A exposição é formada por mais de 250 objetos de mais de 50 artistas diferentes e empresas industriais do século 20, que representam o surgimento do estilo "streamline" e da profissão do designer industrial.

O contexto da crise econômica de 1929 nos EUA levou aos produtores das fábricas a investir em em um novo visual dos produtos a fim de regulamentar o mercado dos bens de consumo; com isso, os profissionais que antes só atuavam no fim do processo para "embelezamento" dos objetos, agora teriam a função inicial de projetar algo criativo e esteticamente interessante, sem prejudicar ou perder a funcionalidade dos produtos, com o objetivo de aumentar as vendas.

Muito interessante é o fato de que a introdução de princípios aerodinâmicos nos veículos da época acabaram por estender-se para todos e quaisquer tipos de produtos, sendo assim, é possível notar as formas arredondadas, peças metálicas e longilíneas na maioria dos objetos, que apesar de terem estilos e formatos muito diferentes, acabam por conter certas características semelhantes.

Fiquei impressionada com a variedade de versões de um mesmo objeto, além de que muitas vezes não era capaz de decifrar a sua utilidade se não fossem pelas legendas. Por esse motivo, uma das explicações encontradas na exposição foi que muitas das críticas do estilo na época eram devido ao fato de que as suas características representavam "um maneirismo imposto com pouca atenção à função mecânica". Porém, eu particularmente aprecio muito a arte do design e acho de extrema importância a aparência estética do produto quando esta não vem a prejudicar sua funcionalidade.

A maioria possui um visual bem futurista até mesmo se comparados com os objetos atuais. Gosto muito da mistura de materiais, das cores vibrantes e das formas fora do comum dos objetos, pois cria um ambiente interessante e criativo e realmente chamam a atenção (fiquei com vontade de ter muitos deles na minha casa).

Admiro muito a ideia otimista do estilo com relação à época e a fase difícil da economia em que os países se encontravam e acho que o design descobriu nessa nova profissão uma ótima solução. "Independente do uso a que se destinavam, os objetos ganharam formas arredondadas que remetem a velocidade e modernidade, representando a promessa de um mundo melhor, um futuro promissor em contraposição à devastadora crise, da qual o país começava a se recuperar."

http://www.mcb.org.br/pt-BR/programacao/exposicoes/exposicion-design-aerodinamico-metafora-do-futuro

Além disso, o que aprecio muito nos designers é capacidade de expressar as características da época por meio da sua linguagem artística. O fator da industrialização e o surgimento das tecnologias da foram evidentemente refletidos nas peças, que simbolizam a velocidade, o progresso, a eficiência, o dinamismo, a energia e o avanço tecnológico.

ONDE: Museu da Casa Brasileira ( Av Brigadeiro Faria Lima 2705)

QUANTO: R$ 10,00
R$ 5,00 (meia entrada)
Gratuito aos sábados, domingos e feriados.

QUANDO: Terça a domingo, das 10h às 18h

ATÉ: 03.06.2018

• Museu da Casa Brasileira - MCB
• Design aerodinâmico é tema de exposição em São Paulo

Urban Pro é o projeto do estudio anacã do qual faço parte, junto com outros bailarinos e quatro coreógrafos que, todas segundas, quartas e sextas feiras, se reunem para praticar o estilo do “jazz funk”. É voltado somente para profissionais que querem se especializar ou que querem ingressar esse mercado artístico. O curso vai muito além de aprender coreografias, possuímos um preparamento físico e realizamos atividades experimentais e teatrais ao longo do curso, a fim de aprofundar e agregar à expressão corporal e desempenho técnico.

No ano de 2017, as experiências vivenciadas no projeto resultaram na iniciativa de produzir uma apresentação de final de ano um pouco diferenciada. Em homenagem ao cineasta Stanley Kubrick, optamos por utilizar como tema e referência para o espetáculo, seu filme “De olhos bem fechados”, tanto pelo seu conteúdo crítico, quanto estético.

O filme tem uma abordagem sexual que pode ser muito comparada e desenvolvida pela prática da dança, que muitas vezes provoca um olhar preconceituoso. Também discute a questão do relacionamento, da fidelidade, das perversões e das concepções de prazer, criticando uma sociedade que vive das aparências e possui um comportamento hipócrita (motivo de uso de máscaras nos encontros secretos que o protagonista se aventura a comparecer no filme).

O espetáculo buscou traduzir algumas cenas do filme com a arte da dança e da interpretação cênica, mantendo sua intenção de crítica e peso emocional, por meio do uso de uma trilha sonora elaborada com os temas do filme e claro, da expressão corporal. O elenco possuiu por volta de 20 bailarinos e os ensaios começaram no mês de agosto.

A maior dificuldade no processo de criação foi tratar do tema do filme de forma esteticamente moderada e delicada, para que não repudiasse o publico, a interpretação e a coreografia não poderiam ser vulgares ou exageradas. Para isso, realizamos diversas dinâmicas e “imersões” tanto teatrais quanto de performance de atividade física como o uso do desgaste corporal ou estímulos que facilitassem a imaginação, para desenvolver as texturas dos movimentos de acordo com a musicalidade e a intenção da mensagem visual.

A análise do filme e as referências das cenas foram fundamentais para a incorporação do personagem. Além disso, visualmente, a composição coreográfica, os figurinos e a iluminação foram pontualmente planejados a fim de gerar a atmosfera necessária para os bailarinos e consequentemente fornecer uma experiência interessante e/ou prazerosa ao espectador.

O resultado final no palco, do ponto de vista da minha vivência como bailarina, foi uma síntese de toda a preparação em um só instante, e me passou a sensação de que naquela hora, no palco, estávamos teletransportados à um lugar completamente diferente de qualquer outro que já havíamos estado, emoções e sentimentos que não tinham sido sentidos antes em nenhum ensaio. É importante ressaltar que o público é um fator muito importante e influente na performance, mas antes disso, a conexão estabelecida entre os bailarinos, coreógrafos, interpretes e a entrega, confiança e dedicação ao trabalho e a vontade de realiza-lo da melhor forma possível, é o que torna possível a experiência substancial e única.

Fidelio: cinema no palco was originally published in Iandé on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.