Dirigido por Josh Safdie
⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️

Ano passado, quando Timothée Chalamet ganhou o prêmio de melhor ator no SAG pelo seu papel em Um Completo Desconhecido (2024), em parte do seu discurso ele disse que “estava em busca da grandeza”. E ele não estava brincando. E parece que ele já estava encaminhando sua persona em Marty Supreme, que se tornou um colosso nessa temporada de prêmios, através da possibilidade de dar ao Timothée seu tão sonhado Oscar.

Antes de mais nada: Marty Supreme é um filmaço. Um prato cheio para quem gosta de filme frenético, com história frenética e um personagem mal-caráter. Ambientado na década de 50 pós-Segunda Guerra Mundial, o filme consegue suprimir os temas sociais da época em uma trama que tem o ping-pong como espinha dorsal, mas constrói todo seu corpo na ambição de um menino de 23 anos. É Timothée Chalamet na melhor atuação da sua carreira até agora.

Marty Supreme vai além da história de um trambiqueiro que sonha em ser um dos maiores jogadores de ping-pong do mundo. A ótima harmonia entre direção, roteiro e trilha sonora constrói uma atmosfera que reflete não apenas uma jornada desenfreada, mas também o peso de cada uma das escolhas feitas por Mauser. A sequência de péssimas escolhas fala também sobre uma realidade distorcida, onde a busca pela grandeza se torna uma grande ficha criminal a cada passo da trama.

Esse também é um dos filmes com o ótimo uso dos personagens coadjuvantes, com destaques para Gwyneth Paltrow e Odessa A’zion, que de certa forma impulsionam o protagonista dentro do seu desenvolvimento. As duas são peças-chave e desempenham grandes desdobramentos na trama. E mesmo com ótimas performances de todos os lados, o roteiro não deixa o espectador esquecer, em nenhum momento, que tudo é sobre Mauser. A perspectiva dele é a única que importa.

Existe uma quantidade imensa de pontos positivos em diversas frentes do filme, mas a trilha sonora é, para mim, seu maior ponto positivo. Ela costura o filme inteiro e dita o tom da história perfeitamente, enquanto mistura na setlist clássicos dos anos 80 e a trilha original de Daniel Lopatin, com seus sintetizadores pesados. É uma coisa linda.

Marty Supreme é o tipo de filme que quebra as expectativas do público. A crescente da história consegue ser tão intensa quanto absurda, com um final que emociona à sua maneira. É uma história que pode te preencher, se você permitir abraçar o absurdo. Mauser é moralmente péssimo, mas a gente gosta quando esses personagens são extremamente carismáticos. É por isso que Timothée Chalamet sai desse filme vitorioso, porque graças a ele esse filme é o que é.

Ficha Técnica

Nome original: Marty Supreme
Direção: Josh Safdie
Roteiro: Ronald Bronstein Josh Safdie
País de origem: Estados Unidos
Ano de lançamento: 2025
(Fonte: IMDB)

Onde assistir
Em exibição nos cinemas
Stremio

Dirigido por Chloé Zhao
⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️

O cinema é uma das coisas mais lindas que existem. É claro que nem todo filme nos atinge da maneira que a gente espera. Mas existem casos como o de Hamnet, que leva o espectador pela mão e mostra o poder que um filme tem sobre nossas sensações e emoções. Ao sair da sessão aos prantos (junto de mais da metade da sala), um pensamento me ocorreu: lá na gênese da tragédia grega, era esse tipo de história que os gregos queriam contar — algo lindo e catártico, mesmo diante da devastação da vida causada pela morte.

A diretora Chloé Zhao acerta mais uma vez ao trazer todos esses aspectos. Chloé é uma das poucas diretoras que sabem falar sobre a vida em seus filmes. Hamnet é um filme sobre pré-vida, sobre vida, sobre morte e sobre pós-morte. É sobre o significado da vida em sua forma mais palpável. É um filme quase intocável de tão bonito, visualmente e tecnicamente.

O roteiro de Hamnet é assinado por Chloé Zhao e Maggie O’Farrell, escritora do livro que serviu de material base para o filme. A obra mistura fatos históricos e ficção para tratar da vida de William Shakespeare sob a perspectiva de sua esposa, no filme retratada como Agnes (Jessie Buckley). O ponto central da trama é como a morte do filho do casal, Hamnet, impactou a vida da família. Para chegar a esse lugar, o filme discute questões e temas interessantes sobre a ancestralidade que move a vida e sobre o amor como um sentimento também ancestral, que ultrapassa todas as barreiras da existência humana.

Hamnet tem um dos melhores designs de produção dentre os filmes que assisti recentemente. Chloé Zhao sabe trabalhar a natureza em seus filmes, mas a forma como ela parece um personagem à parte aqui é de se admirar. Além disso, as escolhas estéticas do filme também são de encher os olhos, com enquadramentos belíssimos que reforçam as belezas e os temores que a trama carrega.

Jessie Buckley e Paul Mescal lideram um elenco em que todos brilham à sua maneira. Existe espaço para todos os personagens brilharem e exercerem sua função. A apresentação de cada um é feita com muito cuidado, a ponto de o personagem que dá nome ao filme ter hora para entrar e sair e, mesmo com pouco tempo de tela, conseguir causar um impacto sem igual na narrativa. O mais bacana de Hamnet é que não importa se você conhece ou não a vida e a obra de Shakespeare. A carga dramática do filme vai te afetar de uma maneira ou de outra.

Eu olho para esse filme e vejo o gênero drama em sua forma mais pura. O resto é o resto. Por isso o cinema é tão importante enquanto essa forma de arte que abraça outras. Nas mãos certas, surge um filme como esse. A sequência final é uma das coisas mais lindas do cinema recente, tratando a vida como essa coisa sublime que ela é. Hamnet é um drama que nos ensina que a morte de uma pessoa que amamos não precisa ser um fim para nós que continuamos vivos. Ela pode ser um novo começo. Que filme lindo…

Ficha Técnica

Nome original: Hamnet
Direção: Chloé Zhao
Roteiro: Chloé Zhao e Maggie O’Farrell
País de origem: Estados Unidos e Reino Unido
Ano de lançamento: 2025
(Fonte: IMDB)

Onde assistir
Em exibição nos cinemas

Tagas:
#Hamnet
#Oscars2026
#BestPicture
#resenha

Dirigido por Mary Bronstein
⭐️⭐️⭐️⭐️

A dificuldade de lidar com algo pode nos assombrar das piores maneiras. E piora ainda mais quando somos obrigados a lidar sozinhos com aquilo que não é apenas responsabilidade nossa. Em Se Eu Tivesse Pernas, Eu Te Chutaria, a personagem Linda (Rose Byrne) é uma mãe no limite da sua existência, que precisa cuidar — e lidar — com muitas coisas ao mesmo tempo. Sozinha.

Os desafios da maternidade e o papel da mulher na sociedade são tópicos centrais do filme, que foge das convenções de certo e errado para tratar de uma história em que a protagonista é, ao mesmo tempo, vítima e principal catalizadora de uma trama que escala rumo ao inacreditável.

Com performances espetaculares e uma narrativa intensa, o filme deixa marcas no espectador. É um teste de resistência compreender suas nuances, enquanto acompanhamos a luta de Linda para ser apenas compreendida e amparada.

Um buraco no teto do apartamento de Linda se torna o grande objeto narrativo que materializa suas emoções e sua dificuldade em lidar. É a partir dessa catástrofe que sua vida toma um outro rumo, no qual ela se vê cercada de pessoas que a todo tempo estão prontas para tentar encaixá-la em uma posição específica.

A intensidade de Se Eu Tivesse Pernas é fruto da ótima performance de Byrne e da direção de Mary Bronstein, que compõe o retrato dessa mãe exausta, mas que luta todos os dias contra suas emoções e contra as expectativas da sociedade. Esse é o segundo filme que assisti nos últimos anos que coloca em xeque o conceito e os desafios da maternidade de maneira muito realista. O filme mostra apenas o indispensável para que o espectador entenda o processo de ruptura dessa ideia de que só porque você é mãe é necessário abrir mão da sua existência em prol da família. É nesse lugar que a narrativa quer se desenvolver.

O colapso de Linda é iminente desde a primeira sequência do filme. O “quando” ele vai acontecer é o que deixa o público tenso. Tudo é desgastante, tanto para a personagem, quanto para o público.

O título do filme tem toda uma subjetividade por trás, que vai ganhando sentido conforme a história progride. E isso não torna Se Eu Tivesse Pernas um filme difícil de compreender, mesmo sendo extremamente denso de acompanhar. Ele tem uma proposta muito direta, mas que pode levar o espectador à exaustão. Linda é essa bomba-relógio que fez de tudo para não chegar a esse ponto, mas suas escolhas também fazem parte desse processo. A maternidade é uma responsabilidade que nem todas sabem — ou querem — lidar, e o tabu em torno dela também torna tudo mais complicado.

Em diversos momentos do filme, Linda diz que “está tudo sob controle”. A verdade é que nada está, de fato, sob controle. Nem na ficção, nem na realidade

Ficha Técnica

Nome original: If I Had Legs I’d Kick You
Direção: Mary Bronstein
Roteiro: Mary Bronstein
País de origem: Estados Unidos
Ano de lançamento: 2025
(Fonte: IMDB)

Onde assistir
Em exibição nos cinemas
Stremio

Tags:
#ifihadlegsidkickyou
#Oscars2026
#Resenha

Dirigido por Oliver Laxe
⭐️⭐️⭐️⭐️

“Existe uma ponte chamada Sirāt que liga o céu ao inferno. Aqueles que a atravessam são avisados de que sua passagem é mais estreita que um fio de cabelo, mais afiada que uma espada.” Esse é o texto que abre a jornada de Sirāt, o filme representante da Espanha nesta temporada de premiações. A história acompanha um pai e seu filho em busca da filha/irmã desaparecida. Juntos, eles decidem procurá-la em uma rave no meio das montanhas do deserto do Marrocos. A partir disso, as relações que vão se formando entre eles e outros personagens constroem uma história sobre destino e as decisões que tomamos pelos caminhos da vida.

Entre as batidas do techno e os grãos de areia que ambientam a trama, Sirāt se apresenta como um filme de estrada qualquer, mas se desenrola como um thriller de sobrevivência que mexe com os nervos do espectador. É uma aula de como criar tensão, mesmo que suas decisões criativas causem controvérsias.

A primeira sequência do filme é a rave ganhando vida. Caixas de som vão se amontoando no meio de um cenário desértico. Várias mãos constroem esse espaço, onde a dança simboliza o afastamento do mundo real, mesmo quando ele insiste em se fazer presente diante desses corpos. É nesse lugar que Sirāt exige a sua atenção e os seus nervos. É importante admitir que este pode não ser um filme fácil para todos os tipos de público. Algumas pessoas, por exemplo, definiram o filme como uma visão sádica do diretor. Outras o definiram como uma experiência singular e emocionante.

A verdade é que a proposta parece não levar o espectador a lugar nenhum. Mas, para entender seu propósito, é preciso compreender, primeiro, a tragédia como elemento narrativo que enriquece e impulsiona uma trama. Não espere grandes aprofundamentos da história ou do plano de fundo. O que importa é a jornada desses personagens. Junto deles, nós também estamos isolados nesse deserto.

O filme me levou a diversos lugares que, particularmente, gosto. Aquela ansiedade gerada pela expectativa do que pode acontecer, pelo desenrolar de eventos que podem movimentar a trama para diferentes caminhos. Tudo isso está aqui, em meio a ótimas performances (de atores e não atores), uma produção impecável e a música, que é parte crucial dessa travessia pelo deserto. Sirāt não é um filme grandioso ou ambicioso. É simples e objetivo.

Existe um certo exagero em alguns momentos e algumas decisões tornaram o filme mais denso do que ele precisava ser. Isso foi uma das poucas coisas que me incomodaram. Ainda assim, o roteiro é consciente sobre o seu rumo, tratando da vida e da morte na mesma medida. No final, fica evidente que nem todo filme precisa ser profundo em seus temas para causar impacto no espectador; basta saber como conduzi-lo pela narrativa e pela ideia, principalmente.

Ele não entrou na minha lista final de 2025 por pouco. Mas foi uma das muitas surpresas do ano no cinema.

Ficha Técnica

Nome original: Sirât/
Direção: Oliver Laxe
Roteiro: Santiago Fillol e Oliver Laxe
País de origem: Espanha
Ano de lançamento: 2025
(Fonte: IMDB)

Onde assistir
A partir de 26 de fevereiro nos cinemas
Stremio

Tags:
#sirat
#cannes2025
#oscar2026
#review

2025 | ⭐️⭐️⭐️⭐️⭐️

No último final de semana assisti a minissérie do momento. Mesmo odiando a existência da Netflix, dediquei um tempo para entender o porquê de estarem falando tanto sobre “Adolescência”. E que bom que estão falando muito sobre ela. Na resenha, foco numa análise geral, mas existe muitas coisas que valem a pena conversar sobre essa história.

Se você é uma pessoa adulta, provavelmente já teve alguma conversa sobre como as novas gerações estão fora de controle. A adolescência é uma fase difícil, mas, para as novas gerações, algo mudou. Um levantamento realizado pela pesquisa TIC Kids Online Brasil, de acordo com o portal Terra, revelou um aumento significativo do acesso precoce à internet por crianças a partir dos 6 anos de idade. Ao final dessa resenha, deixo o link para quem quiser ler mais sobre o assunto, mas, em resumo: não existe um controle por parte dos pais, e isso vem influenciando as novas gerações de diversas maneiras conforme elas crescem — e quase todas de forma negativa. Uma dessas consequências é a difusão dos discursos misóginos, que cultivam ódio às mulheres entre os rapazes adolescentes.

A minissérie Adolescência, disponível na Netlix, traz um recorte sobre esse assunto e esse não é apenas o ponto de partida da narrativa. Uma menina foi assassinada por um menino de 13 anos, e o que começa como uma suspeita se torna uma verdade. O que começa de forma muito confusa e básica, desencadeia uma série de situações absurdas que deixam o espectador em completa agonia. O problema já está aí, e a história quer trazer não só um alerta, mas também dialogar e causar reflexão. Adolescência é muito maior do que uma simples resposta para um problema real.

Na trama, enquanto as autoridades e a família tentam entender o que impulsionou o crime, somos imersos em uma narrativa que emula o real: o frenesi de passar por uma situação como essa e como ela afeta todos os personagens ao redor desse menino, de maneiras diferentes, enquanto todos percebem o monstro que se constrói nas atitudes e nos discursos de Jamie. Aqui, vale uma pesquisa complementar da sua parte para entender quem é Andrew Tate, citado na série e que, segundo um dos criadores da minissérie, Stephen Graham, é uma das vozes por trás dos muitos discursos que a série busca apontar.

E quando eu falo que Adolescência é maior do que qualquer resposta, é porque ela quer analisar as entrelinhas dessa situação. A série quer colocar o espectador na posição de protagonista — mas um protagonista que entenda o que está acontecendo, sem cair na narrativa simplista de certo x errado ou moral x imoral. Cada um dos episódios segue uma perspectiva diferente da história, mas o último, que coloca exatamente a família de Jamie no centro, é crucial. A conversa entre os pais é dolorosa, mas tecnicamente incrível. Terminei o episódio com lágrimas nos olhos.

Adolescência é formada por 4 episódios, inteiramente filmados em plano sequência. Isso deixa tudo ainda mais visceral, não está ali por mera estética — é parte essencial dessa jornada. De início, isso me incomodou um pouco, mas durante o episódio 2, que se passa inteiramente em uma escola e é claustrofóbico, eu entendi a proposta. É um fluxo real acontecendo diante dos nossos olhos. Graham, que além de criador também dá um show de atuação na obra como pai de Jamie, deixou claro o que o levou a escrever esse roteiro: a onda de assassinatos de meninas mortas por meninos da mesma idade que tomou conta da Europa.

Nas palavras dele, em entrevista para o apresentador Jimmy Fallon, a história é sobre a busca pelo porquê desses crimes, sem apontar lados, mas também mostrando que todos nós, enquanto sociedade, temos algum nível de responsabilidade em cuidar e educar esses meninos, seja no ambiente escolar, na comunidade ou dentro da família. A qualidade disso aqui é fruto de uma produção espetacular.

A própria Netflix postou alguns vídeos dos bastidores para ilustrar a complexidade de fazer um trabalho como este. Adolescência nem precisou de muito tempo para se tornar uma das melhores minisséries dos últimos anos, colocando em pauta uma discussão que, por incrível que pareça, não é tão urgente quanto deveria ser. Assistam, tirem suas conclusões e comecem a ter um olhar mais apurado sobre esse assunto.

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Link da notícia do portal Terra: https://www.terra.com.br/vida-e-estilo/criancas/cresce-o-numero-de-criancas-que-usam-a-internet-sem-supervisao-dos-pais,8b8ba724a48a121f8e462b3e40fc5dc3wdoqq3hf.html

E 2024 acabou. Junto com seu fim, chegam as polêmicas listas de fim de ano. A escolha da minha lista esse ano não foi muito difícil, porque uma boa parte dos filmes que a compõem foram grandes experiências. Filmes que divertem, emocionam, mas, sobretudo, entretém.

10 — Canina (Nightbitch) | Dirigido por Marielle Heller | 2024

Assisti Nightbitch no Festival do Rio 2024, e foi uma experiência peculiar. O filme aborda a complexidade da maternidade de maneira elaborada, misturando comédia e drama de forma muito coerente. A narrativa flerta com o besteirol, mas mantém os pés no chão para entregar uma crítica direta e sem soar mais do mesmo. É uma experiência única e uma das obras mais intrigantes do ano.

9 — Malu | Dirigido por Pedro Freire | 2024

Fazer com que o público se identifique com a narrativa de Malu é o primeiro grande mérito dessa biografia. A princípio, eu estranhei algumas decisões criativas da obra, principalmente a de dividir os pontos de vista e o desenvolvimento dos personagens. Porém, essa questão não diminui a qualidade da obra. Intenso, emocionante e poderoso, Malu é uma pérola escondida do cinema brasileiro.

8 — September 5 | Dirigido por Tim Fehlbaum | 2024

Como futuro jornalista, September 5 é um dos meus filmes favoritos do ano. Ele retrata com muita intensidade uma das coberturas jornalísticas mais desafiadoras da história da humanidade: o atentado nas Olimpíadas de Munique, em 1972. Transformando uma crise televisiva em uma narrativa fluida e cheia de grandes momentos, essa é mais uma pérola escondida do cinema em 2024.

7 — Wicked | Dirigido por Jon M. Chu | 2024

Anunciado em 2016, a adaptação de uma das maiores montagens musicais da Broadway foi um dos filmes que eu mais esperei para assistir. Nos bastidores, tirar a adaptação do papel sempre foi uma questão polêmica, mas, em 2024, finalmente ela chegou aos cinemas. Respeitando todo o material base, Wicked entrega uma das melhores adaptações musicais dos últimos anos. O filme chega no final da temporada, surpreendendo o público geral e a crítica, tendo fortes chances de chegar ao Oscar 2025.

6 — Apocalipse nos Trópicos | Dirigido por Petra Costa | 2024

Durante o Festival do Rio 2024, a incrível Petra Costa — conhecida pelo documentário Democracia em Vertigem (2019) — lançou um novo documentário ainda mais impactante, trazendo em primeira mão como a bancada evangélica alavancou a eleição de um dos piores presidentes que o Brasil já teve. É um documentário onde não existem necessariamente vilões, mas mostra como a fé é capaz de mover toda uma estrutura. O documentário está previsto para ser lançado na Netflix em 2025.

5 — Ainda Estou Aqui | Dirigido por Walter Salles | 2024

Abrindo o meu top cinco de 2024, o queridinho do cinema brasileiro deste ano. Ainda Estou Aqui entra nessa lista como uma das grandes experiências cinematográficas que tive o prazer de experienciar. Esse não é o primeiro e nem será o último filme falando sobre ditadura militar no Brasil, e seu recorte específico gerou um debate interessante e válido, que eu prefiro deixar de fora no momento e apreciar o alcance e o engajamento que a obra está recebendo mundialmente nessa campanha para o Oscar. Façam, sim, os debates, mas não esqueçam a potência que é o cinema brasileiro.

4 — Alien: Romulus | Dirigido por Fede Álvarez | 2024

Este ano tivemos ótimos filmes de terror. O meu preferido é o capítulo mais recente da franquia Alien, Alien: Romulus, que trouxe de volta aquilo que fez a franquia ser uma das mais incríveis da ficção científica. Uma criatura solta em uma nave claustrofóbica, nas mãos certas, pode ser um casamento impecável, e em Romulus isso é elevado ao máximo com um roteiro no ponto e uma direção que sabe como conduzir a trama da maneira certa. Não é o suprassumo do cinema, mas é entretenimento de qualidade.

3 — Rivais (Challengers) | Dirigido por Luca Guadagnino | 2024

A partida de tênis mais bissexual do cinema foi um acontecimento. Rivais é um dos melhores filmes do ano por aqui por diversos motivos. O que elevou ele até esse top 3 é a sua narrativa não linear que simula uma partida de tênis. Grandes atuações, uma direção de tirar o fôlego e um roteiro que prende o espectador do início ao fim. Além disso, a trilha sonora do filme também é uma das minhas favoritas do ano. Esse ano tivemos grandes trilhas, mas essa é simplesmente a melhor de todas!

2 — Duna: Parte 2 (Dune: Parte Two) | Dirigido por Denis Villeneuve | 2024

Em 2021 eu fui o maior hater de Duna (2021). Mas decidi dar uma nova chance e fui assistir Duna: Parte 2 em IMAX. Esse é um dos poucos filmes (assim como o primeiro lugar desta lista) que deixaram a audiência em completo êxtase durante a sessão. Você sentia a excitação das pessoas ao seu redor enquanto uma narrativa grandiosa explodia da tela. Diferente do primeiro filme, esse consegue dar conta de toda as questões complexas da saga sem ficar chato ou repetitivo. Para mim, esse filme é a grande surpresa de 2024.

1 — A Substância | Dirigido por Coralie Fargeat | 2024

E o meu filme favorito de 2024 é o mais disruptivo e abusado de 2024. Uma trama forte sobre os poderes negativos da indústria da beleza, que impactou a cultura pop esse ano como nenhum outro. Há quem ame, há quem deteste e há quem não goste apenas do final, mas uma coisa é certa, A Substância (2024) é um dos filmes mais incríveis do ano pela sua irreverência e pela forma como sua crítica é conduzida, eletrizando o público que não sabe o que esperar de sua conclusão. Cinema de primeira qualidade.

Ainda tem muitos filmes lançados esse ano que não tive a oportunidade de assistir. Por isso, futuramente, trago eles por aqui ou no meu perfil do Letterboxd. No mais, até 2025! ❤

#Recap2024 #2024

É hora de desafiar a gravidade com a adaptação cinematográfica do aclamado musical da Broadway.

Depois de oito anos desde o anúncio, a adaptação cinematográfica de um dos maiores musicais da Broadway finalmente chega aos cinemas. Protagonizado por Cynthia Erivo e Ariana Grande, Wicked — Parte 1 (2024) surpreende os fãs sendo um filme coeso e cheio de vida.

A primeira vez que tive contato com Wicked foi em 2011, por meio de um vídeo pirata de baixa qualidade. Era a montagem da Broadway de 2003 — a primeira — filmada de longe. Mesmo assim, a história me conquistou. Nunca fui muito ligado à mitologia de O Mágico de Oz, mas Wicked tem uma essência única que me cativou. Antes disso, conheci o musical através de Glee (2009–2015), que apresentou algumas de suas músicas e despertou meu interesse. Desde então, mantenho um carinho especial pela obra. Em 2022 tive a oportunidade de assistir a montagem brasileira que, sem clubismo, é infinitamente melhor que a americana.

Em 2016, a Universal Pictures anunciou que havia adquirido os direitos para a adaptação do musical, com previsão de estreia para 2019. No entanto, o projeto enfrentou vários obstáculos até que, em 2021, Jon M. Chu foi confirmado como diretor. Foi apenas nesse momento que a pré-produção começou, reacendendo a esperança e aumentando a expectativa dos fãs.

A ousadia levou ao sucesso

Adaptações da Broadway para o cinema sempre enfrentam o desafio de corresponder às expectativas. Qualquer passo em falso pode levar ao fracasso, e já podemos dizer que Wicked — Parte 1 é uma exceção. Jon M. Chu tomou decisões criativas ousadas, como dividir o filme em duas partes — uma escolha que levantou dúvidas, mas mostrou potencial.

Apesar de algumas mudanças narrativas, o filme se mantém fiel à peça original. As alterações servem para adaptar a história ao formato cinematográfico, o que faz com que obra adquira uma identidade própria. Os números musicais contidos, a combinação equilibrada de efeitos práticos e digitais, e o respeito à mitologia de O Mágico de Oz são pontos altos que contribuem para o sucesso da adaptação.

Antes do lançamento, discussões nas redes sociais criticavam a paleta de cores e a saturação dos trailers. No entanto, o resultado final é visualmente deslumbrante. O filme aproveita a tecnologia do cinema para criar uma ambientação extravagante e fantasiosa, que vai além do que os palcos teatrais podem oferecer. As cores vibrantes e o todo o design de produção tornam Oz mais viva do que nunca, sem parecer artificial.

E o elenco, hein…

E mesmo com qualidades técnicas que dão conta da responsabilidade, o maior acerto de Wicked — Parte 1 é o elenco, principalmente suas protagonistas Cynthia Erivo e Ariana Grande. Esta é a terceira montagem de Wicked que assisto, e posso dizer com toda certeza que Cynthia e Ariana conseguiram dar vida a uma nova Elphaba e a uma nova Glinda, que já ficaram marcadas na cultura pop.

Cynthia tem uma carreira consolidada no teatro e já é quase integrante do seleto grupo EGOT. Aqui ela demonstra todo o seu talento e preenche a tela com uma presença única. Na outra ponta, Ariana Grande, por sua vez, surpreendeu. Embora eu tivesse dúvidas sobre sua capacidade de interpretar Glinda, sua atuação foi excelente, superando todas as expectativas. Uma performance carismática, engraçada e emocionante. Fiquei com um sorriso no meu rosto durante todo o filme.

Se existe algo que enfraquece Wicked — Parte 1, é o trabalho de mixagem de som. Durante minha primeira sessão, imaginei que o volume baixo fosse um problema técnico específico, mas depois descobri que não. O próprio diretor, Jon M. Chu, usou o X (antigo Twitter) para orientar os fãs a pedirem aos cinemas que aumentassem o volume das exibições. Para um musical em que a orquestra é a alma das canções, isso foi uma falha considerável. Na minha segunda assistida, em uma sala diferente da primeira, o volume também estava ruim, mesmo que o som estivesse um pouco mais alto. Se foi uma escolha criativa ou um deslize técnico, o fato é que comprometeu um pouco da experiência imersiva que a obra merece.

Nota: depois de escrever essa resenha, na noite de ontem, soltei uma caixinha no Instagram e diversas pessoas tiveram a mesma percepção sobre isso. Obtive 8 respostas ao todo. Aparentemente foi um problema do filme como um todo.

Em conclusão, Wicked — Parte 1 já é um fenômeno. Apenas na primeira semana de exibição, já faturou 178,2 milhões de dólares mundialmente. Enquanto esperamos um ano inteirinho até a estreia da parte 2, em 21 de novembro de 2025, nos resta apreciar e imaginar o que vem por aí— pelo menos será assim para quem não conhece a história. Para quem já conhece a montagem musical, sabe que o segundo ato é muito mais sério na sua proposta e possui um tom completamente diferente do primeiro.

Sobre chances ao Oscar: acho que o filme pode, sim, ganhar algumas indicações, com exceção da parte de som. As atuações e o design de produção têm sido os pontos mais aclamados nas críticas mundo afora. Então, temos uma possibilidade de, pelo menos, umas 4 ou 5 indicações, quem sabe.

Gostei de como esse primeiro ato foi dramatizado para o cinema e tenho grandes expectativas para o segundo, ainda mais se os elementos de O Mágico de Oz aparecerem com mais força do que na peça, o que é uma possibilidade. Mas uma coisa é certa: o público estará aqui esperando para saber o que o destino reservou para Elphaba, Glinda e toda Oz. Wicked — Parte 1 é apenas o começo de uma jornada que promete marcar a história do cinema musical

#WickedPart1 #TheWizardOfOz #UniversalPictures

Sucesso em diversos festivais ao redor do mundo, o filme de Walter Salles, estrelado por Fernanda Torres, é um colosso do cinema brasileiro nesta década. Mirando a maior premiação do cinema mundial, Ainda Estou Aqui é um dos melhores filmes de 2024, mas, acima de tudo, é o lembrete de um tempo que não pode se repetir.

No dia 21 de outubro, tive a oportunidade de comparecer à première carioca de Ainda Estou Aqui, do diretor Walter Salles, baseado no livro homônimo escrito por Marcelo Rubens Paiva. O livro conta a história de Rubens Paiva, ex-deputado e militante conhecido por sua luta contra o regime militar no Brasil. Em 1971, Rubens foi preso em sua casa e desapareceu. Marcelo é filho de Rubens e um dos responsáveis por manter viva a memória de seu pai na história do país.

Na adaptação, Fernanda Torres interpreta Eunice, mãe de Marcelo, casada com Rubens e mãe de cinco filhos. A vida da família é completamente alterada quando Rubens é preso, e, a partir daí, a trama começa a se desenrolar. É pelo olhar de Eunice que a história cresce e é através dela que vemos a luta de todos aqueles que perderam alguém nesse período tão sombrio.

Emocionante e sensível

Ainda Estou Aqui representa o melhor que o cinema brasileiro pode oferecer. A trama é concisa, porém também é complexa ao abordar um tema tão denso sem recorrer a abordagens genéricas. Nunca um filme com essa temática tão pesada conseguiu ser sensível e eficaz. E por ‘sensível’ me refiro ao cuidado em dar à história o tom necessário para emocionar e envolver o espectador. Estamos falando de uma obra produzida com muita qualidade técnica, desde o roteiro bem estruturado até o design de produção, que nos transporta com facilidade ao Rio de Janeiro da década de 70.

A preservação da memória é o que torna Ainda Estou Aqui um filme muito especial e importante para o nosso tempo. Através das fotos guardadas por Eunice e dos vídeos produzidos por sua filha Vera, a direção de Walter Salles nos leva a uma jornada de dor e saudade que, ao mesmo tempo, serve para manter vivo o legado de Rubens.

Quando as críticas e comentários pela internet afora dizem que Fernanda Torres é o nome do momento, não é exagero. A atriz consegue transmitir toda a complexidade da experiência vivida por Eunice nesse período. É uma das melhores atuações de sua carreira, com grande chance de trazer o Oscar para casa. Enquanto isso, na outra ponta das atuações, temos Fernanda Montenegro, que prova mais uma vez por que é uma das maiores atrizes do país, numa sequência de encerramento que emociona pela simplicidade e potência.

Uma experiência envolvente

O caso Rubens Paiva continua ecoando na história do Brasil como um capítulo de dor e indignação. A luta por justiça e a importância da memória coletiva fazem de Ainda Estou Aqui um resgate digno desse episódio. A sensibilidade com que Walter Salles produz a obra é, sem dúvida, uma das chaves para o seu sucesso. Ele equilibra emoção e sutileza, permitindo que o público se conecte profundamente com o enredo sem recorrer a cenas excessivamente violentas, tornando a experiência cinematográfica envolvente e inesquecível.

Ainda Estou Aqui estreia hoje nos cinemas brasileiros e merece ser celebrado. Além de toda a importância histórica, o filme deu uma nova chance ao cinema nacional, que nos últimos anos, tem enfrentado dificuldades para se manter atrativo. Temos aqui uma chance real de chegar ao Oscar, mas, nas palavras de Fernanda Torres: “O Oscar é muito importante por várias questões, mas ele também não é a medida de tudo.” Um baita filme! Viva o cinema brasileiro!

Veja os locais de exibição e os horários do filme aqui!

Essa semana, a ideia era sugerir o recém-lançado “A Hora do Vampiro” (2024), que chegou à Max na última semana. Mas foi uma experiência TÃO ruim que eu realmente não quis perder meu tempo. Por isso, a indicação dessa semana é um pouco peculiar… Mas quem me acompanha há muito tempo sabe que adoro maratonar uma franquia.

Às vezes, perdemos grandes experiências cinematográficas por pensarmos pequeno demais. Foi assim que perdi muitos anos sem conhecer o filme Alien (1979), traduzido como Alien: O Oitavo Passageiro aqui no Brasil. Um filme grande demais para o seu tempo, e ainda maior para o tempo em que vivemos. E, mesmo com uma franquia repleta de altos e baixos, o primeiro filme é uma ótima escolha para esse mês do horror. Por isso, o foco da indicação de hoje é exclusivamente o O Oitavo Passageiro.

Dirigido por Ridley Scott, Alien, ano após ano, se consagra como uma das melhores tramas de ficção científica no cinema. Estamos falando de uma obra-prima que, de certa forma, definiu as raízes do gênero como conhecemos hoje, misturando terror, ação e suspense. A história começa quando a tripulação da nave Nostromo, após investigar um sinal de socorro em um planeta desconhecido, se vê diante de uma ameaça alienígena conhecida como Xenomorfo.

É incrível como tudo funciona nesse primeiro filme, desde os efeitos, que misturam trabalhos digitais e práticos, até o roteiro simples, mas muito eficaz. A protagonista Ellen Ripley, interpretada por Sigourney Weaver, é a personagem que trouxe essa franquia para o futuro da cultura pop, rendendo três filmes em sequência direta e mais alguns outros que expandiram esse universo e sua mitologia. Mas nenhum desses filmes conseguiu ser tão eficiente quanto o primeiro, que trouxe uma ideia inovadora e uma ótima história.

Uma das maiores qualidades de Alien: O Oitavo Passageiro é o ambiente retrô-futurista da nave Nostromo, que dita o tom do filme e reflete a ameaça que os tripulantes estão enfrentando. O design da nave, com seus equipamentos tecnológicos robustos e corredores claustrofóbicos, constrói uma sensação de isolamento total. Cada detalhe dessa ambientação também reflete a ansiedade e o cansaço da tripulação, que anseia retornar à Terra. É um filme que sabe a que veio e para onde quer levar o espectador.

E assim como acontece com todo filme que dá certo, nasceu uma franquia…

Depois do sucesso do primeiro filme, a franquia ganhou vários capítulos para além das sequências, através de quadrinhos, jogos de videogame, livros e uma série de TV (que estreia em breve). No cinema, também ganhou dois spin-offs com a franquia Predador. Os filmes Aliens (1986), Alien 3 (1992) e Alien: Resurrection (1997) são diretamente conectados ao primeiro filme, tendo Ripley no centro da história.

Depois disso, só teríamos um novo capítulo no cinema em 2012, quando Ridley Scott voltou à direção e lançou Prometheus (2012) e Alien: Covenant (2017), que inicialmente fariam parte de uma trilogia que serviria como prequela de O Oitavo Passageiro e de todo o universo Alien. Mas nada disso deu certo.

O motivo do meu interesse em assistir a esses filmes pela primeira vez foi o trailer do novo capítulo, que chegou aos cinemas em 2024: Alien: Romulus, que, diga-se de passagem, é o meu segundo filme favorito da franquia. Romulus soube resgatar a essência daquilo que vimos em Alien (1979) e adicionou um pouco mais da ação que foi acrescentada nos demais filmes. Nem todos os filmes são tão bons, fica o aviso, mas toda experiência é válida!

Se você gosta de ficção científica ou é fã de um bom filme de terror, Alien: O Oitavo Passageiro é uma obra que precisa estar na sua lista este mês. Mais do que um marco na cultura pop, o filme é um exemplo de como produzir algo poderoso, eficaz e empolgante, sem recorrer a ideias mirabolantes. Hoje em dia, há ótimos filmes de terror, mas poucos conseguem ser tão impactantes quanto esse primeiro capítulo da franquia Alien. Fica a dica!

Um dos melhores filmes de horror da última década!

Em “A Substância”, Demi Moore e Margaret Qualley estrelam um dos melhores body horror dos últimos anos. Com um roteiro simples e um visual vibrante, o filme venceu o prêmio de melhor roteiro no Festival de Cannes deste ano e teria tudo para chegar ao Oscar 2025 se não fosse, sobretudo, um filme de terror.

Uma baita surpresa

Em meados de agosto, antes de uma sessão do (terrível) filme Longlegs (2024), fui pego de surpresa pelo potente trailer de A Substância (2024), que perguntava: “Você já sonhou com uma versão sua melhorada?” enquanto uma batida de música eletrônica tomava conta das cenas. O mais interessante desse trailer, depois de assistir ao filme, é como ele não entrega absolutamente nada do elemento surpresa que faz a trama avançar. Em uma época em que os trailers revelam mais do que deveriam, isso é um ponto extremamente positivo.

Demi Moore entrega uma das melhores atuações de sua carreira. Ela interpreta a ex-atriz — agora apresentadora de um programa de aeróbica — Elisabeth Sparkle, que se vê diante de sua demissão da emissora onde trabalhava por conta de sua idade. Esse é o ponto de partida que leva Elisabeth a experimentar A Substância, que promete criar uma nova versão sua, melhorada e mais jovem. É nesse contexto que Sue, interpretada pela maravilhosa Margaret Qualley, entra na história. Uma jovem ambiciosa que fará de tudo para conquistar seu espaço no mundo.

A Substância aborda principalmente as nuances cruéis que cercam os padrões de beleza e como eles podem aflorar o pior lado do ser humano. O desenvolvimento da história surpreende o espectador. A escalada de eventos que o filme toma após o final da primeira parte conseguiu me deixar tenso na cadeira do cinema, e sem conseguir prever o que poderia acontecer. Ele segue uma estrutura narrativa que empolga e convence o público de que o final vai valer a pena.

Decidi indicar esse filme como parte do meu projeto de Halloween porque acredito que todo tipo de filme de terror é válido. O gênero body horror acaba perdendo um pouco a atenção do público porque, geralmente, são tramas que focam mais no gore do que na história em si. A Substância tem certo grau de gore em determinado momento, mas é um filme que respeita a construção de sua trama em prol da crítica social que propõe.

A experiência ao assistir esse filme é uma montanha-russa de emoções. Ele diverte, emociona, choca e gera reflexão. O roteiro é muito cuidadoso ao construir o desenvolvimento de Elisabeth, então, quando seus traumas começam a dominar o filme, é de apertar o coração. Tem uma cena envolvendo um espelho que me deixou muito triste, e por incrível que pareça, é uma das mais catárticas do filme — só não mais que o final. O desfecho é espetacular e encerra o filme de forma muito coerente. Tenho algumas opiniões sobre a duração, mas nada que mude o fato de este ser um dos meus filmes favoritos de 2024.

Percebi, nas últimas semanas, que o filme tem ganhado espaço para debate nas redes sociais e penso que, assim que estiver disponível para assistir em casa, ele deve ganhar ainda mais visibilidade. Por esse motivo ele foi o escolhido para iniciar esse mês do horror aqui no perfil, porque nem sempre é preciso um serial killer ou algo do tipo para uma história nos aterrorizar. O terror de A Substância é um terror real, e por isso merece sua atenção!

#TheSubstance #Horror #2024