Endossando o discurso das múltiplas diversidades, lutas sociopolíticas, de respeito e equidade LGBTQIA+, precisamos sim, falar todos os dias sobre representatividade lésbica na literatura, no contexto audiovisual e nas pautas sociais como um todo. Uma grande parcela da população pode desconhecer, até mesmo pela falta de espaço para divulgação, mas essas produções existem e resistem.

No caso da literatura, por exemplo, como o interesse por parte das grandes editoras neste segmento literário é escasso, as publicações de literatura lésbica são, em sua maioria, pequenas tiragens realizadas por autoras independentes ou pequenas editoras. Graças à deusa podemos contar com livros maravilhosos de escritoras como Diedra Roiz e Wind Rose, que ajudam muitas garotas e mulheres a se conhecer, descobrir e, sobretudo, amar sem vergonha ou culpa. Mas, se ainda hoje é complicado alcançar ampla visibilidade à produção de conteúdo lesbi, imagine há mais de 60 anos?

Em 1952 seria concebido o primeiro romance que aborda uma relação amorosa entre mulheres com um final feliz. Sendo um ultraje que feria os “conceitos de moralidade” da época, a escritora norte-americana Patricia Highsmith tinha o desejo de publicar o material, mas temia que sua carreira acabasse ali devido ao preconceito exacerbado na sociedade da época. Entretanto, com o pseudônimo de “Claire Morgan”, Patricia lançou The Price of Salt, publicado 38 anos depois como Carol, que levou à adaptação para o cinema em 2015 e consagrou Cate Blanchett como um ícone lésbico.

Quando o assunto é audiovisual, em 2014 tivemos o imenso prazer de celebrar a liberdade e beleza em acompanhar o amor entre duas mulheres com o surgimento da primeira websérie lésbica brasileira. Inspirada pela história de personagens assumidamente lésbicas na dramaturgia nacional dos anos 2000 e séries gringas que já exploravam a pauta com maestria, a websérie RED é protagonizada pelas atrizes Luciana Bollina e Ana Paula Lima, que vivem, respectivamente, Mel Béart e Liz Malmo, duas atrizes que acabam tendo um envolvimento amoroso durante as gravações de um curta-metragem no qual formam par romântico: Scarlet e Simone.

Desde seu início, a websérie idealizada pelas autoras-roteiristas Germana Belo e Viv Schiller ganhou bastante notoriedade do público brasileiro e internacional. Por sete anos consecutivos o projeto contou com amplo apoio dos fãs através de financiamentos coletivos e parcerias que resultaram em visibilidade e prêmios pelo excelente conteúdo independente apresentado e seu caráter didático.

A sexta temporada chegou no início de 2021 e com ela, a websérie chegou ao fim de forma emocionante e consolidada. No momento, a equipe celebra indicações no Sicily WebFest 2021 — festival italiano que reconhece e valoriza o trabalho cinematográfico através de webséries distribuídas no mundo todo.

Para registrar um pouco mais do universo e legado de RED, a ENTRE LP bateu um papo com uma de suas autoras, Germana Belo, que gentilmente nos atendeu e compartilhou particularidades de sua enriquecedora experiência criando a primeira websérie lésbica brasileira.

ENTRE LP — Durante o processo embrionário de RED, você e Viv Schiller já conheciam a carência da produção de conteúdo audiovisual voltado para o público lesbi no Brasil? Como é fazer parte de um projeto pioneiro para internet?

Sim, enquanto parte desse público, nós duas conhecíamos essa carência, e esse foi um dos fatores que nos motivaram a desenvolver o projeto.

Acho que uma das coisas mais legais sobre fazer parte de um projeto pioneiro é saber que ele, provavelmente, vai servir de referência para outras pessoas. Ouvi de vários criadores — principalmente dos que produzem conteúdo para o mesmo público que a gente — que RED os inspirou e encorajou a realizar suas próprias produções de maneira independente. Então, é muito bom saber que, de alguma maneira, contribuímos para que essas outras histórias fossem contadas.

ENTRE LP — RED nasceu como um projeto independente, feito na raça e contando bastante com o engajamento do público. Ao longo das temporadas rolaram projetos de incentivo ou potenciais patrocinadores? Atualmente, como você enxerga o apoio e visibilidade direcionada aos trabalhos artísticos LGBTs no Brasil?

Não, não tivemos patrocinadores ou qualquer tipo de incentivo público; RED sempre seguiu como um projeto 100% independente, financiado por fãs, através de campanhas de crowdfunding anuais e TVOD, com venda direta para o público através do Vimeo On Demand. Ao longo dos anos, assinamos com algumas plataformas de streaming como Studio+, Seed & Spark, Tello e Revry, mas foi o TVOD que garantiu a sustentabilidade do projeto.

Acho que essa pauta tem sofrido com a onda conservadora na qual vivemos no momento, principalmente, quando falamos de políticas públicas. Chegamos ao ponto em que o presidente do país se manifesta publicamente contra projetos de temática LGBTQIA+ que buscam captar recursos através de leis de incentivo, e isso é lamentável. Por outro lado, acho que há um movimento de resistência dos grupos sociais e também do setor privado que, para além da responsabilidade social, já entendeu que promover e apoiar diversidade gera lucro.

ENTRE LP — Como a equipe de RED descobriu as protagonistas Ana Paula e Luciana Bollina? A química que as duas transmitem em cena é de arrepiar… Quando vocês bateram o martelo desse elenco tão completo?

A Luciana era amiga de longa data do Fernando (diretor e produtor executivo da websérie) e foi indicada por ele. Eu e Vivian achamos de imediato que ela seria perfeita para Mel. Quanto a Ana, eu a conhecia através da Elisa Riqueza (que interpreta a Gaia na série), e a convidei para o teste de elenco que fizemos na época. Ambas foram nossas primeiras escolhas desde o início, e sempre digo que tivemos muita sorte em ter as duas como nossas protagonistas. Além de serem excelentes atrizes, funcionam incrivelmente bem juntas. Tivemos muita sorte com o nosso elenco no geral, por termos conseguido escalar excelentes atores que toparam doar seu tempo pra fazer o projeto acontecer.

ENTRE LP — Com a série vocês viajaram por diversos países divulgando o trabalho e participando de convenções. Foi uma surpresa conhecer de perto tantos fãs espalhados pelo mundo?

Não foi uma surpresa porque nós já tínhamos contato com esse público global através das redes sociais, mas foi muito bom poder, finalmente, encontrar e conversar pessoalmente com várias dessas pessoas que amam e apoiam nossa série.

ENTRE LP — Sinto que RED flerta muito com a música. Amo a trilha sonora e acredito que ela foi construída com bastante cuidado. Quem realiza essa curadoria e música também te inspira a produzir?

Sim, a trilha sonora tem bastante destaque na série, e um papel importante na própria narrativa. Essa foi uma escolha criativa do Fernando logo na primeira temporada, e que deu muito certo. Além de dirigir, é ele quem edita a série e faz a escolha das músicas. Música me inspira bastante, e sempre me ajuda a escrever.

ENTRE LP — Conta pra gente: qual seu top 5 de séries lésbicas que você é fã e te inspiram?

Sou muito fã de Vida, Gentleman Jack, Vis a Vis, Her Story e #Luimelia.

ENTRE LP — RED está com um projeto super legal de contribuir mensalmente com quatro instituições brasileiras que apoiam as pessoas LGBTQIA+. Como surgiu essa ideia e quais serão as entidades contempladas?

Atualmente, contribuímos mensalmente com a Casa 1, Casa Miga, Casa Aurora e Casa Nem. A ideia é fazermos uma rotatividade dessas doações a cada ano, buscando contemplar diferentes iniciativas e regiões do país, e também fazermos uma contribuição pontual de fim de ano para outras instituições de acordo com as possibilidades do nosso orçamento. É uma maneira que encontramos de apoiar a comunidade de maneira mais direta.

ENTRE LP — Com o fim da websérie, quais os planos para o futuro? Você planeja novos trabalhos abordando a temática ou até mesmo um revival de Mel e Liz?

Meu plano para o futuro é continuar escrevendo e criando novas histórias, de preferência, que tenham personagens LGBTQIA+ no centro da narrativa. No momento, estou trabalhando em dois novos projetos de série dentro da temática lésbica. Um deles, criado por mim e pelo Fernando (Belo), e que escrevi com a Nicole Pacent (de “Anyone But Me”), tem previsão de iniciar produção ainda esse ano (se a pandemia deixar), em São Paulo e Los Angeles. Também estou na sala de roteiro de uma nova série criada pela Alice Carvalho (de “Septo”), com produção da Caboré Audiovisual, mas que ainda está em estágio inicial de desenvolvimento.

Onde assistir?

Para que você possa (re)viver o lindo encontro de Mel e Liz, a equipe de RED disponibiliza a primeira temporada gratuitamente no canal da 16 3 Films no YouTube. As demais temporadas da websérie estão disponíveis para locação no Vimeo, clique aqui e saiba mais.

RED acabou, mas eterniza a importância de retratar o amor lésbico no audiovisual brasileiro was originally published in ENTRE LP on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

“Nada me fascina mais do que juntar palavras e ver como uma coleção delas pode produzir um efeito bastante profundo. À medida que fui ficando mais velha, tornei-me muito mais consciente do que está acontecendo ao meu redor e, sim, com mais vontade de colocar isso em palavras.”

por: Francielle Cota e Damy Coelho

No catártico 2020, Polly Jean Harvey anunciou que faria o relançamento de sua densa biografia em formato streaming e discos de vinil com as respectivas demos da época. Relatamos isso por aqui no texto que abordava sua obra complexa e feroz. Hoje ela retoma seu espaço na ENTRE LP com a estreia do documentário “A Dog Called Money”, que tardiamente chegou aos cinemas brasileiros. No dia 26 de fevereiro o filme entrou em cartaz nas cidades de Brasília, Rio de Janeiro e São Paulo. E, sim, num quantitativo raso que não contempla os fãs da PJ espalhados por um Brasil de vastidão enorme.

Por isso, a MUBI, distribuidora e plataforma de streaming de filmes com curadoria, anunciou na última semana a exibição no país de “A Dog Called Money”, que está disponível desde 7 de maio. O longa tem direção de Seamus Murphy, um fotojornalista premiado e amigo de Harvey, com quem ela viaja para o Afeganistão, Kosovo e bairros de baixa renda de Washington (DC) no intuito de coletar uma pesquisa de campo que serviu como inspiração criativa para compor o álbum The Hope Six Demolition Project — e também sua gravação em Somerset House, Londres, conforme o público observava. Com estreia mundial no Festival de Berlim em 2019, o filme assume caráter jornalístico e retrata de forma emocional a composição de cada faixa do álbum, revelando as camadas por trás de sua criação e as pessoas e lugares que inspiraram PJ Harvey.

Assistimos o doc com ávido interesse. Polly Jean é grande, sublime e sempre nos desperta admiração a cada lançamento. Seu jeito reservado, de poucas palavras, fica evidente e dita o tom na criação deste projeto. Ao longo das décadas a artista mudou e isso foi refletido em sua arte emblemática. O respeito pela cultura e, principalmente, pela religião de povos que cultivam crenças e costumes tão diferentes dos que PJ cresceu aprendendo em um distrito rural de Dorset manifestam-se categoricamente. A troca de olhar, um gesto humilde de pedir permissão para estar ali, de observar e aprender. É bonito acompanhar a saga da artista em descrever problemáticas sociais distintas e ao mesmo tempo tão próximas. O reconhecimento do preconceito nada velado, a guerra, miséria e perdas sem precedentes são escancarados no material audiovisual e na música.

Em Washington, Harvey conhece Paunie, uma adolescente que se veste como um menino e impõe total respeito na rua. É o cachorro de Paunie que dá o título ao filme. Em Kosovo, uma senhora idosa guarda as chaves dos vizinhos que fugiram da aldeia durante a guerra (e provavelmente não voltarão). Murphy filma com compaixão e curiosidade jornalística, sua câmera se aproximando cada vez mais do rosto de um menino em Washington que está explicando como seu pai, primo e amigo foram mortos a tiros no mesmo quarteirão — dois assassinatos, um suicídio.

Nas 01h29min da obra, PJ Harvey é uma observadora atenta com um caderno nas mãos. Quando sente vontade, ela lê versos poéticos que anotou na narração. Mas é aqui, em uma linha quase descartável, que temos o que pode ser o momento mais revelador do filme, quando um músico conta uma anedota sobre Harvey gravando seu aclamado disco anterior, Let England Shake. A gravadora não tinha ouvido uma única faixa e PJ estava ficando nervosa. Então, convidou meia dúzia de amigos super próximos para sua casa em Dorset, fez um bule de chá, colocou o álbum em seu CD player e depois desapareceu para cuidar do jardim. Fez tudo o que precisava com parcimônia. Quando retornou, indagou os presentes: “e aí, o que acharam?”. É bom demais ver a cara marota dela enquanto o homem compartilha o fato.

Nos anos 90, Polly Jean era tida como o retrato da mulher de fibra da década. “Ela é bonita, mas quer parecer feia. Disfarça-se de experimental ou conceitual, mas quer é compor e cantar leitosas melodias”, a mídia categorizava. Ao longo dos anos ela sempre deixou explícito que teve muitas referências masculinas na vida e isso surtiu impacto até hoje. No filme fica evidente que ela é quase sempre a única mulher presente: seja nas experiências adquiridas durante as viagens ou no estúdio de gravação.

Há um último ponto importante a se considerar: para nós, que vivemos realidades outras de desigualdade e misérias que fazem com que nos reconheçamos um pouco mais na dor do outro, ver PJ Harvey — uma artista do Reino Unido — embarcando em uma viagem pelo Afeganistão parece um pouco acompanhar a aventura de uma europeia descobrindo os horrores do mundo que a cerca.

Mas assim como não sabemos como é sobreviver em meio às ruínas de uma guerra, cabe entender a posição de PJ — que em momento nenhum se descola de seu lugar de fala e de observadora respeitosa, curiosa para aprender sobre um mundo que o próprio mundo insistiu em separar. Harvey transforma o que viu em arte, mas uma arte própria, para dar destaque a quem, infelizmente, ainda é apagado. Que a arte dela nos inspire a buscar outras artes também, que dizem de raízes, símbolos e resistências mais locais, periféricas à grande mídia internacional.

Confira o trailer:

“A Dog Called Money”: PJ Harvey em um mundo de descobertas e experimentações was originally published in ENTRE LP on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

No aconchego do sertão nordestino desembocam ações exemplo, somatória de forças e luta pelo que se acredita. No âmbito cultural não é novidade o cuidado e maestria que os festivais de música independente cultivam sobre sua cultura e ancestralidade regional propagada ao restante do Brasil.

Do semiárido ao vislumbre de mar azul nas redondezas , a cidade de Mossoró, localizada no interior do Rio Grande do Norte (RN), tem sido divulgada e reconhecida como local de oportunidades e capital cultural do Estado, em função dos investimentos realizados, especialmente no que se refere às festas, assim como a criação de espaços voltados para o setor.

E nessa perspectiva de avanço e exploração de novas possibilidades nasce o Coletivo Desérticas — feito por mulheres que se uniram no intuito de ocupar espaços culturais dando visibilidade ao trabalho das artistas potiguares na cena musical underground, especialmente em Mossoró, fomentando debates acerca da presença e expressividade da mulher na cultura como um todo.

A partir desse encontro de variadas narrativas surge o Festival Desérticas, que em 24 de abril realiza sua segunda edição e agrega o trabalho difundido por artistas mulheres de outros estados brasileiros no formato meticulosamente pensado para o online/digital — na “vibe” fiquem e curtam em casa com segurança. Neste sábado, o público de qualquer canto poderá acompanhar a exibição de dez apresentações musicais na transmissão gratuita do Desérticas pelo Youtube ou pela Emissora local TCM, no canal 10, das 19 às 22h30. Entre xs artistas que presenteiam a galera da quarentena, estão as bandas: Hell Lotus (RN), Lasting Maze (RN), Potato Head (RN), Arianne Oly (RN), Black Witch (RN), BOATS (RN), Demonia (RN), CORJA (CE), Dark Valley (RS) e My Magical Glowing Lens (ES).

A ENTRE LP bateu um papo com as integrantes do coletivo Ali Morais e Grazy Mesquita, para saber das novidades, proporções e expectativas na segunda edição do evento. Acompanhe:

ENTRE LP — Oi, meninas! Primeiramente, gostaria que vocês contassem um pouquinho sobre como surgiu e quem faz o Coletivo Desérticas?

Grazy Mesquita: Olá Fran, tudo bom? Muito obrigada por este espaço e por esta entrevista. O Coletivo Desérticas surgiu em 2019 com o intuito de ocupar espaços culturais, produzir eventos e dar visibilidade ao trabalho das mulheres artistas potiguares na cena musical independente e underground, especialmente na cidade de Mossoró. O coletivo tem também como bandeiras a luta feminista, LGBTQI+, antirracista e antifascista. Atualmente, é composto por Vitória Bessa, Dani Freitas, Ali Morais, Arianne Oly, Bruna Patrícia e Grazy Mesquita.

ENTRE LP — Nesta segunda edição o festival cresceu e foi contemplado no edital da Fundação José Augusto. Quais os impactos positivos que esse subsídio trouxe?

Grazy: Só veio a somar. A possibilidade de realizar um evento desse porte, com uma grande estrutura era o nosso sonho tinha bastante tempo. A possibilidade de podermos trazer bandas de outros Estados do Brasil com representatividade feminina nesse formato online e poder remunerá-las é bastante gratificante. Para este evento contamos com uma grande equipe em comparação aos anteriores, trabalhamos com profissionais que já estão tornando nosso evento um sucesso e tomamos o cuidado de escolher quem representasse ainda mais o nosso evento. Escolhemos equipes formadas por mulheres para a realização e produção das tarefas que envolviam o nosso evento, sendo realizado pelo Coletivo Desérticas em parceria com a Alumiar produtora cultural de Natal-RN. Só temos a agradecer ao patrocínio da Lei Aldir Blanc, Fundação José Augusto, Governo do Estado do Rio Grande do Norte, Secretaria Especial da Cultura, Ministério do Turismo e Governo Federal, além do apoio da CYM — Iluminação e Design (@cymiluminacaoedesign), Cervejaria Nordestina (@cervejarianordestina) e Rádio 95FM (@95fmmossoro).

ENTRE LP — Analisando o line up, o Desérticas conta com uma seleção variada e, principalmente, rola um destaque muito bacana para bandas do Nordeste. Como foi esse processo de curadoria e união de estilos tão diversificados?

Ali Morais — O Brasil é um país de diversidades e o Nordeste representa muito dessa característica. Contamos com uma variedade expressiva de bandas independentes, mas muitas vezes a atuação das mesmas é pouco reconhecida e valorizada, principalmente quando falamos de bandas com mulheres na formação. Com o agravamento da pandemia, grande parte dessas bandas perdeu a possibilidade de se apresentar nos palcos e passou a sofrer com a falta de recursos para dar continuidade aos seus projetos, fator que procuramos considerar como parte do processo de curadoria. Além disso, percebemos que a inserção de outros estilos, especialmente no caso de um festival online, pode contribuir com o protagonismo feminino na medida em que resulta numa maior interação entre diferentes públicos e artistas. Abrir espaço para outras sonoridades significa gerar essa gama de novos interesses e experiências para o público em geral, bem como potencializa a troca de vivências e conhecimentos musicais diferenciados entre as mulheres dentro e fora da cena.

ENTRE LP — O Brasil tem um vasto território que implica diretamente nos movimentos culturais. Muitas vezes, o que vem sendo produzido no Rio Grande do Norte não chega para o público mineiro, por exemplo, e vice-versa. Como vocês descrevem a cena underground de Mossoró atualmente? Rola um movimento descentralizado para além da capital?

Ali Morais — Ótimo ponto. Pensando em como essa vastidão territorial influencia na disseminação da contracultura musical no Brasil, o que primeiro vem à mente é que esses movimentos geralmente não seguem uma lógica uníssona, embora seja possível notar certas tendências. O que ocorre é que algumas cenas (dentro da grande cena) acabam tendo maior ou menor enraizamento em determinada região. E isso acaba também se refletindo localmente. Antes da pandemia, o underground Mossoroense vivia um momento interessante com o surgimento e a consolidação de bandas. Esse processo desacelerou consideravelmente, mas continua ocorrendo. A cidade é berço de bandas e artistas que se tornaram referências em seus respectivos estilos e já fizeram estrada dentro e fora do país. Temos essa forte tradição local centrada no Stoner e no Metal, enquanto outros estilos como o Hardcore e o Indie/Pop vêm ganhando espaço nos últimos anos. Já no interior do estado, trilha-se mais entre o Alternativo e o Indie/Pop. O Rio Grande do Norte tem uma cena musical independente audaciosa que, infelizmente, por vezes é inviabilizada pela carência de espaços e de recursos. Apesar e por causa disso continuamos resistindo, fomentando e divulgando o trabalho das bandas e artistas locais. Enquanto coletivo, esta é uma das nossas bandeiras.

ENTRE LP — Falando sobre produção, a live será transmitida diretamente de Mossoró? Devido aos ajustes de adequação à pandemia fica mais complicado lidar com os esquemas de logística, equipe e tal?

Grazy Mesquita: Excelente pergunta. A pandemia de fato é uma barreira e uma limitação a qual precisamos driblar todos os dias, seja cotidianamente e ainda mais na produção de um evento desse porte, que contou com uma grande equipe. Como tivemos bandas locais se apresentando ao vivo, tivemos todo o cuidado em respeitar os protocolos de distanciamento social, segurança e saúde. Contamos com uma equipe responsável por higienizar os instrumentos musicais utilizados, como baterias, microfones, além do estúdio, onde tivemos o intervalo de 40 minutos entre cada banda para evitar aglomerações no local, onde era obrigatório o uso de máscaras por toda a equipe técnica e para os integrantes de todas as bandas, livrando apenas os vocalistas para realizarem melhor sua performance vocal. Sim, o festival será transmitido de Mossoró, em modelo pré-gravado, neste sábado (24/04), às 19 horas. O fato dele ser online e transmitido via Youtube pelo canal do nosso coletivo, como também pela TV local TCM, torna ele bem mais difundido. Dessa forma, mais pessoas podem ter conhecimento da proposta do coletivo, nossos objetivos e principalmente, conhecerem as bandas potiguares e dos outros Estados que estão participando do nosso lineup que está incrível.

ENTRE LP — O lado positivo dos eventos online é a integração com outros estados e até mesmo nacionalidades diferentes. Os novos formatos nos ensinaram que limite geográfico não é mais um problema. Qual a expectativa de vocês em relação a convergência e visibilidade que o Desérticas pode alcançar nesta segunda edição?

Ali Morais — Fazer um festival de música online é ao mesmo tempo desafiador e catártico. Levando em conta que o nosso coletivo existe há apenas dois anos, o fato de termos a oportunidade de realizar um evento deste porte e grau de complexidade, em tempos tão difíceis como os em que estamos vivendo, é uma responsabilidade e tanto, uma que abraçamos com a devida seriedade. Quanto à expectativa, só podemos dizer que é a melhor possível. Estamos ansiosas para o dia da exibição do festival, para mostrar o resultado do trabalho conjunto das bandas e da produção, para ver isso se materializando nas mesmas formas, cores e sonoridades que uma experiência ao vivo proporcionaria. Essa oportunidade, viabilizada por nossos patrocinadores e apoiadores, é um divisor de águas na história do Coletivo Desérticas que já está rendendo bons frutos. Para além da visibilidade em si, estarmos envolvidas na idealização e realização de um evento online nesse contexto de pandemia nos tornou ainda mais conscientes de toda uma cadeia de trabalhadores que dependem da música, da arte e do entretenimento para sobreviver, da importância e do alcance da economia criativa desde o âmbito municipal ao nacional. Sem dúvidas é um aprendizado a mais e que levaremos para a vida.

Neste momento tão difícil e frágil que atravessamos, o Festival Desérticas II é uma boa oportunidade de reunir as amigas online com uma bebidinha legal para recarregar as energias, curtir e dar visibilidade ao trabalho de mulheres da cena independente/underground, percorrendo digitalmente pelos estados do Rio Grande do Norte, Ceará, Rio Grande do Sul e Espírito Santo, conhecendo trabalhos de múltiplas origens e estilos. Para um aquecimento apropriado, a produção do Desérticas preparou uma playlist incrível com as bandas que se apresentam neste sábado, disponível aqui. Vamos juntas?!

Dialéticas do deserto de Mossoró: coletivo realiza segunda edição do Festival Desérticas… was originally published in ENTRE LP on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Demorou 93 anos para que duas mulheres fossem simultaneamente indicadas ao prêmio de Melhor Direção do Oscar — considerado a premiação mais importante do cinema mundial. Em 2021, Chloé Zhao, de “Nomadland”, e Emerald Fennell, de “Bela Vingança”, entraram para a história da cerimônia, que há anos vem recebendo críticas salgadas pela falta de diversidade. Desde 1927, somente uma mulher ganhou o prêmio de direção (Kathryn Bigelow, em 2010) e só outras cinco haviam sido indicadas (Lina Wertmüller, Jane Campion, Sofia Coppola, Kathryn Bigelow e Greta Gerwig).

Após inúmeras denúncias e movimentos sociais para inserir mais mulheres na premiação, a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas parece ter despertado e finalmente sinalizou uma maior igualdade de gênero. A edição deste ano quebra vários recordes e tabus. Além das duas indicadas na categoria de direção, outras 70 profissionais receberam 78 indicações no total — número superior ao do ano passado, quando foram 68 indicações. Vale ressaltar que só há duas categorias mistas em que todos os concorrentes são homens: Trilha Sonora Original e Direção de Fotografia — esta última somente indicou uma mulher pela primeira e única vez em 2018, a diretora de fotografia Rachel Morrison.

Em 2021, filmes dirigidos por elas também concorrem nas categorias de Documentário (quatro de cinco indicados, incluindo o chileno “Agente Duplo”, de Maite Alberdi) e Filme Internacional, que pela primeira vez desde 2011 terá duas diretoras na disputa(e representando Tunísia e Bósnia e Herzegovina). “Toca”, de Madeline Sharafian, compete a Curta de Animação; “Uma Canção para Latasha”, de Sophia Nahli Allison, a Curta de Documentário; e “The Letter Room”, de Elvira Lind, e “The Present”, de Farah Nabulsi, a Curta de Live-Action.

Ainda sobre recordes, Viola Davis tornou-se a atriz negra com mais indicações ao Oscar e vai concorrer pela quarta vez, agora com “A Voz Suprema do Blues”, disponível na Netflix, filme que também fez de Jamika Wilson e Mia Neal as primeiras mulheres negras a disputarem na categoria de Cabelo e Maquiagem. Destaque especial para “Minari”, Youn Yuh-Jung tornou-se a primeira atriz sul-coreana a ser agraciada com uma indicação no evento, enquanto Frances McDormand recebeu uma dupla indicação inédita: é a primeira mulher a disputar como atriz e produtora no mesmo ano e pelo mesmo filme.

Quem são as mulheres que concorrem ao prêmio de Melhor Direção?

Nascida e criada na China, Chloé Zhao é tida como favorita para se unir à Bigelow. Ela é a primeira mulher não branca a concorrer ao troféu de direção e a profissional com mais indicações em um mesmo ano em toda a história, tendo sido reconhecida nas categorias de Roteiro Adaptado, Montagem e Melhor Filme.

O primeiro longa-metragem da diretora, “Songs My Brothers Taught Me”, estreou no Festival de Cinema de Sundance, em 2015, com aclamação da crítica. Recentemente, entrou para o catálogo de filmes disponíveis na Mubi. Seu segundo trabalho, “The Rider” (2017), foi elogiado pela crítica e recebeu indicações para o Independent Spirit Award de Melhor Filme e Melhor Diretor.

“Nomadland” (2020), atraiu reconhecimento internacional, vencendo o prêmio de Melhor Diretor no Globo de Ouro em fevereiro, tornando Zhao a segunda mulher a vencer na categoria e a primeira asiática a levar a estatueta para casa. Além disso, o longa recebeu prêmios em festivais de cinema, incluindo o Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza e o People’s Choice Award no Festival Internacional de Cinema de Toronto.

Já Emerald Fennell, bastante conhecida como a Camilla Parker Bowles, de The Crown, foi indicada ao Oscar, mas não como atriz. A inglesa concorre em Melhor Filme, Roteiro Original e Direção por “Bela Vingança”. O longa, com previsão de estreia no Brasil para 22 de abril, também disputa reconhecimento na categoria de Melhor Atriz (Carey Mulligan) e Melhor Edição.

Vale destacar que Emerald é a primeira britânica indicada ao Oscar de Melhor Direção e ela só havia dirigido um curta-metragem em 2018. Apesar do rápido reconhecimento como diretora, ela vem construindo sua carreira desde 2006, quando estreou na TV como atriz e, anos depois, passou a escrever livros de suspense e roteiros.

Nos resta saber se daqui para frente, a Academia incentivará cada vez mais a diversidade e igualdade de gênero na indústria cinematográfica apoiando e reconhecendo as contribuições de mulheres tanto à frente quanto atrás das câmeras. É o que realmente esperamos.

A cerimônia do Oscar será realizada em 25 de abril, diretamente do Teatro Dolby, em Los Angeles. Em território nacional, será exibida ao vivo pelos canais TNT, E! e Rede Globo.

Confira a lista completa de todas as profissionais indicadas ao Oscar 2021

Melhor filme
Ashley Fox, por Bela Vingança
Ceán Chaffin, por Mank
Chloé Zhao, por Nomadland
Christina Oh, por Minari
Emerald Fennell, por Bela Vingança
Frances McDormand, por Nomadland
Mollye Asher, por Nomadland

Direção
Chloé Zhao, por Nomadland
Emerald Fennell, por Bela Vingança

Atriz
Andra Day, por The United States vs. Billie Holiday
Carey Mulligan, por Bela Vingança
Frances McDormand, por Nomadland
Vanessa Kirby, por Pieces of a Woman
Viola Davis, por A Voz Suprema do Blues

Atriz coadjuvante
Amanda Seyfried, por Mank
Glenn Close, por Era uma Vez um Sonho
Maria Bakalova, por Borat: Fita de Cinema Seguinte
Olivia Colman, por Meu Pai
Young Yuh-Jung, por Minari

Roteiro adaptado
Chloé Zhao, por Nomadland
Erica Rivinoja, por Borat: Fita de Cinema Seguinte
Jena Friedman, por Borat: Fita de Cinema Seguinte
Nina Pedrad, por Borat: Fita de Cinema Seguinte

Roteiro original
Emerald Fennell, por Bela Vingança

Filme internacional
Jasmila Žbanić, por Quo Vadis, Aida? (Bósnia e Herzegovina)
Kaouther Ben Hania, por O Homem que Vendeu sua Pele (Tunísia)

Documentário
Bianca Oana, por Collective
Garrett Bradley, por Time
Lauren Domino, por Time
Maite Alberdi, por Agente Duplo
Marcela Santibáñez, por Agente Duplo
Nicole Newnham, por Crip Camp: Revolução pela Inclusão
Pippa Ehrlich, por Professor Polvo
Sara Bolder, por Crip Camp: Revolução pela Inclusão

Animação
Dana Murray, por Soul
Gennie Rim, por A Caminho da Lua
Kori Rae, por Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica
Peilin Chou, por A Caminho da Lua

Montagem
Chloé Zhao, por Nomadland

Design de produção
Cathy Featherstone, por Meu Pai
Diana Stoughton, por A Voz Suprema do Blues
Elizabeth Keenan, por Relatos do Mundo
Jan Pascale, por Mank
Karen O’Hara, por A Voz Suprema do Blues
Kathy Lucas, por Tenet

Figurino
Alexandra Byrne, por Emma
Ann Roth, por A Voz Suprema do Blues
Bina Daigeler, por Mulan
Trish Summerville, por Mank

Cabelo e maquiagem
Claudia Stolze, por Emma
Colleen LaBaff, por Mank
Dalia Colli, por Pinóquio
Eryn Krueger Mekash, por Era uma Vez um Sonho
Gigi Williams, por Mank
Jamika Wilson, por A Voz Suprema do Blues
Kimberley Spiteri, por Mank
Laura Allen, por Emma
Marese Langan, por Emma
Mia Neal, por A Voz Suprema do Blues
Patricia Dehaney, por Era uma Vez um Sonho

Som
Coya Elliott, por Soul
Michelle Couttolenc, por O Som do Silêncio

Efeitos visuais
Genevieve Camilleri, por Problemas Monstruosos

Canção original
Celeste Waite, por “Hear My Voice”, da trilha de Os Sete de Chicago
Diane Warren, por “Io Sì (Seen)”, da trilha de Rosa e Momo
H.E.R., por “Fight For You”, da trilha de Judas e o Messias Negro
Laura Pausini, por “Io Sì (Seen)”, da trilha de Rosa e Momo
Tiara Thomas, por “Fight For You”, da trilha de Judas e o Messias Negro

Curta-metragem de live-action
Susan Ruzenski, por Feeling Through
Elvira Lind, por The Letter Room
Farah Nabulsi, por The Present
Shira Hochman, por White Eye
Sofia Sondervan, porThe Letter Room

Curta-metragem de documentário
Alice Doyard, por Colette
Charlotte Cook, por Do Not Split
Janice Duncan, por Uma Canção para Latasha
Sophia Nahli Allison, por Uma Canção para Latasha

Curta-metragem de animação
Madeline Sharafian, por Toca

Oscar 2021: os representantes da Academia finalmente prestaram atenção no trabalho desempenhado… was originally published in ENTRE LP on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Você viveu ou imagina como seria viver a adolescência na década de 80? Não é de hoje que o fascínio pelos “anos dourados” ganha espaço em diferentes cinematografias salpicadas por saudosismo da década que fez a cultura pop crescer exponencialmente. O boom do gótico e pós-punk fervilhavam da Inglaterra para o mundo, o cinema inovava suas produções com novas descobertas e adventos tecnológicos. No Brasil, um clima de revolução e a ânsia pela liberdade política pairavam no ar. O nascimento do Partido dos Trabalhadores (PT), as lutas operárias e democráticas traziam esperança de dias melhores e isso também florescia a cultura local. Ao mesmo tempo, o mundo se viu obrigado a lidar com a descoberta de uma assombrosa doença, a Aids, que por falta de informação e campanhas equivocadas, já foi sinônimo de muito preconceito e morte.

Califórnia filme lançado em 2015 pela cineasta e apresentadora super cool, Marina Person reúne todos esses fatos. Provavelmente, você aí que está do outro lado lendo esse texto e simpatiza com essa época, vai sentir um quentinho no coração ao acompanhar as transições da adolescência de Estela, carinhosamente apelidada de Teca, e JM, na cosmopolita São Paulo dos anos 1980.

O embrião de Califórnia se formou muito antes de sua concepção propriamente dita. Marina, que conheceu os ofícios da sétima arte desde pequena — através das referências herdadas do pai Luís Sérgio Person, começou a traçar o roteiro em 2004. Naquela época ela trabalhava como VJ na extinta MTV e lidava diariamente com jovens fãs ávidos por música e cultura pop. O filme é muito sobre isso. Um amor compartilhado pela década e pela música. Na trilha sonora estão presentes canções de David Bowie, Titãs, Os Paralamas do Sucesso, Blitz, Kid Abelha, Metrô, The Cure, New Order, Joy Division e Soiuxsie and The Banshees, o que a torna fiel à cena e dá compasso ao sentimentalismo nostálgico.

O primeiro longa de ficção de Person foca em retratar o universo de Estela (Clara Gallo), uma estudante do ensino médio vivendo conflitos típicos da idade, de identidade, amizade e amor. Ela tem um ídolo, o tio Carlos (Caio Blat), jornalista musical que vive nos Estados Unidos, e o maior sonho da menina é visitá-lo na Califórnia durante as férias. No entanto, seus planos vão por água abaixo quando ela descobre que é ele quem está voltando para o Brasil, magro e debilitado por consequência de uma doença sobre a qual a medicina apenas começava a se debruçar.

Apesar de ser considerado um filme de baixo orçamento para um longa-metragem, Califórnia conquistou boa projeção e foi selecionado para o Festival de Roterdã; vencedor do prêmio de melhor filme brasileiro na seção Festival da Juventude da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo; destaque de melhor atriz coadjuvante no Festival do Rio; melhor ator pelo público no Festival Sesc Melhores Filmes; melhor roteiro e melhor interpretação no Festival MixBrasil da Cultura da Diversidade.

Em outubro de 2019, o filme entrou para o catálogo da Netflix e está disponível aqui. Confira o trailler:

Geração 80s: o retrato de Marina Person sobre cultura pop e reflexos históricos no longa… was originally published in ENTRE LP on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Já se passaram 11 meses desde que a pandemia da Covid-19 assolou o mundo e o Brasil. Em um país emergente com diversas problemáticas sociais, desde o início deste conturbado período, nos questionamos sobre como poderíamos prevalecer diante de um colapso sem precedentes na história mundial. Parecia óbvio que a desigualdade por aqui ia aumentar, ainda mais diante de lideranças que não deram importância ao isolamento social, mesmo com tantos alertas sobre a letalidade do vírus chegando por todos os lados. Um dos primeiros casos de morte por Covid-19 registrado em território nacional foi o de uma trabalhadora doméstica, contaminada por ter ido trabalhar na casa de patrões infectados, no Rio de Janeiro. Ao mesmo tempo em que na internet circulavam mensagens de apelo pedindo para as pessoas ficarem em casa. Com o fechamento dos comércios e serviços não essenciais e com o desemprego em alta, o medo da fome e da volta da pobreza extrema ficaram evidentes e, outra questão veio à tona.

Num campo de tantas incertezas, sete fotógrafas brasileiras resolveram se unir para registrar o que não era pautado pela grande mídia. “Como estão as milhares de mães solo brasileiras? Como lidar com o risco de se infectar com um vírus que pode ser letal, com a falta de emprego, home office, filhos em casa sem creche ou escola, além de toda sobrecarga mental?” — elas se perguntaram e assim surgiu o projeto fotográfico SOLO, que retrata o cotidiano de 14 mães vivendo a pandemia no Brasil durante os meses de agosto a dezembro, quando o site foi lançado reunindo as histórias das famílias retratadas.

O advento da vida virtual possibilitou o encontro e nascimento do projeto para além das barreiras geográficas. Idealizado por Andressa Zumpano em Brasília (DF), Ingrid Barros em São Luís (MA), Isabella Lanave em Curitiba (PR), Maria Magdalena Arréllaga no Rio de Janeiro (RJ), Patrícia Monteiro em São Paulo (SP), Shai Andrade em Arembepe (BA) e Tayná Satere em Barreirinha (AM), essas sete fotógrafas contam a história de Carla Bianca, Isis Abena, Luisa Brandão, Luísa Molina, Maria Francisca, Marilúcia Sateré, Natália Cardoso, Paula Dias, Rafaela Machado, Sofia Benjamin, Stela Prado, Stephanie Borges, Gabriela Grigolom e Verônica Costa, em um trabalho urgente que nos permite refletir sobre questões da maternidade, políticas públicas, saúde mental e acolhimento.

Ao conhecer as fotografias e histórias contadas no projeto SOLO, entramos em contato com diferentes realidades — considerando o cotidiano dessas mães brasileiras, intersecções de classe, raça, idade, o cuidado das fotógrafas em atravessar fronteiras para retratar as dificuldades compartilhadas por essas mulheres, ainda que estejam expostas suas diferenças regionais e culturais.

A ENTRE LP conversou com uma das idealizadoras deste projeto, a fotógrafa Patrícia Monteiro, que compartilhou conosco um pouco da experiência e aprendizado com a realização do trabalho.

ENTRE LP — Olá, Patrícia! Desde já agradecemos a disponibilidade em bater esse papo com a equipe da ENTRE LP. Como surgiu a ideia de cobrir a vivência de mães solo vivendo a pandemia no Brasil?

A ideia surgiu de uma necessidade real de contar essas histórias. Parecia claro que as mães estavam sendo as mais afetadas pela sobrecarga de tarefas da pandemia e, para as mães solo, as dificuldades e riscos eram muito urgentes. Vimos algumas matérias sobre isso na imprensa, mas nada muito aprofundado e aí percebemos a enorme potência que seria fazer um projeto em coletivo, abordando diferentes realidades, em diferentes regiões do país. Um projeto de mulheres falando sobre mulheres, mas que conseguisse atingir mais pessoas, afinal, todo mundo tem mãe, mas, por algum motivo, nossa sociedade não dá valor ao trabalho materno. Com essas histórias, queríamos que as pessoas parassem para olhar e entender que esse tema fala sobre todos nós, fala sobre desigualdade, sobre machismo e, principalmente sobre o cuidado — que, infelizmente, ainda é visto como papel da mãe.

ENTRE LP — Quem visualiza as imagens captadas por vocês sente uma forte conexão entre a equipe. As fotógrafas reunidas neste trabalho já se conheciam ou isso rolou durante o processo?

A gente já se conhecia em partes. Pessoalmente eu, Patrícia, conhecia a Andressa e ela conhecia a Ingrid. Outras se conheciam mais de admirar o trabalho à distância e aí, ao longo do processo, com as reuniões, fomos nos conhecendo melhor.

ENTRE LP — Como foi o contato inicial com as mães retratadas e o acompanhamento cotidiano?

Cada caso foi diferente. Muitas já conhecíamos as mães com quem realizamos o projeto através de outros meios e redes de contato, outras não. Acho que o acompanhamento também variou muito de acordo com as localidades, dificuldade de acesso ou não, considerando que ainda estamos numa pandemia, né? Mas julgamos importante ter essa variedade entre as mulheres retratadas, para dar conta desse universo de mães solo brasileiras: desde mulheres no campo, em áreas rurais mais isoladas, até mulheres da área urbana, idades diferentes, contextos sociais diferentes.

ENTRE LP — O projeto Solo foi apoiado pelo Fundo Emergencial da National Geographic Society para Jornalistas, né? Poderia contar um pouco sobre essa iniciativa?

Esse é um edital muito legal da National Geographic Society. Eles financiam projetos de diferentes formas, mas essa bolsa em específico foi lançada logo no início da pandemia para projetos com temáticas relacionadas à Covid-19. Só na América Latina eles já financiaram mais de 200 trabalhos. É muito bom, pois nos permitiu ter tempo para nos dedicarmos a essas histórias, além de todo um universo dentro da National Geographic Society que, enquanto fotógrafas autônomas, é incrível fazer parte.

ENTRE LP — Após a construção do projeto Solo, como ficou a relação de vocês com o trabalho documental? Pensam em expandir a série para além da pandemia?

Através do trabalho documental desenvolvemos também vínculos com as mulheres que colaboraram. O trabalho documental foi um ponto de encontro. Enquanto o projeto tem como foco essas diversas histórias que nós registramos sobre a maternidade durante o tempo de pandemia especificamente, muitas das questões abordadas já estavam presentes antes da pandemia e se tornaram mais urgentes nesse período. É importante continuar falando sobre essas questões que atravessam as vidas de tantas mulheres no país. Pelo momento ainda não temos planos para expandir a série, mas esperamos que a gente consiga abrir esse espaço para continuar somando nesse diálogo.

Além do site, o projeto SOLO também está presente no Instagram e ocupado semanalmente por uma fotógrafa diferente que participou dessa construção. Conheça, siga e compartilhe aqui: https://www.instagram.com/solonatgeo/.

Mães Solo vivendo a pandemia no Brasil was originally published in ENTRE LP on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Nos anos 50, era o Hotel Cambridgde. Hoje, é a moradia de 121 famílias. Depois de oito anos de luta, o residencial Cambridge será entregue em setembro para famílias que irão realizar o sonho da casa própria. Em 2016, a diretora Eliane Caffé transformou a história dessa ocupação no centro de São Paulo em filme.

Era o Hotel Cambridge mescla ficção e a vida real. O longa-metragem retrata não só a carência de políticas públicas que contemplem moradores de zonas periféricas, mas também a ausência do devido acolhimento e reconhecimento dos direitos de refugiados recém-chegados ao Brasil.

Com a participação dos atores José Dumont, Suely Franco e Thaíssa Carvalho e dos moradores e moradoras da ocupação, integrantes de movimentos de luta por moradia, o filme é apresentado como resultado da criação coletiva da Frente de Luta por Moradia (FLM), do Grupo Refugiados e Imigrantes Sem Teto (GRIST) e da Escola da Cidade. A direção é assinada por Eliane Caffé a partir do roteiro que ela escreveu em parceria com Luis Alberto de Abreu e Inês Figueiró.

“Era o Hotel Cambridge aborda um tema contemporâneo, mas ainda pouco retratado no audiovisual brasileiro: a problemática do refúgio unida às ocupações decorrentes das marginalizações sociais nas grandes cidades brasileiras”, declara Eliane Caffé.

O filme está centrado no cotidiano de luta desde o início. Nos primeiros minutos é retratado um pedido judicial de reintegração de posse que ameaça o destino das famílias que residem na ocupação.

A partir daí, o espectador passa a acompanhar a rotina de cada um dos personagens moradores do Cambridge, em especial, os refugiados vindos do Congo, Colômbia e Palestina. Com introduções poéticas, um roteiro repleto de relatos e através de cenas documentais de outros filmes, o longa apresenta o refúgio sob sua faceta mais cruel: o exílio e a desigualdade social.

“Somos todos refugiados, refugiados pela falta dos nossos direitos” frase emblemática dita no filme por Carmen da Silva Ferreira, líder Movimento Sem-Teto do Centro (MSTC).

Era o Hotel Cambridge trata-se de um filme a ser visto e debatido, sobre o qual vale a pena repensar modelos estruturais e do capital. Enaltecer esta narrativa faz com que o trabalho de Eliane Caffé e equipe seja reconhecido como um marco do cinema brasileiro.

Confira o trailer:

Histórico

O Claridge Hotel foi fundado no início da década de 50, não há uma data precisa de quando o hotel passou a se chamar Cambridge, acredita-se que por volta de 1962. Na época, hospedar-se em suas dependências não era somente uma comodidade por estar no centro da capital paulista, mas sim um status.

A deterioração do centro de São Paulo e o consequente deslocamento da região de negócios para o eixo da Avenida Paulista fizeram os hóspedes deste e outros hotéis da região começarem a migrar.

Devido a decadência, o Hotel Cambridge fechou as portas em 2002. Oito anos após o ocorrido, a prefeitura deu um ultimato aos proprietários do empreendimento. O imóvel tinha grande soma de débito de IPTU e poderia ser destinado a moradia popular.

O imóvel chegou a ficar a venda, mas ninguém comprou. O prédio foi desapropriado pela prefeitura de São Paulo por dívidas. Com a desapropriação, foi ocupado em 2012 pelo Movimento Sem-Teto do Centro (MSTC) com liderança de Carmen Silva — protagonista fundamental no filme de Eliane Caffé.

Sobre a diretora

Eliane Caffé é psicóloga e em 1988 partiu para Cuba, onde iniciou seus estudos de cinema na “Escola Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños”. Em 1990 viajou para Espanha com uma bolsa de pós-graduação para aprofundar sua formação humanista no “Instituto de Estética e das Artes” da Universidade Autônoma de Madrid.

De volta ao Brasil, segue a carreira de cineasta escrevendo e dirigindo curtas, longas metragens e series de TV que vêm ganhando o reconhecimento da crítica e público em importantes Festivais e Mostras no Brasil e internacionalmente. Ao longo de sua trajetória a diretora vem construindo temáticas e abordagens cada vez mais implicadas com a exploração da linguagem audiovisual em “zonas de conflitos reais” — tanto no contexto rural do Brasil como nos grandes centros urbanos.

Em seus trabalhos é visível a experimentação com a narrativa que interage com personagens reais e agrega repertórios de seus universos de vida como coletivos com voz própria. Mais do que personagens e cenários, esses coletivos atuam em pé de igualdade com a equipe técnica do filme em todo o percurso da realização da obra. Atualmente, está voltada para consolidar a prática de pensar e produzir um cinema “polifônico”, “dialógico” e que se estenda muito além dos sets de gravações.

Era O Hotel Cambridge — um registro de quem luta e vive em ocupações por Eliane Caffé was originally published in ENTRE LP on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Mesmo que tardio, é um presente grandioso conhecer o trabalho de Agnès Varda. Seu cuidado de escuta e observação do outro complementa técnicas distintas do “Nouvelle Vague” (sendo o único nome feminino do movimento), nos ensinando a extrair aprendizados da memória vivenciada e transmitida com tanto afeto.

Inspiração para muitos, a cineasta tornou-se referência essencial para mim no processo de captação e nos minuciosos detalhes, seja como fotógrafa ou pela maestria escancarada com filmagens analógicas. Milhares já escreveram e pesquisaram sobre Varda, e ainda há milhares de pessoas por aí que vão conhecer sua necessária contribuição social, histórica e artística para com o mundo.

Enquanto Jean-Luc Godard e François Truffaut encabeçavam o movimento revolucionário cinematográfico francês, Agnès assistia tudo de perto e com olhares atentos, conduzindo seu trabalho na mesma genialidade. Se o nome da cineasta não desponta de forma tão imediata como desses homens, a responsabilidade está exclusivamente no olhar machista da história e do eventual espectador — e jamais na qualidade de seu cinema. Em sua abordagem da sétima arte, o entendimento é objetivo, preciso e emocionante.

O tom documental utilizado por Agnès traz um toque mágico para suas obras. É prazeroso ouvi-la narrando acontecimentos simples, cotidianos e que fazem parte de sua vida ou daquilo que ela acabou de descobrir. A voz serena e aveludada de Varda, nos transporta para lugares distintos de imersão profunda no roteiro e mensagem que transmite. Apesar de aparecer em cena, de narrar parte de suas histórias (isso acontece em vários de seus filmes) são as pessoas e os lugares que atravessavam seu caminho, a sua maior fonte de inspiração.

Sempre engajada politicamente, Varda retratava temas como o feminismo e críticas sociais. Tanto nos filmes de ficção quanto em documentários, a cineasta partia do que lhe afetava pessoalmente. Em seus trabalhos utilizava muitas locações ao invés de estúdios ou sets de filmagens e atores amadores, incomum para a época, dizia buscar a verdade por trás da câmera. “Nunca fiz filmes políticos, simplesmente me mantive ao lado dos trabalhadores e das mulheres”, comentava em suas palestras.

Nascida em Bruxelas, em 30 de maio de 1928, com o nome de Arlette Varda, seu pai procedia de uma família de refugiados gregos, e sua mãe era francesa. Estudou História da Arte na École du Louvre e começou a trabalhar como fotógrafa no Théâtre National Populaire (TNP) de Paris. Gostava da fotografia, mas estava mais interessada no cinema. E por isso, depois de filmar na localidade pesqueira de Sète por encomenda de um amigo, decidiu em 1954 realizar seu primeiro filme, La Pointe-Courte, que narrava a história de um casal triste e sua relação naquela cidadezinha. “Para filmar é preciso paciência”, dizia Varda, e sempre saía com a câmera na rua, “porque nada é banal se você filmar com empatia e amor”.

Casou-se duas vezes: a primeira com diretor de teatro Antoine Boursellier com quem teve uma filha em 1958, Rosalie Varda, diretora artística e produtora de Varda by Agnès. Em 1962 uniu-se a Jacques Demy, a quem acompanhou até sua morte, em 1990. Prestou-lhe várias homenagens fílmicas: em Jacquot de Nantes (1991) ilustrava a infância de Demy, e voltou ao seu universo em Les Demoiselles Ont Eu 25 Ans (1993) e L’Univers de Jacques Demy (1995). Desse matrimônio nasceu o ator Mathieu Demy.

Ganhadora do Oscar honorário no mesmo ano em que competiu ao Oscar de melhor documentário com Visages, Villages (2017), sua obra anterior, a realizadora belga dizia que a virada de século significava também sua virada de campo artístico: “Se vocês prestarem atenção, minha carreira se divide em duas partes, a do século XX e a do XXI. Na primeira sou mais cineasta; na segunda, artista plástica”. Para Varda, “os filmes não param o tempo, o acompanham”. No festival de San Sebastián, recebeu o primeiro prêmio Donostia dedicado a um não ator. Além disso, ganhou a Palma de Ouro Honorária de Cannes, em 2015, e o César Honorário do cinema francês, em 2001 (além de outros dois desses prêmios como documentarista).

Agnès Varda faleceu em 29 de março de 2019, aos 90 anos, em decorrência de um câncer, deixando a marca de seu talento para sempre impressa na história das artes e do cinema.

Para assistir

Uma cineasta prolífica e pioneira da “Nouvelle Vague”, Varda fez filmes por mais de 60 anos de carreira e nunca abandonou sua curiosidade contagiante e ímpeto analítico de chegar à verdade de uma imagem ou espaço. Através de sua vasta experiência — mais de 40 filmes e diversas instalações concebidas, relembramos aqui cinco entre tantos de seus trabalhos emblemáticos, que se tornaram verdadeiros testemunhos de sua inteligência característica e profunda empatia por seus temas. Voilà Varda!

CLÉO DAS 5 ÀS 7 (CLÉO DE 5 À 7) –1962

Cléo é uma cantora francesa que vive um momento de angústia, enquanto espera o resultado de um exame. O teste pode apontar se ela tem ou não um câncer de estômago. Sem saber o que fazer, Cléo perambula pela cidade de Paris. Ela passa uma hora e meia fazendo coisas banais, à procura de distração, até que conhece um soldado que está prestes a ir para a guerra na Argélia.

SAUDAÇÕES, CUBANOS! (SALUT LES CUBAINS) — 1964

Quatro anos após a Revolução Cubana, Agnès Varda visitou a ilha para registrar as mudanças no país. Lá, ela tirou 1800 fotos para depois transformá-las neste filme alegre e animado, um testemunho do impacto da revolução.

OS PANTERAS NEGRAS (BLACK PANTHERS) — 1968

Este filme foi gravado durante o verão de 1968 em Oakland, Califórnia, durante as reuniões organizadas pelo Partido dos Panteras Negras para libertar Huey Newton, um de seus líderes, e transformar seu julgamento em um debate político. Eles tentaram e conseguiram chamar a atenção dos Estados Unidos.

DAGUERREÓTIPOS (DAGUERRÉOTYPES) — 1976

Este documentário clássico de Agnès Varda é um retrato íntimo das pequenas lojas e lojistas da Rue Daguerre em Paris, uma rua pitoresca que foi o lar da cineasta por mais de 50 anos. Uma cápsula do tempo fundamental da vida de rua parisiense nos anos 1970 e da importância da comunidade.

OS CATADORES E EU (LES GLANEURS ET LA GLANEUSE) — 2000

A ruminação de Varda nesta arte de “viver do resto dos outros” encontra inspiração no passado e no presente, no rural e no urbano, na política e no altamente pessoal. Com câmera na mão, Varda entrevista aqueles para quem catar frutas é um modo de vida ou uma filosofia abrangente.

Descobrindo Agnès Varda e sua contribuição documental que ultrapassa linguagens, debates e eras was originally published in ENTRE LP on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Sucesso no circuito de festivais, “Farewell Amor” marca a surpreendente estreia da cineasta tanzaniana-americana, Ekwa Msangi como diretora e roteirista de longas-metragens. O filme é centrado no imigrante angolano Walter (interpretado por Ntare Guma Mbaho Mwine), sua esposa, Esther (Zainab Jah), e filha, Sylvia (Jayme Lawson), que descobrem rapidamente como os 17 anos de separação os transformaram em estranhos absolutos enquanto moram juntos no apartamento de um quarto de Walter, no Brooklyn (NY). A paixão em comum pela dança se torna uma forma de eles se reconectarem.

Filha de imigrantes e nascida em Oakland, o trabalho de Ekwa é inspirado na própria história da família de Msangi. O primeiro longa da diretora descreve de forma perspicaz a imigração com uma abordagem pessoal, mas universal, raramente vista no cinema, tratando-se de um drama que acompanha os impactos físicos e emocionais causados pela ruptura familiar e questões raciais.

“A história é inspirada numa tia e num tio que se casaram em meados dos anos 1990 na Tanzânia. Meu tio conseguiu um visto de estudante para vir aos EUA e tinha toda a intenção de trazer minha tia e minha prima depois. E ainda hoje estão presos no processo de solicitar vistos e serem rejeitados, repetidas vezes, durante décadas. Depois de passar tantos anos observando a dificuldade deles, eu queria fazer uma história do que poderia ter acontecido”, conta Ekwa.

“Farewell Amor” estreou mundialmente no Festival de Cinema de Sundance de 2020, onde foi aclamado pela crítica. O produtor Huriyyah Muhammad ganhou o Prêmio de Produtores do Sundance Institute / Amazon Studios. O filme ainda rendeu à Ekwa Msangi uma menção honrosa no BAFTA Breakthrough, além de participações no BFI London Film Festival e EFI Fest.

No final do ano passado, a IFC Filmes adquiriu os direitos norte-americanos do longa e o lançou nos cinemas em 11 de dezembro de 2020.

Destaque na 44ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

O filme de Ekwa Msangi também esteve presente na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, que ocorreu de 22 de outubro a 4 de novembro, em versão majoritariamente on-line e disponível para todo Brasil. Durante duas semanas, foram exibidos 198 títulos de 71 países em três plataformas e em dois cinemas ao ar livre: o Belas Artes Drive-In e o CineSesc Drive-in.

“Estou muito triste por não poder estar em São Paulo pessoalmente para poder apresentar esse filme, para falar com o público, conversar sobre esse trabalho, mas estou animada para que vejam o filme. Espero que gostem e ouçam a linda música angolana. Usamos muita música angolana para esse filme, artistas maravilhosos que eu amo e ouço, artistas de Kizomba e Kuduro. Estou muito animada para poder compartilhar parte da cultura angolana com o mundo”, destacou a diretora via entrevista online para a Mostra de São Paulo.

Em parceria com o Cinema de Fachada, a MUBI apresentou uma sessão de pré-estreia de Farewell Amor, gratuita e aberta ao público, no dia 17 de dezembro, via Youtube. Simultaneamente, ocorreu uma projeção de “Farewell Amor” na Rua da Consolação, em São Paulo. Após o filme, foi exibida uma entrevista exclusiva da diretora Ekwa Msangi com as atrizes Alice Braga e Bianca Comparato, criadoras do projeto.

Atualmente, “Farewell Amor” compõe o catálogo de filmes da MUBI, disponível na plataforma com legenda em português. Confira o trailer:

Elas no Audiovisual: “Farewell Amor”, de Ekwa Msangi, retrata uma emocionante interface da… was originally published in ENTRE LP on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Um compilado de 10 discos maravilhosos lançados no segundo semestre.

Música salva e na loucura de 2020 isso foi estampando em vários momentos. No fatídico ano que “ficar em casa” se tornou um mantra obrigatório, vivenciamos um período repleto de lançamentos musicais que modificaram o conceito de cena e produção. Um som em forma de alento, a pistinha improvisada em casa, aquela canção pujante ou embargada no âmago da emoção.. teve música boa nos acompanhando em todos os momentos. Através de uma catarse sentimental, dedo no olho e gritaria, estes 10 discos listados aqui foram lançados durante o segundo semestre e fecham nossa edição de compilados.

Slow Pulp — Moveys

Em 09 de outubro, o quarteto Slow Pulp lançou seu notável álbum de estreia, “Moveys”. Indie-rock delicioso que atinge níveis de complexidade e excelência em sua composição direta. Neste trabalho, a banda de Chicago superou desafios de saúde, convulsões pessoais e a pandemia da covid-19, ao mesmo tempo em que aprendiam a ser melhores no que fazem e o estreitamento da amizade entre os músicos. O álbum de 10 faixas destaca a capacidade e a resiliência da banda para se unir mesmo quando eles estavam distantes fisicamente. Moveys é um álbum que se beneficia de sutis toques de pop, acalento na voz aveludada da vocalista Emily Massey, e registra a importante colaboração de (Sandy) Alex G.

TARDA — Futuro

TARDA é uma banda/projeto audiovisual formada pelas artistas Julia Baumfeld, Paola Rodrigues, Randolpho Lamonier, Sara Não Tem Nome e Victor Galvão. Atualmente, os integrantes estão divididos entre Belo Horizonte, São Paulo e Paris. Esse encontro artístico resultou no lançamento de “Futuro”, em 11 de novembro. Produzido pela própria banda, as gravações do disco foram iniciadas há dois anos numa mescla de estúdios em Belo Horizonte e São Paulo. O álbum conta com 11 faixas que transitam entre o shoegaze e o dream pop, com influências do post rock. Entre algumas das referências sonoras, destacam as bandas Slint, Low, Warpaint e Beach House. Lançado num momento em que é difícil vislumbrar o amanhã, Futuro é a forma imersiva que a TARDA encontrou de falar sobre o presente.

Jayda G — Both Of Us / Are U Down

A canadense Jayda G traz um combo de energia e talento em tudo que faz. Atuando na cena musical com produtora, dj e cantora, em 02 de novembro, lançou o EP “Both Of Us / Are U Down”. Na produção, G buscou inspiração nos primeiros discos de house ao cortá-lo e costurá-lo ao lado de chimbais, sintetizadores, bumbo e piano edificante. Junção perfeita com os vocais orgásmicos e espirituais. Both Of Us / Are U Down é uma carta de amor à dance music e sua terna conexão humana encontrada em uma pista de dança.

Carabobina — Carabobina

O disco homônimo de estreia da dupla Carabobina vem dando o que falar na cena indie brasileira. Composta pela venezuelana Alejandra Luciani e Raphael Vaz, do Boogarins, as nove músicas de Carabobina foram lapidadas ao longo de dois anos e lançadas em 06 de novembro. Trazendo composições em português, inglês e espanhol, o disco carrega uma atmosfera híbrida, orgânica e eletrônica, em que tudo parece construído com maestria sem deixar o tom do improviso de lado. Um disco harmoniosamente psicodélico e ótima pedida nos dias ensolarados de verão.

Adrianne Lenker — songs/instrumentals

Em 23 de outubro, a potente vocalista e guitarrista do Big Thief, Adrianne Lenker lançou mais um trabalho solo, “songs/instrumentals”. O disco aborda temas familiares de perda, solidão, memória e arrependimento em algumas das composições mais vívidas de sua carreira. No início da pandemia, Lenker se recolheu em uma cabana de um cômodo na floresta ao oeste de Massachusetts, com o coração partido pelo término de um relacionamento. As simples tábuas de madeira no interior da cabana a lembravam, disse ela, “do interior de um violão”. Seu amigo Philip Weinrobe, engenheiro de gravação, foi convocado com um caminhão cheio de equipamentos: gravadores de fita de meia polegada, cabos XLR, um microfone binaural. Eles passaram algumas semanas lapidando o material e outras três gravando. A sensação de presença que eles capturaram neste trabalho é quase esmagadora. O violão soa tão perto que você pode ouvir as pontas dos dedos de Lenker dedilhando e escorrendo pelas cordas de aço. Ocasionalmente, sua cadeira range ou seu pé encosta no chão. Algumas canções exibem um resquício do canto de pássaros ou chuva caindo. Singelo e belíssimo.

Jadsa — Taxidermia

A parceria da compositora e musicista baiana Jadsa com o músico e produtor João Milet Meirelles, mais conhecido por seu trabalho no BaianaSystem, resultou no excelente EP Taxidermia — fruto de um projeto colaborativo e experimental. O EP, lançado em 21 de agosto, tem quatro faixas que contam com a poesia muito pessoal de Jadsa enriquecida pelas colaborações com seus companheiros. As letras associam jogos de palavras, concretismo musical e exploração de sons, desconstruindo sentidos e renovando-os, misturando estilos e timbres, propondo pausas dramáticas e momentos instigantes. Em 2019, Jadsa assinou com o selo Balaclava Records, que lançará seu primeiro álbum completo, “Olho de Vidro”, com patrocínio da Natura Musical.

Deep Sea Diver — Impossible Weight

O terceiro álbum de estúdio do Deep Sea Diver, “Impossible Weight”, começou durante um período de turbulência interna e insegurança, que viu a compositora e guitarrista Jessica Dobson questionar se ela realmente queria continuar com a banda. No entanto, falou abertamente sobre seus sentimentos, e com o apoio de seus companheiros de banda e do marido Peter Mansen (também baterista do Deep Sea Diver), Dobson produziu um de seus álbuns mais livre e honesto até agora. Lançado em 16 de outubro, o disco é composto por doses metafóricas entre flashes de poder propulsivo furioso, impulsionado pela guitarra de Jessica Dobson, para momentos de reflexão e calma. A faixa-título, “Impossible Weight”, é sobre desmoronar e então juntar os pedaços e conta com uma dobradinha da sempre maravilhosa Sharon Van Etten. O álbum é uma documentação digna dos tempos mais difíceis, mas torna o feio em algo bonito e que dá gosto em compartilhar.

Mc Dricka — Rainha dos Fluxos

Aos 22 anos, Fernanda Andrielli, mais conhecida como Mc Dricka, se tornou uma das mulheres da música mais ouvida em 2020. Orgulho da Vila Nova Cachoeirinha, Zona Norte de São Paulo, ela cantou a voz de várias minas com o hit que celebra autoestima das donas da rua: “E nós tem um charme que é da hora, da hora/ Um sorriso que é de impressionar/ E nós desenrola nas palavra, não leva desaforo pra casa/ Eu que posso me bancar…” Conhecida no cenário do funk paulista como a rainha dos fluxos, foi assim que ela resolveu chamar seu primeiro EP. Há três anos, Mc Dricka vem emplacando single atrás de single com seu funk ousadia empoderado. “Rainha dos Fluxos”, lançado em 20 de dezembro, consolida o ano produtivo e de reconhecimento da Mc.

Róisín Murphy — Róisín Machine

2020 carimbou o retorno da dance music para o mainstream. Prova disso foram os excelentes lançamentos que surfaram nas raízes setentistas e oitentistas do gênero. Para fechar a ótima safra, a irlandesa Róisín Murphy lançou, em 02 de outubro, seu quinto álbum solo, “Róisín Machine”, no qual batidas house pulsantes e arranjos de cordas sofisticados predominam ao longo das dez faixas de seis a oito minutos. A performance vocal de Murphy é cheia de emoção e prova que ela continua sendo uma das artistas mais interessantes e habilidosas da dance music, conseguindo soar atemporal e com alma. Murphy registra uma variedade de experiências ao longo do álbum e o faz habilmente, tecendo referências cerebrais a teorias filosóficas, literatura clássica e mitologia grega, oferecendo aos ouvintes uma chance de mergulhar profundamente na música. Este álbum é a chance de testemunhar uma artista totalmente formada e segura na construção de uma obra-prima excêntrica, envolvente e dançante.

Luedji Luna — Bom Mesmo É Estar Debaixo D’água

“Bom Mesmo É Estar Debaixo d’Água” é brilhantismo, afeto e respiro. O álbum, lançado em 14 de outubro, confirma a artista baiana Luedji Luna como um dos grandes talentos da música brasileira atual. Ela passeia com naturalidade pela ancestralidade (parte do disco foi gravado no Quênia) e pelos dias atuais em uma obra bela, que fala de amor e de vingança naturalmente. Da mesma forma que fala do íntimo, do que se passa pela cabeça e ainda da necessidade de ir e vir sem barreiras. Atravessada pela maternidade, a artista cria uma narrativa que dá continuidade ao álbum de 2017, “Um Corpo no Mundo” — uma narrativa de mulher preta em um mundo que diferencia cada um pela cor da pele e pelo gênero. Nesta rica construção, percebe-se a influência de Cristiane Sobral, Nina Simone, Conceição Evaristo, Soujorner Truth, Miles Davis. Tudo ali concentrado, juntinho e equilibrado. Em Bom Mesmo É Estar Debaixo d’Água, Luedji mostra ao mundo que passou com louvor na “prova do segundo disco”.

Uma playlist com músicas dos discos retratados aqui e dos lançamentos do primeiro semestre está disponível no Spotify do ENTRE LP ❤

2020 Dedo no Olho e Gritaria — parte II was originally published in ENTRE LP on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.