A terceira remessa de Love, Death & Robots saiu e eu já adianto que fiquei com 2 grandes impressões:
1. Se livraram de um fantasma da temporada 1;
2. Mantiveram o que me desagradou na temporada 2…

Bora saber mais?
Vou trazer um review das animações & um overview desse último lançamento.

A proposta por aqui? Ser expresso em cada episódio. Vou ser breve como as animações foram. Eu só não sei como está a ordem por aí… não sei se a Netflix manteve aquela ideia de lançar uma ordem diferente para cada conta…

I. Three Robots: Exit Strategies

Voltaram as fofuras mais debochadas de Love, Death & Robots (ou ❤️❌🤖) e começar a temporada com esse episódio dá uma sensação de retornar para velhos conhecidos. Cada robô retorna ao seu papel: escrachar as nossas burrices (ou humanidades) com frases pontuais. Em uma era com um número crescente de fãs de bilionários e negacionaistas, os 3 mereciam um spinoff com momentos nessa vibe irônica. Ideal para apreciar bebendo sarcasmo com gelo e limão.

II. Bad Travelling

Eu tenho uma certa predisposição para gostar dessas histórias de piratas, criaturas marinhas e contos em alto mar. Achei mesmo que eu fosse curtir quando li a premissa. Confesso que foi tri desconfortável ver tanta gente negra morrendo em tão poucos minutos para a visceralidade que o roteiro exigia. Apesar da história levar para um caminho de “redenção” do protagonista, naqueles minutos finais, eu torcia mesmo para a criatura. O que me fisgou mais? O design da tripulação multicultural e uma certa mística ao redor do thanapod (ou mamãe thanapod, não sei)…

III. The Very Pulse of the Machine

Amei esse traço! Um requinte! Marcante até nas horas de sutileza. As cores, a estilização e a fotografia… tudo flertando com a psicodelia! E tudo isso encontrou um desenho de som no capricho! Dá para sentir o senso de urgência e a astronauta Martha Kivelson conduz a gente muito bem. É real? Não é? Onde começa a fantasia? Onde termina o sonho? Isso realmente importa? A animação é linda, linda.

IV. Night of the Mini Dead

Mistura uma mini dose de Zack Snyder, com mini colheradas de Stephen King e adicione um mini-algo de Edgar Wright & Sam Raimi. Tchã-nam! Temos uma animação do game Zombie Tsunami? Talvez. Para os fãs de filmes de zumbis, vale pescar as várias referências. Colocaram várias passagens que lembram os clássicos do gênero e animações/filmes relativamente novos, também. Divertida. Leve. Fofinha? Bacaninha.

V. Kill Team Kill

Tem uma boa carga de “macheza oitentista” por aqui, heim?! Inclusive no estilo da animação… Deu saudades de brincar com meus soldadinhos Comandos em Ação ao ver esses brucutus na selva em uma cena que me lembrou o filme do Predador (1987). Revival total! Tudo é muito gritado, muito explosivo e muito testosteronado. A vasodilatação e as caras fechadas complementam o humor e as frases de efeito — e isso é muito anos 80 — para, logo em seguida, conhecermos cada um naquela tropa. Tem humor, tem sangue, teeeeem saangue, tem trilha boa e tem cada bonequinho com a sua devida característica.

VI. Swarm

Temos um traço realista que não se preocupa em ser tããão realista. Hmm… interessante… É estilizado & estiloso! A ambientação teve um carinho notável e eu gostei muito (muito!) do design das criaturas — já mencionei que eu gosto de criaturas marinhas, né? É legal destacar uma decisão (na verdade, eu preciso pontuar isso por aqui): a cor da pele dos personagens adicionou uma camada extra de densidade & reflexão em um diálogo bem especial. Antes disso, cheguei a pensar que levariam o episódio como uma mistura de algo visto na temporada 1 com algum filme do Will Smith… (mesclando A Fenda Áquila com After Earth e Eu Sou A Lenda). O final me deixou com uma vontade gigante de descobrir mais daquele universo — antes e depois do episódio. Descobrir mais daquele universo = ler e ver mais sobre os humanos e as espécies vistas (e juntar uns bonequinhos daquele kaijuzinho é óbvio).

VII. Mason’s Rats

Opa! Teremos algo referente ao quadrinho Maus? Não, não. Imaginei algo assim pela foto escolhida para ilustrar. Me enganei, mas não me decepcionei em momento algum. O design do protagonista está bem cisudo, quadradão e os ratinhos ficaram muito expressivos. Torci por eles, obviamente. Há uma leve cutucada nessa onda da tecnologia milagrosa e imediatista. Gpstei do ritmo: a evolução/progressão dos fatos lembra bastante as estruturas de algum game mobile.

VIII. In Vaulted Halls Entombed

É… eu não sou o maior fã dessa ideia de fazer personagens maaaais realistas… ainda mais quando temos atores relativamente conhecidos. Aqui, temos Joe Manganiello, num papel extremamente Joe Manganiello. E isso é algo que eu gosto bastante, heheheh. Ainda sobre o casting, Jai Courtney surge, também, num papel bem… Jai Coutney! E esses detalhes serviram para que a gente já tivesse uma ideia de quem eram e o que queriam aqueles soldados. O episódio me prendeu mesmo ali no meio, quando vimos algo de uma arquitetura ancestral e colossal. Quando as correntes começaram a se mover com uma voz maligna… adorei!

IX. Jibaro

Potente & Profundo. A dança. A cobiça. A música. O silêncio. A natureza. Eis o episódio que, possivelmente, será lembrado como A-Cara-da-Temporada-3. A fotografia vai lembrar passagens do Kurosawa, mas tem muito mais por aqui. Não faltou riqueza, não faltou delicadeza, não faltou emoção. Capricho total com tattoos, adereços e texturas (água, brilho… tudo lindo, gente). Aqueles padres/cardeais, logo de cara, já me deixaram desconfiado e desconfortável. Torci pela sereia do início ao fim. Animação excelente. É sensível e fica na gente.

A série diverte, emociona e cativa com vários personagens carregados com bastante personalidade. Nós ficamos pouco com cada protagonista e isso não impede a empatia do público. Dá para entender porque a série começa com os 3 robôs e termina com a sereia… A respeito dos 2 tópicos mencionados lá em cima, aqui vai um overview da temporada:

1. Se livraram de um fantasma da temporada 1:
   Eu amei a ideia do desapego com Zima Blue. Conversei com várias pessoas a respeito do volume 2 e sempre sentimos essa penumbra, essa tensão pairando em diversos momentos… como se alguns episódios fossem escritos & trazidos para criar um novo Zima Blue (de longe, um dos mais impactantes e questionadores entre as 35 animações). Mas vida que segue, né, gente?! Desapegaram e conseguiram criar com mais leveza, inclusive. Dá pra falar que, cronologicamente, temos uma distância maior daquele primeiro impacto que foi a estreia em 2019.
2. Mantiveram o que me desagradou na temporada 2:
   Poxa… e essa quantidade de episódios? Só 9??? Fica uma sede absurda por mais e mais conteúdo. Jogaram 18 na primeira vez e agora nos dão em doses homeopáticas, heheh.

É uma temporada que almejou ser sólida. Há um equilíbrio nos elementos gráficos e textuais. Lembro de terminar o segundo lançamento sentindo um levíssimo desequilíbrio. O subtexto, agora, não é tão “sub” assim e isso, em momento algum, se torna um ponto fraco porque as ideias são trazidas de maneira criativa — e não falta criatividade. Tem mais sangue e é mais leve. Como? Sendo graficamente mais explosiva e com uma caneta que priorizou o humor. David Fincher & suas equipes têm fôlego de sobra para mais amor, mais mortes e mais robôs.

Assistam! Todos os profissionais capricharam muito. E todas são bem divertidas.

E veio o Thanos. E um estalo, e mais um estalo e mais outro estalo. Lá se foi o Thanos. E vieram Os Eternos. Na verdade, eles já estavam aqui… enfim… Um filme que veio com a promessa de ser um filme com o estilo poético da Chloé Zhao. Só faltou, justamente, deixarem a diretora belíssima e com filmes extremamente sensíveis, poder brilhar com as maiores características do trabalho dela. Cortaram boa parte do estilo da Zhao. Mesmo assim, eu gostei bastante.

Ok… e aqui? Aqui, nós temos Sam Raimi, que fez seu nome rodando longas conhecidos de terror e a trilogia original do Homem-Aranha. A trilha ficou por conta do Danny Elfman, clássico compositor de cinema, parceiro de longa data do Raimi (inclusive em alguns filmes do Aranha) e que arrebentou tudo no Coachella desse ano fazendo um showzaço sem camiseta em um shape invejável aos 68 anos. Ah, ele teve uma banda bem legal chamada Oingo Bongo.

É interessante notar como o Raimi conseguiu referenciar a própria filmografia em uma franquia conhecida pela avalanche de auto-referências. Com um histórico fortíssimo no terror, a gente vê isso ser pontuado no filme. Tem mais mortes, tem mortes violentas, tem até sangue(!!!). Não sei até que ponto isso tudo impacta a trama. Talvez, nem tenha sido a proposta, né? Mas eu senti que, em alguns momentos, o texto ficou meio aguado, meio morno… e o pior: tudo ali era muito promissor. Um terreno fértil pra ousadia e pra piração.

Visual e narrativamente, muito poderia ter sido explorado, contribuindo de um bem jeito orgânico para o próprio filme e para os rumos do MCU. Tem umas casualidades aqui, umas conveniências ali e isso é até aceitável quando existem pontos de bastante destaque. Tem menção lá da série Inumanos, What If e X-Men, mas as “revisitadas” são prontamente descartadas. Apresentam possibilidades e logo recuam. Faltou abraçar o título do filme.

Não tem tanto multiverso.
E também não tem tanta loucura.

A premissa casava muito bem com o exagero, o estrondoso, o psicodélico… o multiverso… a loucura… e tá tudo bem comedido.
Agrada? Sim.
É bacana? É.
E só.
A princípio.

Xochitl Gomez está trabalhando legal como America Chavez, ela faz o melhor dentro de uma personagem promissora e que poderia ter tido mais espaço. Uma menina que perdeu as mães tinha tudo para ser o coração do filme em que a vilã só quer mesmo é ficar com os filhos. Não exploraram muito disso. E estamos falando de uma franquia que valoriza muito o tema Família. A Wanda… bem… que jeitinho preguiçoso e covarde de eliminar, por um tempinho, uma personagem que estava muito forte, né?! Wanda voltará. O Visão voltará. Os filhos voltarão (alô, Jovens Vingadores). Não é tão difícil pensar em uma resolução mais digna para a personagem que está tomando uma chuva de drama na cabeça em cada aparição…

E eu sei que, “se tudo é grandioso, nada é grandioso”. Nem todo filme precisa lidar com a eminente destruição do universo, mas… eis o filme que poderia — e muito — somar para as próximas fases. Eu não imagino, no MCU de hoje, outro herói que poderia ter tido uma trama doida com impactos genuínos pro Universo Marvel. Magia & feitiçaria permeiam os personagens principais e boa parte do que vemos são disparos brilhantes e escudos luminosos…

Ah, pra deixar algo bem nítido aqui: o filme tem seus pontos legais!

É sempre lindo rever o Patrick Stewart como Professor Xavier (ainda mais com a trilha do desenho clássico) e o John Krasinski tá simplesmente perfeito no papel de Reed Richards. Eu espero que não tenha sido só isso e a Marvel realmente oficialize esse ator nas vindouras aparições do Quarteto Fantástico. O Reed como herói, marido, colega de equipe e vilão é um personagem interessantíssimo. E quem não ama o Jim de The Office, gente?

Ainda a respeito das partes boas, foi bom acompanhar o processo de autoconhecimento do Doutor Estranho de forma mais “palpável”, mesmo que já havíamos visto algo parecido em What If (com mais drama & mais horror).

Para quem não se empolgou muito com as 2 cenas pós-créditos — que divertiram mais pela presença da Charlize Theron e do Bruce Campbell do que pelo habitual papel dessas cenas pós-creditos no MCU — vou deixar 2 sons do Oingo Boingo que me acompanharam na volta do cinema para casa:

Nesse exato momento, eu estou recebendo uma enxurrada de memes sobre o fatídico tapa do Will Smith no Chris Rock ao mesmo tempo em que vejo inúmeros posicionamentos surgirem. Vou escrever aqui algumas observações sobre o caso.

Tem gente defendendo o tapa, como se o O Tapa fosse uma instituição moralizadora, tem gente defendendo o humor acima de qualquer cenário, tem gente chamando tapa de porrada, tem quem pense que foi fake, tem quem questione sobre quando se levantar sobre a família, sobre as mulheres não precisarem disso, enfim… muitas opiniões-reproduções…

Eu já adianto que é extremamente desconfortável ver 2 homens negros numa situação assim. O mundo (infelizmente e ainda) nos cobra uma postura na qual não podemos esboçar muitos sentimentos, vulnerabilidades e fragilidades. Tudo isso ocorre ao mesmo tempo em que ficam esperando o primeiro deslize para nos jogar dentro dos estereótipos mais perversos (na intenção, é claro, de nos desumanizar).

Mas como, gente… como o Will Smith, que sempre figurou entre as pessoas mais legais e de sorriso largo, se meteu numa situação dessas? A ponto de se levantar e dar tapa, Will? Ora, sendo humano. Sim! No sentido mais sensível e humano, sim. E aqui cabe até uma retrospectiva…

O ano é 2016 e a polêmica #OscarsSoWhite evidenciou o descaso da Academia com as produções e com os artistas de pele preta. O boicote daquela cerimônia foi abraçado por inúmeros artistas (com razão, né?). Quem foi chamado para ser o apresentador naquele ano? Chris Rock. Ele, que já havia apresentado em 2005, foi chamado com uma nítida missão a ser cumprida: mostrar que a Academia não era tão-tão-racista assim e que “as coisas estavam melhorando”. Eis que, na ocasião, o texto proferido pelo apresentador foi bem desconfortável. Entre fanfarrear citando a calcinha da Rihanna e a morte do Ray Charles (nota pessoal: isso é péssimo, gente).

“Jada boicotar o Oscar é como eu boicotar a calcinha da Rihanna. Eu não fui convidado. Eu entendo porque você está brava. Jada está brava porque seu homem Will Smith não foi indicado por Concussion. Entendi. Não é justo que ele seja tão bom e não seja indicado. Também não é justo que ele tenha recebido US$ 22 milhões por Wild Wild West.

Não, não era uma citação ao empreendimento Savage X Fenty, linha de lingerie da Rihanna. A empresa surgiu apenas em 2018. 2016 foi um ano pavoroso para o Oscar, que já mostrava declínio (guarde essa informação). E eu nem vou citar os memes da Gloria Pires ou a sacanagem que fizeram com o filme O Menino e o Mundo (com Emicida na trilha sonora) e a patifaria com Que Horas ela Volta?. Trazendo exemplos gringos, Straight Outta Compton é um baita exemplo. Como alguém achou sensato que um filme repelto de diversidade na frente e atrás das câmeras tivesse apenas indicações caucasianas? Só reconheceram e valorizaram os talentos brancos?
Teve artista compartilhando essa montagem do trailer que tira o foco dos artistas negros para uma apelação mais “oscarizada & embranquecida”: https://www.youtube.com/watch?v=uckPK1Rh_OY&ab_channel=CameronStinsil

Moral da história? Em 2016, ficou evidente que, embora o Chris Rock tenha tentado rir e zoar a própria Academia em diversas passagens, a missão estava sendo cumprida. A cerimônia seguiu com mais comentários irônicos. O humorista Rock mostrou a quem ele endereçava seu humor na ocasião: contemplava o público majoritariamente branco que não simpatizou e tampouco entendeu a ideia dos boicotes.

Corta para 2022. Havia uma grande preocupação a respeito do Oscar. A transmissão vem perdendo muito (MUITO) espaço e isso abre diálogos para a relevância em tempos futuros. É nítido o despreparo dos organizadores querendo angariar novos públicos e acabando por agir na contramão do que há de mais atual. Não apenas evitam, ao máximo, estratégias e abordagens mais contemporâneas: desrespeitam o cinema como arte ao menosprezar categorias importantíssimas como a Montagem/Edição. Sim! A Montagem/Edição é a única categoria exclusiva do Audiovisual e deram um jeito de sucatear o pessoal desse ramo. A cerimônia definha e nem os looks mais criativos com pitada de VMA parecem salvar.

Como conquistar um engajamento maior e mais longevo? Levar o Oscar para plataformas digitais, diminuir o tempo e a formalidade da cerimônia, trazer nomes mais evidentes para a apresentação ou coberturas exclusivas de YouTubers e Streamers não foram as escolhas da Academia. Trouxeram Chris Rock e a já citada ideia de abafar 8 categorias (estão naquele primeiro meme desse texto).

E, aí, a gente chega nele. O tapa. O T-A-PA. O tapa que ofuscou todos os problemas técnicos da gestão do evento e todas as décadas de racismo da Academia. O tapa que dividiu opiniões. Eu não sei se o texto do Chris Rock foi escrito inteiramente por ele ou com outras pessoas… talvez a piada tenha sido improvisada… mas alguém achou que incluir comentários sobre a aparência de uma mulher negra seria algo engraçado. Não consigo refletir tamanha idiotice na hora em que escreveram o texto. Passabilidade, Politicamente Correto ou sei lá quais outros termos devem estar sendo utilizados nas discussões pós-tapa. Como se as pressões estéticas e opressões sociais que mulheres negras sofrem ao longo da vida fossem menores e valessem segundinhos de risadas infames.

VEIO O TAPA!

Veio o tapa de um cara que estava com muita coisa engasgada. Há tempos. E eu nem vou confabular se Will ponderou tudo. Se balanceou os prós e contras. E é nítido que o próprio Fresh Prince of Bel-Air sabe que um tapa não é a resposta mais adequada. Ninguém está dizendo que a solução dos problemas mundiais é um tapa. Mas quando um cara que já não é muito chegado na sua família fica fazendo piada com o visual da sua esposa pro mundo inteiro e escavando um drama pessoal, cabe a reflexão: humor não é porteira aberta para zoar qualquer situação e violência verbal também é violência. Foi a gota d’água para a família Smith. Cabelos e mulheres negras são assuntos complexos. Autoestima, autoaceitação, estética, sociedade… procurem informações concretas. Procurem mulheres que sofrem com isso dialogando sobre isso. Assistam ao depoimento da Willow Smith ao raspar a cabeça como gesto de afeto com a situação da mãe.

A Morena do Afrofuturo on Twitter: "Alopecia não é qualquer doença. É uma das doenças que mais afeta a autoestima de mulheres negras. Só quem é, sabe. / Twitter"

Alopecia não é qualquer doença. É uma das doenças que mais afeta a autoestima de mulheres negras. Só quem é, sabe.

Thiago Amparo on Twitter: "Quantas vezes mulheres negras foram relegadas ao lugar de ridicularização, da violência e da solidão, ao passo que a sororidade restou inexistente? A partir de qual lugar de conforto julgamos um ato de violência? Estamos preparamos para ir além da dicotomia "condenar"/"aprovar"? / Twitter"

Quantas vezes mulheres negras foram relegadas ao lugar de ridicularização, da violência e da solidão, ao passo que a sororidade restou inexistente? A partir de qual lugar de conforto julgamos um ato de violência? Estamos preparamos para ir além da dicotomia "condenar"/"aprovar"?

E é horrível pensar no peso que Chris Rock e Will Smith carregam. Dois ícones que superaram adversidades e despontaram em suas respectivas artes. Mesmo que, de um lado, tenhamos um cara confortavelmente seguro da posição e seduzido pela possibilidade de falar quase qualquer coisa e, do outro lado, um outro cara que, certamente, tem o fardo de ser visto e admirado como exemplo no mundo inteiro 24/7. É um fardo. São toneladas de expectativas em cima da popularidade.

Tiffany Hadish x Judd Apatow

Não, eles não saíram no tapa, mas é importante comparar as duas distintas opiniões e quem são essas pessoas.

Tiffay Hadish é atriz, humorista e premiada no Emmy. Nas palavras dela: “Quando vejo um homem negro saindo em defesa da esposa isso significa muito para mim. Significa o mundo para mim. Talvez o mundo não fique satisfeito com o que aconteceu, mas foi a coisa mais linda que já vi, porque me fez acreditar que ainda há homens por aí que amam e se importam com suas mulheres, com suas esposas. Caso ela não tivesse ficado magoada, ele [Will] provavelmente não teria feito nada. Mas deu para ver como ele ficou obviamente… Eles ficaram chateados, ela ficou magoada, então ‘eu preciso fazer alguma coisa’… Ele protegeu a esposa”.

Judd Apatow é comediante, produtor e também foi premiado no Emmy. Ele covardemente lançou essa frase aqui e logo tratou de apagar:

Tiffany Hadish é uma mulher negra. Judd Apatow é um homem branco. Percebem como a opinião dele reflete como a indústria/sociedade branca vê o caso? Quando Apatow diz “raiva descontrolada e violência, podendo ter matado alguém por ter perdido a cabeça”, há mais do que um exagero: ele não se sensibiliza alguém, ele apenas acusa o outro. Há uma necessidade estrutural em apontar um lado e criar vilões negros.

E o Will pode perder o Oscar? Olha… dificilmente. Pode haver alguma represália por parte da Academia (multa, suspensão, boicote), mas não acho que vão retirar o Oscar. O público foi muito, muito, muito enfático no pronunciamento da Academia em que diziam ser contra violência: jorraram imagens dos oscarizados Sean Penn, Weinstein, Mel Gibson, Casey Affleck… E aí? A Academia tem moral para falar algo?

O tapa fez ressurgir, também, 2 momentos icônicos do Oscar:

Em 2003, Halle Berry anuncia o Oscar de Melhor Ator para Adrien Brody, que se sentiu no direito de agarrar a atriz e dar um beijo forçado. Quase 10 segundos de assédio foram transmitidos para milhões de pessoas. Alguém acredita que a Academia tenha agido de forma eficiente?

Em 1973, a atriz indígena Sacheen Littlefeather foi chamada pelo próprio Marlon Brando após o mesmo ter se recusado a receber o Oscar (a história é longa e controversa). Na frente da plateia, ela foi humilhada e criticada por clamar respeito ao seu povo. Clint Eastwood e John Wayne partiram para a baixaria com tons de agressão e Michael Caine interveio criticando o próprio Brando por não ter tomado atitude responsável na ocasião. Again, gurizada: a Academia agiu de forma eficiente? Fica o questionamento pairando e fedendo no ar.

Para os próximos dias, prepare-se: stories patrocinados de empreendedorismo e marketing digital com a tal cena do tapa + textos meritocráticos do LinkedIn + podcasts discutindo o limite do humor e pseudo-humoristas (aqueles que utilizam da branquite pra falar qualquer coisa descompromissada ao expurgar preconceitos) + memes cansados…

A segunda temporada iniciou de um jeito fantástico (a propósito: foi o episódio mais comentado de uma série de TV desde o final de Game of Thrones). Tocaram no ponto que une praticamente todos os fãs: Fezco. Afetuoso, bandido, misterioso… o personagem é unanimidade quando comentamos sobre as presenças mais queridas. Não tem como negar que o Fez é o coração do show. Angus Cloud entregou um personagem que, no íntimo, flertava com a pureza no meio daquela vida repleta de violência e adversidade. Fez cuidou da avó, do irmão, da Rue, da Faye, da Lexi e dos fãs em uma temporada com vários problemas. Não conseguir ir na peça, tomar um tiro sem letalidade e terminar com um final aberto foram decisões bem fáceis e até óbvias. Ainda mais quando 50% da dupla Fez & Ash, o ator Javon Walton (Ashtray), já expressou a vontade de colocar a atuação como Plano B para focar um pouco na vida de atleta.

E o Cal, heim? O vilão da Season 1 gerou questionamentos bem interessantes. Parte dos fãs não gostaram da humanização do patriarca e algoz da família Jacobs. Na esperança de ver mais detalhes, gostei de aprofundarem o personagem, mas o flashback com o melhor amigo e a ótima concepção da cena do bar parecem ter se afundado no mar das infinitas histórias incompletas da série. É como se a produção não quisesse finalizar alguns arcos para ter umas cartinhas na manga. Compreensível? Talvez. Ou melhor, não. Já temos uma infinidade de outros personagens que também estão patinando nos próprios enredos.

Ainda sobre a família Jacobs, trouxeram um caso entre Nate e Cassie ao mesmo tempo em que sumiram com o McKay (melhor amigo do Nate e ex-namorado da Cassie). Mais uma oportunidade perdida de bons momentos. McKay se juntou com Kat, Gina e outros na lista de bons atores menosprezados pelo roteiro que acrescenta personagens novos.

E, sobre personagens novos, se não fosse pela cena mais Dominic Fike e menos Elliot durante o momento com o violão (que quebrou o clima de porradaria), poderiam ter colocado outro personagem já conhecido naquele mesmo arco. A própria vilã da temporada 2, Laurie, simplesmente sumiu. Criou-se uma ameaça latente, há uma possibilidade terrível de sequestro/tráfico/etc mas o grande trunfo da personagem foi deixar os fãs mais apreensivos do que o próprio universo da série. Quem também apareceu pouco e teve cenas interessantes foi Samantha, a chefe da Maddie, que poderia ter vindo mais forte como uma mentora e versão adulta da própria Maddie. Pincelaram uma química estranha entre o sensual e fraternal ali. A personagem, escrita especialmente para a atriz Minka Kelly, foi marcante.

E eu sei que a série evita tocar em questões de raça e gênero com profundidade, “e tá tudo bem”, dada a proposta do projeto. Existem outras perspectivas dramáticas que podem — e são — muito bem exploradas. Mas é bem desconfortável (ainda mais com uma protagonista negra) que a temporada traga justamente uma assistente negra para Lexi cuja única característica da personagem seja ser uma puxa-saco de prontidão. Pegou mal, heim… Francamente... Por outro lado, a atuação da Chloe Cherry como Faye teve momentos poderosos — e sem dizer uma palavra. Nas sutilezas do olhar e das microexpressões que foram entregues ao longo da temporada, a atriz foi “Craque do Jogo” nesse episódio final. Boa personagem! Boa adição ao elenco. Podemos aplaudir a galera que fez o casting da mesma forma que fazemos com a tchurminha do som e da foto.

Em uma retrospectiva mais crua, parece que focaram mais em fazer um compilado de cenas fortes X cenas fofas do que avançar as histórias criadas para os tantos personagens existentes: Cassie-no-banheiro e fuga-e-colapso-da-Rue X Ali-cozinha-para-elas e Maddy-e-Samantha-na-piscina.

E a gente percebe exatamente quais momentos foram Emmy-bait… Vale lembrar do tal “episódio das referências”, aclamado pelos fãs (onde, maaaais uma vez, flertaram com a morte da Rue).

A fotografia segue impecável, figurinos continuam maravilhosos e belíssimas composições visuais, mas não souberam lidar com tantos personagens. Vamos esperar que a terceira temporada saiba quando concluir e quando iniciar novos dilemas — vamos torcer, também para que a produção não insista na nudez feminina… as próprias atrizes manifestaram desconforto e queixa inúmeras vezes. Mesmo acatando o pedido das meninas (ainda bem, né!!!), só o fato de sugerir isso à exaustão já pegou mal pra produção, heim…

É isso. Escutem as playlists da série e se divirtam com as teorias até a temporada 3.

Abaixo, minhas faixas favoritas e 1 mini-teoria.

08/12/21, 9 horas da noite.
Cheguei em casa.
Conectei.

A primeira notícia foi dureza: Robbie Shakespeare? Raramente eu via o nome dele, mesmo dentro da minha “bolha”. Triste notícia: o mundo perdeu Robbie Shakespeare, lenda do reggae, um dos deuses do contrabaixo. Sem exageros.

Eu lembro do dia em que eu estava com o meu baixo no colo e descobri o nome dele no Google.

Não vou entrar nos méritos da facilidade que a tecnologia nos traz, mas eu preciso dizer que, ali, eu fui fisgado por uma imagem forte e imponente registrada em 1978.

Lá em 2012, não haviam tantas imagens diferentes (e legais) de artistas com o cabelo igual ao meu e discussões sobre identificação e representação estavam bem mais atreladas ao ambiente acadêmico.

Fui atrás do artista — e ele ganhou um fã.

Descobri Sly & Robbie, prolífica dupla com invejável (e gigantesca) lista de gravações no currículo. Juntos, Sly Dunbar e Robbie Shakespeare produziram com e para muitos artistas: Black Uhuru, Gregory Isaacs, Herbie Hancock, Grace Jones, Serge Gainsbourg, Yellowman, Toots, Ini Kamoze…

Não conheceu muitos nomes? Tem mais: Vanessa da Mata, Mick Jagger, Madonna, Britney Spears, Jimmy Cliff, Bob Dylan, Joe Cocker, Simply Red, Fugees (da Lauryn Hill), No Doubt (da Gwen Stefani)… ufa! Os caras trabalharam com muita, muita gente influente (citando apenas alguns nomes).

Me aprofundando na história do Shakespeare, descubro que ele iniciou como um discípulo direto de Aston “Family Man” Barrett, baixista de Bob Marley & The Wailers. Aston e seu irmão (Carlton Barrett — baterista) esculpiram detalhes marcantes no que seria o ritmo mais contagiante da Jamaica. Family Man ajudou nos primeiros momentos de Robbie com o baixo e ambos cresceram e aprenderam muito. Juntos.

Baixo e bateria se destacam de maneira peculiar no reggae. É uma união especial. O “tempero” surgiu com dois irmãos apaixonados pela música, não havia como ter conexão mais forte. Sly & Robbie também eram como irmãos. De carreira, de palco, de estúdio, de vida. Não fundaram as bases do reggae, é verdade, mas eles estavam lá no camarote quando isso aconteceu e conseguiram imprimir uma marca na História da Música.

Baixo e bateria são assim no reggae: instrumentos que ditam a dança, esquentam trazendo a sensualidade, fornecem o ataque contundente em músicas mais críticas… pode parecer papo de um baixista que já se aventurou na bateria… isso de ficar defendendo o próprio instrumento. Talvez seja. Mas vou deixar uma frase que eu ouvi há muito, muito tempo:

“Se você murmurar alguma música de reggae, provavelmente estará fazendo o som do baixo”… algo assim, não lembro bem.

Ao artista, por cada linha de baixo que eu me pego murmurando frequentemente, eu agradeço. Como artista, como baixista, como devoto da Deusa Música, eu agradeço. Que legado lindo! Tão lindo quanto gigantesco. Uma inspiração atemporal de um dos mais visionários baixistas.

2021, ano em que Robbie Shakespeare e Lee “Scratch” Perry se juntaram para um grande dub no céu.

RIP Robert Warren Dale Shakespeare

Ah! Uma curiosidade: Concrete Jungle, faixa de abertura do álbum Catch a Fire (The Wailers, 1973) foi gravada pelo Robbie Shakespeare. Reserve 4 minutinhos e 8 segundos do seu dia e aprecie a voz do gênio Bob Marley com a linha de baixo do Robbie Shakespeare em um clássico do reggae.

Seguimos…

No dia seguinte ao show, eu confesso que espantosamente consegui acordar no meu horário usual. Acordei cedinho. Em uma dieta improvisada, os dias anteriores foram regados com muito hambúrguer vegetariano. Pensei que eu teria uma manhã ultra pesada, me levantando atrasadão mesmo sem grandes e urgentes compromissos. Sem despertador, ao abrir os olhos naqueles primeiros segundos depois do sono, eu me sentia muito leve. Leve em espírito, leve entre eu & eu, leve como quem pula no palco, o templo da Deusa da Música. Confesso, também, que após abrir os olhos, veio, na realidade, uma versão 2.0 do Han Solo em carbonita. Começando pelas extremidades, minhas mãos estavam duras e ardiam um pouco. O tornozelo ainda estava cansado de pular e eu devo ter batido os joelhos quando me joguei sobre eles (no solo de guitarra, eu acho). Péssima ideia quando se está usando jeans com largos rasgões nos joelhos. Meu pescoço também não escapou e eu me lembro de notar, ainda no show, como quase 1 década sem cortar o cabelo acaba pesando demais depois de repetir diversas vezes um mesmo movimento (só pra evitar que o cabelo pendendo do topo da cabeça abafe as cordas do instrumento). Usar algumas correntinhas e me movimentar bastante também não ajudou: fez com que a correia que sustenta o instrumento raspasse no metal das correntes e escoriasse o pescoço. Com o suor, ardeu na hora.

Lembra que eu falei em pular no templo da Deusa? Viajei com o ombro machucado, um pouco fora do lugar. Uma luxação, coisa leve, alguns dias antes do embarque. Aparentemente, tudo bem. O movimento estava legal sem grandes esforços. Mais alguns exames e um reforço com o meu treinador já estavam na minha pauta (tudo agendado para depois da viagem, claro). Pular e se debater e tocar um set intenso em energia e volume me fez com que eu sentisse o ombro incomodar logo nas primeiras notas das últimas músicas. E, no dia seguinte, doeu muito. O grave do baixo ressoa no corpo de uma maneira quase espiritual. Eu escolhi esse instrumento por isso. Ele vibra nossa caixa torácica de uma forma diferente a cada nota. O contrabaixo realmente mexe com o nosso corpo. Repito: eu escolhi esse instrumento por isso. Felizmente, nossa residência nessa trip tinha uma piscina. Absurdamente fria. E parecia mais fria naquela manhã sem sol que contrastou com o resto do dia. Uma ótima alternativa: entrar de corpo inteiro em um grande balde de água gelada era melhor do que espalhar várias pequenas bolsas de gelo. Tinha uma academia bem legal ao lado da piscina. Um espaço bom para alguns alongamentos antes que o dia, de fato, começasse naquela capital.

E isso tudo é muito válido. Ajuda ao reforçarmos alguns valores, ajuda na hora da gente se reencontrar e se ver no trabalho. Essas dores, junto com os risos e as fotos, elas servem para valorizar mais ainda e lembrar o esforço de todo mundo que contribui para um show (e qualquer outra performance). Quem compra o ingresso, quem canta junto, quem trabalha na equipe da casa e na parte técnica… Tem muita coisa por trás de um festival, de um show, de uma banda de garagem… Muito pode ser traduzido por aquilo que não é visto. É sentido, transbordado e respingado no streaming e no show (principalmente). O conceito de “assistir e fazer um show” me parece um tanto quanto novo e primitivo. Diversas culturas se reuniram para tocar tambores e homenagear seus ancestrais em rituais sagrados. Tem algo de muito sagrado na música. Talvez o carro e a guitarra elétrica sejam novos em comparação ao que nós, humanos, temos com a música. Acho que algumas três coisas surgem em todas as culturas ao longo de todos esses dias e milênios e tudo isso pode ser visto muito vivo numa tribo indígena ou num show de punk rock: 1) adornar o corpo com tinta e joias; 2) usar da natureza para fins medicinais e recreativos; 3) fazer música. No fim do dia, somos artesões da nossa música e dos dias por aqui.

Epílogo/Posfácio/Continuo sem saber: Voltei completamente apaixonado pelas minhas próprias músicas e pelas vivências que essas canções me proporcionaram até aqui. Lembro que, ao deitar no meu apartamento, o barulho do mar se misturava com o leve zunido causado pelo voo e pelas caixas de som. Foi uma chance que tivemos, entre eu & eu, de compreender, assimilar, contemplar todos os momentos que afluíram em forma de canção. Sempre imaginei que, após alguns meses, talvez, revisitar a própria arte seria como vestir uma camisa extremamente larga e surrada. Como ocorre ao não me enxergar nos traços ou pinceladas antigas. Eu perderia uma terapêutica forma de fazer as pazes com o passado se eu ainda pensasse nessa lógica. A gente lançou alguns poucos cantando e gritando sobre dor, sobre você acordar com uma pedra gigante no peito e atrasar até o último minuto antes de sair da cama porque você sabe que a rotina espreme sua cabeça e escorre o melhor e mais inspirador que há em você… aquilo que vão chamar de bad vibe total. E escrever com um pedaço de pau, umas cordas e eletricidade tem se mostrado uma forma pura de expurgar e tornar tudo tão… good vibes total. Quem diria que os piores dias de nossas vidas trariam nossos melhores momentos.

Primeiro recado: Sim, o texto está um pouco longo. Tentei ser sucinto e técnico… falhei. A espera por esse filme foi tão longa quanto a expectativa e a emoção só foi superada pelas lágrimas de alegria após a subida da última letrinha dos créditos. Tantas representações são cretinamente normalizadas que eu jamais imaginei que um blockbuster viria de forma tão bonita para representar tanta coisa para tanta gente.

Segundo: Não, não termina aqui. Irei escrever um compilado de tudo que tenho anotado. Spoiler sobre os futuros três temas? Analisando o Marketing do filme, possíveis rumos para o Pantera no cinema e, o mais bizarro dos temas, sobre a diferença entre um longa dessa magnitude e os antigos heróis negros no cinema (eu realmente não queria ter que falar sobre as disparidades entre o desenho do Super-Choque, o esquecível Steel, o Blade e o Spawn… mas a enxurrada de comentários tóxicos e falsas simetrias me obrigam)…

Vamos lá…

“Woooow!!!

Noooossaaaaa!

Meu Deus, cara…

oops, hahah…

Jah! Oxum! Ogum, Osiris e, claro, Deusa Pantera Bast!

Que filme foi esse?” – assim foi meu primeiro registro de emoções sobre o longa-metragem para um amigo. Sim, tem um easter egg com a frase de um dos hits do Carnaval 2018.

Então, que filme foi esse?

Foi um filme de super-herói negro, feito por um diretor negro com um elenco majoritariamente negro e o que eu posso dizer aqui, no início da minha escrita, é que os próximos filmes da Marvel têm um padrão muito, muito alto para alcançar…

“A régua [do padrão] bateu alto”, como dizem meus colegas e eu quando alguma nova “altura” limítrofe da qualidade é estabelecida. No caso do filme do Pantera, a qualidade em amplos aspectos é tão surpreendente que em determinado momento eu lembro de ter pensado: Nem parece um filme de super-herói, né?!

Há uma preocupação em preparar o “covil do Pantera”. Há um roteiro muito bem estruturado para ambientar e pavimentar todos os momentos do longa. De tal maneira, a mitologia é gradualmente apresentada, a nação africana é desenvolvida de acordo com a imersão do público e os personagens principais e coadjuvantes são aprofundados e expandidos de forma bem impressionante.

Portanto, se você não está acostumado com as superaventuras do monarca de Wakanda, sem problemas.

O filme foi bem arquitetado por mentes que sabem muito bem que o protagonista é muito mais conhecido pelo que representa historicamente dentro da nona arte do que pelas suas histórias, de fato.

Nos acostumamos com a “Fórmula Mágica da Marvel”: Doses cavalares de comédia + frases de impacto um tanto quanto “galhofas” + cenas muito boas de ação + vilões caricatos e com presunçosos desfechos.

Mas tal formato padrão para filmes assim não é ruim. Dá/deu certo por um bom tempo. Financeiramente? É excelente. Cinematograficamente? É contestável…

Só que não há espaço, em hipótese alguma, para utilizar essa fórmula no filme do mais emblemático personagem negro das HQs. Não haveria desrespeito maior do que transformar esta narrativa em um filme simples de ação e aventura.

O filme possui uma responsabilidade gigantesca. Trata-se de um vislumbre do que são os heróis na perspectiva de quem eles representam. Como a Mulher-Maravilha de Patty Jenkins, temos um novo olhar e escrita. E, distanciando-se da Fórmula Marvel, é onde Pantera Negra encontra seu espaço como um filme que promete, representa e entrega algo muito, muito maior do que mero entretenimento.

É um excelente filme antes de ser um excelente filme de heróis. Como Logan, que apostou no gênero neo-western/road movie e deixou o cinema-de-herói em seu subgênero, as escolhas da direção e produção são bem pontuais. Fundamentos do cinema são bem executados, o longa consegue se sustentar sem o fantasma que assombra algumas produções da Marvel: a necessidade de provar que pertence ao universo cinematográfico da empresa.

O rompimento com a tal Fórmula Mágica veio com o alquimista perfeito: o diretor Ryan Coogler soube dirigir o longa com firmeza nas mãos, pegando pitadas contidas do formato de cinema da Marvel (afinal, ainda temos um produto Disney/MCU que deve motivar e jogar o público diretamente para o grande desfecho dessa construção, o início do fim, o aguardado Guerra Infinita), casar tais informações com suas características como diretor (que garantiram sua indicação e cargo) e a dificílima missão de presentear-nos com a não-tão-doce utopia do que poderia ser um país africano, com todas as suas grandezas e riquezas, longe dos séculos de extração de diamantes e vidas e das pragas do mundo que ainda deixam feridas bem abertas.

E, se Coogler é um estreante em cenas de ação, me recordo de Ta-Nehisi Coates, escritor e analista político que assumiu a HQ do Pantera sem ter escrito HQ alguma antes dessa missão… Inclusive, parte da organizações políticas de Wakanda como vemos surgem dessas edições. E adianto: em ambos os casos, a inexperiência nos formatos foi atendida com uma competente equipe e outras perspectivas da história que nenhum outro encarregado havia citado.

Vou falar um pouco sobre o trailer porque ele possui detalhes bem pertinentes:

Martin Freeman e Andy Serkis (provando que consegue ser tão aterrorizante com a cara “limpa” quanto suas diversas faces com camadas de efeitos digitais) são praticamente as únicas figuras não-negras no filme.

Não por acaso, o vilão questiona o agente da CIA a respeito do que ele sabe sobre Wakanda. Qual a razão? Martin Freeman, no trailer e no longa, representa o público majoritário da Marvel, a possível personificação do fã não-aficionado por HQ que irá ao cinema: branco, homem, heteronormativo, completamente alheio à mitologia de Wakanda e desfamiliarizado com a grandiosidade da nação africana e do herói. Mas ao contrário de muitos fãs, o agente Everett Ross é um carinha super gente boa, respeita a cultura africana e mostra-se muito mais admirado e agraciado do que cético, contestador ou depreciativo (sim, um gancho direto com aquela primeira cena pós-créditos).

Ainda sobre o trailer, a excelente estratégia utilizada pelo neo-zelandês Taika Waititi vista em Thor: Ragnarök foi mantida: cenas no trailer são propositalmente deslocadas do contexto, recebem outras ênfases no corte final e contribuem para a experiência no cinema, anulando o efeito negativo de trailers que entregavam parte da trama (como ocorreu em Avengers 2: Era de Ultron e até mesmo Capitão América: Guerra Civil).

A trama nos coloca em constante movimento: USA (1992), South Korea… mas os destaques vão mesmo para a terra do vibranium.

E Wakanda é um personagem presente na trama: Wakanda cresce, Wakanda pulsa, treme, sofre… Wakanda vive.

Wakanda vive frente aos nossos olhos graças aos esforços de todos os maravilhosos artistas que trabalharam para o filme.

O design está impecável e a produção de parabéns. As texturas, estampas, cores… há um embasamento grande. Não resta dúvida de que é uma representação genuína de uma nação africana. É tudo muito negro. Da individualidade de cada personagem principal e de cada tribo. Dos sotaques, características de cada povo…

As escarificacões corporais em Killmonger e faciais em W’Kabi são características em diversas tribos africanas (como há muito tempo vi nos registros de Eric Lafforgue) assim como o penteado típico Masai (de outras tribos, também) presente no conselho de Wakanda.

Toda a estética africana revela características que são zombadas ou caricatas no mundo ocidental. Da subjgada pele preta até as citadas escarificações e kisêdjê (disco labial). Enquanto temos costumes europeus sendo frequentemente revisitados, tradições africanas ainda são demonizadas, preteridas e ridicularizadas pela mídia. O que, em qualquer outro espaço seria apresentado como um sinal de primitivismo, aqui, é exaltado e belo. É emocionante olhar para tantos componentes estéticos negros de forma empoderada e empoderadora, saber que aqueles que conceberam o que vemos sentem o mesmo que eu (como fã & negro) no que diz respeito aos nossos antepassados pré-diaspóricos. O tribal, aqui, não é visto como ultrapassado e antiquado, afinal, com tantas dores e problemas na conjuntura política e social atual, eu não ousaria chamar nossas estruturas sociais modernas/ocidentais de civilizada e progressista.

São detalhes que denotam grande pesquisa e um profundo estudo e envolvimento na composição de tudo que vemos.

A imersão causada pela trilha sonora e cores e texturas e tudo mais é algo realmente lapidado com muito esmero.

Dos toques no atabaque aos cânticos africanos, do hip-hop ao sutil soul e funk presentes na trilha… tudo delicadamente posicionado. Pude notar que o som do djembe na trilha sincroniza com o som dialético em um momento… mas eu passei as horas com o coração pulsando, tão imerso, que não saberia dizer o que era uníssono ou dissonante. Quero (re)assistir para identificar os instrumentos africanos presentes. Grato ao meu amigo, mentor e luthier, justamente, um construtor e pesquisador de instrumentos étnicos africanos, por me ensinar reconhecer alguns antigos sons além do elétrico e do plugado.

Sobre a trilha sonora, uma sábia decisão que une arte e marketing, o maestro encarregado da curadoria para a ópera de Ryan Coogler não poderia ser outro mais adequado: Kendrick Lamar.

Kendrick é um dos artistas mais emblemáticos da geração atual. Seus discos são como aulas de História. Ele é cirúrgico em suas rimas. Um antropólogo no estúdio. Seus discos contém análises políticas e sentimentais sobre ser um negro norte-americano vindo da periferia. São críticas sociais reais. São os gritos de vozes sufocadas. Kendrick tem uma visão única e destaca-se pela capacidade de traduzir e contextualizar a situação da população negra americana, principalmente o jovem, grande parte do seu público (e do público-alvo do filme).

Não dá pra esquecer de Ludwig Göransson, parceiro de longa data do diretor e de outro notório e importante artista negro – Childish Gambino (ator, roteirista, comediante, músico, instrumentista… ufa!).

Detalhes interessantes sobre a relevância de Kendrick? Das 14 faixas de seu aclamado e último álbum (DAMN.) todas (sim, todas) entraram para a lista Billboard Hot 100.

E a Marvel já havia flertado com ele quando seus heróis estiveram em diversas releituras de capas de discos de rap. Olha aí, os Guardians of Infinity recriando o álbum To Pimp A Butterfly (reparem nos detalhes dessa arte).

Em boas mãos, nossos ouvidos são agraciados com o equilíbrio perfeito entre os diversos ritmos africanos e os sons “filhos” destes ritmos.

Tenho que dizer (pois estas palavras estão explodindo em mim): Michael B. Jordan traz, definitivamente, o maior e melhor antagonista que o Marvel Cinematic Universe já viu. E, sem exageros, um dos maiores personagens de filmes oriundos de HQs. Pelos trailers e materiais promocionais, jamais imaginaríamos que teríamos um tal plot twist e um embate ideológico com tantas possibilidades de discussões, flertando, até mesmo, com Luther King e X.

Killmonger vai figurar em segundo lugar das listas mais justas porque o primeiro posto de nossa geração está eternizado com o Coringa de The Dark Knight (2006). Ok, o Coringa é um personagem com quase 80 anos e inúmeras encarnações em todas as mídias possíveis para um personagem. Devido, também, ao excelente trabalho de Heath Ledger aliado à morte precoce do mesmo, há uma mística envolvendo sua performance. Mística que castigará os próximos atores encarregados de darem vida ao vilão e aos próximos vilões de HQ no cinema, também…

Voltemos ao Erik Killmonger Stevens.

O Terror Negro, como é chamado nas HQs, repete exatamente a cena da 9ª arte em que destrona nosso rei T’Challa lançando-o na cachoeira. Mas isso é uma trivialidade. Referências legais para os olhos dos mais aficionados. Para os curiosos e sedentos de mais detalhes, reparei no traje/armadura que diferencia herói e vilão: podemos notar que a roupa dele possui uma “estampa” de leopardo/onça/jaguar… mais uma característica que os excelentes designers e figurinistas captaram das HQs pois a onça (ou leopardo/jaguar, nunca sei…) é o fiel mascote de estimação do vilão.

Chamá-lo de vilão, aliás, é uma heresia, é uma diminuição de toda a grandeza e beleza do personagem.

A sólida construção não nos entrega um vilão. Nos presenteia com a representação de uma força contrária e reação do mundo e suas malezas – do colonialismo às guerras, passando pelo citado encarceramento em massa e miséria crônica. Killmonger carrega em seu desejo, um furacão de força de vontade, dor e verdade onde muitos enxergarão apenas ganância e rebeldia. E, após o longa, as palavras do trailer “O mundo terá um novo começo” fazem muito sentido… A distância entre ele e todos os outros vilões da Marvel tornam-se abissais. Uma pequena confissão a respeito de outra frase dele que mexeu comigo lá nos trailers e resume boa parte de tudo que eu vi e senti: “Eu esperei minha vida inteira por isso”.

Nosso antagonista é um arquiteto que sonha alto e fala pelos oprimidos.

N’Jadaka, seu nome de batismo, surge como a personificação e resposta ao que o mundo criou até agora – e, obviamente, não falo das partes positivas: ele é fruto do descaso dos países ricos perante os problemas que eles mesmos criaram, da invisibilidade das minorias e das vozes caladas. Killmonger representa o desejo de um mundo igual. Suas ações, no entanto, afastam o personagem do heroísmo. Justo, aos seus olhos. Ele quer a guerra para os opressores com o sangue dos mesmos. Ele é crível, ele é tão real quanto um personagem pode ser.

Talvez suas motivações e diversas camadas de persona não sejam compreendidas aos convencionais fãs de “filmes de HQs”. A performance do ator e o roteiro não irão propor a entrega literal e súbita de todos os fatos – é preciso digerí-los com certa parcimônia. Em uma escala menor, penso que se fosse um vigilante branco em um bairro de imigrantes ou metrópole, seria visto como um justiceiro aplaudido ou um anti-herói exemplar. Por isso – pela complexidade apresentada e pela dedicação ao criarem tal personagem, chamá-lo de vilão é reduzi-lo ao banditismo clichê.

Sua última frase? Ele observa o “por-do-sol mais bonito do mundo” (evocando seu pai) e relembra seus ancestrais maternos: é melhor perder a vida ao se lançar em alto-mar do que perder a liberdade em terra firme.

A cena em que ele está conectado com seu pai no plano espiritual me deixou com os olhos extremamente marejados.

Duas coisas são certas com o desfecho do longa:

1. Naquela batalha final, a verdade é que não tivemos nenhum vencedor;
2. A sementinha do plano dele foi plantada e será regada sem sangue.

Espero, de verdade, que T’Challa e N'Jadaka se encontrem no plano astral no vindouro filme Pantera Negra 2.

Ao contrário dos outros vilões que pretendem destruir o herói e/ou o mundo, ele pretende construir um mundo novo. Seria um Black Adam Veidt? Não…

Ele é Erik Killmonger Stevens.

A mais recente parceria dos invictos Ryan Coogler e Michael B Jordan. Juntos, sabem me assustar e me emocionar (confiram, também, Fruitvale Station e Creed. Ou seja: toda a filmografia do Coogler até agora).

O nosso protagonista, o carismático e bonitão Chad, divide os aplausos com as excelentes e fortes mulheres no longa. E, se a Marvel foi muito questionada pelo descaso às suas heroínas, aqui, elas estão muito bem representadas e inseridas na trama: no humor adolescente (Letitia Wright/Shuri), nas batalhas (Danai Gurira/Okoye), nos dramas familiares (Angela Bassett/Rainha Ramonda) e no romance (Nakia/Lupiya Nyong’o).

Shuri (desculpa, Mulan, Shuri é minha Princesa Disney favorita agora) equilibra muito bem os momentos de comicidade com seriedade. Uma brilhante mente adolescente e negra que não é subjulgada ou desacreditada de suas capacidades.

Danai Gurira, naturalmente, surge como uma alusão direta ao papel que a consagrou. A eterna Michonne de The Walking Dead nos traz uma letal personagem, com seus momentos de sensibilidade ao hesitar entre o coração e a doutrina militar. Seu destaque está mesmo nas cenas de ação com as Dora Milaje! É uma lástima que tenha ocorrido o chamado “straightwash” e não tenhamos visto o casal Ayo e Aneka. Falar em mulheres negras e guerreiras no plot principal de uma HQ é de uma vanguarda tremenda! Com o sucesso do filme, talvez permitam a inclusão do casal (homossexual) na continuação…

Nakia, assim como Shuri, possui equilíbrio trama: mulher, negra, mas jamais a mocinha indefesa a esperar pelo herói. Independente e Mérito dos roteiristas.

As personagens adjacentes de Pantera Negra são bem construídas e bem desenvolvidas, deixam aquela saudade depois do longa. Queremos mais cenas de ação com a General Okoye, quero a Shuri saindo do Djalia como a orixá mais bela… ops! Sem possíveis spoilers…

Algumas simbologias, por mais literais que possam soar, ficaram belíssimas na tela: Para adentrar e projetar-se no mundo espiritual, o vitorioso é enterrado. O ritual de coroação se torna um rito fúnebre representando a “morte” da antiga vida e o renascimento como monarca.

Algo pouco falado, é a estética adotada nos pôsteres (que me lembraram um pouco o clássico Metropolis + a recente releitura de O Grande Gatsby) e na arquitetura da Cidade Dourada.

A mistura de Art Deco com Afrofuturismo conferiu um toque mais realista e menos psicodélico/ficcional que poderiam ter projetado ao pensar numa cidade africana e ultrafuturista. Há pouco tempo, quando pesquisávamos sobre Afrofuturismo, o feedback era paupérrimo: não haviam as referências literárias e nem a identidade visual que consagrou Janelle Monáe. Sempre as mesmas capas do Miles Davis, a Grace Jones e as piores fotos do lisérgico George Clinton…

Finalizando! Legal ver uma balançada no status quo do Universo Marvel: ousadia que raramente acontece nas produções e que, sinceramente, enfraqueceu Guerra Civil (os amigos brigam o filme todo, trancafiam uns aos outros e mandam uma cartinha no final? Poxa, que esperassem, pelo menos, o outro filme para insinuar as desculpas).

A frase final, com o garotinho perguntando ao protagonista quem ele é, nos joga diretamente para a HQ e animação chamada Quem é o Pantera Negra?, com o mundo descobrindo Wakanda. Uma decisão heróica e pacífica, como haveria de ser. A primeira cena pós-créditos é um tapa na cara ao mostrar a reação do desacreditado governante branco subestimando o país africano. E a segunda cena pós-créditos teve duas palavras que me deixaram com uma dúvida: será que a Marvel vai fugir do óbvio e deixar o Bucky sem o manto do Capitão América?

Em suma…

Tem humor? Tem!

Tem ação! Sim!

Protagonistas negras fortes? Siiiim!

Tem aquele “vovô-que-aparece-em-tudo”? Teeeem!

Tem cenas pós-créditos? Teeem!!!

É isso!

Wakanda Forever!