Pesao Mixtape 2: Electric Boogaloo

Este mixtape de PESAO está enfocado en música heavy de finales de los 80 y los 90 que es irreverente y hasta jocosa. Funk metal, thrash, hardcore y hasta un toque de punk, en celebración del estreno de nuestro nuevo programa El Zappatorio, dedicado al universo musical de Frank Zappa y música influenciada por su obra, desde el próximo 19 de abril.

Las selecciones incluyen una gama de estilos, desde el metal alternativo de Faith No More, pasando por el funk metal de Ignorance o Scat Opera, subgénero que por un momento asomó su cabeza contundentemente en los noventa y dio paso al nacimiento del despreciado nu-metal, todos artistas y bandas que miraban sus creaciones con un sentido de diversión y despreocupación que se extraña en la música actual. Esa diversión se la planteaba Frank Zappa cuando cuestionaba si humor tenía cabida en la música. Creo que con su obra, hizo posible que bandas como éstas pudieran difundir su peculiar visión al mundo.

Para este mix, fue bien interesante remontarme a la década donde todo mi arsenal musical me acompañaba en forma de casi una docena de cassettes en el bulto de la escuela y la universidad, como fueran los de FNM, Scatterbrain o Infectious Grooves. Otros, como Dorso de Chile o Sinister Sam de San Jose, California, descubrí gracias a la magia del internet y la manera en la que hace nuestro acceso al arte más fácil.

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“Cualquier cosa, en cualquier momento, en cualquier lugar, sin motivo alguno.” — Frank Zappa

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Quise preparar algo especial para esta semana, y el destino decidió que el primer mixtape para Sonidos Laterales sería de cortes instrumentales.

Un poco de trasfondo: estoy localizado en Nueva York desde finales del año pasado, y decidí regresar a Puerto Rico por Semana Santa. Coincidentemente, La Iglesia Atómica, una legendaria banda local que se ha convertido en una de mis favoritas desde su regreso a los escenarios, anunció una presentación en directo con entrada gratuita para este pasado jueves 29 de marzo, una oportunidad muy buena para dejar pasar.

Los dos sets que ofreciera LIA allí fueron espectaculares. Nos dieron una muestra de lo que estarán presentando en su segunda producción, Gran Muro de Coma que estará disponible más adelante en este año, además de cortes de su primer álbum homónimo, y mucha improvisación de primer orden. Adoro escuchar bandas improvisar en directo así como lo hace LIA. Una buena banda sincronizada, armonizada, enlazada, en completo control de sus poderes, es una cosa preciosa que presenciar. En el momento correcto, cada músico parece conectado directamente a una línea celestial que canaliza la Música desde su instrumento hacia el centro de la galaxia, y a su vez reciben retroalimentación desde el centro de las estrellas mismas. Una buena improvisación es como un viaje al infinito, trascendiendo este plano y mostrándonos las conexiones divinas del “riff” con el alma.

Inspirado entonces en mi encuentro fortuito con La Iglesia Atómica y sus magistrales improvisaciones, preparé un mixtape para hoy con cortes instrumentales de diferentes géneros y épocas, todas con melodías que me son especiales y que espero les inspiren a ustedes también.

Sonidos Laterales Mixtape: Instrumentales Laterales

Lado A:

1. David Bowie — Speed Of Life: uno de mis favoritos entre los instrumentales que hiciera Bowie en su carrera, su posición como corte abre el álbum Low de 1977, lo hacen también uno de los mejores instrumentales para abrir un mixtape, punto.
2. Roxy Music — The Numberer: el lado B del sencillo Virginia Plain, debut de Roxy Music, lo tiene todo: su sintetizador y saxofón dando paso a un melodioso solo de guitarra y armónica que me llenan de alegría. Ambicioso y bullicioso, perfecto para nuestra odisea instrumental.
3. Eagles — Journey Of The Sorcerer: como muchos otros seres humanos, conocí este corte primordialmente por servir de tema para The Hitchhiker’s Guide To The Galaxy en todas sus encarnaciones audiovisuales. Según el escritor y creador Douglas Adams, el quería algo que sonara “sci-fi” y a su vez evocara a un viajero, y la mezcla de sintetizadores con banjo crean ese efecto a la perfección. Originalmente parte del álbum One of These Nights del 1975.
4. Brian Briggs — Spy Vs. Spy: el verdadero nombre de Briggs era John Holbrook, y usó su álbum Brian Damage del 1980 para explorar muchísimos estilos en un solo lugar, desde “new wave” hasta “surf rock” instrumental, como este corte.
5. Edgar Froese — A Dali-Esque Sleep Fuse: Froese, guitarrista, tecladista y líder del grupo Tangerine Dream también tuvo una larga y fructífera carrera como solista, abarcando una diversidad estilística sorprendente. Este corte viene de su quinto disco como solista, Stuntman, del 1979, y tiene unas dinámicas líneas de sintetizadores y guitarras que servirían, muchos años después, como influencia para decenas de jóvenes artistas electrónicos que lo emulan.
6. Barry Adamson — Diamonds: Adamson, por su parte, también ha formado parte de las influencias de muchísimos compositores modernos, más que nada por la compañías que mantiene, formando parte de los grupos Magazine, The Birthday Party, y Nick Cave and The Bad Seeds, entre otros. Este corte viene de una banda sonora para un filme del 1991 llamado Delusion, y es el tipo de sonido exótico, oscuro, percusivo y lounge-y que Adamson ha explorado en sus grabaciones solistas.
7. Pink Floyd — Come in Number 51, Your Time Is Up: parte de otra banda sonora, esta vez del filme Zabriskie Point de Michaelangelo Antonioni, este corte es una versión de una canción previa de la banda, Careful With That Axe, Eugene, que se caracteriza por su introducción suave y psicodélica que se convierte en un estruendoso “jam” después de un espectacular grito de Roger Waters. Me encanta ver la cara de la gente cuando lo escuchan gritar por vez primera.
8. The B-52’s — Work That Skirt: uno de los múltiples usos de los instrumentales es a veces cerrar álbumes que de otra manera no se sabría como terminar. Ese siempre ha sido mi impresión de esta melodía que cierra el tercer disco de los B-52’s, Whammy!, pero igual me encanta por su sentido alegre y movido, como prácticamente todo el producto de esta banda.
9. Madhouse — Ten: este corte viene del segundo álbum de Madhouse, 16. Madhouse fue un proyecto creado por Prince para explorar el jazz y el funk sin atarlo necesariamente a su producto principal. Ambos discos fueron creados junto a colaboradores de sus bandas The Revolution y New Power Generation.
10. Jean-Jacques Perrey — Gossipo Perpetuo: toda la vida escuchando un sonido particular, el del teclado Moog, gracias a Roberto Gómez Bolaño, mejor conocido como Chespirito, quien usara un corte de Perrey, The Elephant Never Forgets, como el tema de El Chavo del Ocho. Este corte viene del mismo álbum que ese famoso tema, Moog Indigo del 1970.
11. Quincy Jones — Soul Bossa Nova: famosísima por su uso en la serie de filmes de Austin Powers, se ha convertido en abreviatura sonora de los “swinging 60s”.

Lado B:

1. La Iglesia Atómica — Chopper: el nuevo sencillo de la banda que inspiró este mixtape. Me encanta cuan sólido se siente el riff principal, y como evoca el sentimiento de estar en una motora y guiar sin rumbo fijo.
2. Combustible Edison — Breakfast at Denny’s: el output de este grupo lideró un despertado interés por el llamado “Space Age Bachelor Pad Music” que abarca los peculiares instrumentales que fueran populares en los 50 y 60 con sus mezclas de lounge y jazz. Este corte es de su álbum I, Swinger del 1994.
3. Pixies — Cecilia Ann: parte del disco Bossanova del 1990, este corte es original de un grupo de surf rock llamado The Surftones.
4. Tomita — Clair de Lune: la interpretación del clásico de Debussy por parte del japonés Isao Tomita es parte de un cuerpo de trabajo altamente influyente para el desarrollo de la música electrónica, y específicamente parte del álbum Snowflakes Are Dancing. Tomita fue un pionero en el uso del “multi-tracking” para generar complejas armonías en sus teclados, tardando nueve meses en crear cosas que ahora se pueden crear con sólo tocar un botón.
5. Los Indios Tabajaras — María Elena: el duo brasileño de hermanos guitarristas Altenor y Natalicio Lima comenzaron su carrera discrográfica a principios de los 50, y con sus interpretaciones de melodías populares sirvieron de inspiración a guitarristas como Chet Atkins, que a su vez influyó sobre toda una generación de músicos. Esta versión del 1963 de un popular corte de origen mexicano fue un éxito de ventas para ellos, posicionándolos en las listas de éxitos en varios países de América Latina e Inglaterra.
6. Frank Zappa — We Are Not Alone: soy fiel creyente que Zappa tiene un corte instrumental para cada ocasión. Entre sus más de 100 álbumes, hay tantas diferentes dinámicas que a veces es difícil elegir solo una. Ésta, del álbum The Man From Utopia del 1983, siempre me ha fascinado por su melodía principal en saxofón y su ritmo upbeat inspirado en el ska.
7. Neu! — E Musik: el tercer album de Neu!, titulado Neu! ’75 es, para mi, una joya de disco del que no se habla tanto como se debería. La manera en la que dividen el álbum entre composiciones que emulan la primera parte de su carrera (en el lado A) con cortes influenciados por sus trabajos y colaboraciones posteriores (en el lado B) es el mejor ejemplo de una banda en completo control de sus habilidades. El ritmo motorik que perfeccionaron mueve este corte por 5 gloriosos minutos de repetición hipnótica.
8. Portishead — Theme from To Kill A Dead Man: parte de la banda sonora de un cortometraje creado por la banda, una muestra excelente de los comienzos de Geoff Barrow como compositor de música incidental, trabajo que ha continuado en filmes como Ex Machina y Annihilation.
9. Voice of the Seven Woods — Return From Byzantium: este es un proyecto del músico británico Rick Tomlinson, donde explora el “freak folk” y rock psicodélico de la mano de otros músicos británicos. Una pieza bastante británica, de hecho, con su guitarra acústica y sus pasajes pastorales.
10. Wizzard — Rob Roy’s Nightmare: nuestra penúltima canción es, como nuestra segunda en el lado A, un corte instrumental usado como lado B de sencillo de una banda de glam. En este caso, del sencillo I Wish It Could Be Christmas Everyday de Wizzard, banda fundada por Roy Wood entre su tiempo en The Move y ayudar a fundar Electric Light Orchestra.
11. Morcheeba — Post Houmous: y al final, un pequeño corte instrumental de una de las mejores bandas de trip-hop / downtempo que haya existido. Parte de su primer álbum, tiene una cualidad bien cinemática que creo le da buen cierre a nuestro mixtape.

Espero que les haya gustado. ¡Escúchalo y compártelo!

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Pasé una buena parte de mi adolescencia haciendo mixtapes. Los hacía para consumo personal, para panas que acababa de conocer, para cuando esos panas se convertían en amigos del alma, y claro, para chicas que me gustaban. Esos mixtapes solían ser eclécticos (si lo que quería era presumir de mi conocimiento de música, en ese entonces muy poco, les aseguro, aunque me pensaba como que sabía un mundo), o temáticos, si quería matar una tarde preparando el “soundtrack” de mi viaje a la escuela el día siguiente. Mixtapes de amor, de canciones bailables, de puro heavy metal, o de una mezcla solo descifrable para el creador y el destinatario. Mi motor siempre fue compartir la cosa que más alegría traía a mi vida, la música. El poder encontrar canciones en la radio y grabarlas para futuro uso, o escudriñar cada LP, cassette y CD que pasaba por mis manos para encontrar aquella canción importante, aquella melodía que tenía la capacidad de provocar emociones en mi. Quería plasmarlas esas canciones en mis mezclas, y dárselas al mundo.

Sonará arrogante, pero el buen curador de un mixtape es un arqueólogo musical. Es aquel que descubre cortes que posiblemente el resto haya olvidado, ya sea porque salió como un lado B en un sencillo para el mercado europeo, o porque es la cuarta canción del segundo lado en un disco que tiene todos los hits en el primero. El curador rescata esas canciones y las recontextualiza acompañándolas de canciones de otros artistas, u otras canciones de diferentes épocas del autor original. El mixtape, entonces, se convierte en un estudio histórico, en un examen del alma del curador, una ventana a la mente de aquel que está atado intrínsecamente a las palabras y melodías de otro que supo plasmar en el acetato, cinta, o disco digital lo que el curador siempre sintió pero no encontró como decir, aquel que “no encuentra las palabras” porque hay una canción que lo dice mejor que nadie.

Pasaron los años, y las vueltas que da la vida me llevaron a colaborar en producción de un programa musical en radio por más de una década, una aventura que siempre vi como armar un mixtape semanal. Le ponía el mismo cuidado a la curación de cada segmento, que esta vez creaba para los muchos panas (oyentes) que podrían ser amigos en potencia. Puedo decir con toda certeza que hacer radio es una de las cosas que más me llena en la vida.

Este año comencé a hacer radio una vez más, ahora por internet. Los programas que actualmente produzco de manera semanal, Sonidos Laterales y PESAO, me sirven para continuar cultivando la curación musical que es mi llamado. Y como todo aquel que durante la vida colecciona, acumula, e indexa, tengo muchísima más música que la que he compartido en mis años de producción radial. Es por eso que decidí, de vez en cuando, crear más mixtapes, ahora de manera virtual.

Para el primero, me fui por la ruta difícil: casi 2 horas de música avant-garde que acampa en el lado más pesado del espectro musical. La manera en la que los artistas incluidos en este mixtape empujaron (o continúan empujado) los límites, ayuda a los géneros y sub-géneros a crecer y mutar, manteniendo la música “heavy” viva y vibrante.

Pesao Mixtape: Heavy Avant-Garde

Lado A:

1. Celtic Frost — Rex Irae (Requiem): Este corte del Into The Pandemonium de 1987 siempre me ha sonado como una manera épica de abrir una colección, directo al grano con su yuxtaposición de vocales femeninas operáticas con el adolorido gemido de Tom G. Warrior. La experimentación que Celtic Frost hizo en este álbum sigue resonando al día de hoy.
2. Arcturus — The Chaos Path: sacada del segundo álbum de la banda, La Masquerade Infernale, es una excelente muestra de los estilos que pueden trascender en una sola canción de esta alineación de Arcturus, con el metal adornado de florituras de piano y vocales histriónicos interrumpido por una coda de base electrónica. Estas experimentaciones terminarían influenciando al vocalista del grupo, Garm (Kristoffer Rigg), a explorar estas mismas texturas en su otra banda, Ulver.
3. maudlin of the Well — The Ferryman: este grupo de Boston, MA tuvo una corta pero altamente influyente carrera, casando elementos dispares del jazz, rock progresivo, ambient, música clásica de cámara, y art rock, con los puntos extremos del death, doom, y hasta black metal. Este corte es sacado de su album Bath del 2001 y es una muestra efectiva de esa amalgama estilística.
4. Ulver — Proverbs of Hell, Plates 7–10: la banda de Garm, cantante de Arcturus, podría ser el tema de su propio mixtape y sonaría como 10 bandas diferentes. La experimentación y el cambio han sido el único constante en la carrera de Ulver, y este álbum no es la excepción. Lanzado un año después de La Masquerade Infernale de Arcturus, Ulver utiliza el libro The Marriage of Heaven and Hell del poeta William Blake como inspiración para esta colección de cortes que se nutren de texturas electrónicas como el industrial y el drum ’n’ bass y las mezcla con las tendencias metal que cargaban de sus álbumes anteriores. Material bien denso, pero también altamente pegajoso.
5. Mr. Bungle — Everyone I Went To High School With Is Dead: Mr. Bungle será siempre conocida como la “otra” banda de Mike Patton de Faith No More, aún cuando se desbandaron en el año 2000. La corta discografía del grupo (3 álbumes de estudio y un manojo de demos)ha resultado ser increíblemente influyente para un sector del underground que básicamente idolatra el sonido de la banda al punto de imitarlo casi al dedillo (meritorio para otro artículo). Las dinámicas con las que trabajaba Mr. Bungle iban desde el klezmer, el swing, y el jazz, al noise, punk, y el metal, muchas veces en la misma canción, y muchas veces a la vez. En cortes como este, siempre es impresionante como pueden sonar a un grupo que está casi casi a punto de perder el control absoluto, pero pilotean su avioneta llena de dementes y logran aterrizar.
6. Ephel Duath — The Passage (Pearl Grey): este proyecto italiano se caracterizó por ser uno de los primeros grupos en impactar la escena metal con su versión de avant-garde que se recuesta del jazz fusión, mathcore, y elementos caóticos sacados de bandas como la arriba mencionada. Fue uno de los primeros grupos de metal avant-garde que escuché y hasta el sol de hoy uno de mis favoritos.
7. Sigh— Diabolic Suicide: los japoneses se han caracterizado por ser pioneros en las mezclas de extremos en todos los aspectos de su cultura, y en la música extrema no son la excepción. Sigh fue una de las primeras bandas japonesas de black metal, pero temprano en su carrera se desviaron hacia territorio experimental, con elementos sinfónicos y electrónicos, y rasgos de géneros como el funk, el prog, y el jazz infiltrando cada vez insidiosamente sus composiciones. Este corte abre el álbum Scenario IV: Dread Dreams del 1999, y los encuentra inyectando pasajes melódicos con sintetizadores e interludios de guitarras acústicas, y terminando en una fanfarria circense.
8. Sleepytime Gorilla Museum — The Donkey-Headed Adversary of Humanity Opens the Discussion: esta banda se forma de los vestigios de otra agrupación que pululaba por los campos de rock experimental, Idiot Flesh. SGM por su lado, es una versión mucho más angular y agresiva, donde sobresale el violín de Carla Kihlsted y la predisposición por pasajes disonantes de alto tecnicismo musical inspirados de igual manera por la música de Frank Zappa o el Rock In Opposition. Una banda bien única que desafortunadamente dejó de existir pero dejó 3 excelentes y esenciales álbumes.
9. Sunn O))) / Boris — Akuma No Kuma: el junte de estas dos agrupaciones se sintió como el equivalente musical de una batalla entre King Kong y Godzilla, donde Kong (el proyecto norteamericano Sunn O)))–pronunciado “sun”) es una eminencia en la experimentación de la repetición con “feedback” y “drone” de la variedad más pesada, mientras que Godzilla (la banda japonesa Boris) es una de las bandas más prolíficas y camaleónicas de las últimas décadas, cubriendo desde el noise hasta el stoner rock, garage rock, rock gótico, punk rock y cualquier otra vertiente imaginable.

Lado B

1. Yakuza — Cancer Of Industry: comienzo el (virtual) lado B de nuestro mixtape con Yakuza, una banda que considero uno de los más importantes exponentes de la experimentación en el heavy metal, cuyo miembro fundador, el cantante y saxofonista Bruce Lamont, ha participado en decenas de proyectos como músico invitado. Yakuza se ha caracterizado por sus incursiones en ritmos derivados del hardcore, punk y metal, con tendencias hacia la música étnica y el free jazz.
2. Virus — As Virulent As You: desde Noruega, Virus contesta la pregunta de qué pasaría si un cantante como Scott Walker o Nick Cave cantara en una banda como Voivod. Un barítono poderoso y unas guitarras, ambas con melodías en disonancia que son el equivalente sonoro de entrar a un carnaval y visitar la casa de espejos…en drogas psicodélicas.
3. PainKiller — Executioner: ninguna exploración de tendencias avant-garde puede estar completa sin la aparición de John Zorn. El legendario saxofonista es sinónimo de todo un sub-género de música experimental y retante, con décadas de trabajos altamente influyentes para cientos de artistas. En PainKiller, reúne al bajista Bill Laswell (otra figura emblemática en el campo de la experimentación sonora) y Mick Harris (ex-baterista de Napalm Death) para otra sesión de música para asilos mentales.
4. Fantômas — The Omen (Ave Satani): Mike Patton manifiesta en Fantômas todas aquellas tendencias que comenzó a cultivar en Mr. Bungle y siguió afinando al colaborar con John Zorn en muchos de sus innumerables proyectos. En esta ocasión, se junta con Buzz Osborne (Melvins), Trevor Dunn (ex-Mr. Bungle, Secret Chiefs 3) y Dave Lombardo (ex-Slayer) y forman una aparatosa orquesta que re-interpreta temas cinematográficos como solo Patton y compañía pueden hacer.
5. In the Woods… — Ion: In The Woods…es otra banda noruega que juega con el rock progresivo y le inyecta un sabor de lo raro con la experimentación sonora que evoca grupos más dado al art rock o incluso lo gótico. Son posiblemente la banda más tradicionalmente “prog-metal” en esta selección, ya que cuando lanzaron Strange In Stereo, el álbum de donde sale este corte, se habían separado completamente de sus orígenes black metal.
6. Gorguts — La Vie Est Prelude… (La Mort, Orgasme): desde Quebec, Canada, Gorguts comenzó su carrera como una banda de death metal con algunos indicios de tecnisismos en su composición, tendencias que fueron creciendo con el paso del tiempo al añadir más cambios de tempo y complejidades en sus temas, que se adentraban más en lo progresivo y en el jazz. Este corte sale de su álbum Obscura del 1998, un momento esencial para el desarrollo de la banda hacia caminos más extraños y obtusos.
7. Shining — Omen: aún otra banda más de Noruega, Shining apoda su estilo como “blackjazz” siendo un híbrido de metal (en especial black metal) y jazz (en especial el free jazz o el jazz fusión), palabra que también nombra el disco de donde sale este corte. Desde su formación como un grupo estrictamente de jazz, siguen empujando los confines de lo que podían hacer como banda.
8. Brain Tentacles — The Sadist: uno de los proyectos de Bruce Lamont de Yakuza, junto a al baterista Dave Witte (Municipal Waste, Discordance Axis, Melt-Banana y muchos otros), y Aaron Dallison de Keelhaul en bajo, sintetizador y voz, muestra de manera prominente el saxo ruidoso de Lamont y las destrezas de Witte como uno de los mejores bateristas de la música extrema.
9. Subterranean Masquerade — Father and Son: considerada por muchos como una banda de metal progresivo, estos músicos israelíes son dados a incluir pasajes experimentales y momentos chocantes cuando juntan vocales de death metal con pasajes sonoros de alto contenido melódico, o interludios de percusión étnica y rock clásico, como en esta canción sacada de su album The Great Bazaar del 2015.
10. Thy Catafalque — Uránia: y cerramos este mixtape con un corte de una de las bandas menos reconocidas de esta camada del mentado avant-garde metal, desde Hungría. El proyecto del músico multi-instrumentalista Tamás Kátai, comenzó como muchas en esta selección, por el black metal, y fueron refinando su estilo al experimentar con teclados y otros elementos. Este corte viene de su album Meta del 2016, y cierra este mixtape porque su comienzo me recuerda al comienzo del corte de Celtic Frost que abre la colección, y porque es una buena muestra de que la experimentación en el heavy metal es algo positivo y necesario.

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Al fin llega a nosotros Pacific Rim, el tan esperando nuevo filme del director mejicano Guillermo del Toro. Una emocionante amalgama que sirve de homenaje a la cultura de animación japonesa, con gigantescos mechas, conocidos como Jaegers, luchando contra monstruosos alienígenas o Kaijus en batallas que ocasionan destrucción masiva, y que es también una de las mejores experiencias cinematográficas de verano que jamás hayamos visto.

Sin perder mucho tiempo, el filme establece la historia donde los enormes monstruos extraterrestres que atacan a la humanidad, salen de un abismo en el fondo del Océano Pacífico que les sirve de portal a otro mundo. Los humanos responden construyendo los Jaegers que puedan darle la batalla a los Kaiju, y así defenderse del continuo ataque. Es entonces cuando conocemos a Raleigh Becket (Charlie Hunnam), piloto del Jaeger americano Gipsy Danger junto a su hermano Yancey, quien perece en combate contra un Kaiju. 5 años después de la pérdida, Raleigh es reclutado por Stacker Pentecost (Idris Elba), líder del programa de Jaegers, y Mako Mori (Rinko Kikuchi), su protegida, para una vez más pilotar las máquinas que defienden a la humanidad.

Éste es posiblemente el filme más accesible de Del Toro, con muchos de los clichés y “beats” que forman parte del ADN del cine de verano. Lo que diferencia a Pacific Rim de otros filmes que hemos visto en este año (o incluso en años anteriores), es la pasión y cuidado con la que se construye su mundo. Sin apelar tanto al realismo con la que descaradamente se tratan de revestir películas como Man of Steel, Del Toro y el escritor Travis Beacham crean un formidable pastiche, con elementos de anime, películas de guerra — en específico las de Segunda Guerra Mundial –, y ciencia ficción, que nunca se toma muy en serio, y termina siendo más convincente que el resto de lo que pasa por cine de verano de alto presupuesto. Desde sus guiños a Blade Runner (en las fenomenales tomas de su versión de Hong Kong) hasta las obvias referencias a los filmes de Godzilla, todo es grande, colorido, y más que nada, divertido. Los científicos que estudian a los Kaiju, Geizler y Gottlieb (Charlie Day y Burn Gorman, respectivamente), hacen un sólido trabajo inyectando los elementos cómicos en la cinta, al igual que el personaje de Ron Perlman, el estrambótico Hannibal Chau, quien aporta algunos de los más graciosos momentos en ella. El elenco completo es sumamente efectivo: Elba, un actor con una variada carrera que va desde lo real (Luther, The Wire) hasta lo fantástico (Heimdall en Thor), entrega una excelente actuación como Pentecost, anclando el filme en un sentido de moral simple pero eficaz; Kikuchi, por su parte, encarna en Mako un refrescante rol femenino, que no necesita ser explotado para ser agradable.

El libreto de Beacham y Del Toro nunca es cansón, y si peca de sencillez, lo hace completamente a conciencia. La manera en que balancea el espectáculo grandioso con lo básico y humano es admirable. Visualmente, es una preciosura. Resaltaron a nuestra vista el excelente diseño de los Jaegers y los Kaijus — que harían, como en el filme, excelentes juguetes –, mientras que la paleta de colores y los efectos especiales, específicamente en las escenas de Hong Kong, hacen de los montajes unos vibrantes y energéticos, que te invitan a seguir pegado a la pantalla y conocer que viene luego.

Las mejores películas de verano, aquellas que se quedan con nosotros por generaciones, contienen elementos que apelan a los sentimientos más básicos de nuestra condición humana. Desde que Brody, Hooper y Quint se montaron en un bote a cazar al famoso tiburón blanco en Jaws, nuestros veranos se han poblado con historias de batallas de supervivencia, donde simples humanos se enfrentan a aparentemente insuperables adversidades, y, al ser victoriosos, nos dan el confort de saber que el bien siempre triunfa sobre el mal. Pacific Rim carga orgullosamente este estandarte de calidad.

Reseña: Pacific Rim was originally published in Cult Häus on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Como parte de Terror En Tus Oídos, compartiremos con ustedes manifestaciones sonoras del género del horror, desde colecciones de bandas sonoras, a música inspirada en el cine de horror, hasta cuentos de suspenso y terror en formato de audio.

En esta ocasión, un “playlist” con cortes de artistas que trabajan música inspirada en soundtracks de cine de terror. En años recientes, la influencia de compositores y bandas como John Carpenter, Goblin, Tangerine Dream, y otros creadores de música incidental, se ha hecho cada vez más contundente en muchos subgéneros de la música electrónica. Aquí una selección de algunos de nuestros favoritos.

Déjanos saber si te gusta el playlist, y compártelo en las redes sociales. Pronto te traemos más horror sonoro en Terror En Tus Oídos.

Terror En Tus Oídos: Sintetizadores de horror was originally published in Terror Entre Los Dedos on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Cuando nací, ya había un disco de KISS en mi casa. No cualquier disco, tampoco, sino Destroyer. Es posible que conozcas su portada, aún cuando no seas fanático de la banda: su pose emblemática, alzándose sobre un mundo en llamas, cuales superhéroes. Este álbum fue mi primera muestra de Música en mi vida. Claro, habían existido otras instancias de música en mi vida antes de escuchar esto por primera vez, pero el día que lo hice supe que genuinamente DISFRUTABA este tipo de Música.

De muchas formas, cada moda y cosa que disfrutamos, cada fanatismo en nuestras vidas puede remontarse a momentos exactos, precisos. Bien profundamente, podemos reconocer el momento en que escogimos una cosa sobre otra, o, en algunos casos, alguien escogió por nosotros. Esos momentos, a veces recuerdos lejanos, son algunas veces mitificados en la historia de nuestras vidas.

Mientras crecía, hubo aspectos de mi vida que, si bien parecerían fáciles de explicar ahora, me afectaron profundamente y formaron en gran parte de mi visión de mundo. Uno de ellos fue el saber que mis padres se divorciaron el mismo año en que nací. No hace falta decir que el día que supe de esa bomba de información, no la pasé bien. Entrar ahora en los pormenores del suceso, sin embargo, sería abrir una pequeña caja de Pandora, y siento que es un relato propio para otro momento. Lo importante es que mi padre no estaba allí, en la casa en la que nací y crecí, pero este disco de KISS, sí.

Ahora bien, este disco fue parte de lo que inadvertidamente creé como el mito de mi vida: si este disco pertenecía a mi padre, debe haberle gustado el Rock. De hecho, en mi mente, le gustó tanto que me lo dejó, como un regalo, transmitido como reliquia familiar. Mi madre tenía poca paciencia para cuentos así: “eso pertenecía a tu padre, no lo toques”. Como suele suceder con las reliquias familiares, las coronas, las joyas, todo lo real e importante, estaba fuera de alcance. Agreguemos a eso la influencia/desinformación externa de una vecina bien intencionada que en ese momento cursaba en escuela bautista, y me dijo algo sobre el álbum que probablemente puedas estar adivinando en este momento: ¡KISS era un grupo satánico! Continuó explicando cómo KISS representaba Knights In Satan’s Service (Caballeros en el Servicio de Satanás), y que la portada del álbum representaba “cuatro manifestaciones del demonio, como los cuatro jinetes del Apocalipsis, gobernando sobre una tierra destruida”. Demás está decir que me dejó asustado (probablemente yo tenía alrededor de 6 o 7 años cuando esto sucedió), pero fue un buen tipo de miedo, el tipo de miedo que te hace muy, muy curioso. (¡Admítelo, esa descripción está bastante cool!)

Así que esta era La Cosa Intocable. El artefacto musical que más curiosidad me causaba de todas nuestras pertenencias, y no podía ni sonarlo por miedo a desatar algún tipo de pendejada siniestra en la casa. Todo eso cambió gracias a más influencias externas.

Mis primos, que eran mayores que yo, en ese tiempo hacían lo que muchos adolescentes hacen para ganar dinero rápido: tareas como cortar la grama y lavar los carros de nuestros familiares. En una ocasión, vinieron a mi casa a lavar el carro de mi madre, mientras mi ella y mi tío salían al supermercado o a hacia alguna otra diligencia, y mi hermana y yo nos quedábamos en la casa bajo el cargo de mis primos. En esta época de sus vidas, las travesuras y maldades abundaban cuando ellos estaban presentes, y ese día el foco de atención era el tocadiscos y la colección de vinilos de la casa. La portada tan colorida de Destroyer les llamó la atención, por supuesto. Yo estaba automáticamente alarmado. “¡NO PUEDEN TOCAR ESOOOO!”, grité de inmediato. Y ya que decirle a un adolescente que “no puede” hacer algo es la mejor manera de asegurarse que lo haga, lo pusieron en el tocadiscos, y procedieron a sonarlo. Y lo sonaron. BIEN ALTO. Yo estaba aterrado. O sea, de que aterrado de verdad. Pero también, estaba verdaderamente emocionado de poder escucharlo finalmente, habiendo fantaseado con los sonidos que saldrían de ese vinilo tan misterioso…

…y lo que salió fue…extraño, para mis oídos jóvenes.

No comenzaba con música inmediatamente. En su lugar, ruidos de fondo, tal y como si estuviera viendo televisión pero no podía ver la imagen. ¿Qué rayos era esto? Alguien parecía trabajar en un restaurante, escuchaba una canción en la radio, y luego se va en un automóvil. A medida que el vehículo acelera, finalmente aparece ferozmente en crescendo: un riff de guitarra que explota y se convierte en una poderosa canción de Rock.

Estaba cautivado. “Detroit Rock City” salía del sistema de sonido Pioneer de mi familia, si importar la estática y el ruido de la aguja, yo sentía su poder. A mis jóvenes oídos, le sonaba a gloria. Me asustaba, y lo amaba. Cada idea, cada noción puesta en mi cabeza por mi y por otros, cada momento que se pasó tratando de que yo NO escuchara esto, todo eso se derretía con cada nota, con cada golpe de la batería, con cada grito y palabra que salía de ese círculo musical que giraba y giraba. “You gotta lose your mind in Detroit Rock City”. Para mis primos, fue todo un chiste. Para mi, fue diferente. Desde ese día, la Música se apoderó de mi mente, así con “M” mayúscula, toda importante e imponente, contundente y abarcadora y aplastadora.

Un cuento sobre una primera vez was originally published in Cult Häus on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

El programa televisivo Mystery Science Theater 3000 ha tenido un impacto innegable en la cultura popular, específicamente en la esquina donde convergen las tendencias más geek. Su premisa —en un futuro no muy lejano, un sencillo ayudante de laboratorio es enviado por sus jefes, unos científicos locos, al Satellite Of Love y obligado a ver películas malas en contra de su voluntad para enloquecerlo como parte de sus experimentos — es presentada al comienzo de cada semana en un tema musical a la usanza de los temas clásicos de televisión como Gilligan’s Island. El motor principal del show son los comentarios cómicos que el ayudante de turno hace de las películas, con ayuda de dos robots que construyó para contrarrestar la locura que sus jefes quieren inducirle. Ese tipo de comentario, denominado riffing por sus creadores, se ha convertido en una fuerza cultural que trascendió las pantallas televisivas y se integró a nuestro diario vivir, influenciando decenas de otros programas y medios, estudiado por académicos, y siendo precursor espiritual de la era del meme en la que vivimos actualmente.

MST3K, como lo abrevian sus fanáticos, estrenó hace 30(¡!) años en la televisora KTMA (ahora WUCW) en Minneapolis, Minnesota, luego moviéndose al entonces Comedy Channel (ahora Comedy Central) y eventualmente al Sci-Fi Channel (ahora SyFy), donde cesó en el 1999. En el 2017, regresó a las pantallas, tanto televisivas como portátiles, de la mano de Netflix (ahora mismo rey supremo del entretenimiento, gústele a quien le guste). En esa trayectoria, una cantidad de gente bien graciosa ha pasado por sus rangos, gente que se ha hecho parte integral de muchas otras creaciones cómicas que marcaron el panorama cultural moderno. Pero basta de introducciones, y hablemos de quiénes son los Mads y porqué están de vuelta.

Trace Beaulieu (derecha, como el Dr. Forrester) y Frank Conniff (izquierda, como TV’s Frank) fungieron como los científicos locos que torturaron a los ayudantes Joel Robinson (Joel Hodgson, creador de MST3K) y Mike Nelson (libretista principal y anfitrión luego que Hodgson partiera del show) por varias de las primeras temporadas. Desde el 2007 al 2013, Hodgson junto a Beaulieu, Conniff, J. Elvis Weinstein y Mary Jo Pehl, formó el grupo Cinematic Titanic, un proyecto similar a MST3K enfocado en hacer riffing en espectáculos en directo alrededor de los Estados Unidos. En diciembre del 2016 Beaulieu y Conniff comenzaron a llevar su espectáculo de riffing The Mads Are Back a la calle, y se han mantenido haciéndolo desde entonces, además de su podcast Movie Sign with The Mads, donde comentan tanto sobre estrenos como clásicos de cine, y otras producciones, programas y publicaciones. En su espectáculo, se especializan en el tipo de películas que se preferían en los primeros años de MST3K, películas de clase B en blanco y negro de los 50 y 60. Este pasado viernes, 26 de enero del 2018, presentaron el “clásico” de Ed Wood, Glen or Glenda? en el Alamo Drafthouse de Brooklyn.

La creación de esta peculiar pieza fue inmortalizada en el filme Ed Wood de Tim Burton, y cada una de sus excentricidades es minada para comedia en la versión comentada por Beaulieu y Conniff. De especial nota es la increíblemente confusa actuación de Bela Lugosi como un personaje que es solo denominado como “Científico” en la ficha técnica de la película, pero verdaderamente funciona como un tipo de dios/fuerza de destino en una historia tan mal contada que es imposible no encontrarla graciosa. Lugosi, quien se encontraba ya sin carrera alguna en los últimos años de su vida, fue sacado de la oscuridad artística para un par de películas por Wood, quien entablara una amistad con el actor que quedó plasmada de manera espectacular en el biópico dirigido por Burton.

Aparte de encontrar comedia en el rol de Lugosi, Trace y Frank también destruyen al resto del elenco por sus pobres habilidades de actuación, y en el caso de Wood, quien también interpreta el titular personaje travestido, triplemente por su dirección y libreto también. Eso dicho, es notable el respeto que los Mads tienen por el material original, nunca burlándose de la temática per se ni haciendo comentarios mezquinos. En las manos de comediantes menos expertos, sería fácil recurrir a los cheap shots, pero Beaulieu y Conniff son maestros de esta disciplina, y es un verdadero placer escucharlos en acción.

Mi experiencia con MST3K siempre fue una peculiar. Descubrí el show a mediados de los 90 gracias a que en el ’93, año en el que me gradué de high school y comencé a trabajar, pude instalar cable tv por primera vez en mi hogar. Noche tras noche pasaba, vorazmente consumiendo contenido al cual nunca había estado expuesto. Una de esas noches me topé con esta película en blanco y negro que estaba siendo comentada por unas voces que no correspondían a los actores en la pantalla. Entonces noté la silueta de tres figuras en lo que parece una fila de asientos de sala de teatro, y como interactuaban con lo que se desarrollaba en pantalla. Quedé atrapado por lo gracioso de los comentarios, que muchas veces sonaban a cosas que mis amigos y yo hacíamos al ver filmes juntos, y como tornaban una terrible película en blanco y negro en algo verdaderamente divertido. Me hice fan instantáneamente. En ese entonces no tenía fácil acceso a episodios pasados, y comencé a conseguir los que podía en DVD. Con el advenimiento y desarrollo del internet, he podido ver todos los casi 200 episodios de su corrida original, y conectado con una comunidad global de fans (autodenominado MSTies, pronunciado “mistis”) Más importante que eso, sin embargo, fue descubrir que habían más fans de MST3K entre mis propios amigos. Uno de los cuentos recurrentes entre los MSTies es que la conexión que tienen con el show es más poderosa que con otras cosas en sus vidas precisamente porque se sienten que son los únicos que disfrutan de él entre su círculo inmediato, pensamiento que en ocasiones puede ser cierto pero generalmente resulta ser lo contrario. La colección de humor mordaz e inteligente que presenta MST3K lo hacen único en mundo, aún 30 años después. Tan único que su regreso, que finalmente fue distribuido por Netflix, fue financiado por fanáticos en lo que terminó siendo el Kickstarter más exitoso en las categorías de Cine y Televisón, recaudando $5.76 millones y produciendo 14 episodios nuevos con un elenco y equipo nuevo. Beaulieu y Conniff no fueron parte de la nueva iteración.

Si tienen la oportunidad de verlos en vivo, háganlo, que no se van a arrepentir. Es posible que en el futuro hagan algún lanzamiento de las películas que han usado en su gira, pero por el momento, verlos en persona es la única manera de presenciar esta magia.

—José “Pepe” Pesante

Los “Mads” están de vuelta was originally published in Cult Häus on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Comenzamos un nuevo año, y con el, una nueva iteración de nuestro podcast, Terror Entre Los Dedos. Este es también el primer episodio después del paso del huracán María por la isla, evento que cambiara totalmente nuestras vidas y trastocara la manera en la que producimos nuestros eventos y podcasts para ustedes.

Al presente, estoy relocalizado en la ciudad de Nueva York y estaré compartiendo reseñas y contenido desde acá por medio de esta página, además de continuar informándoles de nuevos trailers y noticias de importacia por Facebook.

Este episodio del podcast tiene como tema el cine de terror navideño, hablando de manera informal sobre unos cuantos “clásicos” que tuve la oportunidad de ver en teatros de la ciudad durante la temporada (Black Christmas, Christmas Evil, Silent Night, Deadly Night, y Don’t Open Till Christmas), además de hablar un poco sobre Better Watch Out, un nuevo filme de horror navideño que juega con el tropo del home invasion movie y le da un giro interesante.

También cubrimos la presentación del libro Yuletide Terror: Christmas Horror On Film And Television de la publicadora canadiense Spectacular Optical. El tomo, una excelentísima guía que debería formar parte de toda biblioteca del fanático de horror, está disponible para la venta directamente en el sitio de la publicadora.

La fundadora y editora, Kier-La Janisse, también fundó un grupo llamado Miskatonic Institute Of Horror Studies, con sedes en Montreal, Londres, y Nueva York, que crea clases sobre diferentes aspectos del género del horror y se comparten cada semestre en las diferentes ciudades. Durante este semestre, estaré asistiendo a estas clases para brindarles cobertura sobre este esfuerzo de diseminar conocimiento sobre el género de manera más académica.

Como siempre, pueden compartir sus comentarios aquí o en nuestra página de Facebook.

Terror Entre Los Dedos v2 ep1: Terror navideño was originally published in Terror Entre Los Dedos on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Sin más preámbulos, aquí lo más que me gustó de películas en el año que finalizó. La lista no está en orden específico.

The Disaster Artist (director: James Franco)

Desde que salió el primer trailer, imitando el “making of” de una icónica escena del filme The Room, esperaba que la adaptación del libro The Disaster Artist de Greg Sestero fuera algo especial. El libro relata la creación de lo que se considera uno de los peores filmes jamás hechos, cualidad que también le ha convertido en una de las más exitosas películas de culto modernas. Esperaba reírme, porque la original es famosa por ser involuntariamente graciosa en su seriedad. Lo que no esperaba, y lo que hizo que el filme pasara de simplemente bueno a algo fenomenal, fue el respeto con el que Franco encarnó a Tommy Wiseau. Sería fácil burlarse de el, después de todo es un individuo excéntrico y peculiar, fácil de ridiculizar. Franco, sin embargo, saca de Wiseau cualidades con las que podemos relacionarnos todos los que hemos deseado crear en grande. En Wiseau ves al eterno artista soñador, testarudo y decidido en su visión, ajeno a las críticas de su trabajo, sus excentricidades representadas pero no caricaturizadas. El Wiseau de Franco me habló, punto. Me llegó al centro, me conmovió, y salí de la sala de cine vigorizado y convencido de que al final, todo estará bien. The Disaster Artist es uno de los mejores biópicos sobre artistas que he visto, y más aún, una validación del “outsider art” importantísima.

The Devil’s Candy (director: Sean Byrne)

Esperaba con ansias este filme desde que vi su trailer, doblemente entusiasmado por ser el segundo del australiano Sean Byrne, cuya ópera prima The Loved Ones del 2009 mostró muchísima promesa en el campo del horror. En su nuevo filme, Byrne crea un sentimiento de terror genuino con las interpretaciones de Ethan Embry como Jesse Hellman, un pintor que, una vez se muda junto con su familia a una nueva casa, comienza a canalizar malévolas visiones en sus obras, y Pruitt Taylor Vince como Raymond Smilie, un amenazante asesino conectado a los hechos que viven Jesse y su familia. Mi aspecto favorito del filme es como Byrne utiliza el heavy metal como banda sonora altamente efectiva –notablemente la música del proyecto de drone/doom metal Sunn O)))– tanto en el formar parte intrínseca de la trama del filme, como el hecho de que el género no es desacreditado ni representado como fuerza negativa como en tantos otros filmes, sino como elemento de unión entre el personaje de Jesse y su hija Zooey (Kiara Glasco). Especialmente notable es la intensa actuación de Embry, un actor que comenzó su carrera con roles livianos y de poca envergadura, pero ha mostrado una creciente habilidad para cargar roles más fuertes. The Devil’s Candy es, sin duda, una de sus mejores interpretaciones, y debería abrirle más puertas a roles con mayor peso.

The LEGO Batman Movie (director: Chris McKay)

En el 2014, The LEGO Movie marcó un hito en la historia de “películas basadas en juguetes”. Entre otras cosas, la manera en la emula perfectamente la forma en la que los niños juegan, sin importar que personaje pertenece a qué universo, le brinda un encanto duradero que la hace sobresalir en el acaparado mundo de filmes animados. Siempre pensé que sería difícil mejorar, o al menos igualar, la magia de ese filme, pero The LEGO Batman Movie lo logra, imitando el mash-up de personajes de su predecesora, y aumentando su proporción de humor tanto para niños como para adultos. Y es a ese segundo demográfico que la película le dedica lo que pienso es su más efectiva arma secreta: su reverencia al universo de Batman. La manera en la que este filme balancea la parodia a los extremos más ridículos de los casi 80 años de historia del encapuchado, mientras también rinde homenaje a una de las mitologías más entretenidas y persistentes de nuestra cultura popular, es un logro en si mismo. Recuerdo que salí del cine pensando “esta es la mejor película de Batman que he visto en años”, y, luego de verla por segunda vez (y más importante, después de ver Justice League) sigo pensando igual.

Get Out (director: Jordan Peele)

Además de ser un excelente debut directoral para Jordan Peele, quien se dio a conocer como comediante en el duo Key & Peele, Get Out es sin duda una de las mejores películas de horror de los últimos tiempos, y una con el potencial de convertirse en clásico del género. Parte de una camada de filmes de años recientes que algunos denominan “smart horror”, Get Out trata el tema del racismo como pocas veces se ha traído a las pantallas de cine, al retratar, bajo una premisa fantástica, un tipo de racismo moderno que emerge de un lado más liberal de la sociedad norteamericana, del que se habla menos porque incomoda y polariza. La situación en la que se ve envuelto Chris Washington (interpretado con excelencia por el joven actor Daniel Kaluuya) es una que desde el principio te da ese sentimiento de que algo no anda bien, y te pone al borde del asiento. Ver Get Out se siente como ver un episodio de Black Mirror, o incluso una actualización de The Twilight Zone, donde Peele trabaja ese sentimiento de tensión creciente que impulsa la trama hacia uno de los desenlaces más intensos que vi en el cine este año pasado. A su vez, al trabajar tan diestramente un tema tan delicado, Get Out se siente sumamente refrescante, y definitivamente funcionó como una sacudida para el género.

Happy Death Day (director: Christopher Landon)

Si Get Out fue el lado intenso del terror del 2017, Happy Death Day fue el lado entretenido, y representa el mejor resultado del tomar tropos conocidos de cine de género y darles un nuevo giro. Con decir que mezcla el sub-género del slasher con la premisa de una película como Groundhog Day,tienes una idea básica de como va la trama del filme, pero hay aún más. Este trabajo de Christopher Landon se fortalece con la química y el talento de sus actores principales, los jóvenes Jessica Rothe e Israel Broussard. Rothe, como Tree, la víctima que revive constantemente el día de su muerte, lleva un arco de verdadera transformación por la duración del filme, mientras que Broussard complementa a Rothe con un encanto bien natural de boy-next-door, cargando un filme que fácilmente podía quedarse sin gasolina temprano a un satisfactorio tercer acto. Landon y su libretista Scott Lobdell crean una compacta, graciosa y súper entretenida película slasher post-Scream, que me crea sendas expectativas sobre sus trabajos futuros.

Baby Driver (director: Edgar Wright)

Hablando de expectativas, desde que se anunció la salida de Edgar Wright de la producción de Ant-Man de Marvel por “diferencias creativas”, muchos de sus seguidores esperaban ver cual sería su nuevo proyecto. Wright anunció su título, y luego estuvo por meses compartiendo fotos por los medios sociales sin contexto alguno, dando indicios y pistas sobre lo que sería Baby Driver. El día que la vi, recuerdo la sala de cine estar mucho más llena de lo que esperaba, y al llegar sólo encontrar que los asientos disponibles eran los de las primeras filas, esos que nadie quiere porque están muy cerca de la pantalla. Sin embargo, creo que esa proximidad me hizo salir absolutamente encantado de la sala. Me sentí envuelto en la historia de Baby (Ansel Elgort), e identificarme con su obsesión con la música y con su visión de amor repentino y predestinado con Debora (Lily James). Para mi, el libreto de Wright está casi rayando en realismo mágico, una continuación lógica de su trabajo en Scott Pilgrim Vs. The World, y la manera en la que integra la música en la acción del filme es simplemente preciosa.

IT (director: Andy Muschietti)

Esta fue posiblemente la película de horror más que esperaba del año, y me alegra que terminara siendo tan buena como resultó ser. Por años se ha creado una reverencia de parte de los fans del horror por la primera adaptación de este libro de Stephen King, la miniserie televisiva del 1990, primordialmente por la interpretación de Tim Curry como Pennywise. Si bien es cierto que esa actuación es una icónica, creo que su mayor poder yace en la nostalgia del que la vio en una edad más temprana y haya quedado marcado por el malévolo payaso. Yo no la vi cuando salió originalmente, aunque ya para esa edad (en el ’90 tenía 14 años) ya consumía una cantidad saludable de horror cortesía de los videoclubs cercanos a mi casa. Siempre me pareció una miniserie decente, pero con muchísimo más potencial. Así que, partiendo de no amar la adaptación original, y siendo siempre curioso por lo que nuevas adaptaciones traen a la mesa, esperaba esta versión con anhelo. Aunque existan cambios en la historia que provoquen la ira de los más acérrimos puristas de King, soy creyente de que cada medio tiene requisitos diferentes, y para mi esta versión, con todo y cambios, es un acierto total. El grupo de jóvenes actores que encarnan el Losers Club se siente genuino, te importa lo que le va a pasar a estos niños. El Pennywise de Bill Skarsgård tiene nada que envidiar al de Curry, creando una interpretación extremadamente efectiva y aterradora que de seguro se convertirá en icónica para esta generación. El IT de Muschietti es un rollercoaster ride del primer orden, solo esperamos que la secuela mantenga la calidad que se consiguió en ésta primera parte.

Wonder Woman (directora: Patty Jenkins)

POR FIN. El debut de Wonder Woman en el cine, la atrocidad llamada Batman v. Superman, nos demostró que ella era lo mejor de ese filme, y que DC tenía que darle su propio espacio para manifestarse. El resultado es una de las mejores películas de superhéroes del año y definitivamente la mejor película del universo fílmico actual de DC, y lo logra al abandonar el pesado y serio tono de los filmes de Zack Snyder, y emular algunos elementos de su competencia, Marvel. Patty Jenkins trajo a la pantalla grande a Wonder Woman con toda la majestuosidad que se merecía el personaje, entregando un espectáculo entretenido, con un tono positivo y de esperanza. Las dudas que se tuvieran de la capacidad de Gal Gadot de cargar el personaje quedaron disipadas. Ella ES Wonder Woman.

Logan (director: James Mangold)

La mejor película del universo de X-Men después de X2. Después de haber visto a Hugh Jackman ser Wolverine por 17(¡!) años, cierra con broche de oro su carrera como el mutante de las garras de adamantio. Y que cierre: tomando parte en un futuro donde los mutantes han dejado de existir, Logan debe proteger a una niña que ha sido creada a su semejanza, mientras también sirve de cuidador a un anciano Charles Xavier (Patrick Stewart). La niña que interpreta a la pequeña mutante X-23, Dafne Keen, tiene todo el potencial para continuar con el legado de Jackman en un papel así. Un excelente ejemplo de como hacer cine de superhéroes para adultos sin insultar la inteligencia del público con melancolía innecesaria (que alguien le avise a Snyder, por favor).

Star Wars: The Last Jedi (director: Rian Johnson)

The Last Jedi está en esta lista, más que por su calidad como película –que creo es muy, muy buena– por su habilidad para dividir a los fanáticos más empedernidos de la saga Skywalker. Ha sido interesante, por no decir divertido, ver la cantidad de personas absolutamente ofendidas por esta película. Demasiadas palabras se han escrito en internet sobre los pros y los contras de este filme, y lo único que me gustaría a mi aportar es que admiro la increíble fortaleza testicular que conlleva el hacer los cambios que Johnson inyectó en la franquicia con esta iteración. Mi otra razón para incluirla en esta lista es que la vi cuando me mudé a la ciudad de Nueva York, y ha sido la primera película que vi en la pantalla IMAX de Lincoln Square en Manhattan, y eso fue una experiencia espectacular que jamás olvidaré.

Better Watch Out (director: Chris Peckover)

El final del año trajo una última sorpresa en el campo del horror, un pequeño filme llamado Better Watch Out, que al igual que Happy Death Day, juega con el tropo del sub-género del home invasion, como también del bait-and-switch en su trama. El director Chris Peckover junta a un joven elenco –liderado por Olivia DeJonge como Ashley, la babysitter en peligro, y a Levi Miller como Luke Lerner, el chico siendo cuidado por la susodicha– en una película que utiliza la temporada navideña como marco para una serie de atrocidades embadurnadas en un humor bien negro. Es el tipo de filme que no es para todas las sensibilidades, pero aquellos que disfruten del horror, del humor negro y de películas que invierten las expectativas, no se la deben perder.

Mayhem (director: Joe Lynch)

Otra sorpresa de final del año fue Mayhem de Joe Lynch, cuya premisa podría resumirse como una mezcla de Office Space con The Purge y no estás muy lejos de la verdad. El filme, protagonizado por Steven Yeun (Glenn en The Walking Dead) y Samara Weaving, está repleto de violencia estilizada y humor negro (poniendo en evidencia un patrón en mis gustos de cine) y terminó siendo distribuida directamente a VOD. Una pena, porque pienso que pudo ser una buena experiencia en una sala de cine repleta de gente deseosa de ver algo sangriento y divertido. Muchos la han comparado con The Belko Experiment, escrita por James Gunn, que salió también a principios de año, pero mientras ambas tienen violencia en un ambiente de oficina y un humor sardónico, Mayhem sobresale por utilizar muchísimo mejor su premisa.

Kingsman 2: The Golden Circle (director: Matthew Vaughn)

Esta secuela a la excelente comedia de acción del 2014 se colocó entre mis favoritas del año gracias a lo que llamaría el “efecto más”. Una secuela, casi por obligación, deber ser “más” que su predecesora: más intensa, tener más acción, más comedia, más stunts, tiene que haber más en juego, y hasta ser más absurda. Kingsman 2 cumple con todas esas expectativas, amplificando todos esos elementos en una orgía de comedia y acción que continúa parodiando el género de los filmes de espionaje con muchísima efectividad. El desarrollo de personajes de la primera película como Eggsy (Taron Egerton) y Merlin (Mark Strong) ayuda a presentar momentos de más sentimiento, aún cuando el tono prevalente es uno irreverente. Esa irreverencia está más evidenciada con todo lo que compete a Poppy Adams (Julianne Moore), una caricatura grotesca de villana a la cual Moore se entrega con felicidad. La introducción de la contraparte norteamericana de los Kingsman, los Statesman, amplía el universo de estos personajes y nos prepara para las inevitables filmes derivados de ahí. El momento en el que vi Kingsman 2 también ayudó a colocarla en mi lista, ya que fue la primera película que vi en el cine luego del paso del huracán María, y después de esa experiencia traumática, lo único que quería era algo inverosímil que me distrajera de la mierda de realidad que estaba viviendo, y esta película lo hizo a creces. Más no siempre significa mejor, y en el caso de Kingsman 2 es posible que no lo sea, pero a veces más solo tiene que ser “más”, y a veces, eso es lo que necesitas.

Atomic Blonde (director: David Leitch)

Finalizando la lista, Atomic Blonde es otra de esas adaptaciones que toman sólo lo necesario de su material original para hacer de su transición a un nuevo medio una súper efectiva. En este caso, se trata del cómic The Coldest City, historia de espionaje con la caída el muro de Berlín como fondo y escenario, que en términos de acción tiene prácticamente nada que ver con este filme. Dirigida por David Leitch, ex-stuntman y coreógrafo de escenas de pelea y acción, y viniendo de co-dirigir John Wick, otra incursión en el mundo de la violencia hiperestilizada y precursora espiritual de este tipo de violencia visual, Atomic Blonde tiene estilo a chorros para parear con la década en la que está basada, los ochentas: desde su paleta de colores neones y su selección musical, hasta las impecables coreografías de las escenas de pelea. Charlize Theron domina por completo este filme, y se consagra como protagonista de acción después de su estelar entrega en Mad Max: Fury Road. El resto del elenco, de los cuales resaltan James McAvoy, John Goodman, Sofia Boutella y Eddie Marsan, complementan excepcionalmente el trabajo de Theron. Una entrada sumamente efectiva en los libros de historia del cine de acción.

Mención especial: Thor: Ragnarok (director: Taika Waititi) / Spider-Man: Homecoming (director: Jon Watt) / Guardians of the Galaxy Vol 2 (director: James Gunn)

Los 3 filmes que Marvel Studios lanzó en el 2017, se podría argumentar, son excelentes entradas dentro de los arcos de sus respectivos personajes principales, mientras que continúan pavimentando el terreno para el gran evento que será Infinity War en mayo del 2018. Cada una de estas películas se caracterizó por balancear sólidos tramas, humor, y corazón, manteniéndose accesibles a nuevos fanáticos y complaciendo a muchos de los que llevan haciendo de las historias de Marvel sus favoritas desde niñez. Cada filme, también, tuvo importantes repercusiones en las representaciones cinematográficas de sus titulares héroes: Thor, que tradicionalmente ha sufrido de pobre acogida en sus películas en solitario, encontró su groove en el humor y la explosión de color que Taika Waititi le inyectó a su filme, fácilmente el mejor de su trilogía; Spider-Man: Homecoming finalmente trajo al arácnido al universo Marvel de manera inteligente, sin tener que mostrarnos su historia de origen una vez más, y de la mano de un Tony Stark proveyendo consejo como la figura paternal que Peter Parker necesita en su vida; mientras que Guardians of the Galaxy Vol. 2 trabajó el momento más emotivo en una película de cómics en el año con el arco de Peter Quill, Ego y Yondu. En serio, me ha sacado lágrimas cada vez que lo veo.
A estas alturas, Marvel es prácticamente intocable, y con infinidad de filmes planificados de aquí hasta que el sol se apague, tendremos superhéroes por buen tiempo…o hasta que dejen de hacer dinero.

Mis favoritos del 2017, parte 2: Cine was originally published in BajoCriterio on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Quise esperar hasta el último día del año para hacer mi lista de la música y películas que más disfruté en el 2017. La cantidad de medios que consumimos en tiempos modernos hacen casi imposible ponerse al día con todo lo que sale en TV, cine, música, libros, cómics, etc, y esperar hasta el último día me parece lo más sensato. Además, era costumbre en Frecuencias Alternas que hiciéramos las listas de lo más relevante del año una vez ya acabado, para así poder incluir releases de diciembre que tradicionalmente son ignorados en las listas de lo mejor del año. Sin más preámbulos, aquí lo más que me gustó de música en el año que finalizó. La lista no está en ningún orden específico.

Música

Paradise Lost — Medusa

El cliché del “return to form” en los artistas musicales es un poco cansón, pero el arco que los discos de Paradise Lost ha tenido es bien interesante, y en su decimoquinto disco, la banda suena más pesada, “doom-y” y oscura que en años, con excelentísimos riffs de guitarra y una de las mejores interpretaciones vocales de Nick Holmes. (De hecho, buenos riffs de guitarra son parte de muchos de mis selecciones del año.)

Queens of the Stone Age — Villains

QOTSA se junta con Mark Ronson de productor y hacen uno de los discos más consistentes y divertidos de su carrera. De nuevo, unos riffs deliciosos, sobre todo en las canciones de la segunda mitad del album. The Evil Has Landed y Villains of Circumstance son mis favoritas, mientras que una canción como Fortress se coloca en mi selección de canciones de QOTSA que me llegan profundo.

Zeal & Ardor — Zeal & Ardor

Tuve oportunidad de escuchar este disco en el 2016 cuando salió de manera independiente. Entonces, en el 2017 lo firmó una disquera y lo desaparecieron del internet justo cuando el buzz sobre el disco estaba creciendo a pasos agigantados. Valió la pena esperar ese poco tiempo para poder volver a tenerlo disponible. Es una de las grabaciones más fascinantes en años, mezclando la vibra de los spirituals de afroamericanos con black metal y elementos de música electrónica. Es bien difícil explicar lo especial que es esto sin que lo puedan escuchar, así que aquí está. No te lo pierdas.

Circle — Terminal

Esta banda experimental finlandesa está en mi radar desde el 2006, y, con una discografía demasiado extensa, confieso se me ha hecho difícil mantenerme al tanto de lo que sacan. Gracias a Alfredo Richner de Puerto Rico Indie, supe que sacaron disco nuevo, el fenomenal Terminal, que continúa con las ideas expansivas de Circle de mezclar rock pesado con elementos de psicodelia de una manera sumamente efectiva y entretenida, en esta ocasión lanzando desde garage rock hasta metal tradicional épico a la olla. Soy amante del rock que usa la repetición y el efecto drone-y como un aspecto meditativo, siento que enlaza estas producciones modernas con los principios milenarios de la música como medio de comunicación del aspecto espiritual del ser humano. Excelente disco para audífonos.

Godflesh — Post Self

Los discos nuevos de Godflesh siempre traen elementos bien interesantes, y Post Self no es la excepción. El album más reciente de la banda más influyente de Justin Broadrick se nutre de los experimentos que ha estado haciendo por años en sus otros proyectos como Jesu, JK Flesh o Pale Sketcher, explorando el lado más industrial y post-punk de sus influencias. Aún siguen sonando como si te cayera un saco de ladrillos encima, sólo que esta vez el saco se menea con ritmo mientras se precipitan hacia tu cara y los ladrillos pesan un poco menos, pero igual te destruyen por completo.

All Them Witches — Sleeping Through The War

Trato de recordar cuando fue que descubrí All Them Witches pero no logro dar con la fecha. No importa, en realidad. Lo que me encanta de ellos es que tienen la habilidad de integrar elementos dispares en sus discos y todo fluye e manera preciosa. Desde stoner rock y psicodelia hasta blues, folk y surf, esta gente lo hace todo con una gracia y facilidad que no es tan común en el rock actual. El rock movido de canciones como Bruce Lee, o la épica conclusión del album, Internet, hacen de este disco una delicia para los fans del rock moderno. Si no estás escuchando esto, no estás en ná.

EX EYE — Ex Eye

Años de escuchar King Crimson, Frank Zappa, música industrial y jazz experimental me han hecho adorar la música que se toma riesgos y expande el vocabulario de sus respectivos géneros. El quarteto Ex Eye fue fundado por el saxofonista Colin Stetson, un músico que se caracteriza precisamente por empujar esos límites en los trabajos que hace. Hay algo sobre el saxofón en contexto de rock experimental que me fascina de sobremanera, no puedo ni explicar porqué pero ese “skronk” me excita la mente. ¿Que qué es “skronk”? Déjame mostrarte esta cita que lo define perfectamente:

One of the greatest words ever coined by a music writer is “skronk,” attributed by Lester Bangs to fellow critic Robert Christgau. Basically referring to any music with guitars (or these days sax, synth or any technology that comes to hand) that sounds like sheet metal being attacked alternately with dentist’s drills and chainsaws, its strength and resilience lies in how the word embodies an admission of language’s failure. “What does it sound like?” “Well, it’s got these crazy guitars and they just go, ‘SKRONK!’ ” Skronk isn’t a genre, it isn’t a pigeonhole, it is not a thing you are: It is a thing you do.

Por eso, Ex Eye te trae un poco de ese “skronk” y debes dejarlo entrar a tu vida.

Avandra — Tymora

Una de las sorpresas más agradables del 2017 fue descubrir este proyecto puertorriqueño. Ese momento donde escuchas algo que llega a tus oídos y se planta en tu mente, y te preguntas cosas como “¿De donde salieron? ¿Por qué no los había escuchado antes?”, y luego te contestas tu mismo que no importa: que el tiempo es ahora y salieron del centro de donde sale toda la buena música que te toca el alma y te hace feliz. Este disco de metal progresivo de mi isla hace exactamente eso, y no puedo esperar a escuchar más de ellos. En un mundo perfecto, esta gente serían estrellas en el campo del rock progresivo. Fácilmente uno de los debuts del año para mi.

Violet Cold — Anomie

El siempre sabio Rafa Bracero recomendó esta banda, y desde que la escuché no abandonó mi mente. El fenómeno del “one-man black metal band” está ya un poco trillado pero la manera en la que Emin Guliyev, de Baku, Azerbaján, crea estas canciones es digno de admirar. Aquí hay lo que fácilmente puede ser nombrado un masterpiece moderno del subgénero del blackgaze aka black metal con infuencias de shoegaze. Y es que Anomie tiene mucho más que eso. Un fino balance entre agresión y pesadez (no “pesadera”, aunque si tiene sus momentos heavy”), elementos folklóricos, y melodías melancólicas le dan a esta obra una profundidad que hace tiempo no disfrutaba en un disco “heavy”. Altamente recomendado.

The Bug & Earth — Concrete Desert

A primera vista, la mezcla de The Bug, proyecto electrónico de Kevin Martin, que se caracteriza por sus abrasivos ritmos que coquetean con el dubstep y el grime británico, y Earth, legendario proyecto drone/doom de Dylan Carlson, puede sonar extraña. Entonces escuchas Concrete Desert y hace perfecto sentido. Estos 13 cortes funcionan como una alucinatoria banda sonora para un viaje a un desierto post-apocalíptico, donde el drone y la repetitiva presencia de las guitarras de Carlson es complementado por las camas sintetizadas y fríos ritmos electrónicos de Martin. Añade al junte manipulaciones por Justin Broadrick en su modalidad de JK Flesh, y sin duda tienes música para viajar, lejos y sin rumbo fijo.

La Iglesia Atómica — La Iglesia Atómica

El “comeback” del año. El pana Agustín Criollo resucitó su banda de stoner rock psicodélico justo a tiempo, retornando en un momento donde su particular sonido es parte de una robusta escena subterránea mundial, a diferencia de hace 20 años cuando cesaron de tocar, donde el stoner rock todavía no despuntaba como género. Es un regreso verdaderamente prodigioso, de músicos que durante ese tiempo de hibernación no perdieron su tiempo y alimentaron sus destrezas musicales, las cuales traen a la mesa en su nueva encarnación. Aquí hay tanto alimento para los oídos y la mente, sonidos que evocan desde riquísimas excursiones hacia el corazón de galaxias lejanas, hasta el sentimiento de conducir tu “muscle car” favorito a 90 millas por hora en una carretera sin final. Rock sólido que te transporta. Mejor aún, si tienes la oportunidad de verlos en directo, hazlo. No te vas a arrepentir.

Merkabah — Million Miles

La misma idea detrás de mi gusto por Ex Eye aplica para este proyecto de Polonia. La presencia del saxofón dentro del contexto de rock progresivo y experimental sigue enamorándome. En este caso, Merkabah se inclina más hacia el lado del progresivo y quizás hasta el jazz en ocasiones, con momentos más contemplativos que se acercan al post-rock. Este disco y su anterior, el también excelentísimo Moloch son verdaderas joyas modernas para mi. ¡Más “skronk”, por favor!

Doktor Zaius — Greatest Hits Vol. III

Mi otro debut favorito del 2017, aún cuando estuve dándole pela a esta grabación desde el 2016 gracias a tener acceso a ella por Frecuencias Alternas. De Doktor Zaius sólo puedo decir que su música me recuerda al amor que tengo al tipo de funk rock divertido que se popularizó a principios de los 90 y que el nu-metal mató, de la mano de una experimentación y coqueteo con muchas otras vertientes que se siente están “bubbling under the surface”. Si sientes que hace cada día más falta la diversión en un campo musical donde todo el mundo se toma muy en serio, y en un mundo real donde hace falta más levedad y menos pesar, el Doktor tiene la receta perfecta para ti*. No puedo esperar a escuchar nueva música de esta banda.

*Sorry, no podía cerrar el escrito sin un cliché de “reseña”.

Mis favoritos del 2017, parte 1: Música was originally published in BajoCriterio on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.