Alguns filmes crescem ao redor de um conceito sem jamais fincarem raízes em algo concreto. O Brutalista (2024), de Brady Corbet, é um desses casos: um grande monumento arquitetônico cinematográfico que se impõe pela estética, mas não encontra solidez narrativa para sustentar seu peso. A proposta de um épico existencialista e visualmente arrebatador poderia ser fascinante, mas o resultado final deixa uma sensação de vazio, como se estivéssemos percorrendo corredores intermináveis de concreto (tal qual um labirinto) sem jamais encontrar uma saída significativa.

Forma sobre Conteúdo

A escolha do brutalismo como eixo central é instigante. Esse estilo arquitetônico, marcado pela funcionalidade austera e pela presença bruta dos materiais, tem tudo para ser um espelho da jornada de um protagonista obsessivo, cuja visão artística se sobrepõe a tudo. Contudo, Corbet trata essa estética mais como um adorno do que como um elemento dramatúrgico, resultando em uma obra que apenas flerta com profundidade, mas nunca mergulha de fato. Isso se torna ainda mais evidente quando o filme levanta questões políticas sobre o sionismo e a relação com a guerra, mas nunca as desenvolve de maneira coerente, deixando esses temas como meros acenos sem substância.

Diretores como Andrei Tarkovsky e Jonathan Glazer utilizam a arquitetura como extensão de seus personagens, tornando-a quase um elemento vivo. Tarkovsky, em Stalker (1979), transforma ruínas em metáforas do inconsciente, enquanto Glazer, em The Zone of Interest (2023), apresenta a casa do comandante de Auschwitz como um ambiente comum, criando um contraste perturbador com o horror que ocorre do outro lado dos muros repletos de arames farpados, onde a arquitetura evidencia o cotidiano monstruoso e a normalização e banalização do cruel e desumano.

O Brutalista, por outro lado, parece fascinado por suas próprias linhas e sombras, sem realmente explorá-las. A forma prevalece sobre o conteúdo, e a narrativa nunca justifica essa opulência visual.

A Jornada que Nunca Acontece

A longa duração do filme poderia ser um convite à imersão, mas acaba se tornando um teste de paciência. O protagonista demora a ser construído, e quando enfim começamos a entender sua trajetória, já se perdeu o impacto emocional que poderia existir. Adrien Brody entrega uma atuação sólida, conseguindo expressar camadas de frustração e obsessão em seu personagem, mas a própria narrativa o trata como uma peça decorativa. Guy Pearce, por outro lado, exagera na performance, trazendo uma artificialidade que destoa do tom que o filme parece buscar.

Corbet conduz sua história com um senso constante de que algo grandioso está prestes a acontecer, mas esse momento nunca chega. A experiência acaba sendo mais de contemplação do que de imersão genuína, e o filme se contenta em sugerir sem se comprometer com suas próprias ideias.

A Apropriação de László Toth: Uma Escolha Arbitrária?

Um dos pontos mais intrigantes do filme é a escolha do nome László Tóth para o protagonista. O verdadeiro László Toth foi um geólogo húngaro-australiano que, em 1972, vandalizou a escultura Pietà de Michelangelo, um ato que carrega um simbolismo poderoso sobre a relação entre destruição e criação. No entanto, O Brutalista não se aprofunda nesse paralelo, deixando a referência solta no ar, como um enigma sem resposta.

Se a intenção era criar um comentário sobre obsessão artística e os limites entre genialidade e loucura, a execução falha. A transformação de Tóth em um arquiteto visionário poderia ter gerado reflexões fascinantes, mas a conexão nunca é explorada de forma coerente. No final, parece apenas uma escolha estética sem impacto real na narrativa.

O Peso das Promessas Não Cumpridas

Ao longo da projeção, O Brutalista insinua que irá tocar em temas profundos (legado, ambição, alienação, a busca pela imortalidade através da arte), mas essas reflexões permanecem na superfície. O filme ameça ser provocativo, mas recua sempre que se aproxima do verdadeiro conflito. A direção de arte, com seus enquadramentos meticulosamente compostos e o uso de simetria e luz natural, poderia reforçar os dilemas do protagonista, mas acaba servindo apenas como ornamento.

Quando os créditos sobem, a sensação é de que estivemos diante de um projeto que poderia ter sido grandioso, mas que se perdeu na própria necessidade de parecer importante. Corbet nos entrega um filme visualmente imponente, mas que nunca se justifica por completo. No fim, O Brutalista é como uma grande construção brutalista: impressionante de longe, mas fria e vazia por dentro.

Confira o Trailer:

Texto por: Deborah Gonçalves

NOTA: ★★★☆☆

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A cada lembrança revisitada desse filme, novas percepções e sensações emergem com clareza renovada, intensificando a compreensão da obra. A combinação entre fotografia e montagem é essencial na construção do clima do filme, transmitindo com precisão a angústia e a tensão que atravessam toda a narrativa. O uso de tons quentes, que beiram o perturbador, cria uma atmosfera frenética e visceral, pulsando junto à energia emocional dos personagens. Esse aspecto visual contrasta de forma eficaz com o cenário litorâneo, quase paradisíaco, gerando um belo contraponto entre o que é mostrado e o que se sente, tal qual a serenidade superficial e o contérrito emocional dos atos. A beleza da paisagem, envolta pelo calor do Ceará, mascara uma brutalidade latente, uma vez que o filme coloca seus personagens frente a frente com a dicotomia entre o desejo/anseio de viver e a certeza inevitável da morte. Explorando com crueza o que há de mais primitivo e visceral no ser. Uma ressalva espetacular para a escolha da filmagem em película super 16mm, pela Diretora de Fotografia francesa Hélène Louvart, que somado aos demais fatores corroboraram incrivelmente com toda essa atmosfera.

O filme investiga profundamente a condição humana, revelando um lado instintivo e animal que emerge em situações de prazer e dor, vida e morte. A presença constante de animais na narrativa reforça essa metáfora, sugerindo que, em determinados momentos, os personagens se assemelham às bestas selvagens, despidos de suas camadas sociais, agindo puramente pelo instinto. Esse comportamento primitivo é representado em ações físicas como o sexo e a violência, mas também através de símbolos, como o nome do motel “destino”, que aponta para a inevitável verdade: a morte é o destino final de todos.

O diálogo entre Heraldo e o policial sintetiza de maneira brilhante essa reflexão existencial: “Eu nasci, desde então luto a cada dia para não morrer.”. Essa fala não apenas encapsula o dilema central do filme, mas também revela que, para muitos, a morte já se apresenta em vida, como uma sombra constante. Àqueles que, na luta diária pela sobrevivência, perdem pouco a pouco a esperança, experimentam uma forma de morte lenta e dolorosa, em que o calor da realidade não pode ser amenizado nem mesmo pelo gelo mais frio e cortante, de uma fábrica. Nos lembrando com crueza e sutileza, que o destino é inescapável, e que, muitas vezes, o ato de sobreviver já é uma forma de morrer um pouco a cada dia.

O filme constrói, assim, uma atmosfera densa e perturbadora, onde o visceral e o racional se encontram, o prazer e a dor se entrelaçam, e a vida e a morte se confrontam. Ao unir o impulso primitivo com uma reflexão profunda e emocional sobre a existência, a obra não se limita a uma experiência sensorial, mas provoca o espectador a questionar sua própria relação com a vida, o olhar para dentro, refletindo as próprias lutas internas à sobrevivência, e confrontando a inevitabilidade do destino. Mesmo após o fim dos créditos, o filme ressoa na mente como uma lembrança que se recusa a desaparecer, confrontando-nos com a certeza de que, para alguns, a morte é uma questão de destino enquanto para outros, uma batalha diária em busca de propósito.

Confira o Trailer:

Texto por: Deborah Gonçalves

NOTA: ★★★★☆

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Filme de estreia da diretora Arkasha Stevenson, lançado pela distribuidora 20th Century, em abril de 2024, e se destaca como uma notável adição ao universo do terror. A Primeira Profecia funciona como um filme prequel, ou seja, um prelúdio ou ainda, uma história que precede a obra original, aqui em voga, A Profecia (1976) de Richard Donner. O que por sua vez, foi uma grata surpresa, visto que nos últimos anos, foi possível constatar uma certa onda de remakes, prequels, sequências e derivados de clássicas franquias. E devido às inúmeras investidas e um cenário saturado por sequências que frequentemente desapontam. A Primeira Profecia emerge como uma exceção, como uma obra muito bem executada, que trilha seu próprio caminho apesar de estar associada à um grande clássico do cinema, conseguindo abordar temas coerentes e concisos, proporcionando uma abordagem fresca e criativa acerca dos ditos “filmes endiabrados”. O que recebe ainda mais destaque quando nos lembramos que é uma audaciosa e excelente estreia da diretora e também da protagonista interpretada por Nell Tiger Free, pela primeira vez numa produção desse porte. Denotando o cuidado em realizar algo que de fato agregue de forma positiva para o gênero do terror, e não seja apenas só mais uma produção parte de uma coleção de sequências de filmes que se sustentam em clássicos.

O filme apresenta a história da jovem Margaret (interpretada por Nell Tiger Free), enviada à Roma a serviço da igreja para uma cerimônia religiosa, a cerimônia do véu. Margaret então, começa a ter visões perturbadoras com a jovem Carlita (Nicole Sorace), uma jovem que vive de forma isolada no convento. Com a ajuda de um padre exonerado, que também já investigava o caso. Margaret descobre uma conspiração dentro da igreja, que fomenta articulações para o nascimento do anticristo, como forma de restauração da fé do povo, através do medo. Essa narrativa não só expande o universo de A Profecia, mas oferece também, uma crítica incisiva à opressão e violação dos corpos femininos, um tema atual e relevante.

O lançamento do filme original em 1976 ocorreu em meio à um período marcado por inúmeros conflitos e turbulências sociais e políticas, incluindo o pós guerra do Vietnã, o qual deixou marcas profundas e inextinguíveis nos Estados Unidos. Esse período marcado por desilusão e traumas, influenciou profundamente a indústria cultural como um todo, que visava retratar o contexto histórico. O que por sua vez, reflete na narrativa do filme, que busca a restauração da fé de um povo já desiludido e descrente, devido esse reflexo sociopolítico.

Figuras conhecidas como o Tom Savini, maquiador, técnico em efeitos especiais cinematográficos, ator, cineasta norte-americano e também ex-fotojornalista de guerra, trouxe a violência visceral vivenciada, para o cinema em filmes como: Despertar dos Mortos; O Massacre da Serra Elétrica; CreepShow: Show de Horrores; Sexta-Feira 13, dentre outros. Os filmes de terror, passaram então, a incorporar elementos desse período traumático e desilusório às suas obras. Inclusive, o próprio clássico aqui em questão, “A Profecia”, não escapou dessa forte influência, levando em consideração que filmes como O Bebê de Rosemary (1968), O Exorcista (1973), e até mesmo A Profecia (1976), exploraram os medos apocalípticos e o conflito entre o bem e o mal, refletindo as ansiedades sociopolíticas da época. Se tornando deste modo, um marco no gênero do terror, que buscava refletir de forma visceral o impacto das guerras. A Primeira Profecia resgata essa atmosfera ao incorporar elementos do terror psicológico e visceral que caracterizaram os clássicos dos anos 60 e 70.

A atriz Nell Tiger Free, também conhecida por seu trabalho na série Servant (2019), está excelente em sua atuação neste longa, se encaixando perfeitamente como Margaret. Ela se destaca ao trazer uma profundidade emocional que cativa o público, sendo possível, até mesmo, notar elementos do giallo e do gore, executados de forma muito perspicaz por Nell, enfatizando sua excelente apresentação neste longa. Sua performance é complementada pela incrível Sônia Braga, que se encontra espetacular e assustadora no papel de Irmã Silvia a Madre Superiora do convento. Ela é a responsável por acentuar e manter firmeza nas atrocidades que corroboram com o tom misterioso, ocultista e assustador da trama.

Tecnicamente, “A Primeira Profecia” é um triunfo. A fotografia granulada, remete à década de 70, criando uma ambientação autêntica que homenageia visualmente o filme original. A direção de fotografia utiliza enquadramentos inteligentes e movimentos de câmera que enganam o olhar do espectador, criando sustos e momentos de tensão de forma eficaz. O uso de cantos gregorianos na trilha sonora adiciona uma atmosfera sagrada e ao mesmo tempo macabra, intensificando o tom sombrio do filme.

Arkasha Stevenson demonstra uma habilidade louvável ao evitar clichês de terror barato. Em vez de depender de sustos fáceis e abusar de Jumpscares, ela constrói o terror de forma lenta e deliberada, utilizando simbolismos sutis e críticas sociais incisivas. A sombra do hábito de Margaret, por exemplo, é usada como um símbolo do poder sobrenatural da igreja, o que reforça a ideia de que a igreja possui seu próprio “fantasma”, podendo ser representado pelo controle histórico sobre o comportamento e os corpos das mulheres. Como exemplo, podemos citar a Inquisição, conflito político-religioso que marca um período no qual as mulheres eram o principal alvo devido seus comportamentos, e suas execuções eram realizadas de inúmeras formas.

Esse uso simbólico conecta a narrativa a um paradigma mais amplo de dualidade entre o sagrado e o profano, sem abusar das referências ao filme original, mas ainda as utilizando pontualmente, como a clássica cena do suicídio.

É impressionante como apesar deste longa ir de encontro com o filme de 1976, Stevenson consegue exprimir autenticidade, trilhando o próprio caminho sem depender do filme anterior, construindo deste modo bastante sentido por meio da referência, sobretudo, abordando novos temas e modificações que juntas complementam uma nova proposta e identidade própria. Visto que enquanto “A Profecia” (1976) de Donner retratava a história de um diplomata americano que, após a perda de seu filho, e conselho de um religioso, aceita criar uma criança como se fosse seu falecido filho (criança esta, que vem a ser o anticristo). Já neste novo filme o foco se volta às origens e lutas de Margaret, mãe biológica de Damien. É interessante como, Stevenson apresenta as mulheres como figuras de poder que definem o curso da história, em contraste à passividade feminina retratada no filme original. Essa mudança é particularmente significativa no contexto do terror, onde as mulheres são frequentemente preteridas à papéis de vítimas, sendo retratadas como objetos passivos. Stevenson as coloca no centro da narrativa, como agentes de transformação e poder, pois as mulheres são as responsáveis pelas decisões mais importantes e relevantes na trama. Como as próprias ações e planejamentos realizados por parte da Irmã Silvia (Sônia Braga), enquanto os padres apenas funcionam como suporte na execução desses planejamentos. Stevenson também utiliza do enredo de Margaret e suas visões assustadoras como uma metáfora, visto que em certo ponto a personagem questiona a veracidade de suas visões ao qual sempre a fizeram acreditar ser paranoia, enquanto no filme de 1976 a personagem Katherine que representa a mãe, é tida em determinado ponto como louca, chegando a questionar sua própria sanidade. Um tema, que por sua vez, ressoa profundamente com debates atuais e relevantes. Ao considerar que Damien já possui seu enfoque nos filmes anteriores da franquia, aqui a história se volta para o corpo que o gera, é sobre Margaret e as mulheres que agem para o bem (ou no caso para o mal) em torno de toda essa narrativa. E essa abordagem crítica, não só enriquece o enredo, mas também proporciona profundidade ao filme, o elevando em relação às demais produções do gênero.

O longa apresenta alguns obstáculos, principalmente no último ato, como por exemplo embora uma vasta extensão de tempo de tela, o filme parece não saber muito bem aonde pretende chegar de forma objetiva. E precisa se prolongar mais do que o necessário para concluir sua narrativa. Deixando ainda, uma brecha, algo que pode vir a ser usado futuramente como gancho para apresentar uma nova proposta e explorar outra vertente, já que A Primeira Profecia introduz a revelação de que Damien tem uma irmã gêmea, e a maneira como o gênero dessas crianças define o desfecho dessa primeira parte, sugere a possibilidade de uma sequência do longa. No entanto, é um excelente debut da diretora Arkasha Stevenson, que mostra respeito pelo material original ao mesmo tempo que infunde sua própria visão criativa. Essas mudanças propostas por Stevenson são inovadoras e se fazem necessárias nesse novo cenário, atualizando e abrindo espaço pra um olhar crítico que enriquece o gênero do terror.

A Primeira Profecia transcende o rótulo de “mais um filme de franquia ou sequência”, pois é uma obra que incorpora viés político e uma causa significativa em seu núcleo. Arkasha Stevenson expõe seu olhar sensível para com a luta das mulheres, tanto no universo fictício do longa quanto na realidade contemporânea. O filme se destaca como uma valiosa contribuição, proporcionando uma nova perspectiva, que certamente irá marcar boa parte do público, podendo ainda estender essa abordagem para as demais obras de mesmo gênero, afinal, é de fato indecoroso a maneira a qual o corpo da mulher continua ainda hoje, disposto como algo ou um objeto a ser profanado e oprimido, independente de suas motivações e representações. O que retoma a importância dessa retratação narrativa e desse cuidado e representatividade, abordando todas essas questões como plano de fundo pra trama, de uma forma sutil e coesa, sem perder a coerência e relevância dentro do contexto da obra. O longa é indiscutivelmente, um dos melhores filmes de terror de 2024 (até o momento), de fato um prequel que rejuvenesce um clássico do terror, uma surpresa gratificante e uma prova de que é possível criar algo inovador e impactante dentro de uma franquia clássica.

Texto por: Deborah Gonçalves

NOTA: ★★★★☆

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