Meu nome é Oronides Sarnei de Oliveira. Nasci em Valão, aos 21 de agosto de 1935. Em Valão, comecei, a partir dos sete anos, a estudar numa escolinha. Quando saí da escola, fui para a Estação de Valão, para a aprendizagem da telegrafia. O tempo foi passando, e eu tinha muita facilidade para aprender o serviço telegráfico. Com 12 anos, eu já estava quase completo nos serviços de telex, agência, conferência e bilheteria.

O agente de Sucanga se interessou muito pelo meu serviço e me chamou para trabalhar lá, onde fiquei por dois anos. Posteriormente, o gerente de Caporanga também se interessou por mim. Acabei indo para Caporanga, onde fiquei até receber ordem para vir fazer um teste em Teófilo Otoni. Passei, então, a ser funcionário da Rede de Estação Bahia-Minas, já com 17 anos. Dali, fui para uma base aérea, chamada “Campo de Aviação”, onde permaneci por um mês, substituindo um agente de lá. Acabado o meu tempo de substituição, voltei a Teófilo Otoni e continuei trabalhando lá. Às vezes, eu saía da cidade quando eles precisavam de mim para alguma substituição de agente telegrafista. Já substituí em estações como Brejaúba, Novo Cruzeiro, Ladainha, Presidente Pena, Mairink, Xarqueada, Argolo, Juerana, mas meu posto era em Teófilo Otoni. Aos 22 anos, fui transferido para Ponta de Areia, onde trabalhei por quatro anos. Em seguida, voltei para Teófilo Otoni, mas sempre com o serviço de telégrafo.

A estrada de ferro era uma coisa muito bonita. No tempo em que trabalhei na Bahia-Minas, era tudo certinho: havia os maquinistas, os guardaceiros e os fundistas. As locomotivas eram muito boas, um dos meios de transportes mais baratos. A região era muito alegre com a Bahia-Minas. Ela vinha de Caravelas a Araçuaí.

Todo dia, saía o trem de prefixo M3, de Teófilo Otoni a Araçuaí, passando por por Sucanga, Caporanga e Ladainha. Retornava como M4. Saía de Araçuaí e ia até Teófilo Otoni. De Teófilo Otoni, saía para Ponta de Areia com prefixo M2. Saía de Teófilo Otoni, passava por São João, Bias Fortes, Francisco Sá, Mangalô, Presidente Pena, Carlos Chagas, até chegar a Ponta de Areia.

Era uma coisa em que a gente tinha prazer em trabalhar. Nós tínhamos um gráfico onde anotávamos a chegada e a partida do trem, em cada estação. A estação era obrigada a nos chamar quando o trem ia sair. Diziam: “Trem com prefixo M1 chegou aqui às 3h20 e partiu às 3h25.” Outra hora: “Trem M1 chegou às 6h40 e partiu às 6h55. A demora foi por carga e descarga de lenha e água.” E assim ia seguindo. Na Bahia-Minas, tudo era bem manipulado, porque a gente fazia tudo certinho. Em Teófilo Otoni, ficavam as chefias: Chefe de Tráfego, Chefe do Movimento, Chefe da Linha, Diretoria de Telégrafo… Era uma coisa bem organizada.

Havia os trens que transportavam passageiros e cargas: eram os chamados “FC’s”. O FC15, por exemplo, saía de Teófilo Otoni para Araçuaí. Voltava como FC16. Naquele tempo, havia muito café em Valão. Por isso, era deixado na cidade um vagão vazio. Quando o trem voltava como F16, pegava o vagão carregado de café limpo e trazia para Teófilo Otoni. Até que não havia muito passageiro, não. Pela Bahia-Minas, a pessoa viajava mais barato. Ia o trem de passageiro, a locomotiva e o carro-bagageiro, onde se podia colocar muita mercadoria a preços baixos. Além disso, podia-se contar com aquele transporte todo dia. A não ser sábado e domingo, tinha M3 indo e M4 voltando todos os dias. O centro era Teófilo Otoni. Saíam trens para Araçuaí e para Ponta de Areia.

De Caravela para Ponta de Areia, costumavam ir pessoas e cargas pequenas, como peixe. Lá, ancoravam navios que eram carregados com madeira bruta, que vinha de Aimorés, Argolo e Artur Castilho. Aquilo era tudo mataria. O Areriacararí era um navio de dois ou três porões, que saía pendendo de madeira. Tinha as pitombas, lugares que eram enchidos com madeira bruta. Em cada balcão daqueles, trabalhava-se com pranchas dia e noite, descarregando. Havia uma pessoa que ia emendando as toras em cordas, para embarcar nos navios.

Quem mandava mercadorias podia requisitar um, dois, três, quatro, seis ou dez vagões. Dependendo do movimento, mandavam um trem de carga. O que quer que requisitassem, a Bahia-Minas transportava. As máquinas eram a lenha e vapor. As mais potentes eram chamadas “elefoas”. Somente após a eleição de Dr. Portela, quando Dr. Oscar assumiu o cargo de diretor, é que se conseguiu colocar máquina a óleo na Bahia-Minas. Muitos maquinistas foram treinados para conduzir a máquina. Funcionou por um tempo assim, mas, por motivos políticos, ele teve que sair. Dr. Oscar era telegrafista também. Entendia o Código Morse de “barra à cabeça”. Era bom no serviço de telégrafo. Quando ele queria mandar alguma mensagem, pedia licença e ele mesmo transmitia e recebia.

No serviço de telégrafo, eu trabalhava recebendo telegramas. Por exemplo, em Ponta de Areia, vinha muito telegrama de Alcobaça e de todo ponto da Bahia para Teófilo Otoni. O telegrama era recebido em Ponta de Areia e, de lá, era transmitido para Teófilo Otoni.

O Código Morse é um abecedário do A ao Z, que obedece a pontos e linhas. A gente tem que decorar os pontos e linhas, aprender a manipular as letras e grava-las no ouvido. Daí, então, a gente ia formando nomes. Começávamos formando nome pequeno, como “Maria”, “Ana”, “João”, para irmos aprendendo. E, dentro do código, havia os sinais com letras acentuadas, cedilha, os “aos”, “ao”, “ch”, entre outros. Por exemplo, para se escrever “João”, colocava-se apenas os sinais de “J” e “o” e já se tinha o código para “ão”, não precisava digitar “a” e “o”. A gente se sentava numa cadeira, recebia cerca de 100 a 200 telegramas e transmitia cerca de 200 a 300 telegramas por dia, com plantão das 19 às 7 da manhã.

Havia as linhas diretas e as intermediárias. A linha que passava por Pedro Versiani, São João e Bias Fortes era intermediária. Já a de Francisco Sá e Carlos Chagas era linha direta. Pampam, Xarqueado e Mairink eram estações coletadas por Nanuque. De Nanuque, eu era avisado em Teófilo Otoni, estação sede, sobre quem passava na estação. Eu trabalhava nas linhas até a Bahia e também na de Teófilo Otoni a Araçuaí, onde tinha linha direta para Ladainha, Novo Cruzeiro e Araçuaí. Nesses lugares, eu me comunicava por telefone e telégrafo. A maioria dos telegramas eram mensagens de gente que estava trabalhando. Por exemplo, se um trem ia chegar em Novo Cruzeiro, eu chamava o agente no Novo Cruzeiro:

- Novo Cruzeiro!
- Diga.
- Aqui, tem três telegramas.
- Manda.

Então, eu transmitia, de Teófilo Otoni, o telegrama com número, conteúdo, data, hora, remetente e destinatário. Geralmente eram avisos dos chefes do Tráfego, do Movimento e da Linha. Quando acontecia um descarrilhamento, o Chefe de Trem subia em um poste, ligava o sibilar, tocava aquilo e saia no telégrafo, conectava ao telefone e já sabia o que era. Avisava: “Trem descarrilhou no quilômetro tal; vai precisar mandar guarda-freio, maquinista e máquina para prestar socorro.” Então, a gente providenciava aquilo tudo de noite, mandava um contínuo que trabalhava comigo atrás do maquinista. Acordavam o Chefe de Movimento, o Chefe da Linha e a Diretoria. Era uma coisa muito bem organizada.

A Bahia-Minas acabou por um problema que ninguém sabe. Dizem que foi por um determinado deputado que anunciou que a renda dela não dava para pagar os funcionários. A renda era pouca. O tempo foi passando, e eu fui trabalhando em Teófilo Otoni. Quando a gente desconfiou, anunciaram que a Bahia-Minas ia ser extinta. Isso há, aproximadamente, 20 anos. Na ocasião em que a Bahia-Minas foi extinta, a Tereza Cristina também foi extinta do mapa. A Bahia-Minas foi se acabando. Eles foram arrancando os trilhos e mandando aquela sucataiada em carretas, que levaram tudo para Belo Horizonte. As estações continuam, como em Ladainha, Caporanga, Sucanga e Valão.

Eu me lembro de muitos colegas que tive, hoje quase todos falecidos. Eu tinha um grande amigo chamado Hivécio Costa. Ainda tenho um colega vivo, que se chama Orobabel e trabalha no Vale do Mucuri. Depois da telegrafia, eu não procurei outro serviço. O Chefe da Funai me chamou para eu trabalhar numa área indígena, onde levaram a maquininha para os índios. Eu não aceitei, porque já era aposentado. Isso foi há pouco tempo. Hoje, até sonho com a Bahia-Minas. Às vezes, quando estou deitado, sonho que estou mexendo com aquele serviço, recebendo e transmitindo telegrama.

Conheça a história da Ferrovia Bahia-Minas

“A E. F. Bahia a Minas começou a ser aberta em 1881, ligando finalmente Caravelas, no litoral baiano, à serra de Aimorés, na divisa com Minas Gerais, um ano depois. Somente em 1898 a ferrovia chegaria a Teófilo Otoni, e em 1918, a Ladainha. Em 1930 atingiu Schnoor. Em 1941, chegou a Alfredo Graça, e, em 1942, chegou em Arassuaí, seu ponto final definitivo. A ferrovia originalmente pertencia à Provincia da Bahia; em 1897 passou a ser propriedade do Estado de Minas Gerais, para, em 1912, passar a ser administrada pelos franceses da Chemins de Fer Federaux de L’Est Brésilien (por algum tempo). Em 1965, foi encampada pela V. F. Centro-Oeste e finalmente extinta em 1966. Embora tenha havido planos para a união da ferrovia com a Vitória-Minas, tal nunca ocorreu e ela permaneceu isolada”.

Veja a letra da música “Ponta de Areia”, de Milton Nascimento e Fernando Brant, que fala da ferrovia Bahia-Minas:

Ponta de Areia
Milton Nascimento, Fernando Brant

Ponta de areia, ponto final
Da Bahia a Minas, estrada natural
Que ligava Minas ao porto, ao mar
Caminho do ferro mandaram arrancar
Velho maquinista com seu boné
Lembra o povo alegre que vinha cortejar
Maria Fumaça, não canta mais
Para moças, flores, janelas e quintais
Na praça vazia, um grito, um ai
Casas esquecidas, viúvas nos portais

Matéria escrita originalmente para o site Escritório de Histórias, em 2007.

Figurinhas, pop-cards, bottons e muitas lembranças de ícones da infância dos anos 80 compõem o livro “Álbum de Figurinhas”, elaborado por Liliana Kelly dos Santos como projeto de conclusão do curso de “Desenho Industrial — Programação Visual” da Escola de Design da Universidade do Estado de Minas Gerais (UEMG). Um reconhecimento desse projeto foi a sua seleção para ser apresentado no “R-Design”, encontro regional anual dos profissionais da área e graduandos, que aconteceu entre os dias 4 a 8 de dezembro de 2004, em Florianópolis, Santa Catarina.

O livro é um memorial da década de 80, elaborado a partir de pesquisas e entrevistas, que tem um layout de álbum de figurinhas. Traz notícias, novidades, registros, e o próprio formato de álbum já é uma forma de resgate da infância anos 80, bem como os bottons, as camisetas e os pop-cards que acompanham o memorial. “Quis fazer um projeto de graduação voltado para a linha editorial, que é uma área que gosto. Escolhi a infância dos anos 80 por achar que a infância e a juventude de hoje perderam muita referência como programas televisivos, música e brinquedos, em relação àquela década. Como o designer trabalha com a questão da marca e da mídia, resolvi juntar as duas coisas, além de trabalhar com a memória, com o revival das pessoas. É como uma colcha de retalhos que fui tecendo”, conta Liliana, conhecida por Lili.

Além do reconhecimento por ter sido um trabalho escolhido para participar do “R-Design”, Lili percebe o interesse das pessoas que o lêem e que, muitas vezes, demonstram o desejo de comprá-lo. “Na verdade, o livro não é visto da mesma maneira. Cada pessoa o vê de uma forma diferente. Não é como um livro científico, em que todos que o leem têm a mesma sensação. Com o “Álbum de Figurinhas”, cada pessoa tem uma reação diferente, porque ela vai relacioná-lo com a vida dela, com as suas memórias. O livro é apenas uma maneira, dentro do design gráfico, de levar a pessoa a relembrar o que ela viveu”.

A infinitude da memória

Neste ano, o “R-Design” trouxe como tema o infinito, que veio ao encontro da proposta do projeto “Álbum de Figurinhas” já que, de acordo com Liliana, a própria memória, tema de seu livro, é infinita. Para ela, apresentar um projeto em um encontro nacional é uma forma de difundir uma ideia sobre novas possibilidades de o design ser aplicado, como por exemplo, em um memorial feito a partir de lembranças.

Trajetória

Mineira de Bom Despacho, Liliana Kelly dos Santos, de 24 anos, sempre se interessou tanto pela área biológica quanto pela comunicação, mas o acaso fez com que ela se voltasse para as artes gráficas. Quando prestou vestibular para Desenho Industrial na UEMG e para Farmácia na Faculdade de Ouro Preto, no mesmo período, acabou por obter êxito na primeira faculdade, o que a levou para o caminho do design. “Desde que fiz a inscrição para o vestibular na UEMG, eu já tinha uma certeza dentro de mim: que estudaria lá e que eu faria esse curso. No começo, foi muito difícil para mim, por eu não ter tido um contato com desenho, o que era importante nas matérias primárias. Diante disso, pensei em fazer o curso por um tempo e, se eu gostasse, continuaria. Caso visse que o curso não tinha nada a ver comigo, eu sairia. Acabei me encontrando no curso, pois acredito que talento, todo o mundo tem, só é preciso ser desenvolvido.”

A partir do terceiro período, Liliana começou a estagiar na área de cinema e vídeo, dentro do Núcleo de Imagem e Movimento, do Centro Audiovisual da Escola de Design, da UEMG. Durante os dois anos que ficou no núcleo, ela teve contato com a forma que o design pode ser aplicado nessa área. Paralelo a isso, Liliana ingressou para a comissão de imprensa do Departamento Acadêmico da universidade, onde dirigiu um jornal e pôde trabalhar com a área editorial. Mesmo quando saiu do Centro Audiovisual da faculdade, Liliana continuou participando das atividades do Núcleo de Imagem e Movimento. Coordenou as mostras do núcleo e começou a fazer alguns vídeos, como o “Retrato Perdido”, uma autobiografia baseada no filme “O fabuloso destino de Amelie Poulin”. Para ela, o filme fala dos desejos, das alegrias e das frustrações do ser humano. “Fiz um poema baseado nesse filme, mas utilizando elementos que tivessem a ver comigo. Utilizei uma foto de infância, coloquei as frases do poema, de uma forma que tivesse a ver com minha vida de Lili”.

Apesar de ter feito dois estágios nos quais pôde trabalhar com criação e com editorial, para o futuro, Liliana pretende transmitir os conhecimentos que adquirir ao longo de sua trajetória como designer.

A arte no design

“Acredito que minha vertente é muito mais ser um designer gráfico, um profissional que trabalha com uma arte que pode ser comercializada, seja de que maneira for. Em termos de criação, acho que não tem diferença entre os profissionais de Belas Artes e de Design Gráfico. Todos trabalham com sensibilidade, mas a proposta é diferente: no design, a criação é baseada em algo que foi proposto pelo cliente, tem um objetivo prévio. No caso do artista, a criação vem da inspiração.”

Matéria escrita originalmente para o site Escritório de Histórias, em 2007.

Meu nome é Oswaldo Ferreira Filho, e sou nascido em 6 de agosto de 1954, em Belo Horizonte. Sou o que se chama de “órfão de pais vivos”, porque não fui criado por meus pais. Aos oito anos de idade, fui para a Congregação Dom Orione, cujo responsável era o Pe. Dino Barbieri. Lá, passei minha infância e adolescência e estudei até a quinta série do primeiro grau (atual Ensino Fundamental), em 1970. Tive muito boa formação. Fiz vários cursos profissionalizantes, como cestaria, carpintaria, metal, cerâmica, práticas e técnicas agrícolas, fotografia, datilografia e olaria. Também tinha práticas desportivas. Jogava futebol de campo. Participamos de várias competições e campeonatos regionais. Fomos campeões várias vezes. Nessa época, eu já gostava do Atlético. A paixão veio do berço.

Depois que saí da Congregação, fui morar em Ponte Nova, em uma fazenda que tinha 220 alqueires, sete mil toneladas de produção e criação de gado. Fiz estágio na Melo Azevedo Construtora, onde fiquei por cinco anos como escriturário, no controle geral da safra de cana. Além disso, eu operava um rádio amador, o que aprendi a fazer com o pessoal da construtora. Nessa época, eu estava com 17 anos. Habilitei-me como motorista e peguei algumas noções de operador de máquina, trator. Fiquei lá até 1975.

Em seguida, voltei para Belo Horizonte e fiquei quatro anos trabalhando com um sobrinho do dono da fazenda, na Automac Ltda. Entrei para o Departamento Pessoal, com o cargo de Auxiliar Administrativo. Voltei a estudar e terminei o primeiro grau no Colégio Brasileiro. Depois, fiz supletivo no Champagná e no Roma, conseguindo, assim, concluir o segundo grau (atual Ensino Médio). Após outro supletivo no Champagná, feito através de uma bolsa, tentei vestibular para Engenharia Civil. Passei na etapa classificatória, mas perdi na final. Mais tarde, tentei outra vez, também sem obter sucesso, após o que desisti. Tenho vontade de voltar a estudar, mas preciso, primeiro, analisar o mercado. A competição está muito grande. Para gente que não tem recurso, fica difícil. Ainda assim, penso em tentar Engenharia Civil de novo ou Direito. Cheguei a tentar Direito na PUC, mas não consegui.

Também trabalhei na Antártica, pela Conan, o setor de recrutamento de lá. Fui estagiário no Setor de Ações, depois passei para o Departamento Pessoal. Na época, estavam transferindo a Companhia Alterosa de Cerveja para a Indústria de Bebida Antártica. Fiz a transferência das ações da Antártica e participei do controle das ações, dos cinco mil acionistas.

Por essa época, arrumei uma companheira que me deu um problema danado: começou a me esperar na porta todo dia, e a vaga era para solteiros! Ela revelou que era minha esposa e, aí, a coisa complicou. Ainda por cima, engravidou fora de programa. Para evitar me comprometer mais, pedi demissão. Despachei a menina para um lado e saí para o outro. Ela perdeu o bebê, infelizmente. Não tenho filhos. Na época, pedi demissão e, por incrível que pareça, nunca mais consegui emprego fichado na minha área.

Então, comprei uma máquina e comecei a trabalhar com manutenção de jardins, colocando em prática as noções de técnica agrícola que tinha aprendido no Dom Orione. Trabalhava em firmas diversas, de forma autônoma e sem carteira assinada, o que não me agradava muito. Peguei muito “rabo-de-foguete”! Um exemplo: certa vez, fui trabalhar em Macaé, no Rio de Janeiro. A gente ia na carroceria do carro, furando barreira, clandestinamente. Meu cargo era de apropriador, e minha função era medir metros cúbicos de produção, nos tanques de areia. Fiquei lá por dois meses. Chegando aqui, eles não assinaram minha carteira, e eu resolvi largar aquilo para lá. Mais tarde, assinaram minha carteira e me mandaram para Itabirito. Falei: “Não estava combinado!” Voltei para cá. Um ano depois, mandaram me chamar de novo e falaram que eu ia trabalhar no Departamento Pessoal. A intenção era que eu fosse para Coronel Fabriciano, mas eu não quis e voltei a trabalhar com jardim. Em certa época, eu dava manutenção mensal em 20 residências. Também cuidei de alguns sítios, em Ribeirão das Neves. Depois, voltei para Belo Horizonte e passei a morar de aluguel, tomando conta de jardim. Fiquei nisso até 1994.

Mais ou menos nessa época, passei a tomar conta de um restaurante cujos donos eram um casal com que eu tinha feito amizade. Eu aproveitava para tomar conta dos carros dos fregueses também. Durante três anos, morei em uma casa que pertencia aos proprietários do restaurante. Quando eles se separaram, a casa onde eu morava foi vendida, e eu voltei a pagar aluguel por minha conta.

Em 1994, cadastrei-me na Prefeitura e consegui uma licença de guardador e lavador de carro, para justificar minha presença na rua. Mas a situação atingiu um ponto em que eu não tive mais condições de pagar o aluguel. Já tinha comprado geladeira, fogão, cama, etc., mas tive que vender tudo para pagar o aluguel. Quando meus recursos se exauriram por completo, fui obrigado a me mudar para a República Reviver, uma instituição da Prefeitura, onde estou há dois anos.

República Reviver

Na República, é cobrado 10% do salário mínimo, uma ajuda de custo para a casa, mas os benefícios são excelentes. A gente tem assistência médica e psicológica, tem o SUS, o Carlos Chagas e uma equipe exclusiva que nos dá atenção. Eu tive um problema de saúde e não tinha INSS, estava atrasado. Eles me prestaram assistência e não me cobraram. Lá, realmente dá para a gente se reerguer e sair de um túnel que estava meio escuro.

A República Reviver realmente lapida as pessoas. 95% dos moradores têm necessidade comprovada de estar lá. Todo o mundo está desempregado. Na realidade, o pessoal tem uma trajetória de rua e está sem condições de pagar aluguel. A maioria trabalha de “bico”: uns como carregadores; outros olham carros credenciados; outros trabalham na cooperativa de detergente; etc. Nós somos 31 e cerca de 10 ou 15 pessoas têm problemas de saúde. O prazo de permanência na República é de nove meses a um ano. O meu prazo já venceu, mas foi prorrogado por causa do meu problema de saúde, um cisto no joelho. Já se passaram dois anos, completos em março passado.

As pessoas são encaminhadas para a República Reviver pela Arquidiocese, pela Pastoral de Rua ou pelo Centro de Referência Violeta, como foi o meu caso. Eles me abordaram na rua e eu expliquei a eles meu problema de aluguel. Disse que estava vendendo tudo e já não sabia mais o que fazer. Contei que, inclusive, tinha sido obrigado a vender até a minha cama. Então, fiz a triagem, expliquei minha situação e eles me aceitaram. Agora, estou saindo de lá, porque fui cadastrado no programa de “Bolsa-moradia” e vou poder pagar meu aluguel. Na República Reviver, aprendi a voltar a ter dignidade. Quem passa por lá aprende, pelo menos, uma coisa: a conviver. Você continua com sua dignidade, mas aprende a perder a vaidade, a compartilhar, a saber que um depende do outro.

Encontro com a literatura

Na época do colégio, descobri Machado de Assis. Foi paixão à primeira vista. Gosto de literatura, da nossa, principalmente, a literatura brasileira. Gosto da evolução da literatura, a qual acompanho muito. Tem mais autores de que eu gosto: Jorge Amado, Aloísio Azevedo, Guimarães Rosa, José de Alencar, Monteiro Lobato. É uma diversidade muito grande, mas tenho admiração especial por Machado de Assis.

Quando eu freqüentava o Colégio Brasileiro, o professor Ariosco, jornalista e político, gostava muito da minha redação. Hoje, escrevo poesias. É uma forma de escape, porque, às vezes, eu converso muito, mas sou mais de meditar. Não sou muito de me abrir com as pessoas. A poesia é uma catarse. Só que eu não escrevo para todos. Às vezes, eu escrevo e rasgo, desabafando só comigo mesmo. É uma maneira que eu acho de registrar alguns momentos. Já escrevi mais de 200 folhas, mas nunca publiquei. Ultimamente, ando pensando em coordenar meus escritos e reuni-los em um livro.

Comecei a valorizar minha poesia com o incentivo do professor Wagemann Teixeira Matias, professor de Karatê do PIC Cidade. Toda vez que eu olhava o carro dele, a gente trocava uma saudação “Cruzeiro e Atlético”. Um dia, mostrei a ele o que eu estava escrevendo. Então, ele procurou conhecer o que eu escrevia e levou para casa um caderno com algumas poesias minhas. Ele gostou e, a partir daí, sempre me perguntava: “O que você escreveu hoje?” Comecei a mostrar as poesias a ele, que as pegava e mostrava para todo mundo. Acabei adquirindo o costume de distribuir entre os amigos o que eu escrevia.

Agora, tenho intenção de colocar mais ordem nos poemas. Acredito que, alugando um quarto para morar, isso vai ser mais fácil. No momento, lá onde estou, a convivência com pessoas de várias origens, com vários problemas diferentes, tira um pouquinho a concentração da gente. Não é que seja triste, mas não tem aquela alegria espontânea por parte das pessoas. Todo o mundo está sem emprego, sem dinheiro e em crise. Eu tenho minhas dificuldades, mas, perto da deles, é zero. Eu, graças a Deus, sobrevivo, porque tenho muitas amizades, e o pessoal tem me dado apoio. Mas não tenho cabeça para escrever na República. Eu faço meus rascunhos, mas altero tudo. Continuo, porque são devaneios, isto é, minha maneira individual de pensar e de sentir as coisas. É meio egoísta. Já introspecção é quase uma opinião, é uma crítica social. Como eu não escrevo introspecção, não dou palpite em nada. É um ponto de vista só meu.

Eu escrevo para pessoas que admiro muito, exatamente para que elas saibam com quem estão lidando. É um pouco de mim. Medito muito sobre a conseqüência das palavras e, por isso, gosto de escrever homenagens e de ver o valor das pessoas. Aprendi com Machado de Assis a ser muito observador. A maioria das poesias, eu dou para os outros. Gostou? Pode levar. Tenho prazer que a pessoa leve. Só de falar que gostou, já me sinto pago.

Paixão pelo Atlético

O pessoal me chama de “Grande Galo”, porque já fiz bagunça demais. Se alguém me perguntava: “E aí, grande! Como é que está o galo?”, eu respondia: “Meu Galo é grande, é imenso!” Aí, com o tempo, pegou: “Grande Galo”. Acabei aceitando o apelido. Não sou eu quem é grande; é o Galo. Eu considero o Galo realmente grande. No meu quarteirão, sempre que o Atlético ganha, passam cerca de 20 ou 30 carros de atleticanos gritando para mim. Se o Galo perde, são os cruzeirenses que passam lá, caçoando: “Fala alguma coisa!” Eu sei conviver com os dois lados e levo tudo na conversa, brincando com todo o mundo. Costumo dizer: “Perdeu, mereceu. Mas, no ano que vem, nós vamos ganhar!” Levo tudo no alto-astral. Mas esfriei um pouco na fidelidade — não ao Atlético, mas como torcedor. Dói-me um tanto ver jogador do Galo jogar no Cruzeiro, e também não gosto de ver jogador do Cruzeiro no Galo. Já os jogadores do América podem jogar nos dois.
Simpatizei e gosto do Atlético. Desde menino, tenho o costume de acompanhar o time. Pertenço à Galoucura, embora não esteja muito atualizado. No mesmo dia em que fiz a minha carteirinha da Galoucura, viajei até Goiás, numa caravana da torcida. É um lazer. Tem hora que dá para extravasar. Não gosto de televisão. Tenho televisão, mas sou fanático é por rádio. Com o rádio, é que acompanho o Atlético o ano inteiro.

Projetos

No momento, pode-se ter uma certa opinião, mas, quando a gente olha para trás, vemos que, antigamente, a gente era outro. A gente se atualiza de acordo com os acontecimentos e vai reformulando a maneira de pensar. Vai refazendo os projetos. Eu, graças a Deus, tenho alguns projetos. Estou planejando concorrer a uma vaga para trabalhar num telemarketing. Lá, já daria para voltar ao mercado de trabalho com carteira assinada e tudo. Ao mesmo tempo, estou terminando um curso de eletrodomésticos e pretendo montar uma associação de reparos de eletrodomésticos na cooperativa de detergente, que me cedeu uma sala para isso. Vai funcionar como uma oficina. Provisoriamente, vou manter a licença para olhar carros. Com isso, eu justifico minha presença no quarteirão e aproveito para fazer propaganda da minha futura oficina. Além disso, quero fazer um livro apresentando tudo o que já escrevi com uma nova roupagem.

Um pouco de poesia

Devaneios oswaldianos

“Robert Francis Drumond”
- In Memoriam -

“(…) sua partida, Roberto, deixa de luto o esporte, a literatura, o jornalismo, a política, o espírito jovial que o mantinha sempre vibrante. Mas sua alegria e paixão vão sempre nos inspirar em todos esses caminhos que você salpicou de poesia.”

Clara Arreguy
“Estado de Minas”, 21 de junho de 2002.

(Seja o que Deus quiser)
Roberto Drumond — Última Crônica.

Fiquei atormentado
Quando na Itatiaia
Deu em noticiário
Talvez em primeira mão
Que você, meu bom
E querido amigo
Se desligava da vida
Partindo para o ALÉM…

Minhas pernas fraquejaram
Se chorei, eu nem sei.
Naquele instante, sem querer entender
Alguém que muito admirava partia
Meditei por toda a noite
Sua falta eu já sentia
O que milhares de pessoas
Te admiravam e nem percebiam
Eu trabalhando tão perto
Na Cláudio Manoel junto
À Praça da Liberdade
Você na livraria Travessa
Alegre a savanear
Degustando pão de queijo com café
Rodeado de seus livros.

Era esta livraria
Uma extensão de seu lar.
Comprei jornais e revistas
Rádio ligado… tudo pude acompanhar
Mas faltou-me forças
Em seu sepultamento estar
Tenho certeza de que, talvez, iria chorar.

De sua genitora cidade de Ferros
Aqui em Belo Horizonte
Em toda a Minas e no Brasil
Estados Unidos, Europa
Até em Shizuoka no Japão
Onde jogava nossa seleção
Sua partida foi motivo
De muita dor, lamentos, consternações.

Sei que não estará sozinho
Osvaldo Faria, Henfil, Rauzito
Vinícius de Moraes, Kazuza, Kafunga,
Clara Nunes, Elis Regina,
Maísa, Leandro, João Paulo,
Evaldo Braga, Pixinguinha,
Luiz Gonzaga e Gonzaguinha,
Cascatinha e Inhaná,
Amigos como Jorge Amado, Monteiro Lobato,
O mestre Aurélio e Machado de Assis,
Tiradentes e os inconfidentes…
Com todos a savanear…

Cá, continuaremos órfãos de vocês
Mas sentindo-o, lendo-o,
Em suas folhas imortais.
Tenho certeza, Drumond
Seu espírito continuará vivo
Entre nós.
Que Dona Beatriz e Ana
Sua esposa e filha
Tragam à luz seus rascunhos
Cumprindo a sua sina.

Oswaldo Ferreira Filho
“Grande Galo”

Devaneios oswaldianos

Meu ego clama…
Centelhas indecifráveis onde
A pureza de um sorriso não
Exige palavras…

Sentimentos ocultos ficam
Calados… Amordaçados
Energias invisíveis… Platônicas…
Podem sentir VOCÊ inocentemente
Acalentando meus “Ais”…

Alea jacta est
(Diante de adversidades, vencer um objetivo…)
Libertas quae sera tamen
(Ter uma certeza de que vale a pena uma causa…)

Sem delírios… Ficção…?
Meus olhos são minha janela
Para ver meu mundo
Você é e será segredo
Pro meu coração.

Oswaldo Ferreira Filho
“Grande Galo”

Matéria escrita originalmente para o site Escritório de Histórias, em 2007.

Nas terças, quartas e quintas-feiras, lidar com pessoas sensíveis, tanto física quanto psicologicamente, e se sensibilizar por elas, numa troca em que o resultado salva vidas. Nas sextas, sábados, domingos e segundas, novamente deixar-se sensibilizar pelo outro, interagir com ele, numa relação que também passa pelos sentidos, aguça percepções e, num outro exercício de sensibilidade, perenizar este encontro numa imagem fotográfica.

É compartimentando sua vida em duas atividades que parecem se diferenciar totalmente, mas que no fundo têm muito em comum e se complementam — a medicina e a fotografia — que Marilene Ribeiro se realiza. Médica pediatra e fotógrafa por escolha e paixão, a belorizontina busca sempre o outro nas duas profissões. “Eu escolhi a medicina porque queria me aproximar do outro, ter uma relação de doação, de recepção, de troca, de poder ajudar. Acho que a questão de eu trabalhar na fotografia com temas ligados a etnografia tem a ver com isso. E em ambas tudo é sensibilidade. Nas duas atividades você tem que se dar ao máximo, com finalidades totalmente diferentes e com processos totalmente diferentes, mas tem uma questão de complementaridade”.

A busca pelo outro é o que a atiça na fotografia, e só depois que encontra algo que tenha uma história por trás é que pensa em plasticidade, cor, forma, enquadramento e composição. A fotografia, para ela, tem que ter alma, no sentido de ter toda uma história dentro daquele enquadramento. É preciso um olhar etnográfico, um olhar para o outro com suas diferenças, seus conhecimentos, seu modo de viver, sua história, seus mitos e narrativas para que seja registrado pela fotógrafa.

Nesse trabalho de fotógrafa etnográfica, Marilene destaca duas palavras que traduzem o que isso representa em sua vida: comunicação e conhecimento. “Comunicar não é só questão de divulgar, porque quando eu escrevo sobre uma fotografia ou um projeto, eu não estou só divulgando, estou colocando minhas coisas também. Não adianta falar que eu não interferi, é impossível. E o conhecimento a que me refiro não é o meu conhecimento, mas o conhecimento que eu adquiro com o outro e que me alimenta não só nesta área, mas em tudo. Poder olhar para algo de forma diferente que você olhava antes porque você aprendeu alguma coisa com aquilo é bom demais. A fotografia me permitiu entrar nesse mundo de conhecimento e, principalmente, trabalhando com etnografia, passo a conhecer como se vive, como se faz, no que se acredita, o que é o místico, o que é sobrenatural, o natural”, destaca.

Mesmo dividindo sua vida de modo a conseguir fazer bem as duas atividades, Marilene às vezes sente-se frustrada, tanto por um lado quanto por outro. “Tem vezes que estou num projeto de fotografia, ansiosa para chegar em casa e trabalhar nas fotos todas, para no outro dia ver o resultado. Só que no dia seguinte estarei trabalhando como médica, então às vezes eu tenho que segurar isso. Mas também é interessante, me amadurece para outras coisas. Tem o lado positivo e o negativo: o ponto positivo é que, às vezes, mudando de atividade, quando vou ver uma foto de novo, já penso diferente. Ao mesmo tempo, é frustrante porque você queria ver logo, dar saída naquela ideia que você teve. Mas não tem jeito, foi a escolha que eu fiz, tenho que compartimentar. Cada dia é para uma coisa. Quando estou numa atividade, esqueço o resto”. Para facilitar a conciliação entre as duas atividades, Marilene trabalha, na fotografia, com projetos mais a longo prazo, o que possibilita uma imersão dentro do tema e um amadurecimento durante o processo de realização. “Eu gosto das coisas que demoram mais. Elas pedem um tempo maior para gerar os frutos, mas acho que elas têm mais consistência, tanto o que eu produzo quanto o que eu absorvo, por isso eu gosto de projetos mais demorados”, explica.

Projetos e parcerias

“Não tem jeito, o cérebro da gente anda, todo dia surgem ideias de projetos e tem algumas que eu compro, pensando que vai dar certo. Se a gente não fizesse assim, o que seria do mundo? Ia ser um mundo sem sonho nenhum, as pessoas pensando só nas coisas que já são certas…” Com esse pensamento, Marilene Ribeiro reafirma seu prazer em trabalhar com projetos na fotografia, colocando em prática ideias suas, abraçando ideias de parceiros e dando tempo para que tudo aconteça.

O primeiro projeto do qual participou — e que ainda está em andamento, com previsão de término para 2008 — foi como fotógrafa contratada pela Ong Biotrópicos, ligada ao meio ambiente, onde conta com parceria de Joaquim Araújo Silva, conhecido como Quincas, filósofo doutorando em ecologia e membro da Ong. O projeto, chamado “Como chama no sertão”, busca traçar um paralelo entre a realidade do Parque Nacional Grande Sertão Veredas, localizado na região noroeste de Minas Gerais, e a obra de Guimarães Rosa que dá nome ao parque, “Grande Sertão: veredas”. O produto será um livro foto-documental, com fotografias que utilizem a semiótica como recurso para se mostrar este sertão e a vida do sertanejo, voltando-se mais para o sentido figurado.

Antes de iniciar o projeto de fato, foi feito um projeto-piloto em 2005, que consistiu em duas expedições na região do Parque Nacional Grande Sertão Veredas, onde foram feitas algumas fotografias. Segundo o cronograma, serão realizadas nos dois próximos anos outras seis expedições de 15 dias, com previsão de término no início de 2008.

Semion

Em 2006, no Festival de Inverno da Universidade Federal de Minas Gerais, em Diamantina, Marilene Ribeiro, juntamente outros dois fotógrafos, Henrique Teixeira e Fabrício Ferraz, realizou o projeto “Semion”, de curta duração, mas consistente. A proposta era trabalhar dois poemas construtivistas, que falavam sobre papéis sociais por meio da ideia das pessoas como “ninguém” e “alguém”, e retratá-los em meios alternativos. Como todos os três trabalhavam com fotografia, decidiram fazer uma tradução intersemiótica para esse suporte. O projeto consistiu em fotografar intervenções de “ninguéns”, ou seja, de pessoas anônimas, no concreto, simbolizando a cidade grande. No momento em que esses “ninguéns” fazem sua intervenção, eles passam a ser “alguéns”. “O concreto é o mais importante que se vê, e quando se escreve nele, a pessoa ninguém vira alguém. Ela se individualiza a partir do momento em que coloca suas coisas ali, em cima de alguém, que é a parede, que é o tijolo, que é o que o outro escreveu. A proposta do ‘Semion’ foi traçar a questão do cotidiano da vida moderna de cidade grande: ninguém conhece ninguém, ninguém é ninguém, um tanto de gente dissolvido ali, naquela multidão, mas ao mesmo tempo os ‘ninguéns’ podem ser ‘alguéns’ porque eles têm a vida deles individual”, conta Marilene.

Ar de Luz

A cidade de Belo Horizonte vista a partir do imaginário das pessoas sobre ela e imortalizada nas fotografias de Marilene Ribeiro e Henrique Teixeira, com orientação de Tibério França. Essa é a proposta do projeto “Ar de Luz”, que está em fase final, com lançamento previsto para fevereiro de 2007, tendo como orientador e curador o Prof. Tibério França. Tudo começou quando um professor da Escola de Belas Artes da UFMG, onde Marilene cursou algumas disciplinas isoladas, resolveu selecionar dez trabalhos dos alunos para uma exposição, entre eles algumas fotografias de Marilene. Nesta ocasião, ela conheceu Henrique Teixeira, que também estava expondo seus trabalhos, e, numa aproximação, viram possibilidade de fazer algo juntos. Foi assim que começaram o projeto “Ar de Luz”, que será exposto na Guignard e no Centro de Cultura de Belo Horizonte no próximo ano. “A idéia é pegar a identidade de Belo Horizonte que existe dentro da cabeça das pessoas e brincar, fazê-las voar em cima do que pensam sobre a cidade, e refletir nas fotografias os signos, interpretantes, história pessoal e o passado que elas trazem”, explica Marilene.

Como tudo começou

O início do trabalho de Marilene Ribeiro como fotógrafa foi por puro acaso, fruto da necessidade. Certa vez, numa viagem em família para Maceió, deparou com uma câmera manual para registrar aquele momento. Ninguém de sua família sabia como manuseá-la. Escolheram aleatoriamente a abertura do obturador em 2.8. Quando revelaram as fotografias, tudo estava branco… Diante desse fiasco, Marilene, que sempre havia demonstrado interesse por cor e imagem, resolveu fazer um curso, para evitar que acidentes como aquele acontecessem novamente. Conheceu a professora Vera Godoy, fotógrafa entusiasta, e então ficou muito atraída pela atividade. No entanto, sentia-se desconfortável no meio profissional. Muitas vezes, percebia disputas por espaços, certas vaidades e brios exacerbados. Ficou por um tempo parada, mas depois resolveu fazer algumas disciplinas na Escola de Belas Artes da UFMG, Fotografia A, Laboratório P&B, Evolução e Crítica da Fotografia e Semiologia da Imagem., que a levaram de volta ao mundo da fotografia, apenas um pouco adormecido.

Começou, então, a fotografar coisas ligadas a cultura e etnografia, o que mais a interessava. Acabou se envolvendo em um projeto aqui, outro ali e não conseguiu mais parar.

Pensando a fotografia

Película ou digital. Alguns de seus trabalhos, como o “Semion” e o “Ar de Luz”, foram feitos em câmera digital. Já as fotografias de “Como chama no sertão” estão sendo feitas em 35 mm, seja cromo ou tri-x. A escolha do suporte depende do tipo de trabalho que realiza, apesar de que, atualmente, a facilidade em fotografar com câmera digital é indiscutível. A relação custo/benefício, a segurança de ver o que foi fotografado na hora, a facilidade de se relacionar com outras mídias, a rapidez no repasse da imagem são alguns pontos positivos que Marilene Ribeiro aponta em se fotografar com câmera digital.

Em ambos os casos, dependendo do projeto, ela trabalha as fotografias posteriormente, quer puxando o contraste ou modificando algo na cor, tudo para que fique do jeito que pensou. “Tanto a fotografia digital quanto a película não saem prontas. Elas têm que passar por uma produção para ficarem do jeito que você quer. O pessoal fala muito de Photoshop, que o programa deturpa tudo, mas já se fazia isso com fotografias no século XIX. Misturava-se as fotos, fundia-se a imagem, acrescentava-se novos elementos. A diferença é a facilidade e a rapidez que as novas tecnologias trazem. Em laboratório p&b, por exemplo, tinha dias que eu ficava a tarde inteira mexendo e a foto não ficava do jeito que eu queria. Nessas horas, pensava: ‘Meu Deus, ainda bem que existe o Photoshop’ ou então: ‘Se fosse no Photoshop, em dois tempos estaria na terceira, e não fiz nem a primeira ainda’. Mas é gostoso, as duas coisas são interessantes, o laboratório p&b é muito bom, a gente aprende, tudo é válido”, explica a fotógrafa.

Matéria escrita originalmente para o site Escritório de Histórias, em 2007.

Do viver no interior de Minas Gerais surgiu “Estética Interiorana”. Do brincar e pensar na formação artística da criança nasceu “Arte na Infância”. Dois projetos da Aviva, empresa criada por Elias Rodrigues de Oliveira, inicialmente voltada para arquitetura. No entanto, a Aviva acabou se formatando como uma empresa ligada ao setor cultural, área de interesse de seu criador desde que era criança, na pequenina Entre Folhas (MG).

Quando perguntado sobre sua profissão, Elias respondeu que essa era uma palavra que o incomodava: “O que é a minha profissão? Isso me confunde, não sei responder hoje e espero cada vez saber menos responder a essa pergunta”. Essa foi a resposta não-resposta sobre isso. Nada surpreendente para uma pessoa que buscou, ao longo de sua história, ter uma formação generalista. No entanto, uma pista para descobrir a que ele se dedica surgiu logo: “Apesar da própria formação acadêmica, estive sempre ligado à área de expressão artística”. E é sobre essa pessoa preocupada em descobrir e divulgar a expressão cultural em dois âmbitos marginalizados — a infância e o meio rural — que vamos falar.

Expressão. Essa talvez seja a melhor palavra para definir o trabalho de Elias Rodrigues de Oliveira. Expressão em seu sentido mais profundo e essencial, escondida nos recônditos interioranos esquecidos ou no fazer artístico das crianças. Expressão que usa o digital como ferramenta facilitadora da criação e da divulgação da arte em escalas e tamanhos diferentes, democratizando a publicação e dando ensejo ao surgimento de novas linguagens.

Na adolescência, Elias fez curso de pintura e música, em São Paulo. Posteriormente, deixou a música e se dedicou apenas à pintura. Como trabalhava durante o dia e estudava à noite, sempre foi difícil que ele tivesse tempo para fazer coisas que não davam dinheiro de imediato, como a arte. Mas seu fazer artístico sempre aconteceu a partir de motivações, descobertas, investigações, realização pessoal e buscas profundas, desvinculadas de uma situação de mercado de trabalho. “Essa formação generalista, humanista, é que me interessa, e acho que é um direito de todos. Foi o que eu busquei e, sempre que posso, falo isso, para encorajar iniciativas nesse sentido e também perturbar os especialistas e as escolas especializadas”, afirma.

Seu ideal de realização pictórica foi pulverizado na produção de música, literatura, foto, vídeo e das artes, o que, de certa forma, acabou o afastando do sucesso urbano, da fama como arquiteto, que vinha obtendo com prêmios em arquitetura. No entanto, não é essa fama que o interessa, mas sim a realização de um fazer artístico desvinculado de uma situação de mercado.

Arte na Infância

Em sua família formada por 12 irmãos, Elias sempre foi o tio preferido, devido à sua disposição para levar as crianças a desenvolverem seu lado lúdico e a despertarem novas formas de expressão. Foi pensando em proporcionar instrumentos para expressão artística no mundo infantil que Elias formatou, há seis anos, seu primeiro projeto cultural, aprovado na Lei de Incentivo à Cultura: “Arte na Infância”. O projeto se realiza em escolas públicas e centros culturais. São oferecidas oficinas, palestras e exposições com o objetivo de promover, divulgar e valorizar artes plásticas produzidas por crianças. As oficinas são compostas por atividades teóricas e práticas em que técnicas tradicionais associadas a recursos de computação e à Internet favorecem a expressão gráfica da criança.

A ideia era proporcionar cursos de formação de elementos básicos para a capacidade de expressão infantil. Para Elias, ao ser incentivada e reconhecida como produtora de bem cultural, a criança toma consciência do seu valor e eleva a sua autoestima. Através das qualidades estéticas da infância, ela resgata seus méritos e promove sua expressão, fazendo-nos repensar valores, significados e funções nos processos da arte. Com isso, um conceito básico e simples, porém nem sempre aceito, passa a ser reforçado: a criança é capaz de fazer arte. Para estimulá-la, portanto, é preciso fornecer condições para que esse fazer se realize, o que, muitas vezes, não acontece. “Falta um zelo no sentido de a escola formal e a família reconhecerem que a vida não começa depois dos 20 anos. Começa na infância e é sobre esse período da vida que vamos escrever memórias, posteriormente. Essa infância precisa de um apoio para comercializar e colocar em exposição seu produto. O adulto detém o poder financeiro e é extremamente egoísta nisso. A criança está alijada de seus direitos à expressão”, considera Elias.

A busca pelo trabalho da criança veio do interesse de Elias pelo fazer primitivo, pelos elementos básicos e essenciais que existem em sua expressão. As duas perguntas básicas que ele queria tentar responder eram: “Como seria uma expressão essencial?” “Como seria uma expressão despojada de modismo, de estilo de época?” Essas reflexões feitas ao longo do trabalho “Arte na Infância”, resultou em análises sobre a arte oficial. “Cheguei a fazer um trabalho chamado ‘Estruturas da composição da obra’. Identifiquei alguns padrões estruturais da composição que são recorrentes na obra de arte, ao longo da História. Isso me leva a perceber que o essencial na composição está ligado a estruturações análogas a situações do mundo físico, como sensação de movimento, de peso, de equilíbrio e de massa. A obra de arte, para ser viril e potente, tem que nos remeter a experiências que passam pelo território da instabilidade e da estabilidade. Essas interferências e interações são essenciais e estão fortemente presentes na obra da criança, o que valida o trabalho feito por elas, já que essas estruturações também estão presentes na obra dos grandes mestres. Picasso já falou sobre isso, mas ninguém tomou providência em relação ao reconhecimento do valor da obra dessa criança. O holofote no adulto nos traz como prejuízo o afastamento dessas questões e nos impede de perceber as contribuições que as crianças têm a nos dar e que a criança em nós também tem a nos dar”, considera Elias.

Os trabalhos que vem sendo realizados no projeto “Arte na Infância” deram origem ao site “ZeroKid” (www.zerokid.com.br), uma galeria de arte virtual.

Estética Interiorana

Descobrir elementos estéticos no meio rural e levar os moradores a terem um novo olhar sobre seu território, sua história, seu lugar e suas imagens. Esse é o grande resultado do projeto “Estética Interiorana”, desenvolvido por Elias Rodrigues de Oliveira, na Aviva, desde 2003.

O trabalho começa quando o “ArteMóvel”, o furgão cultural da Aviva, sai de interior a interior, em busca de expressões estéticas. Ao chegar no lugar, Elias fotografa elementos estéticos, utilizando recursos digitais. “Quando faço um trabalho de estética interiorana, entro numa casa e registro numa visão-fotográfica o meu recorte, apresento-lhes novas visões daquela casa e, ao mostrar para os próprios moradores esse novo olhar, eles comentam: ‘não é que é bonito mesmo?’ Com isso, eles têm oportunidade de ver um novo recorte sobre si mesmos, o que causa um nível de estranhamento. Tenho chamado a isso ‘espelho digital’. É uma oportunidade de, a partir dos recursos digitais, facilitar a expressão dessa pessoa que, em certos casos, nunca foi fotografada.

Acontece aquele estranhamento que se tem quando se depara consigo mesmo no espelho. Eu os faço refletirem sobre aqueles valores que eles têm. Registro e levo de volta a eles”, considera Elias.

Ao registrar uma “escultura espontânea” ou outra expressão artística, Elias apenas reforça e valoriza o que os moradores, inconscientemente, já sabiam: há um valor estético naquela composição espontânea. No entanto, o que eles não tinham era um discurso verbal formado sobre aquela expressão. “Existe um nível de percepção inata sobre composição, que está na criança e em qualquer pessoa que a realiza”, diz Elias.

Depois que é feito o registro e mostrado aos moradores, o Estética Interiorana parte para um local público no entorno rural, geralmente uma escola, onde as imagens ali registradas são mostradas, bem como outras referentes a projetos anteriores. Nessa ocasião, pessoas que desenvolvem alguma atividade cultural são convidadas para se apresentarem, num momento de integração entre os participantes e até mesmo entre as gerações. “Isso é apenas uma ação cultural que está ausente, que lança uma série de significados de ações da expressão cultural, quando ela se dá no dia-a-dia e se remete à sua memória, à sua história. Esse projeto proporciona experiências enriquecedoras, que contribuem para o diálogo dentro da família”.

O digital

Como suporte de registro em seus dois projetos, Elias utiliza os recursos digitais, como computação gráfica, fotografia, vídeo, registro de áudio e reprodução de áudio. A imagem inicia-se a partir de um gesto manual feito com o giz de cera, lápis ou outro material, de origem analógica, mas que depois, a partir da utilização do computador como ferramenta de expressão, passa para o digital. “Estou nada mais do que utilizando o recurso digital como facilitador do registro dessa imagem, de sua replicação e divulgação em escalas e tamanhos diferentes. São facilidades de uma ferramenta dentro de uma linguagem de expressão gráfica que não são novidade. Nesse sentido, os recursos digitais vêm como apoiadores na utilização de linguagens já conhecidas e dominadas”.

Discutindo sobre arte

“Não se deve afastar o fazer artístico de um significado maior do dia-a-dia, tirá-lo de uma rede de significados que tenha a ver com dormir, sonhar, alimentar, morrer. Na medida em que ele se afasta desse sentido, que está presente nos povos primitivos, ele se torna neurotizante. Acho importante que se reflita sobre isso, que se tenha essa consciência e que outras pessoas formatem e realizem projetos que são, às vezes, como ‘tirar leite das pedras’. Penso que o artista faz arte para si mesmo e, na medida em que assim faz, com saúde, essa arte extrapola, extravasa e serve como contribuições a outros. Cada um vive sua existência de forma generosa e isso transbordando, dá prazer.”

Site do artista:
www.aviva.com.br

Matéria escrita originalmente para o site Escritório de Histórias, em 2007.

Como contar história de lugares a partir daqueles que o fazem? Quais lugares habitam as memórias de seus moradores? Como o registro de memórias nos leva a pensar questões sobre territorialidades, temporalidades e espacialidades? Ou ainda, como tais narrativas se relacionam com a alteridade e a dimensão ética da memória?

Pensando tais questões a partir do projeto Moradores: a humanidade do patrimônio, realizado pela Agência Nitro e Alicate, cujos registros estão disponibilizados no site www.projetomoradores.com.br, especialmente olhando para o filme com depoimentos de moradores, vemos uma estética que aciona recursos expressivos como a coloração em preto e branco, o close no rosto dos depoentes e o vínculo com algum objeto material que funciona como vestígio de tempos outros.

Os rostos dos moradores, além de estarem presente de forma emblemática no filme, também compõem uma galeria de retratos no site e uma exposição em um local público do lugar onde o projeto é realizado. É o rosto, o olhar dos moradores, o registro mais expressivo do projeto.

Tomado como uma iniciativa de memória, Moradores tem algo de efêmero, parece não ter pretensão de permanência. Passa pelos lugares, rompe uma certa cotidianidade, mas se coloca como uma intervenção de passagem, como uma intermitência num cotidiano também intermitente.

Os moradores que participam do projeto, ainda que anônimos, têm seu rosto reinscrito naquele território do qual fazem parte e ao qual constituem, num processo constante de atribuição de sentidos e experiências. Reafirmam seu vínculo àquele território simbólico e afetivo que é a cidade, a região, o bairro, a rua, produto e produção da vida partilhada entre seus moradores. São rostos destacados da massa de moradores, retirados de sua invisibilidade e evidenciados no mesmo local ao qual se vinculam.

O território, sujeito à efemeridade da intervenção que marca tanto a gravação dos depoimentos quanto a exposição temporária, acaba sendo reterritorializado num outro espaço, que é o filme. Este, juntamente com os retratos expostos numa galeria, passam a compor uma nova cidade, nova região ou novo bairro, agora no ambiente virtual. Quando deslocados para outro espaço, o virtual, seja no site ou no perfil do Instagram, tais rostos parecem ser desterritorializados e reterritorializados, desvinculando-se temporariamente de seu território de origem, mas reterritorializando-o no ambiente virtual. Um território feito por rostos e falas que se instaura como memória no espaço também efêmero do virtual.

Tais localidades, apreendidas por meio dos rostos e narrativas de seus moradores, estas vinculadas às experiências mais individuais de cada um, torna-se também uma memória-arquivo no novo território que o espaço virtual configura. Um território simbólico e afetivo que se assenta nos lampejos de rostos nas fotografias, nas intermitências de memórias conjugadas aos frames de retratos no filme, e que se reterritorializa no ambiente virtual. Diante disso, nos perguntamos: qual o papel do rosto, em destaque nesta iniciativa de memória?

O rosto, lugar ímpar do reconhecimento da alteridade (LEVINAS, 2014), funciona como uma âncora de identidade, como o elemento singular que confere corpo a cada lugar. Mais que o nome, pois este não é mencionado, é o rosto, a expressão de cada morador, o elemento que se repete, que ganha força e que confere uma certa unidade às histórias desses lugares. Em todas as suas edições, o projeto apresenta, nos seus registros divulgados no site, o rosto como ponto central, que encarna temporalidades diferentes e experiências particulares mas, ao mesmo tempo, compartilhadas sobre um território.

Se o rosto é, na perspectiva de Emmanuel Levinas, não uma representação, mas uma “transcendência que não se tornará nunca imanência. O rosto do outro é a sua maneira de significar” (LEVINAS, 2014, p. 27–28), podemos inferir que os rostos dos moradores significam aquele lugar. Trazem em suas expressões marcas das experiências ali vividas e da reação ao chamamento para dizer sobre elas. O rosto parece ser o que confere identidade ao território, o que corporifica as histórias que cada morador carrega e as experiências cotidianas que atravessam tempos, dotando de sentido aqueles espaços.

No filme, os rostos, embora ainda possam ser entendidos como uma recorrência, possuem um grau menor de permanência. Aparecem como lampejos, como marcações que se intercalam em um ritmo que parece dizer da dinâmica do próprio lugar, do ir e vir, dos fluxos, trânsitos e trocas que ditam a vida cotidiana.

Adentramos o território por meio dos rostos, ora tímidos, ora emocionados, mas sempre diversos, plurais. Isso nos leva a pensar a região, o bairro e a cidade a partir dos diferentes territórios que os constituem, uma vez que a relação entre estes e os moradores não é homogênea. Há que se pensar em territórios, de naturezas diversas, que atravessam tais espacialidades.

As experiências narradas não se prendem nem são aprofundadas. Lampejam feito vagalumes, oscilando entre aparecências e desaparecências, compondo um todo de narrativas fragmentárias, experiências pinçadas que se conectam principalmente pelos rostos e pelos territórios.

Entre lampejos de lembranças e dizeres nostálgicos sobre o ontem, o hoje se faz presente nos rostos sorridentes, nas imagens das ruas em movimento, nas fachadas tomadas pelas cicatrizes do tempo, nas fotos desbotadas que alguns deles trazem nas mãos. Partem de uma individualidade, ou de uma experiência corporificada, mas esbarram num coletivo, numa proposta também política, que se alcança por meio de variações imaginativas (RICOEUR, 2010) sobre o que foi, o que é e o que pode ser de cada lugar.

Aqui, narrar-se e narrar o outro, ver-se como o mesmo, como o elemento de permanência diante da mudança do bairro ou da cidade, leva a um exercício de imaginação tomada como gesto político, a partir do qual o outrora se encontra com o agora e enunciam o porvir. Mais que revisitado, o passado parece ser instituído no presente.

Assim, as temporalidades coexistem em fricção contínua com as espacialidades: a cidade, a região, o bairro, a rua, o filme, o ambiente virtual. Reverberam lembranças do que tais lugares já foram, ao passo que registram como é a dinâmica do bairro hoje e as potências de imaginação de um futuro que pretendem alcançar. Ao mesmo tempo, os rostos evidenciam também as temporalidades coexistentes, encarnadas em cada morador, que relatam modos de vida singulares, condições diferentes de existência naqueles espaços, instituídos narrativamente a partir da memória de cada morador.

O território afetivo confunde-se com o território físico, mas atravessa-o, uma vez que, por estar encarnado no morador, o patrimônio maior, alcança outras esferas para além dos seus limites físicos.

Para a memória, os limites territoriais são facilmente ultrapassados pela experiência e pelos afetos. São conformados, ainda, outros territórios no espaço virtual em que tais filmes e retratos de rostos são expostos, num processo de reterritorialização que institui narrativamente os lugares abordados pelo projeto.

Ao adentrarmos os lugares por meio do projeto “Moradores”, o patrimônio material, imaterial e simbólico dos lugares, suas histórias arquivadas em cada morador, cujo olhar singular, evidenciado nos closes em preto e branco dos rostos de pessoas ordinárias, nos convoca a fazer parte desse coro. Conforme Levinas, “(…) o rosto do próximo como portador de uma ordem, que impõe ao eu, diante do outro, uma responsabilidade gratuita — e inalienável, como se o eu fosse escolhido e único — e o outro homem, absolutamente outro, isto é, ainda incorporável e, assim, único.” (LEVINAS, 2014, p. 28). Se olhamos esses rostos contando suas histórias, eles também nos olham de volta.

Recentemente, superamos os cinquenta mil mortos pela Covid-19. Cada um que compõe aqueles números, atualizados diariamente, traz uma história. Histórias únicas que se tornam estatística. Vidas perdidas que fazem nossa curva se parecer mais com uma flecha ascendente, crescendo numa escalada mórbida. Não são números. Não deveriam ser enumeráveis. São inumeráveis. E é esse o nome do projeto que busca ser um memorial virtual com a história de vida das vítimas da Covid-19 (https://inumeraveis.com.br/). A proposta, segundo seu idealizador, Edson Pavani, é “nos conectarmos com a ausência dessa pessoa, significar a ausência.” Se o período impõe despedidas quase solitárias, numa crueza que atrapalha até mesmo a vivenciar o luto, o “Inumeráveis” permite significar essa ausência, retirar uma existência das estatísticas. Não são mais um número nem mais um corpo enterrado numa vala comum.

Ao mesmo tempo em que permite um gesto familiar de homenagem, num momento em que se interdita o rito pleno da despedida, o “Inumeráveis” torna-se um importante gesto de memória do tempo presente, um memorial do agora. Especialmente no Brasil, que tem tanta dificuldade de encarar as partes sombrias de seu passado, talvez um gesto como esse ajude que as vidas perdidas não caiam no esquecimento. Talvez evite que o tempo, que dizem curar todas as feridas (colocando em dúvida se um dia elas existiram), não perca suas cicatrizes, para não esquecermos essas histórias e essas dores. Talvez num futuro não tão distante, além de significar cada ausência, possa ajudar na compreensão deste tempo e realidade ainda nebulosos que estamos vivenciando.

Em parceria com o “Inumeráveis”, o jornal O Globo também prestou homenagem às dez mil vítimas brasileiras, no dia 10 de maio. A capa trouxe seus nomes e, nas páginas internas, breves relatos de suas histórias de vida. Num gesto semelhante, o The New York Times também colocou o nome de mil vítimas em sua capa, em 24 de maio, quando os Estados Unidos alcançavam os 100 mil mortos.

Nomes viraram manchetes, vidas deixaram de ser números, dores deixaram de ser particulares. Significar a ausência e reconhecer o valor da vida. Dar oportunidade aos familiares de fazerem suas homenagens, suas despedidas. Em tempos de “e daí”, resta-nos reumanizar o humano.

Para os que ficam e desejam contar suas experiências em tempos de pandemia, o projeto “Cartografia das memórias” (cartografiadasmemorias.xyz), realizado pelo Laboratório de Emergência — Covid-19, busca registrar e preservar, por meio da produção colaborativa de um mapa de relatos orais, as memórias de vivências pessoais durante a pandemia de Covid–19. Um outro gesto de memória do presente, de construção de registros dessa experiência coletiva a partir de perspectivas individuais.

Talvez neste momento só nos reste mesmo essa inflexão mais subjetiva, que diz dos nossos tempos de espera, de um olhar interior que nos permita seguir. Construir uma nova rotina e fazê-la fluir, marcar os fins de semana e as datas comemorativas têm sido para mim uma forma de escapar e sobreviver ao lado de fora. Mas este nos alcança, inevitavelmente.

Durante este tempo de isolamento social, tem sido interessante pensar e observar nosso comportamento enquanto seres sociais que somos. Se, por um lado, há uma grande preocupação com nossa sobrevivência - ao vírus, à escassez de recursos, às crises políticas que se acenam constantemente -por outro lado, tenho percebido grandes movimentos de encontro ao outro, gestos de solidariedade, máscaras sendo confeccionadas para doação, ações das mais diversas naturezas que nos fazem mover do nosso casulo e ter o entendimento que não estamos sozinhos nem nas mesmas condições no enfrentamento desta crise.

Que, como numa grande teia invisível, nossos laços são mais fortes do que pensamos. Que, se o outro não tem condições básicas de saneamento, de existência, todos perdemos. Que depende da consciência de cada um se proteger para não contaminar nem ser contaminado e, nesse gesto, não há como pensar em si e sem levar o outro em conta. Há que se ter o entendimento de como a individualidade afeta o coletivo, em todos os sentidos, desde sempre.

Nas palavras de Ailton Krenak, é possível que a noção de humanidade venha a se dissolver e, por isso, é preciso direcionar energia para o sentido da vida. Talvez estejamos, como ele considera, vivendo uma guerra de mundos, como a que os povos indígenas vem vivendo desde 1500. Talvez essa pandemia venha implodir um modelo até então vigente ou mesmo trazer à tona outros mundos e existências possíveis. Uma volta a nós mesmos, um entendimento de que somos natureza, uma forma de se viver no passado e ser o futuro. O poema “Viagem de si a si mesmo”, de Carlos Drummond de Andrade, em Alguma Poesia, parece dizer do momento que estamos vivendo: “(…) Ao acabarem todos / só resta ao homem (estará equipado?) / a dificílima dangerosíssima viagem / de si a si mesmo: / pôr o pé no chão / do seu coração / experimentar / colonizar / civilizar / humanizar / o homem / descobrindo em suas próprias inexploradas entranhas / a perene, insuspeitada alegria / de con-viver.”

Espero que nesta descoberta de nós mesmos nos redescubramos também como coletividade, como nós de uma teia que só toma forma pela conexão, pelo sentido plural. Que tenhamos oportunidade de fazer diferença, de construir novas formas de existência menos centrados nas nossas individualidades e mais atentos à nossa interdependência e força coletiva. Sejamos, no plural.

Enquanto o número de mortos segue em ascendência, mobilizações antidemocráticas também se fazem presentes nos noticiários, compondo fluxos encadeados de memórias não lineares, círculos de temporalidades do passado para o presente e vice-versa, que nos dizem de um desejo de passado, até mesmo não vivido, como uma certa nostalgia embaçada ou mesmo cega. Não acertamos as contas com o período mais difícil da história do Brasil, e talvez por isso mesmo, esse passado volta e meia nos assombre e se faça ainda presente como desejo de futuro.

O passado também nos alcança nas comparações do cenário pandêmico de 2020 com o da gripe espanhola do início do século XX, um futuro-presente repetindo o passado. Como bem sinalizou a professora Marialva Barbosa, em live feita pela Memória da Eletricidade, nesses 102 anos que nos separam há mais permanências que rupturas. Enfrentamos os mesmos desafios que nos mostram que não evoluímos como humanidade: morte dos mais pobres fruto da desigualdade social, prevenção que esbarra na falta de acesso a recursos básicos de higiene, posicionamento negacionista dos governantes, ataque ao jornalismo. Não aprendemos nada. Foram 102 anos de esquecimento dessa chaga vivida, 102 anos em que nada mudou, 102 anos de anestesia, amnésia, abstenção.

Ouvir da professora Marialva como lidamos com isso, ver que resistimos, mas que falhamos como coletividade, me leva a pensar na urgência de se fazer diferente desta vez. Estamos tendo uma segunda chance. Espero que não seja necessária uma terceira daqui a cem anos para checar se evoluímos como humanidade. Espero que o futuro não repita o passado. Em nenhuma das duas situações.

Refiro-me à reabertura do comércio em Belo Horizonte exatamente hoje, 25 de maio, o que fez com que minha percepção sobre a cidade e sua paisagem sonora, naquele início de abril, agora seja bem diferenciada. Se antes os passarinhos e as conversas de outros isolados como eu tomavam conta da paisagem sonora, hoje o som dos automóveis estão dominando.

Por outro lado, a minha inquietação sobre as realidades paralelas no enfrentamento da pandemia foi ainda mais acirrada e tem sido cada vez mais reforçada: não estamos em condições de igualdade no enfrentamento dessa crise e, mais uma vez, quem está no lado mais fraco da corda está sofrendo as consequências mais graves. Eis aqui então um minhas percepções registradas em 09 de abril de 2020.

Semana 4 — Realidades paralelas

A cidade dorme. Silencia-se. Aquieta-se. O que percebo, cá do meu canto, é que outros sons da cidade têm se feito mais presentes, tais como os dos pássaros, ou mesmo as conversas em outros apartamentos ou casas vizinhas. Parece que há um silêncio pairando sobre um cotidiano em suspensão, em que o menor ruído ocupa um grande espaço. Começo a notar a presença constante de sons de insetos, compondo uma massa sonora sobre a qual se projetam cantos de diferentes pássaros — que só agora consigo perceber mais nitidamente — cigarras, falas e risos de outros confinados, entrecortados eventualmente por um som de motor. Este, cada vez mais raro. A cidade, entre a resistência e a persistência, vai encontrando outros modos de cotidiano, menos marcados pelas agendas, pelos dias, pelas horas.

Embora a cidade reflita uma nova condição imposta pela pandemia, sua alma, as gentes que a constituem em sua diversidade, que a fazem pulsar, traduzem realidades muito diferentes, infelizmente ainda mais evidenciadas nesse período. Essa experiência, embora coletiva, é vivenciada de forma singular. Cada um está passando por ela conforme sua realidade mais particular e nem sempre isso tem a ver com a maior ou menor consciência do impacto individual sobre o todo. Não estamos em iguais condições no enfrentamento dessa crise e não contamos com diretrizes claras para a condução da vida em tempos de pandemia e mesmo projeções sobre possibilidades de retomada.

Entre incautos, indispensáveis e ensandecidos, que compõem realidades paralelas muitas vezes conflitantes, ficamos à mercê de atitudes individuais que impactarão no coletivo, o que se materializa em gráficos e números ascendentes a cada dia.