tudo na cidade pode ser relativo a uma força fundamental da natureza que atrai ou repele algo. em outras palavras, vivemos como ímãs, numa relacionalidade inerente entre nós, indivíduos, e as coisas. foi a partir dessa condição que EP Magnets foi criado, e ao ouvi-lo, é possível perceber que muito mais do que imaginamos ao nosso redor é magnético.

a antiga subestação elétrica Riachuelo em São Paulo, um marco da história da eletrificação da cidade e da transformação urbana, torna-se um espaço para experimentar novas máquinas e sensações. conectar a escuta às práticas espaciais do centro paulistano é também refletir sobre as variadas propriedades que emergem do cotidiano cinzento, conduzindo seu magnetismo para o som.

encontros efêmeros ou perenes pelas ruas, a condução de calor através dos pés embrazados riscando o chão, infraestruturas visíveis e invisíveis operando no subterrâneo, elementos encontrados em terras raras, o gume afiado do meio-fio.

um sintetizador programável, um piano elétrico e uma bateria eletrônica respondem e geram uma liga estável com a arquitetura no disco rígido de São Paulo. ferro, níquel, aço, cobalto: são, de fato, tecnologias avançadas de escuta do dia a dia, ímãs fundamentais para as soluções das cidades modernas.

27 de setembro de 2024.

ouça e compre o EP aqui: https://tiagofrugoli.bandcamp.com/album/magnets

já compartilhei algumas coisas por aí nas minhas redes, mas cumprindo a promessa que fiz para meus amigos, é importante contextualizar o que me trouxe até Toronto. em março deste ano, cheguei aqui para realizar parte do meu doutorado em Arquitetura e Urbanismo (FAUUSP) na Universidade de Toronto, mais especificamente no Afrosonic Innovation Lab, sob a supervisão de Mark V. Campbell (aka @__djgrumps__). Mark é professor, DJ, curador e uma referência no que diz respeito às vidas afrossônicas e outras coisas. desejei muito estar aprendendo com ele e com outras referências que tinha neste lado norte do Atlântico.

sucintamente, estou em busca do que estou chamando de epistemologia da vibração e de modos de ser e fazer a cidade através de sonoridades afrodiaspóricas no século XXI. vim até Toronto com o recorte de pesquisa “vibration digging”, no qual tenho me empenhado a construir metodologicamente a pesquisa em torno de práticas negras de produção de conhecimento e analisar como comunidades sonoras nas Américas produzem e moldam o espaço urbano. esse recorte é inspirado na prática (que inclui a minha própria) da pesquisa de discos de vinil, que aqui julgo ser social, política, geográfica e comprometida com o fazer ciência anticolonial. isso engloba, então, aprender e trocar com pares, histórias, arquivos, músicos, artistas, pessoas de diferentes lugares, festas, lojas, rotina, espaço, etc.

não conhecia nada e praticamente ninguém em Toronto, mas a arqueologia da vibração é assim: ela frequentemente acontece no desconhecido ou invisível. posso dizer que desde março, o processo de “digging” tem me inspirado. passei a encarar a escrita como apetite insaciável, ao invés de um medo paralisante. discos empilhados, caixas entreabertas, emoções. silêncio. nem sempre em ordem. através das repetições e da escuta atenta, tenho descoberto novas camadas de conhecimento que aos poucos tento colocar em páginas brancas. o norte da saudade pindorâmica também está permitindo que eu ouça as nuances e sutilezas da vida.

a caminhada é dura; há muita inquietude e solidão nesse processo. incontáveis vezes, nesse curto período, me sentei para escrever e estava desnutrida de palavras, ou mastiguei minha raiva com as condições do contexto, ou engoli as lágrimas enquanto escrevia. mas tudo, do pouco ao muito que me acontece, é motivo para agradecer pelo caminho, que mesmo quando não sei como caminhar, sigo caminhando (como Jamal me disse um dia). não confundam apetite com gula… tenho muito a dizer… fato é que a presença da rede de suporte é o mais nutritivo dos alimentos, e com isso, o agradecimento e a amizade talvez sejam os ingredientes mais importantes.

esse intercâmbio é financiado pela bolsa CAPES/PrInt. (...)

ainda não acabou, mas já antecipo a receita. agradeço a mim por não desistir; à minha família por acreditar; aos amigos por não me deixarem esquecer; à rede por apoiar; ao lab em nome de Mark, Safia, Pablo, por serem esse sopro de motivação nessa temporada; à minha rede acadêmica (que também são amigos), em especial a Lurdinha, Gaia, Tiganá, Amália, que nesses três últimos anos me ajudaram a construir vários degraus que me trouxeram aqui. agradeço também à educação pública de qualidade proporcionada a muitos de nós, brasileiros.

a tese? deve vir aí ano que vem! fé.

escrito em 16 de junho de 2024.

(nota escrita 21 de março de 2023, hoje a publico aqui em memória da minha tia Zilma Rodrigues, ou tia Mulata)

Quando meu vô Milton (paterno) faleceu eu tinha quatro meses de vida. Cresci olhando pra uma fotografia dele em cima do aparador da casa dos meus paise e sempre tentei imaginar como ele seria hoje, posturado e elegante como de costume, na certeza de que a gente se daria muito bem. Em compensação, tive o privilégio de viver grande parte da minha vida com minhas outras avós e meu vô Geraldo. Cresci literalmente agarrada no quintal e na cozinha da minha vó Luiza, que não gostava nem um pouco de aparecer em foto e julgo dizer que era um dos sorrisos mais difíceis de tirar, o que me desafiava toda vez que a encontrava. Rumores da familia dizem que os pais dela Francisco Nunes era de Portugal e Inácia Berger da Itália, mas minha vó, única mulher de 5 irmãos, se trancou em si e ela mesma não falava nada da sobre sua história. As vezes não lembrava, as vezes não sabia, outras, penso que queria mesmo esquecer. Criou sua armadura na lida doméstica e foi com ela que aprendi na quietude ríspida sobre o amor.

Era de praxe toda vez que eu ia pro Espírito Santo, minha vó Luiza cozinhar uma panela de feijão preto e de galinha para que levasse de volta na viagem. Várias das vezes eu dizia “vó, não precisa se preocupar… eu tenho ficado pouco em casa, é muita comida pra mim”, mas toda vez que retornava para SP, aquelas marmitinhas de me salvavam da fome dos afetos dessa cidade por no mínimo duas semanas.

Talvez o fato de ela se fechar em tantas camadas, me fez parecida nesse aspecto e fez com que eu demorasse pra conseguir assimilar o vão que ela deixou desde que fez sua passagem em novembro de 2022. Dia 30/03 é aniversário do vô Milton, sexta passada (17/03) foi da vó Luiza. E na herança dos doces gestos do meu vô, agora, tenho pra oferecer minhas ainda poucas palavras e meu grande amor à Luiza e Milton, como lembrança desta. Maria Luiza. Hoje e sempre.

um ótimo pretexto para dar som em parte desses pensamentos é o set direito à terra, direito à festa, que pensei para o programa rio doce a convite do querido Caio Rosa, transmitido mensalmente pela rádio NTS. idealizado por Caio, o programa propõe uma imersão na música brasileira através de suas raízes e ramificações e com isso, pude fazer um passeio, real e imaginado, por territórios prometidos, dominados, reconquistados, densos, festeiros através do reggae, jazz, experimental, soul e mais.

Rio Doce w/ Maria Luiza de Barros 3rd January 2024

de modo geral, diria que a relação entre ambos os motes é complexa e cheia de camadas, a luz de cada contexto específico, antecedentes históricos e desafios. entretanto, uma coisa é certa: terra e festa são duas presenças-reivindicações da vida negra seja na diáspora ou em África.

possuir uma terra (leia-se também no sentido amplo de moradia), especialmente para aqueles a quem isso foi negado anteriormente, pode ser uma fonte vigorosa de alegria, representa segurança, independência e a capacidade de construir uma vida, uma comunidade ou um legado em seus próprios termos. da mesma forma que, ter possibilidade de festa é manter acesa a conexão espiritual, além do que, festa suscita diversão e revolução, pois é onde ideias se encontram, somam e multiplicam a revelia pelo espaço. festa pressupõe ter um chão para acontecer.

por isso me interessa tanto um diggin em observações ordinárias radicais na cidade, sonhos emancipatórios e práticas revolucionárias de pensadores para criar uma história espacial polifônica.

if you listen about revolution is joy to come, e o contrário também é verdadeiro.

(anotação depois de visitar a exposição Granada Shifting the Centre: Grenada as Reference, Londres, maio de 2023.)

a curadoria para esse set parte de fatos e estímulos de diferentes linguagens e ordens que marcaram meu 2023, desde conversas com amigos, à leituras, viagens, visita a exposições e produções realizadas ao longo deste ano. e meu desejo ao fazer essa seleção musical é relembrar que nunca deixamos de lutar, mas nunca podemos esquecer da vibração primorosa que nos sustenta através da festa.

celebrar e aterrar! para esse 2024 desejo antes de tudo que a terra nunca mais nos falte, para que nossas vidas possam pairar alegres e dançantes sobre ela.

estímulos curatorias

• Encontros e reflexões compartilhados com amigos e amigas, em especial, Caio Silva, Ramon Santos, Vitória Maria Matos, Rafael Segatto, Jamal Gaddis.
• almas festeiras, bons-vivantes e de rua.
• Lei de Terras de 1850.
• The revolution requires a dance/musical break. Reflexão elaborada em 2021. Disponível em: www.instagram.com/p/CK9hEw9jnC1/?img_index=1
• Curso “Culturas, epistemologia e vibrações sonoras na arquitetura e no urbanismo”, ministrado por mim no segundo semestre de 2023, na Escola da Cidade, São Paulo.
• Exposição Granada Shifting the Centre: Grenada as Reference, em exibição no BCA, Londres e visitada em maio de 2023.
• A gente é de festa porque a gente é de muita luta. Entrevista com Juventino Dias para Revista BDGM, agosto de 2023. Disponível em: https://bdmgcultural.mg.gov.br/artigos/a-gente-e-de-festa-porque-a-gente-e-de-muita-luta
• Thandi Ntuli celebra a vida em comunidade como meio de liberdade. entrevista para Revista Noize, novembro de 2023. Disponível em: https://noize.com.br/thandi-ntuli-entrevista-2023/#1
• Dimensões do tempo: comemorar. Por Rômulo Alexis, 2023. Disponível em: www.instagram.com/p/CzXPCEKrROU

tracklist

Beatriz Nascimento — Orí

Promise Land — Dennis Brown

Hugh Mundell — Going Places

Keen Booth — Freedom Street

Marku Ribas — Barrankeiro

Jimi Tenor & Kabu Kabu — Mystery Spot

Tony Allen — Never (Lagos Never Gonna Be The Same)

Racionais Mc’s — Vida Loka, pt. 2

Gil Scott Heron — Inner City blues

Luiz Melodia — Subi o Morro

Jorge Ben — Minha Estrela é do Oriente

Tim Maia — Haddock Lobo

Stevie Wonder — Living for the City

Mauricio Pazz — Negro Movimento

Tânia Maria — Pingas da Vida

Thandi Ntuli — Rainbow Revisited

Wilson Simonal — Quem Mandou

Yussef Dayes — Birds of Paradise

Sault — Warrior

Theo Parrish — Free Myself

aja monet — black joy

Cedric Brooks & the Mystic Revelation of Rastafari — Song For South Africa

Gilberto Gil — Patuscada de Gandhi

Bantu Spaceship — Missava the Arrival

Djalma Correa — Banjilografo

Tony Allen — Celebrate

Jantra — Gedima

Música das coisas, dos bichos e dos vegetais — Marimbondo

(gostaria de dizer sobre samba, jongo, batuque e vários outros fundamentos que não estiveram neste momento)

Demorei pra falar/mostrar sobre, mas dentre as exposições de Basquiat que vi, em diferentes contextos curatoriais e geográficos, a Basquiat Soundtrack talvez tenha sido a que eu mais gastei tempo nela e que me fez conhecer mais Basquiat para além do óbvio e já batido.

Essa foi a primeira exposição dedicada integralmente a relação de Basquiat com a música, que numa imersão entre sons, videos, imagens, instalações recria a atmosfera vibrante dos anos 70 e 80, quando Nova Iorque foi um fervo revolucionário musical underground. E como disse minha parceira Lys Ventura, a exposição facilmente nos transportou para NY.

Da influência do jazz, new wave ao nascimento do hip-hop, inegável que Basquiat vivia a cidade através da música, dos encontros que o som proporcionava nos espaços públicos ou privados e mais do que isso, criava, tocava, pintava, sofria, sorria, se divertia. Intenso como quem morde um cão por comida, matemático como a rima e estética de Rammellzee. Em síntese, pra mim Basquiat é o hip hop, e parafraseando KRS-One, o que o hip-hop vai fazer é realizar o impossível.

Stompin through, with somethin new man, we shockin you

This is what hip-hop’ll do, perform the impossible.

Pisando forte com algo novo, mano, nós te chocamos

Isto é o que o hip-hop fará, realizará o impossível. (tradução livre)

Um outro exmemplo dessa relação é o filme DownTown 81, que marca o pulso de uma era. Entre clubes, becos, bairros em ruínas, o filme acompanha as andanças de um artista e músico quebrado, interpretado por Jean-Michel Basquiat. Em 1980, consciente do dinamismo da cena central da cidade de Nova Iorque, o crítico Glenn O’Brien imaginou o cenário de um filme de ficção que serviria de pretexto para eternizar alguns dos principais movimentos musicais da época, junto de estúdios criativos que se mostravam importantes para a mudança da sociedade.

A exposição também mostrava um pouco sobre o processo e a importância da pesquisa para as criações dele. Não acho que é o momento de escrever muito, mas quem me conhece sabe que essa é uma bandeira que vou sempre levantar: o processo de pesquisa como essencial em qual tipo de linguagem e expressão artística.

“Acredite ou não, a batida, o gingado do som do Harlem antigo que te trouxeram até aqui hoje” — me lembrei dessa frase que estampa a entrada do Museu Nacional do Jazz do Harlem e que me acompanha na vida, afinal, estar em Paris, ser transportada para NY, ao mesmo tempo pensar São Paulo, tendo o som como bússola, régua e caneta, isso é vi.bra.ção.

(Visita à exposição em 06 junho de 2023, Paris- França. Nota escrita em julho de 2023, São Paulo-Brasil)

Referências

Catálogo exposição Basquiat Soundtracks.

Playlist Exposition Basquiat Soundtracks — La Playlist Oficielle: https://open.spotify.com/playlist/0CswrrZMx003Tli9wlMm6v?si=b38e9055b8304375

mas faltou muita música importante nessa oficial, que essa playlist side B contmpla: https://open.spotify.com/playlist/6mb1DKaQXW3DJowgwJvzt3?si=f1bbefd5340445f1

BASQUIAT SOUNDTRACKS: https://philharmoniedeparis.fr/fr/activite/exposition/24617-basquiat-soundtracks

Donwtown 81. Directed by Edo Bertoglio written and produced by Glenn O’Brien. Disponível em: https://www.youtube.com/watch?v=fz1CXm7PbtU

hoje uma artista independente norte-americana repostou uma playlist que fiz em 2019, em que uma das faixas é a música dela. a playlist se chama "ALMA 🍃 sons de 2018 e 2019, neo soul, jazz, r&b e afins que batem fundo — sozinha, no fone, acompanhada, no vinho, só deixa sentir.".

desse simples fato, aproveitei que tô em dias sensíveis, somei reflexões já acumuladas e decidi escrever um pouco sobre meus processos de aprendizagem.

acredito que essa escrita em notas hoje também busca a humanização de pessoas que assim como eu, pensam demais e criam constantemente. o conhecimento não vem pronto, então legal falar dos reconhecimentos e boas ideias, mas justo também é compartilhar do processo e de estratégias no meio do caminho.

por sinal, gosto cada vez mais dessas palavras: processos e estratégias.

enfim, conectando o fato da playlist com as reflexões acumuladas, digo que em grande parte, é através da música que sinto, penso, aprendo ou conto algo. ela segue sendo meu respiro, direta ou indiretamente, em todos os espaços que me proponho estar e segue sendo meu método mais eficaz de conhecimento. explico.

desde muito nova gosto de fazer playlists, mix e sets. as vezes faço apenas pra mim, outras vezes deixo pública e/ou sou convidada. hoje, mais velha, vejo que qualquer projeto ou ideia que se inicia, instintivamente, ela se expressa inicialmente pelo som.

não sou uma leitora assídua como pode parecer por aí. leio muito e gosto, sim, mas com muitas dificuldades, para as quais constantemente tenho que atualizar as táticas de manter a atenção a partir da 5a página.

documentários, amo e também é uma forma super eficaz pra mim. filmes e séries nem sempre, varia de acordo com a paciência e o momento.

gosto das palavras, mas também nem sempre estou de bem com elas, nem elas comigo. testemunho brigas feias nesse encontro.

sempre fui “aluna exemplar”. história, matemática e artes eram minhas disciplinas preferidas na escola. ainda assim, nunca tive facilidade de aprender por meio de muitos textos ou decoreba de fórmulas. eu dava meus pulos, que com o passar do tempo, passei a não querer dar mais ou diminuir a altura deles. afinal, de salto em salto, uma hora a conta da fadiga chega pra atleta, não é?!

então, constantemente busco formas para me liberar a estar em conexão com o formato de aprendizagem mais fluido e leve pra mim.

não sei se a busca terá fim um dia, mas dessa forma, a música se tornou protagonista nesse caminho cognitivo. além disso, um ótimo jeito de me conhecer sem precisar passar pela validação de currículo ou fazer perguntas chatas, é procurar saber o que eu ouço (inclusive no silêncio).

assim como as andanças e viagens são importantes pra mim, penso que talvez o que eu saiba fazer de melhor seja sentir e perceber, com o corpo, a alma, as linguagem e ferramenta que fazem sentido em cada momento.

ah! sentir também é estar vulnerável, porém é estar humanizada. por fim, uma coisa que aprendi é que tenho que manejar a vida na inconstância. nela eu vou querendo viver.

Ando ausente, mas não parada — 2023 tem sido um caminho farto de andanças, aprendizados e referências. Uma delas está nesta nota da série ar[t]ch urb, na qual estabeleço a aproximação da arquitetura e do urbanismo com as artes visuais por meio do coletivo indígena Mahku.

MAHKU (Movimento dos Artistas Huni Kuin) é um coletivo de artistas indígenas da etnia Huni Kuin, também conhecidos como Kaxinawá, originário da Aldeia Chico Curumim, no Alto do Rio Jordão, Acre e fronteira com o Peru. Ibã Huni Kuin, mestre dos conhecimentos do povo Huni Kuin, há alguns se dedica a pesquisar e recriar artisticamente os cantos visionários do nixi pae, a ayahuasca. Em 2009, quando levou parte de sua pesquisa para a Universidade Federal do Acre, passou a experimentar mais e em diferentes linguagens com outros artistas, o que resultou no coletivo que desde 2012 estabelece seu nome/presença no cenário embranquecido das artes, sobretudo das artes visuais.

Em 2017 o Coletivo participou da exposição “Avenida Paulista”, em comemoração aos 70 anos do MASP, referência arquitetônica localizada nesta avenida que convencionaram dizer ser “o coração de São Paulo”. Acredito que todas as pessoas que visitam SP obrigatoriamente passam pelo Museu e querendo ou não, difícil não se impressionar com a genialidade de Lina Bo Bardi (e equipe) ao demarcar a leveza do traço na suspensão densa do concreto e se assombrar com o vaivém da avenida.

Não foi diferente para os Mahku. O coletivo realizou uma série de obras para a exposição, que foi inspirada nas percepções do entorno do Museu, durante a primeira visita dos artistas à cidade de São Paulo e a dita Avenida, em 2016.

Um ligeiro salto no tempo, em março de 2023 pude conferir a abertura da exposição MAHKU: MIRAÇÕES, no MASP (Museu de Arte de São Paulo), que marcou os dez anos do surgimento oficial do grupo. E como a minha percepção geralmente é instantânea para as relações espaciais, em meio a imersão multicolorida de cosmos, entendimentos de mundo e práticas contidas na exposição, algumas obras — no caso, as que também compuseram a exposição em 2017, me chamaram a atenção para esse compartilhamento:

Estabelecendo, portanto, dois pontos de diálogo:

1. Diferente de grande parte das outras obras do coletivo nas quais as protagonistas eram as materialidades — expressadas por corpos humanos, fauna e flora, e as agências invisíveis dos territórios indígenas, a série da Avenida Paulista tem pouca ou nenhuma representação de vida humana e animal, a não ser pela funcionalidade supostamente intrínseca dos corpos que conduzem os automóveis ou adentram os prédios.
2. Além disso, as únicas circularidades, fator que importante que induz movimento, renovação para inúmeras cosmologias não brancas, estão nos verdes e sutilmente no formato dos prédios. O que também é a realidade, claro. Mas isso me fez pensar que as perspectivas apresentadas pelo coletivo podem sugerir também a densidade sufocante e rigidez na castração de espontaneidade em grandes centros urbanos.

Bom, impressões colocadas enquanto não coincidentemente nos últimos meses urbanistas, população e outros profissionais discutem fortemente os impactos negativos da revisão do Plano Diretor de São Paulo. Dentre alguns, destaco a não-novidade dessa revisão do plano diretor embranquecer ainda mais a cidade, prevalecer a cultura carrocêntrica e impor quem pode ou não morar em determinadas áreas. Em recente estudo, pesquisadores do LabCidade reforçam que a verticalização na cidade de São Paulo aparece muitas vezes associada a segregação racial, neste caso produzida pelo Estado como forma de distanciar os territórios populares das áreas ricas — e brancas — da cidade, e não é diferente agora.

Penso que aquela pergunta “cidade pra quem?” já não vale mais, pois a gente sabe há muito tempo a reposta, só não temos todos os mecanismos para jogar contra a máquina mortífera que é o mercado imobiliário, enquanto a mercadoria “cidade” e todos os tipos de vida que a compõe sofres as imensuráveis e agressivas transformações. São fios finos, porém fortes que conectam mirações à essa discussão. A batalha é difícil na subversão desse contexto, as demandas extensas e importante que nunca deixemos de considerar a discussão do invisível na pauta urbana, pois também é uma operação de cidade, afinal ar é vida, mirações são diagnósticos socioespaciais e tecnologias para um possível futuro habitável.

Referências

Exposição MAHKU: MIRAÇÕES. MASP, 2023.

Exposição Avenida Paulista. MASP, 2017.

Facebook coletivo Mahku.

A verticalização de mercado em São Paulo é branca, por LabCidade FAUUSP, 2023.

andar pela cidade sempre foi crucial para condição ética, criativa e estética da minha vida. desde nova nos deslocamentos. foi possível entender que ‘da ponte pra cá antes de tudo é uma escola’.

depois dos intensos dois anos de geografias subtraídas, retornei aos ‘territórios percorridos e a percorrer’ como disse Beatriz Nascimento e senti tudo de novo ~ tudo novo. nesse dia em específico me senti presente e na presença lidar e atuar com as coisas — é tudo ali acontecendo.

II.

eu me sentia viva. radiando. vivendo-pensando-fazendo, sem nenhum dos impeditivos fronteiriços.

<o que vc faz e onde você mora?>

sonhadora e inquieta.

vivo entre o caos e o silêncio.

esses dias me assustei ao dar conta que faz quase uma década que tô aí no caminho pensando/praticando/vivendo/criando com a pesquisa — na cidade, música e arquitetura. me assustei porque essa é uma condição que custa muito. na negação e no desconforto entre lidar com a lógica instagramavel ou acadêmica (tudo a mesma coisa sob contextos diferentes), tô Interessada em criar na/com a vida.

[trechos de nota no dia 27.08.22. Harlem, NY e compartilhando só agora pois ciclo novo, sensível e furiosa pra 2023]

de início, mesmo me questionando se eu era ideal pra essa seção, pensei que por estar sempre em face da memória, seria algo suave. mal sabia que, da densidade do significado da própria palavra ao percurso que ela assume nas existências afrodiaspóricas, tinha muuuito mais pista a decifrar para chegar à isso que é. uma “possível salvação” do que resta entre os tempos. e foi isso que tentei expressar no verbete “sɑlvɑçα̃o & lembrɑnçɑ: pistɑs dɑ memóriɑ”, que integra o material educativo e e-book do projeto.

tudo que eu faço é em colaboração, estou sempre em uma conversa com outras pessoas. então chamei pra essa conversa meu vô Geraldo (nascido na divisa ESxRJ) que me conta histórias dos batuques que ouvia por ali; minha tataravó Emília (da divisa RJxMG) que era “do mato” e foi “pega no laço”; minha mãe (cresceu na divisa MGxES), que me ativa todos esses trânsitos; minha amiga Vitória Maria Matos, que no Atlântico da saudade completou algumas pistas desse mapa; e Raahsan Roland Kirk, que me preparou para lidar com um milagre das lembranças.

nessa mesa também tinha Clementina, Leda, Hartman, Toniquinho Batuqueiro, Madlib, Tiago Frugoli e vários e váriasss. só agradeço pelas trocas.

no fim, assumi/aceitei que a memória se bagunça no caminho. essa é minha condição com ela.

parte dessa conversa está na playlist que completa o texto.

passeando pela divisa com Rubiane, para essa nota, deixo uma pista que encontrei feliz:

PONTO 8: -18.950880, -41.064740

SERRA DE CUPARAQUE E PEDRA DO PESCOÇO MOLE: Cuparaque, MG / Alto Rio Novo, ES – Brasil

Refúgio

Raízes e cristais

Espaço oco > osso oco de pássaro

Contorno

Sentir-se em casa

*

Imagem

Trabalhar com o que foi perdido,

incluindo a perda da capacidade de expressão

Arqueologia psíquica,

entradas e saídas

pra conferir na íntegra o material desse projeto que sou inteira admiração pela Rubiane e Beto, que conta com imagens lindíssimas, textos cósmicos e diálogos geográficos cola no site projetodivisa.com.

Projeto divisa

Projeto Artístico I Instalação Online I Rubiane Maia | 2022

Parceria: Matias Brotas Arte Contemporânea

Apoio: Realizado com recursos do Funcultura. Secretaria de Cultura do Estado do Espírito Santo (Secult/ES)

#rubianemaia #projetodivisa #divisaes #secultes

[parte da nota publicada em dezembro de 2021 na página de instagram vi.bra.tion]

fixar isso na mente-fixar isso na mente-fixar isso na mente e caminhar.

o radical sem a radicalidade só figura. por isso, arquitetura é música, silêncio, ruído, grito solto, sussurro, sonho. É IMPROVISO E DESCONTINUIDADE <> reconhecer essa motivação e todo o mar que se passa dentro de mim mesma para pensar as espacialidades negras pelo pensamento ra/d/c/ial é o movimento para seguir por aqui até o tal horizonte. como disse Sun Ra “𝑎 𝑒𝑠𝑐𝑢𝑟𝑖𝑑𝑎𝑜 𝑒 𝑎 𝑙𝑢𝑧 𝑑𝑜 𝑐𝑜𝑠𝑚𝑜 𝑜 𝑞𝑢𝑒 𝑝𝑒𝑟𝑚𝑒𝑖𝑎 𝑡𝑢𝑑𝑜. 𝑒𝑢 𝑡𝑒𝑛ℎ𝑜 𝑚𝑢𝑖𝑡𝑜 𝑜 𝑞𝑢𝑒 𝑑𝑖𝑧𝑒𝑟” ~ há muito o que dizer sobre nossas existências e produções. 𝑡ℎ𝑖𝑠 𝑖𝑠 𝑚𝑦 𝑑𝑎𝑦.