati: l’a. del fabbro, del medico, del musicista, ecc.

Se prendiamo la definizione di arte, in senso lato, in quanto capacità di produrre secondo regole, esperienze e tecniche, si connette fortemente con il concetto di progettazione e quindi di progettista che, appunto, progetta nel perimetro della propria natura professionale.

Ma il nostro bias culturale è quello di associare design-disegno-artista.

E la parola artista, popolarmente, viene associata ai grandi pittori, ai geni della creatività, ai pionieri dei movimenti artistici. A tutte quelle figure passate alla storia come portatori sani di “genio e sregolatezza” (e spesso di forte tormento sociale).

Perchè magari i libri scolastici li dipingevano così.

Prendiamo Michelangelo Buonarroti.

Uno dei più grandi artisti riconosciuti globalmente e storicamente.

Nel 1508 gli fu affidata una commissione: la cappella Sistina.

Una commissione, un progetto.

Un progetto che, tra l’altro, Michelangelo faticò ad accettare perché la sua inclinazione artistica era verso la scultura, non la pittura. Ma la chiesa era politica e il rifiuto era una scelta rischiosa.

Era inoltre un lavoro di prestigio e lui il freelance più capace in quello spazio-tempo.

Accettò e ci mise 4 anni, tra cambi di “PM” (leggila sia come Project Manager sia come Pontefice Massimo), modifiche al progetto, problemi strutturali, diverbi col “team”.

Difficoltà che anche oggi tutti abbiamo sui progetti.

Per portare avanti questa commessa, Michelangelo ha dovuto fare brain storming, scegliere le tecniche, risolvere i problemi di un sistema “legacy” come la cappella Sistina, elaborare un wireframe complesso, dividere in task il lavoro e poi, solo poi, arrivare al visual concept.

Oggi, Michelangelo è soprannominato il “Divin Artista” per il suo genio.

Ma lui, come tanti altri artisti della storia, che sì hanno portato il proprio “genio” artistico nel mondo in mille modi diversi, ma sono stati anche dei progettisti, dei designer.

Qual è quindi la differenza tra un artista, come lo concepiamo comunemente, e un designer?

Quell’artista, a cui riconosciamo il genio che vediamo nei musei, nelle piazze, nelle case, “normalmente” gli affibbiamo concetti di “dono naturale”, di appunto “genio”, di quella forza intangibile e magica che si verbalizza in “dote”. Ma gli artisti, come Michelangelo, hanno dovuto imparare nozioni geometriche, tecniche chimiche. Anche solo empiricamente. Hanno dovuto prima risolvere dei “problemi”. O meglio hanno dovuto trovare delle soluzioni sia per l’output del visual per il proprio portfolio sia per la commessa della cappella Sistina.

Difatto, la differenza tra artista e designer non c’è, se ci liberiamo degli stereotipi.

Chiunque progetta soluzioni è un o una designer.

Chi progetta soluzioni per l’ingegneria di un’auto, è un designer.

Chi progetta soluzioni per la struttura di una casa, è un designer.

Chi progetta soluzioni per migliorare il nostro benessere biologico, è un designer.

Chi progetta soluzioni per non alzarsi per spegnere la tv, è un designer (qualcuno penserà al telecomando, ma a me viene in mente il racconto di mio padre di quando da bambino la tv non aveva il telecomando e “inventò” un bastone allungabile adatto al pulsante di accensione/spegnimento).

Chi progetta soluzioni di vita per far star meglio sé stessi e la propria famiglia, è un designer.

Chi progetta per evolvere/si, è un designer.

E se proprio vogliamo leggerla in senso ontologico, l’essere umano è portato ad evolversi, per sua natura storico-sociale.

Siamo designer ogni giorno, forse in piccolo e forse per azioni senza fine economico.

Ma troviamo soluzioni ogni giorno, per noi e per gli altri.

Un grazie al mio designer-in-crime, Davide Albanese, oltre che per le scoperte proverbiali ma soprattutto per i confronti senza i quali riflessioni e progetti non nascerebbero.

Fonti

¹Da dove viene intalliare? (https://onapulitano.blogspot.com/2016/01/da-dove-viene-intalliare.html)

Brano consigliato per la lettura

Cosa significa “designer”? was originally published in weBeetle on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Qualche tempo fa ho fatto una domanda a Davide Albanese, collega e amico:

Sei orgoglio o cuore?

Ridiamo.

“Questa è difficile”, risponde lui.

Ci guardiamo ed esce un “Dipende!”.

Dipende.

Da che dipende?, cantava Jarabe de Palo.

Questa domanda è rimasta a fermentare in testa per qualche giorno.

Forse la domanda è mal posta, ho pensato.

La domanda forse è:

Dov’è il confine tra amore e amor proprio?

Così, si sono sbloccati in testa mille pensieri e mille formule matematiche per cercarlo questo punto d’incontro tra l’io e l’altro.

L’io è una variabile costante. Ossimoro, lo so. Nel senso che l’io c’è sempre, ma è variabile in quanto ogni persona è diversa dall’altra.

L’altro può essere tutto e niente.

Cerco di atomizzare il “tutto”:

• lavoro;
• famiglia;
• amicə;
• partner;
• figliə.

L’elenco è lungo e quell’altro mi sembra troppo variabile.

Salgo quindi a un livello superiore:

• vita professionale;
• relazione sentimentale;
• famiglia.

Sono una donna di scienza, talvolta, quindi invoco la matematica.

Immagino la vita personale, la vita professionale e l’io come tre circonferenze, per le quali devo individuare il o i punti di intersezione tra loro, se ci sono.

Le tre circonferenze quindi possono essere tra loro:

• tangenti (internamente o esternamente);
• secanti;
• interne;
• esterne (non hanno punti di intersezione).

Faccio una ripassata online di formule matematiche e vedo che la configurazione delle circonferenze è sempre la risultante del rapporto di due fattori:

• la loro distanza;
• il loro centro.

Provo a fare un esempio:

Se prendo la circonferenza “io” (i) e la quella “vita professionale” (vp) posso quindi immaginare che il centro di (i) è l’amor proprio e il centro di (vp) è l’amore per il proprio lavoro.

Quindi la distanza dei due centri determina quel dipende?

Rifletto.

Immaginiamo che sono tangenti. La grossa differenza la fa la posizione rispetto al piano cartesiano:

• se sono tangenti internamente, pur intersecandosi in un solo punto, l’una è inglobata nell’altra;
• se sono tangenti esternamente, si toccheranno appena, appunto, in un sol punto.

Rifletto e vedo che, a vista, una grossa differenza la fa il raggio, quindi la dimensione della circonferenza.

Rimango un attimo in riflessione.

Forse è proprio questa la chiave di tutto.

Quanto è grande la circonferenza del nostro io?

Quanto è grande l’amor proprio?

Quanto è grande la circonferenza dell’altro?

Quanto è grande l’amore verso l’altro?

Forse basta già questo per individuare quel dipende.

La distanza dei due centri, penso, potrebbe determinare in che modo si alimentano, l’amor proprio e l’amore verso l’altro.

Ad esempio, se l’io e la vita professionale si intersecano, l’area più o meno grande risultante dall’intersezione è quella zona comunicante in cui l’uno si alimenta dall’altro.

Se si allontanano si alimentano appena in un punto, se si allontanano ancora non si alimentano più.

Più si alimentano, più si fanno grandi? Forse sì.

Penso a un altro esempio: se l’io e la relazione sentimentale sono inglobati uno dentro l’altro, è quindi un po’ come se uno dei due si alimentasse solo dall’altro.

Penso.

Penso alle distanze, alle intersezioni, alle grandezze.

Forse ci muoviamo in tante piccole grandi circonferenze che si alimentano tra loro e che ci alimentano?

Un po’ come quel gioco con gli anelli nell’acqua: premi i pulsanti per farli muovere, per infilarli nei punteruoli di plastica.

Premi e premi e si toccano, si intersecano tra loro. Uno sposta l’altro, altri non si toccano.

Ma sono in movimento. Come noi ci muoviamo.

Ora la circonferenza della vita professionale può essere più grande dell’io, a tal punto da inglobarci. Poi ci muoviamo e la loro relazione spaziale si trasforma.

Forse quel dipende non sta nel confine o nella grandezza delle cose, ma nel nostro movimento.

Come ci muoviamo, così le cose cambiano attorno a noi.

Si avvicinano, si allontanano, ci travolgono.

Come mi ha travolto quella risposta, dipende.

Non dipende dalla geometria dell’amore.

Dipende da quanto premi il pulsante.

Dipende da noi.

E dove ci muoviamo?

Dipende.

Brano consigliato per la lettura

No, non è Depende di Jarade de Palo.

Geometria dell’io: dov’è il confine tra amore e amor proprio? was originally published in weBeetle on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Mio padre è a telefono.

Annuisce.

In una mano il cellulare, nell’altra una Bic nera.

Annuisce. A intermittenza parla.

Una mano è salda all’orecchio, l’altra chiusa a “cuoppo” traccia inchiostro su un foglio.

Prende appunti, penso.

La telefonata finisce.

L’orecchio e le due mani si liberano.

Mi affaccio sul foglio.

Non ci sono appunti.

“Cosa hai scritto?”

“Niente.”

Un niente di linee, un niente informe, astratto.

Un grafico di quello che la testa faceva fluire.

Una radiografia di emozioni.

Un disegno.

“Niente.”

Quand’è che succede di disegnare il “niente”? Un bambino o una bambina avrebbe disegnato quella stessa massa di segni e avrebbe risposto “Non vedi?! È un elefante sulla bici!”

Poi cresciamo e diventa “niente”.

Forse è la realtà quotidiana che, crescendo, spegne l’immaginazione?

Penso.

Quando si insinua per troppo tempo una domanda, ho un bisogno frenetico di darle una risposta.

“Perché non disegni?”

“Io non so disegnare.”

L’ho chiesto tante volte a tanti bambini ormai cresciuti.

“Tuttə sappiamo disegnare! Da bambinə disegnavi, lo so!”

“Sì, da bambinə! Oggi non so disegnare nemmeno una casa!”

“Perché da bambinə ci riuscivi?”

Sulla linea della nostra vita sono segnati dei punti, grosse palline visibili come putesse su una lavagna, in cui è accaduto qualcosa che ha cambiato il percorso di quella linea.

Qualche tempo fa, mi sorprese tanto la domanda di un mio caro amico, illustratore lui, che recitava più o meno così:

“Qual è stato quel momento della tua vita che a un certo punto, se la linea è stata dritta fin lì, d’improvviso ha deviato in tutt’altra direzione? La deviazione più forte che ti viene in mente.”

Penso e ripenso a questa domanda.

La risposta l’ho data, a lui, e non la riporterò qui.

Penso e ripenso a come costruiamo questa mappa metropolitana della nostra vita.

Quand’è che succede che riponiamo i giocattoli? (La mia testa va su Toy Story e mi scende la lacrimuccia).

Quand’è che smettiamo di disegnare?

Cerco di trovare risposta e faccio domande a chi, diversamente da me e dai miei colleghi creativi, ha preso una strada professionale tutt’altro che vicina al mio mondo fatto di vettori, matite, quaderni e drawing pad.

“Io non so disegnare.”

Io non so cucinare, eppure lo faccio.

Qualcosa esce bene, altro male (male male).

La risposta non mi soddisfa.

Si insinua un’altra domanda: quand’è che iniziamo a pensare che, per poter fare una cosa, l’unica modalità è farla perfettamente?

Ci insegnano che dobbiamo essere bravissimə in tutto, storia, matematica, geografia, scienze, musica, sport.

Poi inizia ad arrivare quella spinta verso tutto quello che ci piace davvero.

Poi dobbiamo iniziare ad imparare anche quello che non ci piace, perchè ci serve.

Diventiamo adulti portandoci dietro solo uno zaino con lo stretto necessario: un obiettivo di carriera, capacità acquisite per soddisfare i bisogni di prima necessità e un piccolo beauty di interessi e hobby.

Abbandoniamo così la perfezione in tutto, per concentrarci su questo piccolo bagaglio.

Penso ai bisogni di prima necessità: se voglio mangiare, devo cucinare.

Nessuno chiede “Tu cucini?”, ma “Cosa cucini?”

Diamo per scontato che tuttə lo fanno, perché è necessario.

Disegnare non è necessario.

Non tuttə lo fanno.

E quellə che lo fanno, probabilmente sono tecnicamente bravə o portatə.

La mia collega, Francesca Postiglione, spesso mi dice:

“Vorrei avere l’arte nelle mani come te!”

Al netto che arrossisco anche qui, su una pagina digitale, la mia risposta è sempre:

“Tu sei artista, tutti siamo artistə.”

L’artista crea, filtrando la realtà con la propria immaginazione.

Il genere umano tende a creare per inclinazione evolutiva: c’è chi crea un’attività imprenditoriale, c’è chi crea famiglia, chi crea opportunità, chi crea una nuova tecnologia, chi crea un futuro per sé e per altrə, chi crea connessioni tra persone, chi crea un orto, chi crea una casa, chi crea una canzone, un film, un libro.

L’atto creativo è lì per tuttə.

Poi, è chiaro che, se hai una dote innata o hai una formazione o un’esperienza tale per cui la qualità della creazione è alta, puoi valutare la tua abilità relativamente a quello che crei.

Ma l’atto in sé di poter fare, è di tuttə.

Io posso suonare la chitarra, non sono “brava” ma va bene per me e per qualche falò tra amici e amiche.

Mentre scrivo penso.

Forse non smettiamo di disegnare.

Forse smettiamo di immaginare mondi fantasy.

Smettiamo di giocare a far finta di essere rock star.

Smettiamo di sognare.

E chi non sogna, non crea.

In una puntata del podcast Humanagement della mia bellissima collega Francesca Postiglione (non mi ha pagato per scrivere “bellissima”, lo penso davvero), si parla di sogni e di come alcuni diventano progetti.

Forse crescendo ci portiamo con noi solo quello che crediamo possa diventare progetto, lasciando indietro i sogni.

In quella stessa puntata del podcast, la fonte della citazione dice che solo una parte di sogni li trasforma in progetti, ma lascia uno spazietto per quei sogni che appunto devono rimanere tali.

Per non perdere l’abitudine di sognare.

Forse dimentichiamo di sognare come Robin Williams dimentica l’Isola-che-non-c’é in Hook.

La dimentica perché è cresciuto e non sa usare più l’immaginazione.

Forse per me è facile parlare, perché ho preso la mia immaginazione e ci ho costruito una carriera professionale.

Ma mio padre che disegnava a telefono, secondo me, stava cercando la sua Isola-che-non-c’é su un foglio.

Stava solo immaginando.

Stava “solo” sognando.

E per me sognare e cucinare sono bisogni di prima necessità.

Forse se avessi fatto un altro mestiere, avrei comunque continuato a immaginare su un foglio di carta.

O forse no.

Ma mi piace immaginare che sarebbe stato così.

Brano immaginato per la lettura

Quand’è che smettiamo di disegnare? was originally published in weBeetle on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

La presenza costante di un suono determina inevitabilmente che il suono percepito diventi rumore, che viene naturalmente ignorato dall’udito come accade con le frequenze ambientali. Il classico white noise di una radio, di un televisore, di un sistema di aerazione.

Il significante, da Treccani, è:

s. m. In linguistica, nella definizione di segno formulata da F. de Saussure (1857–1913), l’immagine acustica o visiva, ossia l’elemento formale, la «faccia esterna» del segno (quella interna è il significato) che consente, sul piano della langue (v.), di identificare le sue diverse realizzazioni foniche concrete che si collocano sul piano della parole.

Il mio occhio ha rimbalzato più volte su “immagine acustica”. Mi piacciono le parole, le etimologie e il loro superpotere polisemico. E ogni volta mi meraviglio, come una bambina, di come possono essere unite tra loro, le parole, per crearne di nuove, per descriverle, per capirle, per giocarci.

Ti è mai capitato di trovarti con un bambino o una bambina e d’improvviso ti chiede il significato delle cose, come si chiamano, perché sono fatte così o come si usano.

Quella fase fortemente esplorativa dei “perché”.

“Cos’è questo?”

“Una forchetta.”

“Perché si chiama così?”

E noi, adulti, non sappiamo cosa rispondere. Fin da bambini siamo abituati ad avere esperienza con il significante delle cose, con la loro immagine acustica o visiva, più che con il loro significato.

E sappiamo, empiricamente, associare quell’immagine a un oggetto, un concetto, una persona, un animale.

Quando ero bambina, la mia maestra d’italiano mi suggerì di segnare e cercare le parole che non conoscevo e cercarne il significato. Questo per riuscire ad utilizzare quei termini nei contesti giusti e avere più ampia scelta comunicativa.

Dopo tanti anni e un enorme riconoscimento a quella educatrice che capiva la fame di scoperta di una bambina, non ho mai abbandonato quella routine. Ho capito anche che, oltre la fame di scoperta, esiste anche una fame di conferme. Come se dovessi rinnovare un patto. Oggi prendo consapevolezza che, di tante parole che uso e sento, è fortemente presente in me il significante più che il significato. Come se il significante si allenasse ogni giorno nella palestra della comunicazione e il significato avesse fatto l’abbonamento annuale presentandosi un po’ dopo Natale e un po’ prima della prova costume.

C’è una parola, un anglicismo, che fa giri enormi e poi ritorna periodicamente.

La parola è leadership.

Cosa significa leadership?

Cerco la traduzione.

È così integrata nell’italiano che, di mano, non viene tradotta.

Leggo le altre traduzioni: direzione, guida, comando.

Vado più in fondo e cerco il significato e l’etimologia da dizionario.

leader (n.)

Old English lædere “one who leads, one first or most prominent,” agent noun from lædan “to guide, conduct” (see lead (v.)).

-ship

word-forming element meaning “quality, condition; act, power, skill; office, position; relation between”

Letteralmente, il “potere di guidare”. I poteri mi piacciono.

Approfondisco e vado su lead.

lead (v.1)

“to guide,” Old English lædan (transitive) “cause to go with oneself; march at the head of, go before as a guide, accompany and show the way; carry on; sprout forth, bring forth; pass (one’s life),” causative of liðan “to travel,” from Proto-Germanic *laidjanan (source also of Old Saxon lithan, Old Norse liða “to go,” Old High German ga-lidan “to travel,” Gothic ga-leiþan “to go”), from PIE *leit- (2) “to go forth.”

Tradotto:

lead (v.1)

“guidare,” dall’inglese antico lædan (transitivo) che significa “far andare con sé; marciare in testa, precedere come guida, accompagnare e mostrare la via; portare avanti; germogliare, produrre; trascorrere (la propria vita),” forma causativa di liðan “viaggiare,” derivato dal proto-germanico laidjanan (confronta anche l’antico sassone lithan, l’antico norreno liða “andare,” l’alto tedesco antico ga-lidan “viaggiare,” il gotico ga-leiþan “andare”), a sua volta derivato dalla radice protoindoeuropea leit- (2) con il significato di “procedere, andare avanti.”

Cerco di arricchire la traduzione letterale.

Il potere di accompagnare e mostrare la via.

Mi sembra ancora che manchi qualcosa.

Rileggo le traduzioni:

Direzione, guida, comando.

Rimango in riflessione. I significati mi sembrano così vicini, ma anche lontanissimi.

Direzione, guida, comando. Mi sembrano così autoritari, così severi, freddi, distanti, adiàfori, inevitabili. Leggendoli, mi sale una connessione visiva strana. L’immagine di un treno in viaggio, una struttura lunga e corazzata, che viaggia senza sosta se non quella dettata da sè stesso.

Il potere di accompagnare e mostrare la via. Questa definizione mi fa vibrare sensazioni totalmente diverse. Mi arriva accogliente, sicura, vicina, partecipe, presente. Mi sale l’immagine di una persona che trasmette fiducia, che si affianca agli altri nel viaggio, che mette a disposizione il suo potere (sì, sto pensando a Gandalf).

Rivedo le due immagini e noto che la prima è una macchina, la seconda è una persona.

La domanda mi arriva prepotente: qual è la differenza?

Una persona porta in sé il pensiero critico, il bisogno di aggregazione, la capacità di provare emozioni, l’inclinazione alla scoperta, la tendenza a migliorarsi.

Una macchina ha in sé una funzione progettata per uno scopo ed è fatta per portarlo a termine.

Rimbalzo tra le due deduzioni.

Anche il corpo umano è una “ macchina” progettata con uno scopo: la sopravvivenza. Credo che la differenza stia nell’indole dell’essere umano di andare oltre i bisogni primari, di essere un’animale sociale. Le persone fissano scopi e obiettivo in linea con i propri bisogni primari, legati alla sopravvivenza fisica (cerco cibo col fine di sopravvivere), e secondari, legati alla sfera psicologica ed emotiva (cerco i miei amici per condividere una cena o una partita online).

Una persona che ha leadership o che ricopre un ruolo di leader (guida) ha uno scopo che risiede nel suo stesso significato, ovvero quello di accompagnare e mostrare la via verso un luogo, un obiettivo, una meta: un educatore o educatrice ha lo scopo di guidare i bambini e le bambine all’interno nel proprio campo di competenza; un genitore ha lo scopo di guidare i figli e le figlie sulla via della vita; un manager o un capo di azienda ha lo scopo di guidare i collaboratori e collaboratrici verso gli obiettivi aziendali.

Leadership è accompagnare, sì, ma soprattutto mostrare la via con l’obiettivo finale di non essere più necessari.

Leadership è sapere mettersi avanti, ma nel momento giusto capire di affiancarsi, mettersi di lato (cito le parole della mia collega Francesca Postiglione).

Se un leader è sempre necessario, allora sta diventando quella macchina: raggiunge lo scopo, anche in maniera efficiente, di accompagnare, ma senza mostrare realmente la via. Se un bambino o bambina ha sempre bisogno di un educatore o un’educatrice per riuscire a leggere, allora è venuto meno il significato di guida.

Il ruolo di genitore smette di essere “necessario” nel momento in cui i figli e le figlie viaggiano autonomamente sulla strada della vita. Si fanno di lato, per lasciar spazio a quello che i figli vivranno, scopriranno da soli. Chiaro è che non smettono di essere genitori e i figli non smettono di essere figli.

Se arriva questo momento, il momento di affiancarsi, vuol dire che lo scopo del leader è compiuto.

Arrivo qui, con delle conferme e delle scoperte.

Mi sento di rinnovare il mio significato di leadership.

leadership ‹lìidëëšip› s. ingl.

Il potere di mettersi avanti, accompagnare e mostrare la via, ma anche di mettersi di lato una volta arrivati a destinazione.

Magari tra qualche tempo avrò bisogno di rinnovare o confermare il suo significato.

O magari frequenterò la palestra della comunicazione (facciamo con un abbonamento mensile).

Brano consigliato per la lettura

Leadership: quando il significante diventa più forte del significato? was originally published in weBeetle on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Una riflessione sull’identità personale e l’identità professionale e sulla necessità sociale di definire che fai “nella vita”

Non sono né una psicologa né una sociologa.

Non mi occupo di risorse umane.

Sono una Visual & UI Designer.

Ero qui, con le mani sulla tastiera, pensando a come iniziare questa riflessione: pensavo di partire con delle definizioni, qualche dato di ricerca sulla psicologia del lavoro o del perché mi sono trovata a riflettere sul tema dell’identità, personale e professionale.

D’istinto, ho scritto un titolo, un sottotitolo e ho fatto delle premesse su quello che non sono e su quello che sono.

Ho riletto quelle 3 righe iniziali e mi sono fermata.

Il sottotitolo è:

Una riflessione sull’identità personale e l’identità professionale e sulla necessità sociale di definire che fai “nella vita” prima di chi sei

Ho realizzato quindi che per definire quello che faccio, ho detto che sono una Visual & UI Designer.

Questo segnale mi convince ancor di più a perseverare nella scrittura di questa riflessione.

Mi sono definita Visual & UI Designer. Riflettendoci bene, mentre il ritmo della tastiera va sotto le note di Life on Mars di David Bowie, avrei dovuto dire “Faccio la Visual & UI Designer e sono una creativa” (già solo per il fatto che, mentre scrivo, mi sono “distratta” già 3 volte scarabocchiando su un foglio).

Magari starai pensando:

“Vabbè, designer o creativa, alla fine qual è la differenza?”

La differenza sta nell’azione, non nella definizione.

Mi trovavo fuori un bar, con amic*, e una ragazza appena conosciuta mi ha chiesto “cosa fai nella vita?”.

Questa domanda mi manda in tilt ogni volta. “Nella vita” è un perimetro troppo grande di azioni. “Nella vita” si va ai concerti, si incontrano amici e sconosciuti, ci si emoziona per nuova canzone, si cucina senza voglia per sé ma con voglia per gli altri, si studia, ci si arrabbia, si sta con la famiglia, si va in bicicletta (io no eh, mai imparato!), si legge un libro, si guarda una serie su Netflix.

La ragazza però si aspettava di sapere che lavoro facessi, come chiunque pone quella domanda.

La mia mente non riesce a tradurre “nella vita” come “di lavoro”.

Penso un attimo e mi viene da rispondere:

“Tante cose e niente”

Ma uscirebbe del sarcasmo che non so se offende le nuove conoscenze (in amicizia, sarcasmo a gogo).

Rispondo:

Non lo so ancora.

Ed è stato in quel momento che è come se avessi riascoltato la mia risposta e mi sono domandata:

Siamo il lavoro che facciamo?

D’istinto, io mi rispondo di no (anche tu hai risposto così, lo so).

Ma sento un tentennamento nella mia testa e un magone nello stomaco.

Cerco “magone” sul Google quasi per confermarne i sintomi.

Ok, un “peso”.

Ma qual è ‘sto peso?

Credo che in parte sia una reazione sociale difensiva quella di definirsi col proprio lavoro, piuttosto che parlare di sé. Quell’effetto da “chiacchiera da bar” in cui ti prepari all’ennesima replica dello spettacolo “interagire con le persone: a guide for dummies”.

Proponiamo lo stesso script probabilmente per risparmio energetico.

Ma quel “Non lo so ancora.” mi è arrivato come se qualcun’altr* avesse risposto a me, non viceversa.

È come se un Babel Fish avesse tradotto “cosa fai nella vita?” con “come ti identifichi professionalmente?”.

La conversazione continua e la ragazza incassa la risposta e inizia a parlare di sé, di quello che è “nella vita”.

Mi sorprende sentirla sicura nel definire se stessa in un lavoro davvero verticale.

Penso a come avrei continuato se avessi risposto “Tante cose e niente” al posto di “Non lo so ancora”.

“Ricopro il ruolo di Visual & UI Designer in weBeetle da 6 anni. Per 2 anni mi sono occupata di Visual Design per eventi fieristici. Per un anno, UI Design (e non solo) per una start-up di videogiochi. Per un paio di edizioni, Visual Design per un festival di cinema. Per pochi mesi, Graphic Design per una tipografia. Per un anno, insegnante di doposcuola. In 10 anni, ho fatti diversi progetti di Brand Identity e Visual Design per clienti di diversi settori (musica, cinema, sport, fotografia, scuola primaria), nel tempo libero “illustratrice” (tra molte virgolette) che mi ha portato in qualche fiera e contest.”

Quindi potrei dire che la mia identità personale (“sono”) è essere creativa, la mia identità professionale (“faccio”) non riesco a identificarla verticalmente come la ragazza al bar.

Starai pensando che non è una cosa “brutta” fare cose diverse.

Ma quindi perchè è così difficile rispondere a “cosa fai nella vita”?

Mi sembra quasi che il mondo lavorativo intorno a me sia fatto di persone che sono riuscite a identificarsi in uno specifico settore, specifico ruolo. Come se avessero trovato la propria “strada”. Questo concetto di “strada” mi riporta a pranzi domenicali tra un giro di forchetta sugli spaghetti e discorsi politici, quando qualche parente puntava il discorso su qualcun* di famiglia, tipo bollettino news, e su quello che stava facendo “nella vita”.

“Ah ma lui/lei era bravo/a a scuola! Lo sapevo che trovava subito la sua strada”

La “sua strada” sembra essere un vettore con verso e direzione posizionato nello spazio tridimensionale della “vita”. Ma io faccio design, un vettore non mi basta.

C’è stato un momento, quando a vent’anni ho iniziato a lavorare, in cui quella “strada” non interessava a nessuno. Tutti intorno a me, amici, colleghi, conoscenti, sconosciuti avevano solo una frenetica voglia di buttarsi nel mondo lavorativo, senza preoccuparsi di “definirsi” professionalmente. Questo perché il lavoro ci sembrava più un mezzo per soddisfare la nostra identità personale.

Se chiedessi a mio padre “cosa fai nella vita?”, lui probabilmente mi risponderebbe con “lavoro nella scuola pubblica ma nel tempo libero mi diverto con tante cose”.

Qual è stato il momento in cui identità personale e identità professionale si sono fuse?

Credo che la radice sia nelle radici.

La generazione dei miei genitori (“Baby Boomer”) sono cresciuti con la mentalità del lavoro come puro sostentamento familiare. Loro sono quelli della generazione dei sognatori, di quelli che “da grande vorrei essere un astronauta”, di quelli che, a prescindere dal livello di istruzione, avevano quella famosa strada già scritta dai propri genitori.

E cosa succede se leggi subito il finale della storia?

Cambi libro.

Quella generazione sognava di scriverlo il proprio “libro”, non di leggerlo.

Ed è forse qui che è scattato qualcosa: il lavoro diventa anche un mezzo di realizzazione personale.

La mia generazione è cresciuta con quella generazione di genitori che avevano un piede nei proprio sogni e un piede nella paura di affrontarli perchè “non davano sicurezza economica”.

L’effetto qual è stato?

Effetto A “Predisposizione”

Una delle reazioni della Generazione Y (o Millennials) è stata quella di seguire le predisposizioni: “in cosa sono abile?”. Spesso è anche supportata da un contesto familiare in cui quella predisposizione già era coltivata, motivo per cui per qualcuno è stato naturale scegliere quella strada non imposta.

Effetto B “Fai quello che ami e non lavorerai un solo giorno della tua vita”

Questa invece è la reazione che ci hanno venduto con una bella frase di Confucio (che oggi forse troviamo solo nei biscotti della fortuna).

Scegliere quello che ami come lavoro. Amare il proprio lavoro.

In questo preciso istante abbiamo cliccato il button per mergiare la nostra identità personale e professionale.

Questa reazione porta con sé tutto il peso dei sogni della generazione precedente. Ma nel passaggio ci hanno anche iniettato anche 10ml di “paura di non avere solidità economica”. Perché ovviamente se scegli quello che ami, quell’unico amore monogamo, l’ansia di fallire è dietro l’angolo. E noi millenials non abbiamo fatto la “scuola dei fallimenti”, li abbiamo dovuti sperimentare, vivere. Una run difficile.

Qualcuno parlerebbe di resilienza, ma non lo farò. Si tratta solo di ricominciare il livello e imparare il pattern dei propri fallimenti.

I videogiochi sono come il sogno americano. Lavora duro e avrai la tua villetta col barbecue. Non ci sono porte chiuse a priori.

— Zerocalcare, La profezia dell’armadillo

Questo istinto di sopravvivenza, di adattarsi in continuazione, di ricominciare il livello e di riadattarsi ancora, ti trasposta di checkpoint in checkpoint attraverso micro-obiettivi.

Ma quindi cosa devi fare nel gioco?

“Ho saltato qui nelle spirali di fuoco, o ucciso il boss e ho salvato il piccolo amico del protagonista”

Sì, ma qual è l’obiettivo del gioco?

Bello livellare, belle le ricompense e l’albero delle skill. Ma la missione principale qual è?

“Non lo so ancora.”

Con la paura di fallire per non vedere più quel Game Over, abbiamo perso di vista quello che amiamo. Abbiamo dimenticato perché avevamo scelto quella strada.

Un po’ come una relazione stabile: dopo più o meno tempo, pensi a perché vi siete scelt* e se quell’amore c’è ancora a prescindere dalle persone che siete diventate nel tempo.

Quando ci si mette in discussione, si ha più paura di cambiare strada che di ammettere che quella strada non era giusta. O che era giusta in quel momento ma non ora. O che non era unica ed esclusiva.

Noi della Generazione Y abbiamo una così rapida reazione quando vediamo un ostacolo che nel dubbio premiamo “Jump”. A furia di saltare però poi è facile cadere. E il “Non lo so ancora” è come premere “Jump”.

Ho pensato, ovviamente sotto la doccia, piena di dubbi e paranoie e con l’identità personale e professionale fuse in una monolitica e arcana reliquia indecifrabile, a cosa avrei risposto a quella ragazza al bar dopo questa riflessione.

Cosa fai nella vita?

“Mi innamoro di quello che faccio, anche quando quello che faccio cambia.”

Noi, della Generazione Y, siamo quelli che se iniziamo la run in modalità Easy, la ricominciamo in modalità Master solo per migliorarci e settare un nuovo micro-obiettivo.

C’è una soddisfazione paragonabile all’amore carnale.

Ora parlo per me, questo definisce la mia identità personale e professionale: un creative professional, se devo usare paroloni da Linkedin, ma di fatto sono un unicorn hunter (letteralmente, nessun riferimento a pratiche intime).

Brano consigliato solo alla fine della lettura

“Siamo il lavoro che facciamo?” — A Millenial Retrospective was originally published in weBeetle on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Cosa vuole l’utente e di cosa ha bisogno (designer POV)

Previously on:

In un giorno di ordinaria follia divenni designer

Recap Season 1

Abbiamo parlato di un trono corteggiato da sette regni, di porte che non reggono (AHIA) e di totoscommesse su chi lascerà la serie e in quale modo brutale.

O forse no.

“Al gioco dei designer o si vince o si muore.”

Quindi abbiamo visto insieme:

• S01E01 — Chi sono
• S01E02 — Chi è il designer?
• S01E03 — Cosa significa Design?
• S01E04 — UX vs UI
• S01E05 — Cos’è la User Experience?
• S01E06 — Human-centered Design
• S01E07 — Fondamenti e strumenti della UX
• S01E08 Special Episode — Inclusive Design

Nella seconda stagione c’è un ribaltamento del punto di vista su un personaggio già apparso nella prima stagione, ovvero la User Interface (UI).

Lo so già che non ti ricordi qual è la differenza tra UX e UI.

Ti direi di guardarti di nuovo la prima stagione.

Ma io sono tra quellə che, se si inchioda il pensiero su una scena in particolare, fa di tutto per trovare solo quell’estratto.

Quindi ti do l’estratto.

La User Experience, o UX, si occupa dell’architettura dell’interazione: è quasi invisibile, come per l’uomo l’apparato scheletrico o muscolare.

La User Interface, o UI, si occupa dell’aspetto formale dell’interazione: è esposto e visibile, come la pelle o i capelli (lunghi, corti, ricci, lisci, biondi, castani, ecc.).

Fatte le dovute differenze.

Cos’è la UI?

“Le interfacce utente multimediali incorporano, integrano e sincronizzano media diversi (media statici come testo, grafica, immagini e media dinamici come audio, animazione, video o altre modalità sensoriali).”

– Software ergonomics for multimedia user interfaces (Part 1: Design principles and framework)

Nella prima stagione abbiamo preso confidenza insieme col mantra del “dipende”: progettare implica tante variabili e poche costanti, continue validazioni, possibili reiterazioni. Questo non permette di avere quindi regole “scientifiche”. Possiamo però avere dei riferimenti che in fase di progettazione aiutano a farci le domande giuste per tracciare la soluzione migliore.

Questi riferimenti sono gli attributi di presentazione:

• Chiarezza: il contenuto delle informazioni viene trasmesso in modo rapido e preciso;
• Discriminabilità: le informazioni visualizzate devono essere distinte in modo accurato;
• Concisione: gli utenti non devono essere sovraccarichi di informazioni estranee;
• Coerenza: il design deve essere un unico filo conduttore dell’esperienza, pertanto deve essere conforme alle aspettative dell’utente;
• Rilevabilità: l’attenzione dell’utente deve essere veicolata verso le informazioni rilevanti;
• Leggibilità: le informazioni devono essere di facile lettura;
• Comprensibilità: il significato deve essere chiaramente comprensibile, inequivocabile, interpretabile e riconoscibile.

Durante le due lezioni rispettivamente di UX e UI, volevamo ammazzare la noia e spezzare i lunghi momenti nozionistici con alcuni giochi.

Uno di questi è l’immagine sopra, in cui viene chiesto innanzitutto di riconoscere il prodotto e poi assegnare a ciascuna forma quale rappresentasse la UX e quale la UI.

È la quarta volta che lo proponiamo, a persone totalmente diverse. Target lontanissimi tra loro.

Ma quasi tutti vedono il packaging del ketchup, indotti anche dal colore rosso.

La maggior parte risponde che il packaging a sinistra è la UI, perché quella forma è riconoscibile facilmente (Chiarezza, Leggibilità) in una bottiglia che, dato il suo comune utilizzo, porta a pensare che la sostanza contenuta è più o meno liquida (Coerenza) e che quindi l’aspettativa di quella esperienza è quella di “svitare il tappo e versare il contenuto” (Comprensibilità). Quasi tuttə di pancia rispondono che questa forma è più “bella”. La percezione di questa “bellezza” è data proprio dalla sua leggibilità, chiarezza, coerenza e comprensibilità: una bottiglia è fatta in un certo modo con delle caratteristiche che conosciamo e ci dà comfort riconoscerla e conoscere il suo utilizzo. Apparentemente questo comfort ci fa risparmiare energie nel capire come funziona qualcosa.

Se sprechiamo energie è bello.

Perché siamo pigri.

A questo punto c’è sempre qualcuno o qualcuna che interviene dicendo:

Sì, però che rottura far scendere il ketchup con quella di sinistra!

L’energia quindi la impieghiamo nell’esperienza con quella bottiglia “classica” contenente il ketchup perché, seppur apparentemente più facile, quella progettazione non tiene conto:

• di come incide la temperatura sul prodotto contenuto nella bottiglia che, essendo denso, può fare più o meno resistenza alla bottiglia e di conseguenza modifica l’esperienza;
• della necessità di dosare il prodotto contenuto nella bottiglia che, essendo un “condimento”, l’obiettivo non è svuotare la bottiglia ma scegliere quanto prodotto far scendere nel piatto;
• del bisogno di dover accelerare la caduta del prodotto con le famose “botte” al fondo della bottiglia posizionata a testa in giù, che ovviamente ci rende l’esperienza demotivante perchè, appunto, non si può dosare un “colpo”.

Quindi questi tre punti sono stati analizzati da designer per risolvere quelle frizioni nell’esperienza. Innanzitutto rivisitando la forma invertendo l’apertura già verso la direzione verso cui il prodotto deve andare; sostituendo il materiale del packaging da vetro a plastica, cosa che permette la manipolazione e quindi l’atto di premere; infine riprogettando totalmente il sistema d’uscita del ketchup con un tappo dosatore che, premendo più o meno il packaging, permette di dosare il contenuto.

Tutto questo ha permesso di avere una UX centrata sull’obiettivo dell’utente, sulle sue aspettative e sulla sua soddisfazione. Viene sacrificato qualche attributo della UI, certo, ma viene colmata ampiamente la UX.

Una giusta mediazione.

Come ci si comporta invece con esperienze digitali?

Quelle famose variabili di cui sopra.

Ecco, dipende.

Di fronte alla progettazione di esperienze digitali (website, app, tool, software, ecc) dobbiamo fare qualche passo indietro, agli inizi del XX secolo, per “rubare” qualche concetto di percezione visiva dalla corrente tedesca Gestalt.

La psicologia della Gestalt (dal tedesco Gestaltpsychologie, “psicologia della forma” o “rappresentazione”) nasce in Germania agli inizi del XX secolo ed è una corrente psicologica incentrata sui temi della percezione e dell’esperienza. Max Wertheimer, nel 1910, è spesso considerato il pioniere del movimento della Gestalt. Le idee chiave della Gestalt riguardano la percezione e la cognizione, sottolineando l’importanza delle configurazioni organizzate e della comprensione della totalità dell’esperienza, piuttosto che della semplice somma delle sue parti.

Alcuni dei principi che possono guidarci:

Vicinanza

Elementi tra loro vicini e simili vengono considerati dal nostro cervello un tutt’uno.

Zona comune

Gli elementi posizionati all’interno della stessa regione vengono percepiti come raggruppati.

Somiglianza

Gli elementi con caratteristiche comuni (dimensione, colore, peso, posizione, forma, ecc.) vengono percepiti come appartenenti ad uno stesso gruppo.

Forma chiusa

La nostra mente è predisposta a fornire le informazioni mancanti per chiudere una figura.

Simmetria

Elementi simmetrici sono percepiti come appartenenti allo stesso gruppo, dandoci una sensazione di ordine e solidità.

Continuità

Le linee sono percepite più facilmente quando sono continue. In casi di interruzione, la mente percepisce una figura unitaria anche quando questa non esiste nella realtà.

Destino comune

La mente percepisce come appartenenti allo stesso gruppo quegli elementi che sembrano muoversi nella stessa direzione.

Questi sono ovviamente piccoli suggerimenti che ci aiutano a organizzare i contenuti e a comunicarli in maniera chiara, discriminabile, rilevabile e leggibile.

Ma se parliamo di organizzazione di elementi non possiamo non parlare di Atomic Design, UI Pattern e Design System.

Atomic Design

[ADD TO LOOT]

L’Atomic Design è l’insieme di componenti visivi organizzati per complessità in diversi blocchi: atomi, molecole, organismi, modelli e pagine.

Atomi

Nel contesto di una UI gli atomi rappresentano degli elementi non ulteriormente suddivisibili e inseparabili, li si può descrivere come dei mattoni che utilizzati insieme permettono di costruire una casa. Dal punto di vista della progettazione di UI, gli atomi possono essere assimilati ai pulsanti di un form o ad un campo di testo. Una delle caratteristiche peculiari degli atomi riguarda il loro elevato livello di astrazione, motivo per il quale possono essere considerati come tali anche le animazioni o i font.

Molecole

A differenza di quanto accade con gli atomi, che per loro natura sono delle monadi, le molecole si presentano come degli insiemi. Una molecola è sostanzialmente un gruppo di atomi che possono essere combinati con lo scopo di svolgere una funzione. L’etichetta di un form, un campo di input e un pulsante di invio sono degli atomi inutilizzabili se presi singolarmente, se uniti diventano invece un modulo per l’invio di feedback o per la formulazione di una query ad un motore di ricerca.

Organismi

Nell’Atomic Design un organismo è il risultato della combinazione di più molecole. Si pensi ad esempio al caso dell’header di una pagina web. Essa può contenere un motore di ricerca interno, un menu, il logo di un brand e le icone per il collegamento ai social network. Ognuna di queste molecole partecipa quindi alla formazione di un organismo che è appunto l’header, ma esistono diverse tipologie di organismi e la loro natura dipende dal tipo di molecole in essi aggregate. Per questo motivo possono essere considerati organismi anche componenti di una UI come, per esempio, un footer.

Template

Con la fase relativa ai template l’Atomic Design supera in parte il modello ispirato alla chimica iniziando a proporre quello che dovrebbe essere il risultato finale della progettazione di una UI. Un template è infatti un insieme di organismi che quando uniti portano alla formazione di uno schema (layout) per le pagine. Volendo proporre una definizione dei template, possiamo affermare che essi sono raffigurabili come degli aggregatori in grado di offrire un contesto ad atomi, molecole e organismi.

Pagine

Le pagine rappresentano i template, ciò significa che permettono di visualizzare le UI nella loro forma definitiva, compresi i contenuti che sono destinate ad ospitare. Oltre che essere la fase culminante dell’Atomic Design, le pagine permettono di mettere alla prova l’efficacia del Design System adottato. Se i test dovessero far emergere delle criticità sarà necessario intervenire su molecole, organismi e template per applicare le modifiche necessarie ad una resa più performante della UI progettata.

Grazie a questo “modo di pensare”, esistono degli aggregati di atomi/molecole ricorrenti che ormai sono diventati quasi degli standard, dei pattern.

Questi appunti si chiamano UI Pattern.

I pattern di interfaccia sono soluzioni ricorrenti che risolvono problemi comuni di progettazione. Gli UI Pattern sono punti di riferimento standard per gli UI designer e per i developer.

Quando facciamo swipe sul cellulare o navighiamo in internet, davanti ad una nuova app o website, difficilmente impieghiamo energia per imparare ad usarli. Questo perchè alcuni pattern li riconosciamo: un’app bar, un menù, una pagina di sign in o di login sono tutti pattern ricorrenti.

Soluzioni già consolidate a problemi di interfaccia e usabilità.

A Napoli si dice:

‘O cocco ammunnato e buono

E se tutto è già pronto e anche strutturato, documentato e ready-to-use, ci troviamo di fronte ad un Design System.

Il Design System è un insieme completo di standard di progettazione, documentazione e principi comprendente un toolkit (componenti e modelli riutilizzabili).

A questo punto della lezione, facciamo sempre una domanda:

Perché utilizzare un design system?

Quasi tutti rispondono perchè con un design system è più veloce progettare e sviluppare un prodotto digitale.

E non solo. Un design system va a risolvere una serie di problemi durante tutto il flusso di progettazione in cui sono coinvolti tanti attori:

• Perché migliora il lavoro tra designer e dev;
• Perché il processo produttivo è più veloce;
• Perché è centralizzato, riutilizzabile e scalabile;
• Perché semplifica il lavoro di progettazione;
• Perché concede coerenza alla UI.

Come lavorano quindi un/una UX/UX designer in una software house?

Nella prima parte abbiamo parlato di mediazioni, di contaminazioni e del mantra “dipende”.

E la UX/UI si trova nella terra di mezzo tra il business e il development. L’immagine ovviamente è a solo scopo illustrativo: i designer non volano e i developer amano la luc… ah no.

Zoomando sull’E2E della produzione di esperienze digitali, in weBeetle adottiamo un approccio agile “ciclico” più che lineare che include quindi una continua valutazione, progettazione e testing delle soluzioni prima di arrivare alla “messa online” (deploy).

Concludo riportando una domanda a tre teste che durante le lezioni della Habeetat School arriva sempre e sento che è importante ribadire:

Quindi voi cosa fate in azienda? Che programmi utilizzate? Cosa avete studiato prima di lavorare?

Rispondo per me, anche se io e Davide Albanese abbiamo un background simile.

In weBeetle, ho iniziato come UI Designer perchè ho studiato Graphic Designer all’Accademia di Belle Arti di Napoli. La UX, che ovviamente è impossibile separare dalla sua gemella, si è inserita successivamente sul percorso, per necessità, per voglia e per la bella contaminazione avuta da Francesca Postiglione.

Non sono una UX Designer ma faccio anche UX. E voglio cogliere l’attimo per ribadire una differenza importante:

Un o una UX Designer e un o una UI Designer hanno background formativi completamente diversi: il/la primo/a probabilmente avrà, oltre l’esperienza, una formazione in scienze psicologiche, psicologia cognitiva o neuroscienze; il/la secondo/a avrà, oltre l’esperienza, una formazione umanistica in comunicazione, progettazione grafica per l’impresa o graphic design.

Due mondi così opposti eppure così vicini.

Tipo Hanna Montana.

In quanto UI Designer, con background da Graphic Designer, gli strumenti che ho utilizzato negli anni sono quelli che mi permettevano di progettare e visualizzare diversi tipi di output (web, app). Molti designer hanno iniziato proprio con Adobe Photoshop o Illustrator, io studiai su Adobe Muse, un software della CC ormai dismesso.

Subito dopo ho provato molti tool specifici tra cui Zeplin, Sketch, InVision, fino ad atterrare su Adobe XD. E oggi sono in passaggio su Figma. Questi tool ovviamente sono stati progettati e migliorati proprio per soddisfare e facilitare la progettazione di interfacce utente, difatti quasi tutti tendono a centralizzare variabili e componenti.

Dato che non è una trilogia e non ci sono DeLorean volanti, la storia finisce qui.

Ma voglio concludere con una riflessione:

Come fa allora Emmett Brown, oggi, ad essere sempre uguale dal 1985? Non è che c’entra ‘sta storia dei viaggi nel tempo?

La riflessione ovviamente non era questa.

Ma:

Ci tengo che sia chiara la distinzione tra UX e UI, perchè è davvero un tema che confonde neofiti e non. Ma ci tengo anche a dire che, sempre in quanto progettisti e mediatori, i confini sono sempre astratti. La realtà è sempre fatta di contaminazione quando si sta in un team multiprofessionale. La collaborazione sana e appassionata abbatte quei confini che ci lascia avvicinare e scoprire tanti mondi professionali limitrofi, pur rispettando la professionalità verticale reciproca.

I contenuti della lezione tenuta nella Habeetat School sono stati elaborati a quattro mani da me e Davide Albanese.

Brano ascoltato durante la scrittura

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Sui principi base di UI — An Habeetat School Story (Vol. 2) was originally published in weBeetle on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Cosa vuole l’utente e di cosa ha bisogno (designer POV)

Sono Anna Grazia e ho 32 anni. Sono della provincia di Salerno e per ricaricarmi devo ascoltare la sigla di “Dragon Ball GT” di Giorgio Vanni. Leggo fumetti, disegno, guardo serie TV e film, vado ai concerti, gioco con la Nintendo Switch. Non esattamente in questo ordine. Sono UI Designer in weBeetle da 6 anni.

So che hai scrollato su (o giù, se hai la mode invertita) per rileggere il titolo. La mia presentazione ti ha stranito, perchè in tutti gli articoli tecnici e nozionistici che hai letto fino ad ora nessunə si è mai presentatə.

Penso che quando ci prendiamo del tempo per leggere un articolo, ci aspettiamo una storia. E questo succede anche quando leggiamo o vediamo i tutorial.

Perché salto, a step di minuti, i tutorial?

Perché mi annoiano. Perché non c’è una storia e quindi ho solo la fretta di imparare quello che mi serve. Che poi è la stessa fretta che me li fa dimenticare.

Invece una storia non la dimentico. Nemmeno la persona che la narra.

Ho cominciato a rifletterci su quando Giovanni Gibiino ha portato in weBeetle la sua “Meccanica della mente”: ha toccato temi come analisi comportamentali, reazioni biologiche, psicologia cognitiva e intelligenza emotiva con semplicità e chiarezza. Insomma, più come storyteller che come formatore/consulente.

E le storie rimangono. I tutorial li dimentico.

Per questo, voglio raccontare una lezione, ripetuta, modificata, migliorata, evoluta. Voglio raccontare una “Habeetat School Story”.

Siamo alla terza edizione della Habeetat School di weBeetle. I ragazzi e ragazze che si iscrivono sono molto diversə ogni anno e ogni anno anche il roster docenti varia leggermente. Sentiamo la chiamata alle “arti” e io e Davide Albanese prepariamo un modulo di UI e UX Design all’interno della scuola per aspiranti sviluppatori e sviluppatrici (lo rileggo e mi fa tanto “Scuola di Magia e Stregoneria di Hogwarts”). Che poi anche i docenti sono aspiranti tali, nel senso che chi insegna è prima un professionista o una professionista che pratica quel mestiere ogni giorno, ma di fatto non insegna quel mestiere. Una bella challenge. Ovviamente accepted.

Ovviamente la sfida è stata prendere quello che faccio e spiegarlo.

E strutturarlo.

E renderlo didattico ma non noioso, appunto.

E poi SPIEGARLO.

Quante volte ti hanno chiesto “che lavoro fai?” e ti sei sentitə storditə?

E avresti voluto rispondere:

La domanda è mal posta, forse te volevi chiedere: “Maestro, che ore sono?”

— Quelo (Corrado Guzzanti)

E invece ti sei sentitə come un Metapod atterrato da uno Stordiraggio.

Il punto è proprio la domanda, caro Quelo.

Nessuno domanda mai “che figura professionale ricopri?” (già dirlo è una fatica).

Peccato, perchè richiederebbe una piccola risposta con una stringa di massimo 15 caratteri, ma no, la domanda è sempre “che lavoro fai?”.

E si trascina il peso della responsabilità non solo di identificare la tua figura professionale ma soprattutto di scendere nelle profondità degli abissi del percorso formativo, delle competenze, nelle mansioni, negli strumenti, nelle scelte professionali, nella tua routine lavorativa.

Che fatica.

Immagina questo trasportato davanti a 10/12 ragazzi e ragazze che hanno sparato la Portal Gun verso il pianeta di “chi voglio essere da grande?”.

Quindi che si fa?

Certezza di ansia.

Scarse possibilità di idratarsi durante la lezione.

Cosa stiamo aspettando?

Quindi con certezza di ansia e scarse possibilità di idratarsi, io e Davide Albanese quindi decidiamo di iniziare questo “viaggio inaspettato”.

Prima di parlare di UX Designer, è necessario fare delle premesse:

Chi è il designer?

Tante volte mi hanno detto (ci hanno detto, Davide Albanese) “ah bello, sei un designer, quindi sei un artista!”, ma la cruda verità è che siamo progettisti.

Quando abbiamo iniziato ad avvicinarci al design credevamo, come tutti probabilmente, che si trattasse di prassi, regole, modi di fare e meccaniche, quando poi crescendo e imparando abbiamo capito che non ci sono regole, ci sono mediazioni. E questa è probabilmente l’unica regola “del Fight Club”.
La prima precisazione quindi:

Design non vuol dire disegnare ma progettare.

Mentre un o una artista dà vita più o meno liberamente alle sue sensazioni, alle sue emozioni e si rivolge a persone “a modo suo”, che le sue opere piacciano o no, il designer si insinua tra un problema e una possibile soluzione e cerca una mediazione. Considera l’estetica solo in un secondo momento: per lui sono fondamentali la funzionalità dell’oggetto o servizio, la sua coerenza e il miglioramento (impatto) collettivo che può generare.

Ti domanderai:

Ma quindi, se non disegnate e avete dei vincoli, cosa fate?

Progetta soluzioni.

Pensiamo ad una “banalità” come può essere una sedia. Sei qui a leggere, per minuti, ore. In piedi risulta un po’ “scomodo”. Come risolverlo? Ecco come nasce probabilmente la sedia: nel momento in cui delle persone sono in un posto/posizione/contesto per più o meno tempo, la sua funzione è quella di non farle stancare troppo e quindi farle riposare. Questo è il suo compito e questo è l’obiettivo dei designer… Se poi si riesce a creare una sedia che è anche “bella” tanto meglio!

Quindi tutto il flusso di interazione tra una persona e un oggetto o servizio viene risolto progettando una user experience, ovvero esperienza utente, che soddisfi il goal della persona e di conseguenza dia la possibilità di superare un problema o una frizione.

In questo schema, più o meno chiaro (forse meno), si può avere un’idea di quanto vasta può essere l’area della UX: racchiude tante sfaccettature del design e, non solo, che conosciamo ma non ne abbiamo percezione perchè quello che “vediamo”, con cui ci “interfacciamo” è probabilmente l’ultimo stadio dell’intera esperienza che stiamo vivendo.

Immaginiamolo come un iceberg: la parte visibile è la punta, quindi i tasti che premiamo, le foto che scorriamo con dei gesti sullo schermo, ma sotto, per ogni azione, sono direttamente o indirettamente coinvolti tanti altri aspetti. Ad esempio, il marketing che spinge una persona, il nostro utente ad utilizzare, acquistare, entrare in contatto con un oggetto.

Possiamo quindi dire che la UX è frutto di una mediazione. Più sinteticamente potremmo definire la UX come il risultato, l’insieme, di più fattori che si relazionano gli uni con gli altri.

Tra questi, ovviamente, il design come potevamo immaginare. La tecnologia intesa come limite tecnologico per progettare ma anche come potenziale. E ovviamente non dimentichiamo il business: dato un budget, bisogna riuscire a creare un progetto che rientri senza andare oltre.

Spesso c’è confusione quando si parla di UX (User Experience) e UI (User Interface.

UX e UI si occupano di due momenti diversi della progettazione di un’esperienza e a un certo punto si incontrano, ma sono percorsi che non viaggiano necessariamente insieme.

La User Experience, o UX, si occupa dell’architettura dell’interazione: è quasi invisibile, come per l’uomo l’apparato scheletrico o muscolare.

La User Interface, o UI, si occupa dell’aspetto formale dell’interazione: è esposto e visibile, come la pelle o i capelli (lunghi, corti, ricci, lisci, biondi, castani, ecc).

La UX è responsabile di progettare e migliorare l’esperienza complessiva degli utenti con un prodotto o un servizio. Si occupa della ricerca utenti e della progettazione dell’informazione, le interazioni tra loro e il flusso di navigazione, passando per l’analisi dell’utente fino a creare, magari insieme allo UI Designer, i wireframe che sono dei veri e propri disegni, primi prototipi del prodotto o servizio.

Dopodiché la UI passa a definire il layout, i colori, la tipografia da utilizzare, le immagini più appropriate, quindi tutti gli elementi che compongono la parte visiva ed estetica.

Questo è un esempio dei livelli di prototipazione: si può partire dai wireframe o dagli sketch, passando al low fidelity (diciamo un wireframe più avanzato ma anche senza la parte “visual”), fino ad arrivare all’high fidelity.

In sintesi:

Fatte le dovute differenze.

Cos’è la UX?

“La UX è l’insieme di percezioni e reazioni di un utente che derivano dall’uso o dall’aspettativa d’uso di un prodotto, sistema o servizio.

Le stesse includono le emozioni, le aspettative, le preferenze, la comodità, i comportamenti e i risultati che si verificano prima, durante e dopo l’uso.”

— ”Ergonomics of human-system interaction” (Part 210: Human-centred design for interactive systems)

Tiene in considerazione quindi le emozioni dell’utente, le sue aspettative, le preferenze, la sensazione di comfort, i comportamenti e i risultati di tutta l’esperienza.

Il primo ad utilizzare il termine User Experience è stato Donald A. Norman.

Avere esperienze appaganti genera soddisfazione… E lui si diverte sullo scivolo di Epic Games! 80 anni (88 oggi) e non sentirli!

Il modo di progettare, nel tempo, è cambiato parallelamente alle esigenze degli/delle utenti.

L’essere umano ha iniziato a progettare macchine che potessero soddisfare i propri bisogni e che quindi fossero ergonomiche.

Ergonomia, letteralmente “modo di amministrare il lavoro”, è la disciplina che si occupa, in ambito scientifico, psicologico, sociale e medico dei problemi relativi all’interazione uomo-macchina-ambiente.

Si è parlato per la prima volta di ergonomia, concetto genitore del più moderno human-centered design, grazie a Hywel Murrell, psicologo della marina militare britannica che nel 1949 studiò l’interazione delle persone con l’ambiente di lavoro. Murrell venne a mancare nel 1984, esattamente nel periodo in cui si cominciò a parlare di Human Centered Design (HCD) quando Mike Cooley, ingegnere irlandese, ribaltò il rapporto uomo-macchina ponendo l’uomo prima della macchina.

La macchina diventa così elemento di supporto che favorisce le capacità dello stesso.

Nel “The design of everyday things” (1988), Norman trova la soluzione all’enigma dell’usabilità nello Human-Centered Design (HCD), ovvero nel sistema secondo cui al centro di una corretta progettazione di un prodotto, servizio o sistema, ci sono i bisogni dell’utente.

Vero è che non ci sono “regole” fisse, ma ci sono punti di vista (POV) che hanno contribuito a delineare dei punti chiave per la progettazione dell’interazione uomo-macchina. Norman infatti ha individuato 6 principi secondo i quali la progettazione può definirsi usercentrica:

• Affòrdans: letteralmente significa “invito” e rappresenta la relazione che c’è tra l’uso che suggerisce l’oggetto e l’agente che ne comprende quindi un possibile uso. (Es. Una sedia suggerisce di potersi sedere e per un adulto è anche possibile sollevarla per spostarla: queste sono 2 affordance; per un bambino piccolo, una sedia suggerisce solo l’atto di sedersi e non di spostarla: ciò determina una solo affordance);
• Significante: Per spiegare questo principio utilizzo una citazione diretta di Norman “Le affordance determinano quali azioni sono possibili, i significanti comunicano dove l’azione va eseguita. (…) per me il termine indica ogni segnale visivo o sonoro, ogni indicatore percepibile che comunichi qual è il comportamento appropriato”¹;
• Mapping: questo principio prende in prestito un concetto matematico della relazione tra elementi di due insiemi ovvero, nel nostro caso, il mapping naturale che c’è tra un comando e l’azione che ne segue (ad esempio nelle stanze possiamo trovare più interruttori che corrispondono rispettivamente a più luci e un buon mapping potrebbe essere quello di disporre in maniera analoga interruttori e luci);
• Feedback: è il principio che comunica i risultati di un’azione e lo fa in maniera immediata che sia visiva, uditiva o altro. Il feedback però non deve essere scarso nè invasivo, o almeno in caso di più feedback essi devono avere una scala di priorità, una gerarchia per cui vengono evidenziati quelli più importanti.

Se l’affordance è un insieme di “segnali” o inviti che quell’oggetto o quella macchina ci manda circa le possibilità del suo utilizzo, al contrario, vi sono esistono i vincoli, ovvero tutte quei segnali che comunicano i limiti del suo utilizzo:

• Vincoli fisici: sono limiti fisici propri dell’oggetto o dell’esperienza che suggeriscono un numero circoscritto di azioni. Se utilizzato propriamente, questo tipo di vincolo rende l’esperienza intuitiva e guidata;
• Vincoli culturali: sono limiti sociali relativi al contesto culturale in cui ci si trova e che possono cambiare nel tempo. Non esiste una convenzione su come trattare questo tipo di vincolo, ma dagli studi di Norman emerge che esistono dei frame cognitivi, strutture di regole che governano il nostro comportamento in situazioni o culture nuove;
• Vincoli semantici: sono limiti del significato di ciò di cui si fa esperienza. E in quanto semantici, si basano sulla conoscenza del mondo. Come i vincoli culturali, i vincoli semantici cambiano col tempo e anche molto più rapidamente. Basta pensare alle tecnologie, al design o all’arte che danno un nuovo significato alle cose e al contesto in base al momento in cui viviamo;
• Vincoli logici: sono limiti che derivano da una deduzione naturale dell’esperienza, magari dopo aver ricevuto già suggerimenti da quelli fisici, culturali e semantici. Ad esempio: quando si costruisce un puzzle e rimane l’ultima casella da riempire per completare l’immagine, per logica poniamo l’ultimo pezzo rimasto nell’ultima casella vuota.

Sempre seguendo il mantra del “dipende” secondo cui non ci sono regole matematiche ma analisi e studi, i fondamenti di UX si possono sintetizzare in una serie di attributi che messi insieme rendono solida l’esperienza utente come i Megazord:

• Utile: se un prodotto o un servizio non è utile per qualcuno, perché vorresti portarlo sul mercato? Se ha uno scopo, è utile;
• Usabile: giocheresti un gioco con un pad che ha 3 set di controlli? È improbabile che sia usabile poiché le persone, almeno per ora, tendono ad avere solo 2 mani;
• Individuabile: se leggessi un giornale online che ha gli articoli disposti casualmente anziché organizzati in sezioni come Sport, Intrattenimento, Tecnologia, ecc. Non è frustrante? l contenuti devono essere facilmente individuabili;
• Credibile: la credibilità è legata alla capacità dell’utente di fidarsi del prodotto che hai fornito;
• Desiderabile: la desiderabilità si esprime nel design attraverso il branding, l’immagine, l’identità, l’estetica e il design emotivo. Più un prodotto è desiderabile, più è probabile che l’utente che lo possiede ne parli bene e crei desiderio in altri utenti;
• Accessibile: l’accessibilità riguarda la fornitura di un’esperienza che può essere utilizzata da utenti con una vasta gamma di abilità, inclusi coloro che sono disabili in qualche modo, come perdita uditiva, visione compromessa, limitazioni motorie o difficoltà di apprendimento;
• Valorizzante: meglio un prodotto da €100 che risolve un problema da €10.000, o viceversa? Il prodotto deve fornire valore. Deve fornire valore all’azienda che lo crea e all’utente che lo acquista o lo utilizza.

Ma quindi:

Prima di arrivare alla progettazione dell’interazione, è necessario passare attraverso degli step preliminari di ricerca e quindi appunto la User Research:

1. I Research Reports sono dati registrati preparati da ricercatori o statistici dopo aver analizzato le informazioni raccolte conducendo ricerche organizzate, tipicamente sotto forma di sondaggi o metodi qualitativi;
2. Le Personas sono dei personaggi immaginari creati sulla base di una ricerca condotta su utenti reali allo scopo di identificare gli utenti-tipo di un prodotto/servizio;
3. La Customer Journey Map indica il percorso e tutti i punti di contatto tra un consumatore e un marchio, un prodotto o un servizio e include, oltre ai momenti di interazione diretta tra cliente e azienda, anche i contatti indiretti, come le opinioni di terzi (social, blog, recensioni);
4. La Mental Model Diagram o mappa mentale è una rappresentazione del processo del pensiero di un utente. Una mappa del modello mentale identifica le convinzioni, i comportamenti e le emozioni mentre l’utente sta completando un’attività;
5. Gli Storyboards sono rappresentazioni visive dei vari scenari possibili e sono utili per migliorare la progettazione.

Le personas sono rappresentazioni semi-fittizie e dettagliate dei diversi tipi di utenti che potrebbero interagire con un prodotto o un servizio. Questi profili sono utilizzati nel campo della User Experience (UX) per aiutare i progettisti a comprendere meglio le esigenze, le motivazioni e le aspettative degli utenti durante il processo di progettazione.

Ma il concetto di personas o di “utente medio” è un tema recentemente messo in discussione. Perchè progettare per l’essere umano significa progettare per una moltitudine di voci socialmente e culturalmente diverse. Significa renderla accessibile e inclusiva a tutte quelle voci.

Per questo si parla di Inclusive Design.

Per spiegarlo, cedo la voce a Francesca Postiglione che ha scritto un articolo fighissimo su “Design for All”.

Vorrei concludere ma non riesco.

C’è talmente tanto da dire che mi sembra veramente poco quello che hai letto fino ad ora. Ma non voglio renderti questa esperienza di lettura noiosa.

C’è sicuramente qualcosa di meglio su Netflix.

La verità è che devo finire “Stick it to the man” sulla Switch.

Quindiaccellerovelocementedicendoche:

Se è stata una bella esperienza, ti dico che c’è una seconda parte sulla UI (link in coda).

I contenuti della lezione tenuta nella Habeetat School sono stati elaborati a quattro mani da me e Davide Albanese.

Volume 2

Sui principi base di UI — An Habeetat School Story (Vol. 2)

Brano ascoltato durante la scrittura

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Sui principi base di UX — An Habeetat School Story (Vol. 1) was originally published in weBeetle on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.