Sometimes, primeiro álbum do projeto encabeçado por Dallas Green, City and Colour, completa duas décadas em 2025.

Por: Matheus Campos para Rockstage Brasil.

O ato de desacelerar é subestimado. Em tempos de superestímulos e dopamina barata, a rotina frenética e a pressão por produtividade deixam pouco espaço para o respiro. Há 20 anos, em meio às turnês caóticas de sua até então banda principal, Dallas Green encontrou esse momento de desacelerar e criou o City and Colour, lançando seu primeiro álbum, Sometimes.

Era 2005. Enquanto a banda canadense Alexisonfire dominava a cena post-hardcore com a extensa (e intensa) turnê de divulgação do disco Watch Out! — em shows conhecidos pela visceralidade dos riffs de guitarra ferozmente agressivos e pelos berros. Energia lá no alto, sem descanso —, o guitarrista e vocalista de apoio Dallas Green fazia, nas cidades por onde passava, pequenas apresentações acústicas e intimistas.

Sozinho, voz e violão, o cantor e compositor apresentava bonitas canções de forte influência folk que começaram a circular em gravações e nas redes da época, criando uma base de fãs própria. Essa foi a gênese do álbum Sometimes, primeiro disco do City and Colour e projeto que representou a virada de chave na carreira de Dallas.

No dia 1º de novembro de 2025 comemoramos os 20 anos desse registro, que nasceu com um propósito despretensioso: reunir as canções que Dallas vinha compondo e apresentando nesses shows paralelos, mas que não se alinhavam à sonoridade de sua banda principal. Para batizar o projeto, surgiu o nome City (Dallas) and Colour (Green).

Com 45 minutos de duração e 10 faixas, Sometimes não precisa de muito para discursar. O disco reúne canções memoráveis que ainda hoje fazem parte dos repertórios do projeto — que, com o tempo, ganhou novas proporções, tornando-se a principal atividade de Dallas Green e alcançando públicos que o Alexisonfire dificilmente tocaria.

A sonoridade do álbum é bucólica — perfeita para ouvir em viagens, na estrada ou à beira de uma fogueira. A estrela do disco é Dallas: seu violão folk de cordas de aço e, principalmente, sua voz, que combina potência e um timbre doce, aveludado — uma característica que já se destacava no próprio Alexisonfire, contrastando com os berros do vocalista principal, George Pettit. Exemplos dessa dualidade não faltam, como em It Was Fear of Myself That Made Me Odd e Side Walk When She Walks, ambas do álbum Watch Out.

A produção simples, assinada pelo próprio Dallas e Julius Butty, reforça esse clima idílico. Há pianos e sintetizadores pontuais, que soam poucas notas em momentos precisos, e guitarras limpas inseridas de forma estratégica, conduzindo melodias sutis que complementam o protagonismo do violão de Dallas.

Algumas canções ganharam, posteriormente, arranjos mais “eletrificados” para as apresentações ao vivo. Não posso deixar de mencionar esse vídeo específico de Hello, I’m in Delaware, minha música favorita do álbum (e uma das favoritas da vida). Mesmo com toda a crueza e imagem amadora, a execução é tão linda e sensível que chega a doer. Pedindo licença para uma curiosidade pessoalmente mórbida, é a música que eu gostaria que me acompanhasse no dia em que eu meter o pé deste plano — espero que daqui a um bom tempo.

Liricamente, trata-se de um trabalho confessional. Praticamente todo o álbum — com exceção de Comin’ Home — foi composto em fases anteriores da vida de Dallas, como uma forma de escape, incluindo períodos de sua adolescência. Temas como a saudade do lar (Comin’ Home), os arrependimentos após o fim de um relacionamento (Like Knives) e a solidão (Sam Malone) dão ao disco um tom profundamente pessoal que norteou os demais trabalhos do projeto.

O pós Sometimes é história. O que começou como uma válvula de escape, um projeto secundário, se tornou o plano principal de Dallas Green. Hoje, o City and Colour, agora com uma banda completa em palco, é um sucesso consolidado, especialmente no cenário da música indie, lotando casas por onde passa — incluindo três passagens pelo Brasil: 2015, 2016 e 2024.

E esse caminho alternativo só foi possível porque, há 20 anos, Dallas decidiu desacelerar e explorar novos ares com Sometimes. É o caos, pelo menos por um tempo, cedendo lugar à calmaria e abrindo perspectivas até então ocultas pelo véu da euforia.

Explosivo e escrachado, Budang lança um dos trabalhos mais relevantes da música pesada brasileira em 2025.

Toda vez que escuto o hino do meu país, a Zona Oeste do RJ — “Zona Oeste”, do MC Marcinho (de Bangu) e Bob Rum (de Santa Cruz) — , tenho aquele sentimento de pertencer ao lugar onde nasci. É uma familiaridade com o espaço físico que serviu de cenário para toda a minha história, mesmo em meio a tantas contradições e problemas. Estranhamente, ao ouvir Magia, primeiro álbum dos catarinenses do Budang, senti esse mesmo conceito gritar — nas cenas do cotidiano em Florianópolis, retratadas com uma linguagem cheia de gírias, humor e vivência. Autêntico HC da Magia. Inclusive, o que é um “Tsonenson”?

O hardcore brasileiro passa por uma fase muito interessante, nos brindando com bandas absurdas no naipe de Clava, Mee, Pele Fria e Bayside Kings. Concebido em 2019 por Vinícius Lunardi (guitarra), Pedro Sabino “Pit” (baixo), Felipe Royg “Minhoca” (bateria) e Guilherme Larsen Güths (voz), o Budang é um dos representantes mais proeminentes dessa galera — com um som que bebe da fonte do hardcore de Baltimore, na linhagem de nomes como Trapped Under Ice (e seu “primo rico” que todos sabemos quem é, certo?), Angel Du$t e Mindset. Tudo isso com aquela jocosidade genuinamente brasileira.

E esse corre — que inclui os EPs anteriores 不当 (2019), Vendo Clio 2009, Prata 4 Portas!! (2020) e Astrologia, Destinos & Salmos (2022) — acabou chamando a atenção da Deckdisc, selo que vem abrindo espaço para novos nomes como MC Taya, Punho de Mahin e Eskröta. É nesse cenário que em outubro de 2025 o Budang lançou o esperado Magia. 16 músicas, 31 minutos de porrada na orelha.

Unindo instrumentais eletrizantes com letras recheadas de gírias regionais catarinenses, o disco entrega um hardcore com aquele ar gostoso de “não se levar tão a sério” — ainda que traga, aqui e ali, mensagens sociais relevantes e uma produção de ponta, essa sim realizada com seriedade ímpar.

Como citei no início do artigo, o conceito geral do trabalho gira em torno da identificação com o lugar de origem da banda. O próprio título — Magia — faz referência ao famoso apelido de Florianópolis, a “Ilha da Magia”. A partir daí, o Budang fala (com muito sotaque) sobre o cotidiano, os problemas e a vida na região. Abaixo, vamos explorar faixa por faixa desse trampo.

Microfonias anunciam o início dos trabalhos em Mágica, dando a tônica geral: riffs energéticos que eu tenho certeza quase que absoluta que o guitarrista gravou em pé. A letra aqui é basicamente uma adaptação musical do atemporal áudio do Seu Armando, discorrendo sobre abusos e precarização do trabalho de maneira debochada e escrachada.

Se Alceu Valença disse que da manga rosa, ele quer o gosto e o sumo, o Budang fica nervosasso (sic) em mordiscar alguém na segunda faixa, Gosto Bom. Destaque para o riff em palm mute depois da chamada do baixo. A lovesong que nossa geração precisava.

“Com marra de cão, vem um vacilão/De bobeira no movimento/Sei que tá mancando, a massa tá sacando/Tamo ligado no procedimento”. O saudoso Mr. Catra deu o papo nesse verso da música Ô Simpático, quase um avô da terceira faixa do disco, T.M.P.T.D.P.H.S. Música pra deixar babaca ligado. Mais uma porrada.

A próxima faixa, Deixa Quieto, batizou o EP que a banda lançou antes do álbum. Aqui, as mudanças de dinâmica em passagens instrumentais guiadas pelo baixo me conquistaram completamente, remetendo inclusive aos momentos de calmaria em músicas do Deafheaven, como os minutos finais de Honeycomb, do álbum Ordinary Corrupt Human Love (2018).

Magia é metalinguagem. Uma música porrada nascida para ao vivo que fala sobre porradaria no pit. Com levada pensada sob medida para two step, gang vocals e tudo que é preciso para causar catarse em show. Curta, direta e sem quasquás. A primeira vez que ouvi o verso “Vou suá tua ropinha” (sic) eu ri bastante. Já em Budangól, o elemento principal é o groove. Extremamente dançante com levadas latinas e mais toneladas de gang vocals.

O hi-hat marcando já dá indícios de que Aditivos será um hardcore clássico e porradeiro, outra faixa que também cairá como uma luva nos shows. A letra, apesar de, como em todo o trabalho, ser repleta de linguagem escrachada, fala muito bem sobre limites e tentações no dia a dia. Fala Tu traz ares mais voltados para um ~rock alternativo~, um pouco menos caótica que suas antecessoras, mas ainda assim funciona.

Bolsonanny é talvez a música com melhor concentração de riffs. Temos aqui até mesmo um solo de guitarra e um breakdown quebradeira. No entanto, mesmo com um trabalho primoroso nas seis cordas, a ácida crítica (do jeitinho deles) é o ponto forte da faixa. Necessária e extremamente atual.

Falei do Marcinho e do Catra ao longo do artigo, e, por algum motivo, a melodia vocal dos versos de Ponto de Não Retorno me remeteu ao funk dos anos 90, que vem sendo revisitados por artistas como FBC em De Kenner, por exemplo. No geral, a música passa uma atmosfera que em alguns momentos lembra surf rock, chegando a incluir uma citação incidental ao riff de Misirlou, de Dick Dale.

Um momento para experimentações em Plataforma Rock Bar, 2010. Sirenes, linhas de baixo sem um rumo definido, efeitos em feedback e loopings e guitarra tocando um riff deliciosamente quadrado precedem um hardcore de altíssimo nível. A letra aparentemente retrata aventuras e causos, talvez, do Plataforma Rock Bar. Até onde compreendi, gostaria de ter frequentado o estabelecimento.

57 segundos tiração de sarro com a galera do budget. O primeiro milésimo de Tempinho Bom é a síntese perfeita do restante da música. Muito me agrada a crueza desses rapazes. Em Miojin, além da superfície bem humorada retratando questões com ejaculação precoce, a banda traz uma reflexão interessante sobre masculinidade performática. Tudo isso em um instrumental Sonic Youthiano de primeiríssima qualidade. O verso “Nem o Boston me desfaz miojin” me destruiu.

Em mais uma pancada extremamente Trapped Under Ice, Duvidei é dançante e divertida, com pausas, gang vocals e um curioso groove de bateria finalizando a música. Outra música que funcionará muito ao vivo. Novo Cardápio foi pensada especialmente para nós, pessoas que, digamos, não se alimentam de maneira muito equilibrada. Minha única ressalva: o melhor sabor de Eno é o limão.

Por fim, temos o cover de 1406, dos Mamonas Assassinas. Engraçado como, à primeira vista, essa escolha soa “estranha”, mas, pensando bem, faz todo sentido. O Budang deu uma roupagem muito própria à faixa, adaptando a letra ao cotidiano deles. A troca de “o nosso work num é playá” me arrancou uma risada sincera — e também uma identificação imediata, junto com a torcida genuína para que, em breve, o work deles passe a ser playá para nos entregar mais trabalhos de altíssimo nível, como foi Magia.

Por: Matheus Campos

Lembro que, em meados de 2020, o algoritmo do Spotify começou a me bombardear com uma música específica: “Is It Really You?”, do grupo britânico Loathe. Mesmo eu nunca tendo parado para escutar a banda com atenção, a faixa surgia o tempo todo em playlists relacionadas a bandas que eu curtia na época, como Superheaven, Basement e Narrow Head — e não só isso: apareciam covers e regravações aqui e ali com certa frequência. E todo esse background me fez ficar com a pulga atrás da orelha.

Por que, exatamente, aquela canção específica começou a ganhar tanta atenção? Era apenas uma questão musical— ou estavam atuando forças mais complexas: algoritmos que empurram descobertas, redes de bandas que se influenciam mutuamente, timing cultural, ou mesmo uma estratégia de posicionamento artístico?

Cinco anos depois, cá estou eu — um apaixonado fã do Loathe, que tem o álbum …I Let It In and It Took Everything como um dos seus favoritos dos últimos anos — e que finalmente entende os motivos que fazem dessa canção uma das mais memoráveis do metal na década de 2020. Vem comigo!

Motivo 1: Contexto

O primeiro pilar para entender a proporção de Is It Really You é considerar o cenário em que ela foi lançada. A música é a 9ª faixa do álbum …I Let It In and It Took Everything — aclamado segundo disco do Loathe, considerado o 12º melhor disco de metal de 2020 pela Metal Hammer. O registro apresentou significativas mudanças estéticas na sonoridade em comparação ao antecessor (e igualmente incrível) The Cold Sun (2017).

Afastando-se das convenções do metalcore, o álbum mergulha em territórios muito mais próximos de nichos como shoegaze e dreampop — estilos que, impulsionados pelo TikTok, alcançaram uma popularidade massiva nos últimos anos. Uma matéria excelente de Felipe Ernani, do Tenho Mais Discos Que Amigos, explica por que bandas como Deftones e The Smashing Pumpkins — ambas fortemente influenciadas pelo shoegaze — voltaram a ganhar tanto destaque nas redes de vídeos curtos.

A sonoridade com estética “dreamy”, cheia de ambientações, reverbs, delays e camadas sonoras, tornou-se extremamente popular na internet no início desta década. Mas por que isso acontece? Muito provavelmente por causa da ode à nostalgia que esses sons oferecem. Pesquisas sugerem que a música triste funciona como uma espécie de gatilho para memórias nostálgicas de tempos passados, e revisitar essas lembranças importantes pode de fato melhorar o humor.

Além disso, não é apenas melancolia: quando ouvimos essas músicas, muitos ouvintes relatam vivenciar outras emoções relacionadas, principalmente nostalgia, o que fortalece o senso de conexão social e reduz a ansiedade. Músicas como 1979 do The Smashing Pumpkins e Duvet do Bôa (ambas virais nos últimos anos) são exemplos perfeitos desse clima de doce melancolia e conforto nostálgico.

Motivo 2: Sonoridade que estoura a bolha do metal

O Loathe já mostrava leves flertes com um tipo de som mais etéreo desde The Cold Sun, em faixas como Stigmata e Babylon, mas foi em …I Let It In and It Took Everything que essa característica ganhou ainda mais peso. E Is It Really You? é o ápice desse tipo de sonoridade dentro do álbum.

Essa atmosfera melancolicamente aconchegante marca exatamente o tipo de sonoridade que, como já citado, ganha cada vez mais popularidade na internet. A música, inclusive, chegou a viralizar entre a comunidade shoegaze no TikTok no ano de 2023.

Por esse motivo, temos uma música que realiza uma façanha interessante: dialogar com públicos diversos, algo pouco comum dentro do universo do metal moderno, geralmente mais fechado em seu próprio nicho. Em outras palavras, esse ar de eterealidade torna a faixa facilmente assimilável para ouvintes que normalmente não se aproximariam de uma banda de metal.

Motivo 3: Produção que músicos querem escutar

Especialmente para os nerds, temos alguns pontos relevantes de produção. Produzida pelo próprio Loathe em parceria com George Lever — que também assina a mix — e masterizado por Jens Bogren, Is It Really You? é, para começo de conversa, uma faixa simples na essência. Uma boa composição antes de qualquer coisa. Funcionaria muito bem, por exemplo, em um arranjo apenas de voz e violão. Muito disso se deve à sua natureza melódica, que valoriza e muito a beleza e o contorno da linha vocal.

A canção é uma balada de 4 minutos e 47 segundos, focada na criação de atmosfera e na alternância entre momentos de calmaria e porrada. O cartão de visitas é o característico pad da introdução — cintilante, denso, quase sem ataque — responsável por estabelecer o espaço tridimensional da mix. Ele soa como um colchão etéreo que se mantém durante toda a faixa.

Logo depois, surgem guitarras barítonas encorpadas e graves, mixadas de modo a não sufocar o resto do arranjo. Essa é uma característica marcante de George Lever: os instrumentos pesados têm impacto, mas sem sacrificar a clareza com aquele som embolado que muitas bandas modernas insistem em fazer.

Os efeitos de ambiência — reverbs, delays e vocais distantes — são o temperinho necessário para entregar aquela sensação de nostalgia que citei anteriormente.

Porém, o grande destaque está na construção vocal. A voz começa branda, envolta em reverb, quase sussurrada. No pré-refrão, backing vocals ecoam suavemente por trás dos versos “I knew / It was mine too / And you? / Is it really you?”, preparando o terreno para o clímax: um refrão interpretado com intensidade por Kadeem France.

Motivo 4: Covers produzidos por outras bandas

Outro motivo que evidencia o fenômeno Is It Really You é a quantidade massiva de covers e versões que é possível esbarrar pelas redes sociais. Encontramos arranjos de violão, slowed + reverb, piano e voz, guitarra de 6, 7, 8 cordas… a lista é extensa.

No entanto, o que diferencia essa faixa das demais são os covers realizados por bandas já consolidadas. Não é muito comum — embora devesse ser — que grupos de porte e alcance similares (ou até maiores) façam suas próprias versões. No caso de Is It Really You?, isso aconteceu com duas bandas em especial: Teenage Wrist e Sleep Token.

A versão do Teenage Wrist tem como base uma sonoridade mais voltada para o rock alternativo, com influências revival do grunge noventista que a banda costuma inserir em seus discos. Segundo Marshall Gallagher, vocalista e guitarrista do Teenage Wrist, ele descobriu a música durante a gravação do álbum Earth Is A Black Hole (igualmente sensacional e super recomendado, por sinal) e contou que a faixa “realmente o atingiu”. Tem até um solinho de guitarra cheio de fuzz na versão deles. Ouça aqui.

Já a interpretação do Sleep Token é totalmente diferente, ainda mais intimista, focada apenas no piano e na voz do vocalista Vessel. Na época, a banda ainda não havia explodido com o gigantesco Take Me Back To Eden — álbum que, em outras proporções, teve a faixa The Summoning passando por um fenômeno semelhante ao de Is It Really You?, mas isso é assunto para outro texto — , mas já contava com um alcance substancialmente maior que a do autores originais da canção. A reação do Loathe foi de modéstia, afirmando que se sentiram “humilhados” pela versão dos londrinos. Bobinhos. Ouça aqui.

Motivo 5: Um clássico imediato para os fãs

Por último, mas não menos importante, Is It Really You? é um hino para os fãs de Loathe. Por ter tanta carga emocional envolvida, a música transforma-se em um momento de catarse durante os shows. Sem dúvida, é só ver as reações do público em lives como a do Outbreak 2023: lanternas para cima, mãos balançando, rostos emocionados.

Muito disso vem da parte lírica que, escondida em figuras um pouco mais abstratas, expressa um sentimento que todo mundo já experimentou — do fã ao jovem do TikTok, passando pelo nerd da produção musical: a incerteza. Incerteza de um futuro, de laços, de seus próprios sentimentos embaralhados, que em determinado momento imploram para ser encontrados. Lidar com a dor faz parte do processo. For a while.

Musicão.

Lascivo e potente, Thornhill retorna com o álbum mais sexy desde o Deftones, segundo a Kerrang.

Por: Matheus Campos

Uns bons anos atrás, me deparei com uma teoria (carece de fontes, é verdade) de que o terceiro álbum costuma ser um divisor de águas na carreira de uma banda ou artista. Exemplos não faltam: Master of Puppets do Metallica, Born This Way da Lady Gaga, Me Against the World do Tupac.

Superstição ou coincidência, o fato é que o recém-lançado BODIES, dos australianos Thornhill, consolida esse “terceiro ato” como um marco definitivo na trajetória do grupo — e isso por vários motivos. Entre eles, o álbum impulsionou a popularidade da banda a novos patamares, garantindo inclusive o convite para abrir os shows de arena da turnê Even In Arcadia, do Sleep Token.

Os passos iniciais da banda foram no metalcore, com os EPs 13 (2016), Butterfly (2018) e o debut aclamado pela crítica e pelo público, The Dark Pool (2019), considerado um dos clássicos modernos do gênero. Em 2022, eles dividiram a opinião dos fãs com Heroine, um álbum que rompeu substancialmente com a sonoridade anterior, incorporando elementos mais sensuais e etéreos, flertando com o som de Deftones e os primeiros trabalhos do Muse. Tudo isso envolto em um verniz estético cinematográfico, evocando o glamour de Hollywood nos anos 1950.

Foi nesse contexto que, em abril de 2025, a banda lançou BODIES. Desta vez, o “objeto de estudo” do álbum se volta para um revival do nu metal mesclado ao djent, ainda carregando claras influências do Deftones. A produção, embora mais enxuta que nos trabalhos anteriores, soa mais limpa, com uma mixagem nítida, contrastando com a atmosfera etérea e esmaecida de Heroine, marcada por nuances de dreampop.

Em BODIES, a impressão que fica é a de que o objetivo da banda não é ser a mais pesada e agressiva da sala, mas sim a mais descolada (queria muito colocar aquele emoji com óculos escuros aqui)— o aluno popular que chamava atenção de todos. Ao longo do artigo, vamos mostrar por que eles conseguiram atingir essa meta.

A sequência das quatro faixas iniciais é avassaladora. Em Diesel, o baixo de Nick Sjogren assume o comando, conduzindo a curta faixa de abertura com pouco mais de dois minutos. Um petardo que relembra em certos momentos ao que a banda explorava no álbum anterior — especialmente pelas múltiplas camadas vocais de Jacob Charlton, soterradas na mix não como falha, mas como escolha estética. Consigo imaginar essa música em algum Velozes e Furiosos.

Revolver é aquele tipo de música feita para o palco. Tem tudo para se tornar um clássico ao vivo — do refrão melódico e fácil de cantar, recheado dos falsetes emocionados de Jacob, até seus dois (isso mesmo, DOIS) breakdowns. O último traz, inclusive, um dos callouts mais insanos do metal moderno em 2025, feito sob medida para walls of death: I feel your revolver!

Você está se preparando para uma noite pouco salubre na Berghain, e a trilha sonora é Silver Swarm, segundo single lançado na divulgação do álbum. Apesar de ser uma faixa pesada e cheia de referências ao nu metal do início dos anos 2000, a atmosfera que predomina é mais Studio 54 e Roxy — sensação reforçada pelo clipe, em que a banda se apresenta em uma boate escura, repleta de luzes difusas e grades metálicas. Cheiro de feromônios no ar.

Only Ever You foi a música que mais me impactou na primeira audição — muito por conta do riff que, apesar de ser um banger, soa estranhamente animado e pulsante para os padrões modernos do metal. Mais do que nunca, sentimos aqui as influências de Heroine, agindo quase como uma sequência narrativa direta de Blue Velvet.

Em fall into the wind, temos um interlúdio pouco inspirado que talvez nem precisasse estar ali. Especialmente considerando uma banda que tem tantas “músicas-vinheta” memoráveis, como Something Terrible Came With The Rain e Netherplace, essa faixa passa a impressão de estar sobrando: um dedilhado com um synth de fundo, sem nada memorável.

Voltamos à normalidade na super groovy TONGUES, último single lançado na divulgação do álbum. O primeiro impacto vem com um riff safado de Ethan McCann, abusando de silêncios preenchidos pela bateria igualmente devassa de Ben Maida. Destaque absoluto para o refrão que, por escolhas harmônicas pouco convencionais para o caminho que a música trilhava até então, ganha tons de dramaticidade mesmo em meio a tanto groove. Há espaço até para um micro blast beat de Ben Maida. Mais uma porrada.

“Deftones, The Cure, Linkin Park e Meshuggah sofreram um acidente de carro juntos”. Esse comentário que vi no Reddit clareia tudo que eu possa falar sobre nerv (nota: um dos maiores problemas do álbum é a falta de padronização nas letras maiúsculas dos nomes das faixas). Exala final dos anos 90, tanto pela sonoridade quanto pela estética trazida em seu clipe — o primeiro da fase BODIES. Talvez o momento mais nu metal do álbum, rompendo essa definição apenas em 02:42, onde nos brinda com um breakdown claramente inspirado em Meshuggah.

Obsession é uma velha conhecida dos fãs. Lançada como single isolado em 2024, sem fazer parte da divulgação de BODIES, a música voltou com uma produção bastante diferente. Tudo, à exceção da bateria de Ben, foi regravado. Apesar do punch da guitarra mais para frente, temos uma versão um pouco mais crua que a original — e sem o áudio da namorada psicopata durante a parte C. Ainda assim uma musicaça.

CRUSH não empolga. É uma daquelas faixas experimentais que trazem referências além da superfície dos artistas. Deftones fez isso no self-titled com Lucky You, por exemplo. Nesse caso, uma sonoridade que transita entre o emo e o R&B. Não incomoda mas também não soma na experiência.

Em under the knife, sentimos o retorno do vigor das primeiras faixas, principalmente nos riffs. Uma parede de guitarra avassaladora logo no início evoca quase imediatamente ares de shoegaze. Sem falar no refrão, um dos melhores do álbum. A parte C é ouro, com um riff brutalmente pesado que desemboca em um pré-refrão tenro e melódico, entregando uma música de dinâmicas variadas. Som para ouvir de óculos escuros.

“Concluindo” o disco, For Now é uma das músicas mais bonitas da discografia do Thornhill. Começa com um dedilhado embebido em reverb e delays em colcheias pontuadas, enquanto Jacob canta lindamente sobre aproveitar o momento mesmo com a consciência da incerteza do futuro. O ápice acontece aos 2:49, em um refrão gigantesco, emocionante sem soar piegas. Refrão esse que só aparece uma vez em toda a música, reforçando a sensação de efemeridade e preciosidade do instante.

É óbvio que as aspas na primeira palavra do parágrafo indicam algo. No dia do primeiro show da turnê abrindo para o Sleep Token, o Thornhill, de maneira muito perspicaz, lançou Mercia, que aparentemente fará parte da versão deluxe de BODIES. A faixa é um épico com ares de The Wicker Man, com uma produção um pouco mais arrojada que as músicas da versão básica do álbum e um clipe beirando o Folk Horror. Aqui, os sintetizadores desempenham um papel mais complexo, guiando as diferentes mudanças de clima da música. O ápice, por sua vez, acontece no breakdown final, feito para que nenhum fã de Sleep Token consiga botar defeito— muito parecido, inclusive, com o desfecho de Take Me Back to Eden.

A palavra-chave para resumir BODIES é “crueza”. Após um álbum tão cinematográfico e espalhafatoso (no melhor sentido da palavra) como Heroine, o novo trabalho traz uma energia mais direta e selvagem que faltava para elevar o Thornhill a uma banda capaz de dominar arenas e estádios sem muito esforço.

~com título estilizado em letras minúsculas do jeito que a Gen Z gosta, private music marca o retorno do Deftones como os bastiões do nicho que eles próprios criaram.~

Por: Matheus Campos

Esses dias eu comentava com um amigo sobre como é legal ver bandas que, em tese, já teriam passado por seu “auge” lançando trabalhos realmente relevantes — sem recorrer a fórmulas requentadas, provando que o reconhecimento que conquistaram nunca foi fruto de lampejos ocasionais de genialidade ou sorte. E o motivo dessa conversa foi justamente o aguardado lançamento mais recente dos gigantes da música alternativa: o Deftones, com o novo álbum private music.

Formado por Chino Moreno, Abe Cunningham, Stephen Carpenter, Frank Delgado e Fred Sablan, o quinteto californiano lançou em agosto seu novo álbum com faixas inéditas desde Ohms (2020). Marcando o retorno da parceria com o produtor Nick Raskulinecz — responsável pelos aclamadíssimos Diamond Eyes (2010) e Koi No Yokan (2012) — , o registro oferece um panorama completo do DNA da banda, resgatando elementos de todas as fases da carreira sem soar reciclagem.

Para entender rapidamente o contexto atual da banda, vale lembrar que os últimos anos foram intensos para o Deftones em termos de impacto cultural e popularidade. O grupo foi “redescoberto” pela Geração Z, que os adotou como uma banda cool — trilha sonora perfeita para a estética melancólica e sensual que essa galera gosta. Podemos atribuir a reaproximação ao boom das redes de vídeos curtos (vulgo TikTok), que devolveu ao Deftones um nível de popularidade que provavelmente não se via desde o primeiro auge, no fim dos anos 1990 e início dos anos 2000, com clássicos absolutos Around the Fur (1997) e White Pony (2000).

Essa influência também pode ser vista em outra frente: nas novas gerações de bandas — especialmente nas formadas a partir de 2010. Não é raro esbarrarmos em fóruns no Reddit ou em comentários do YouTube com o que se convencionou chamar de “Deftonescore”: riffs densos em guitarras barítonas ou de oito cordas, synths etéreos, vocais sussurrados e aquela atmosfera allurement tão característica do grupo californiano. Pegando alguns exemplos de cabeça: Thornhill, Loathe, Teenage Wrist, Post Profit, Black Coast… precisei de exatos três segundos para lembrar de todos. O pessoal está com muito tesão.

No entanto, apesar do boom em termos de popularidade, a discografia recente do Deftones atravessava um período não tão inspirado — após o que muitos consideram o ponto mais fraco da carreira, Gore (2016), e o bom, porém pouco memorável, Ohms (2020). Até que, em agosto deste ano, a banda voltou a mostrar por que influenciou tanta gente — com o excelente private music (sim, estilizado em letras minúsculas do jeitinho que o jovem gosta).

PRIVATE MUSIC FAIXA A FAIXA

O carro-chefe e primeiro single do álbum é my mind is a mountain: uma midtime direta, crua e condensada em menos de três minutos, com tudo que consolidou o Deftones como eles são. Apesar de não apresentar um refrão “oficial” nos moldes convencionais, a faixa reserva uma parte C aos 1:50 que, na primeira vez que ouvi, me fez pensar: “Isso aqui é Deftones sendo Deftones”. Até então centrada em um riff intrincado de apenas uma nota, a música se abre e se expande lindamente, com linhas melódicas cantadas de forma tenra e sobrepostas em múltiplas camadas vocais. Por esse trecho específico se repetir apenas uma vez, fica aquele gostinho de quero mais — felizmente, era só a primeira faixa do álbum.

A faixa seguinte, locked club, poderia facilmente ter saído do álbum Diamond Eyes, funcionando como uma sucessora espiritual de Royal. Aqui, Chino canta sobre “pertencer a algo” de maneira altiva, quase em tom de comando. Liricamente, a tônica está nas dinâmicas sociais de pertencimento a grupos, costumes e hierarquias — um tema que ganha ainda mais peso em uma realidade pós-pandêmica, em que a reconexão e o senso de comunidade se tornaram tão urgentes quanto complexos.

Sintetizadores à la Depeche Mode no Some Great Reward, seguidos por uma linha de baixo dançante do recém-integrado Fred Sablan, nos introduzem em ecdysis. A faixa apresenta uma dinâmica consideravelmente mais movimentada que as anteriores, construída por riffs com mais notas que o normal no “novo Deftones”, lembrando o que era feito na época do Adrenaline, como em Engine № 9. O título, Ecdysis, refere-se ao processo biológico de muda em artrópodes, quando o exoesqueleto antigo é abandonado e um novo surge, macio e em expansão — uma metáfora perfeita para renovação e transformação.

Desde o lançamento do álbum, infinite source vem se tornando definitivamente uma das favoritas dos fãs. Aqui, quem brilha é o baterista Abe Cunningham, que traz um groove com fills muito semelhantes aos do clássico supremo da banda, My Own Summer, por exemplo. Na verdade, a música inteira possui uma energia que evoca o Deftones oldschool, desde o riff de Steph, construído com harmônicos naturais, até o breakdown final, que também remete a Around the Fur.

Seguindo, souvenir é a maior faixa do disco, com pouco mais de seis minutos que transitam entre o clima de músicas como Kimdracula (Saturday Night Wrist) e Prayers/Triangles (Gore). Aqui encontramos um dos refrães mais interessantes do álbum, soando intrigante, misterioso e até divino — parafraseando a própria letra. Fechando a música, como cortesia de Mr. Frank Delgado, temos quase três minutos apenas de camadas sobrepostas de synths — do jeitinho que eles ensinaram para o Loathe.

cXz é a música mais dramática, sombria e caótica do álbum, além de contar com uma das melhores letras escritas por Chino Moreno. Temos aqui intercalações entre versos cheios de movimento e urgência, com Chino cantando sobre memórias se transformando em um amálgama, e um refrão guiado por um groove tribal de Abe. Ao fim da música, a letra do verso se funde com o instrumental do refrão, proporcionando uma experiência metalinguística interessante, considerando a lírica.

A regra é clara: se tem Chino Moreno cantando uma música lowtime com a palavra “wave” em algum momento, cuidado — é tema sensível para corações frágeis. i think about you all the time é uma das baladas mais lindas da banda, na mesma prateleira de pedradas como Entombed (Koi No Yokan) e Sextape (Diamond Eyes). Nos primeiros minutos, Chino canta acompanhado apenas da guitarra clean e de synths, lembrando muito o que era feito em seu antigo projeto, o Team Sleep. Quando a banda entra, o terreno se prepara para um refrão de arrebatar até o coração mais gelado: Riding your wave / Wrapped in your calm / And your arms over my head. Lindo.

milk of the madonna é uma banger feita sob medida para ser tocada ao vivo. Segundo single divulgado, a faixa já começa com o impacto de um riff sustentando um acorde estático na melhor escola shoegaze (lembrando também Be Quiet and Drive), somado a uma bateria sólida de Abe e uma linha de baixo cheia de ligados, que convida, no mínimo, a balançar a cabeça. Liricamente, Chino recorre ao seu clássico recurso de usar alegorias abstratas para retratar um cenário complexo, em que fica difícil discernir se está falando sobre sexo, fim do mundo ou imolação — ou todas essas possibilidades ao mesmo tempo.

Em cut hands, temos aquele tipo de riff cheio de pausas e abusando de bends na oitava corda, tão característico de Stephen, além de um dos raros momentos no disco em que Chino Moreno recorre a um de seus recursos mais notáveis: o berro. A impressão é que a música é uma irmã mais nova da faixa-título de Diamond Eyes, principalmente no breakdown final — quase uma citação direta ao disco de 2010. Música feita para bater cabeça.

~metal dream é aquela famosa faixa que provavelmente ganhará o status de injustiçada nos próximos anos, na mesma linhagem de The Link Is Dead (Ohms) e When Girls Telephone Boys (self-titled). Norteada por mais uma linha de baixo dançante de Sablan, seu principal destaque fica no refrão marcante e dramático, com Chino explorando yodels e uma interpretação bastante introspectiva.

O gran finale fica por conta de departing the body. Logo nos primeiros segundos, somos surpreendidos por um Chino cantando de maneira tão diferente que, na primeira audição, cheguei a acreditar se tratar de uma participação especial. Com uma voz grave, impostada e remetendo aos seus ídolos do post-punk, ele interpreta dramaticamente a letra sobre um dedilhado igualmente intenso, até que a música explode em um riff o mais Deftones possível. Som épico, sombrio e denso — uma das melhores faixas de encerramento da discografia.

Em retrospecto, temos, no mínimo, um dos álbuns mais sólidos do quinteto de Sacramento. No máximo, o clássico pós-Diamond Eyes que a banda precisava: um material que remete a tudo de melhor que o Deftones fez no passado, sem perder de vista o futuro e a reinvenção.

Por fim, fico feliz que a nova geração — que não havia nascido durante a era White Pony (me incluo aqui, inclusive) — possa testemunhar, em tempo real, o que é o Deftones em um de seus auges criativos.

Por: Matheus Campos

Eu sempre tive um certo encanto pela nostalgia. Desde pequeno, lembrar de sons, cheiros, texturas e atmosferas de tempos passados, sejam remotos ou recentes, me traz uma sensação meio agridoce.

Uma melancolia não necessariamente ruim, mas de alguma forma, estranhamente reconfortante. E o duo francês liderado por Neige (voz, guitarra e baixo em estúdio) e Winterhalter (bateria) do Alcest é a mais pura nostalgia em forma de ondas sonoras. É uma experiência sensorial difícil de sintetizar com palavras.

Formado no ano de 2000 em Avignon por Neige, um jovem de até então 14 anos, o Alcest é uma jornada mágica, transcendental e etérea pelos confins das nossas memórias.

Da primeira demo crua, fria e direta “Tristesse Hivernale” até o recente e incrível “Spiritual Instinct”, o Alcest passeia de forma muito natural entre o Black Metal e o Shoegaze pelos seis álbuns de estúdio lançados. Nesse post, iremos falar mais sobre essa explosão de sentimentos em forma de banda.

Siga a leitura!

Discografia comentada do Alcest

O início: “Souvenirs d’Un Autre Monde” (2007)

Poucas foram as bandas de Heavy Metal que tiveram tanta sorte de acertar a mão de forma tão perfeita em um début como o Alcest. “Souvenirs d’un Autre Monde” é emocionante, sincero, real e, claro, extremamente nostálgico.

Sim, aquela nostalgia que disse no começo do texto. Nostalgia essa que permeia o disco da primeira até a última música, tanto sonoramente quanto liricamente. Afinal, as letras do álbum retratam as experiências sensoriais e memórias escondidas da infância de Neige.

São seis músicas que te transportam para um universo infantil. Nele, cada nova pequena descoberta se revela um mundinho totalmente novo a ser explorado. Um álbum lúdico, gracioso e extremamente forte quando necessário.

Das melodias vocais etéreas e viajantes de “Printemps Émeraude”; passando pelos interlúdios acústicos seguindo a famosa escola Opeth de qualidade da faixa título e de “Ciel Errant”; até chegar na épica, grandiosa e até mesmo percussiva “Tir Nan Og”; o disco é uma pedra bruta que, apesar de ainda poder ser lapidada, já possui uma beleza natural por si só.

A ascensão: “Écailles de Lune” (2010)

Se me permite um pequeno devaneio sinestésico, vejo “Souvenirs d’Un Autre Monde” como um álbum ensolarado e iluminado por uma recém nascida luz matutina (apesar de melancólico). Por outro lado, enxergo seu sucessor, “Écailles de Lune”, como um conto de fadas que brilha pela luz da lua.

Talvez essa viagem derive da capa desse álbum do Alcest, uma verdadeira obra de arte. Mas sendo sincero, realmente as coisas ficaram um pouco mais obscuras nesse trabalho em comparativo com o anterior. E os vinte primeiros minutos do disco já nos brindam com uma música dividida em duas partes de nove minutos cada.

A autointitulada “Écailles de Lune” une momentos de calmaria com dedilhados/vocais limpos e trechos de bateria rápida, as boas e velhas palhetadas em tremolo e os vocais rasgados herdados do Black Metal. E para fechar com chave de ouro, temos a lindíssima, fúnebre, melancólica e quase inteiramente voz e guitarra “Sur l’océan couleur de fer”.

A consagração: “Les Voyages De L’Âme” (2012)

Uma evolução natural de seu antecessor, “Les Voyages De L’Âme” traz um Alcest que brinca mais ainda com as dinâmicas existentes entre o Black Metal e o Shoegaze. É um disco cheio de nuances (que muitas vezes, mudam abruptamente em questão de segundos) que une o melhor que existe entre os dois mundos tão contrastantes.

“Autre Temps”, faixa de abertura, é um dos destaques do álbum. Sendo a primeira música do Alcest a ter um videoclipe, ela mostra uma faceta, diria eu, até mais comercial (se é que posso usar essa palavra) do projeto, com um refrão bem cantável e versos super melancólicos, perfeitos para contemplar uma paisagem atrás de uma janela embaçada em uma tarde chuvosa de outono.

“Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles” é outra que merece uma atenção especial. Durante seus nove minutos, a música viaja de forma muito fluida entre universos diferentes. Existe o grito de desespero, existe a voz angelical que mostra onde mora a calmaria. Existe a bateria frenética com o bumbo duplo em chamas, existe a guitarra clean de Neige, sozinha, flutuando, livre e delicada pelo ar. Todos os elementos vivendo e convergindo de forma harmoniosa.

A renovação: “Shelter” (2014)

Um feixe de luz que rasga uma cripta obscura, preenchendo-a de vida e esperança. É essa imagem que o terceiro álbum de estúdio do Alcest lançado em 2014, o “Shelter”, me passa. Nem melhor nem pior que os anteriores. Apenas diferente. E fantástico na sua forma de ser fantástico.

O Shelter, quando lançado pelo Alcest, gerou certa polêmica entre os fãs da banda pela mudança brusca de direcionamento que o álbum provocou. De fato, foi uma diferença considerável, tendo em vista toda a estética obscura presente na discografia, especialmente na sequência Écailles de Lune e Les Voyages De L’Âme.

Aqui, a melancolia, o peso e as lamúrias provenientes da fusão do Black Metal com o shoegaze dão lugar para um familiar e aconchegante som mais alternativo que remete bastante Slowdive e Cocteau Twins em muitos momentos. Uma sonoridade casa, que traz acolhimento e calor (talvez, seja daí que surja o nome do trabalho, “Abrigo”, em tradução literal).

A faixa de abertura do álbum e particularmente minha preferida, a chiclete “Opale”, nos traz uma atmosfera beirando o dreampop e o indie. Com uma melodia tocada pela guitarra totalmente hipnótica que evoca um sentimento ímpar de esperança, a música nos enche de uma aura clean a cada audição.

O retorno: “Kodama” (2016)

Kodamas. São espíritos livres defensores das florestas japonesas que vivem em árvores milenares e fortes. Apesar de serem poderosos, os Kodamas são seres que exalam serenidade e paz. A força e a plenitude caminhando de mãos dadas, passo a passo.

Não existe nome melhor para sintetizar essa volta do Alcest para aquele som que une o poder dos riffs e vocais do Black Metal com a calmaria típica habitual da banda.

O disco é uma bela forma de compensar os fãs mais extremos que esperavam um trabalho com traços mais agressivos no disco anterior. Aqui temos as famosas paredes e camadas de guitarra, os gritos desesperados somados com as melodias angelicais de Neige, os interlúdios clean e tudo que fez o Alcest se tornar o que é no mundo do metal e do shoegaze.

A criação de diferentes ambientações e atmosferas também está bem presente aqui. Logo nas duas primeiras faixas do disco, “Kodama” e “Eclosion”, conseguimos sentir a força que essas mudanças de dinâmica provocam no desenvolvimento do álbum. É a velha questão dos antigos Kodamas japoneses.

O Alcest é um espírito livre que respira através de ares preenchidos de caos e mansidão simultaneamente.

O equilíbrio: “Spiritual Instinct” (2019)

E logo na primeira nota que abre o álbum já conseguimos vislumbrar o que nos aguarda. “Spiritual Instinct” é um trabalho que abraça as origens remotas do Black Metal, cumprimenta o passado recente do alternativo e enxerga o futuro. Um disco que, apesar de não apresentar mudanças consideráveis na sonoridade que a banda já vinha fazendo, é uma ode ao caminho trilhado pelo Alcest até aqui. Uma celebração da memória viva.

A primeira faixa, “Les Jardins de Minuit” (que por sinal, arrisco dizer que é uma das músicas mais frenéticas de toda a discografia da banda até o momento), já mostra para quê Spiritual Instinct veio. Sem muitas enrolações, após uma relativamente curta introdução de um minuto e meio, já somos atingidos por riffs em palhetadas tremolo e uma batera ensandecidamente rápida de Winterhalter.

Em tese, aqui temos o “Black” e temos o “Gaze” em proporções bastante equilibradas. Um trabalho para agradar tanto os fãs do som mais obscuro do “Écailles de Lune” quanto os admiradores da faceta mais clean e contida do Alcest presente em “Shelter”. “Equilíbrio” é a palavra de ordem que sintetiza esse presente que Neige nos ofereceu.

Conclusão

Pode perceber: a maioria esmagadora de textos que ler sobre o Alcest, você encontrará palavras que referenciam outros estados de consciência não exatamente mundanos. Como eu disse no início do texto, o Alcest é um projeto sensorial e espiritual. Tudo aqui é poético, tudo aqui é imagético.

A genialidade por trás da mente de Neige foi capaz de criar uma obra que, de início, pode parecer de difícil assimilação. Principalmente quando você não está acostumado com esse tipo de sonoridade. Mas quando você se entrega de corpo e alma para a música e se deixa flutuar naquele mundo celestial, a experiência entregue é transcendental, lisérgica, onírica, etérea e todas as palavras que evoquem elevação possíveis. Nenhuma definirá o que o Alcest faz.

Peso, mise en scène e elegância: mesmo enfrentando falhas técnicas, ícone do metalcore sueco entrega show apoteótico e teatral no palco do Carioca Club.

Por: Matheus Campos

Uma noite fria (bem, ao menos para minha percepção carioca) envolta por garoa leve, quase imperceptível. O cenário perfeito para a cidade de São Paulo receber pela primeira vez o show — ou deveria chamar de “espetáculo”? — do fenômeno sueco do metal(violin)core, Imminence.

Estamos falando de um grupo que, com tantas nuances sonoras, cunhou um próprio subgênero para chamar de seu: o violincore. Somando o peso das afinações baixas, screams e breakdowns à elegância do violino, tudo isso sob um verniz estético cinemático, dramático e que parece ter saído de um filme de Tod Browning.

Após tantos “come to Brazil” deixados nas redes sociais da banda, o pedido finalmente se concretizou: no dia 25/09, o Imminence subiu ao palco de um Carioca Club cheio para divulgar seu aclamado álbum The Black (2024). A tarefa de abrir os trabalhos coube à Kryour, já conhecida de quem acompanha o metal moderno no Brasil. Em um set curto, mas eficiente, o grupo cumpriu bem a missão de aquecer o público que aguardava ansiosamente pela chegada dos suecos.

O espetáculo começou antes mesmo da primeira nota, com o carisma do roadie da banda, que se divertia e interagia com os fãs enquanto montava e testava os equipamentos. No instante em que ele levou o violino ao palco — um dos maiores símbolos dos shows do Imminence — , presenciamos a primeira (de muitas) explosão de euforia coletiva daquela noite.

Pontualmente às 21h, os suecos subiram ao palco com a intensa Temptation, verdadeiro cartão de visitas do que estava por vir: riffs com a “mizona” solta (afinada em F#!) acompanhando os bumbos duplos da bateria, vocais limpos intercalados com berros, refrães abertos, muito (muito) violino e pesados breakdowns.

Na segunda música, Desolation, tivemos o primeiro de alguns problemas com o retorno durante a noite: a introdução precisou ser repetida duas vezes até uma pausa para solucionar a falha. O vocalista, Eddie Berg, contornou a situação conversando com o público, demonstrando certo desconforto e incômodo com o imprevisto.

Esse tipo de problema logo na segunda música do show poderia ter sido um anticlímax tanto para a banda quanto para o público, especialmente considerando que, normalmente, o início de uma apresentação deve fluir de forma contínua, sem pausas entre as músicas.

Bem, poderia ter sido um anticlímax. A sorte é que o palco contava com dois verdadeiros colossos em performance e protagonistas do espetáculo: o já citado vocalista Eddie Berg e o guitarrista Harald Barrett.

Harald performava quase como uma entidade etérea. Com seu longo kimono em movimentos sinuosos e hipnotizantes, o guitarrista evocava a imagem de Tsukiyomi, deus xintoísta da lua. Protagonizou, inclusive, o instante em que mais celulares simultaneamente se voltaram para o palco, registrando sua performance imponente ao tocar sua Schecter vermelha com o arco do violino. Musicalmente, indiferente. Mas para o espetáculo, incrível.

Já Eddie, com seus gestos charmosamente desajeitados (e uma coluna forte), lembrava um violinista bêbado saído de algum romance de Charles Bukowski. Gritava, cambaleava, cantava lindamente. Em alguns momentos, surgia em minha cabeça uma associação com Ian Anderson do Jethro Tull — trocando a flauta pelo violino.

Os demais integrantes — o guitarrista Alex Arnoldsson, o baixista Christian Höijer e o baterista Mikael Norén — eram eficientes em suas funções: habilidosos em seus instrumentos e ativos no palco. Mas não tem como escapar — os holofotes inevitavelmente se voltavam para os dois protagonistas, e parecia que todos estavam cientes disso. Está tudo bem; toda história precisa de seus coadjuvantes.

E para completar esse elenco, o público era peça sine qua non do espetáculo. Ora emocionado, ecoando a plenos pulmões as faixas mais melódicas e sentimentais do set, como Come Hell or High Water, Death By a Thousand Cuts, Erase e Infectious; ora se entregando a moshpits gigantescos nas brutais Heaven Shall Burn, Come What May e Death Shall Have No Dominion — esta última, presente na edição deluxe do The Black, The Return of The Black (2025), responsável pelo momento mais intenso do repertório.

Ainda havia momentos de introspecção, quase espirituais. Um exemplo é a faixa instrumental L’appel du Vide, em que apenas os dois guitarristas permaneciam no palco, lado a lado, executando um belíssimo dedilhado em tons menores.

E para encerrar, após o bis The Black, Eddie Berg permaneceu sozinho no palco, tocando uma lindíssima melodia de violino. Um verdadeiro monólogo, permitindo que o instrumento que define e destaca a banda — além de batizar um gênero criado por eles — se despedisse de forma apropriada.

Como resumo da ópera, Imminence entregou um show que, apesar dos problemas técnicos, compensou o tempo de espera dos fãs brasileiros. Um literal espetáculo com direito a protagonistas, coadjuvantes e clímax. Da Suécia, com amor. Bravo!

SETLIST:

Temptation

Desolation

Heaven Shall Burn

Beyond The Pale

Death By A Thousand Cuts

Erase

Ghost

Infectious

Cul-de-Sac

Come What May

L’appel du Vide

Come Hell or High Water

God Fearing Man

Death Shall Have No Dominion

The Black

Let Jah Love come pouring in: Músico havaiano brinda amor, coletividade e calor humano em show intimista.

Por Matheus Campos

“Não importa a feira, é dia de doideira e não de trabalhar.” O Maneva já canta essa pedra há tempos. E foi exatamente nesse espírito que, em plena noite de domingo, um público pequeno, mas extremamente entregue, se reuniu no bar Santo Rock, em Santo André, para prestigiar o cantor e compositor havaiano Mike Love. A segunda-feira era mero detalhe.

O show integrou a extensa turnê latino-americana de Mike Love, um artista que vai muito além da fama conquistada com o vídeo viral de Permanent Holiday em 2019. Hoje, ele se firma como um dos nomes mais relevantes do reggae contemporâneo, mesclando influências de pop, rock e blues em apresentações solo marcantes. Nesta turnê, Mike divulga seu álbum mais recente, Leaders (2024), e, digno de nota, São Paulo concentra seus maiores ouvintes no Spotify.

Abrindo a noite, tivemos a apresentação da banda Aôa. O power trio paulista entregou um set enérgico e muito divertido, focado em músicas autorais e releituras de clássicos do reggae, incluindo versões de Bob Marley. Houve até espaço para um gostinho incidental de Dias de Luta, Dias de Glória durante o bis, que animou o público, ainda tímido e acomodado em suas cadeiras. Até então, o ambiente lembrava mais um bar do que uma casa de shows. Eles mereciam mais calor.

Esse cenário se inverteu assim que os roadies começaram a retirar os instrumentos da banda de abertura do palco. Aos poucos, os fãs foram se aproximando do gargarejo, dando início a um clima mais confortável e intimista.

Às 21h20, sem apresentações ou introduções, Mike — e seus enormes dreadlocks — subiu repentinamente ao palco, saudando o público com um hang loose (ou melhor, com um “shaka sign”, lembrando a origem havaiana do músico). Ao meu lado, ouvi um rapaz indagar, sonoro: “Que isso, ele chegou do nada?”

Sim, ele chegou do nada, dando uma amostra imediata do que seria o mood daquele show. Sem pompas, alardes ou produções elaboradas. Apenas com sua voz, um violão, uma controladora e um pedalboard gigantesco, recheado de loops, oitavadores, delays e reverbs.

Mike abriu o set com a faixa Be Thankful, do álbum Love Overflowing (2016). Logo nos primeiros acordes e loops, já era possível ouvir o público solfejando em coro o marcante tema principal da música.

Sua potência vocal era impressionantemente fiel aos discos, quase como se estivéssemos ouvindo o CD ali mesmo. Visceral, Mike explorava notas com drives, yodels e falsetes, sem demonstrar esforço. Em certo momento, chegou a se desculpar por a voz estar ligeiramente rouca, mencionando a correria e o número de datas da turnê. Quanta modéstia.

Instrumentalmente, a ausência de uma banda nos moldes tradicionais tornava-se cada vez menos perceptível ao longo do set. Utilizando o que parecia ser um trigger acionado ritmicamente com a mão próxima ao tampo do violão, Mike reproduzia o som de um bumbo, complementado por beatbox que simulava caixas e hi-hats.

Nos graves, um oitavador transformava aquele “simples” violão de nylon em um baixo encorpado e presente, tão característico do reggae. Estava formada a banda de um homem só. E não precisava mais do que isso para cativar o público ali presente.

Durante aproximadamente uma hora e meia de set, Mike esbanjou carisma e simpatia, chegando a arriscar algumas palavras em português. Entre as músicas, dirigia-se a uma plateia que o ouvia com atenção quase acadêmica — como se estivesse diante de um professor — para falar sobre espiritualidade, o papel da terapia, o amor e a crescente importância da troca de energia humana em um mundo cada vez mais dominado por inteligências artificiais.

O repertório incluiu momentos de divertidas interações com o público, como na faixa Humble, quando Mike dividiu a plateia em duas partes: um lado cantava “For Jah is guidin’” e o outro completava com “Yes, Jah Jah is guiding”. O senso de pertencimento e comunidade entre todos era quase palpável.

No entanto, a verdadeira catarse ficou para o final. Depois daquele habitual charminho de se despedir do público sem tocar seus maiores clássicos, Mike atendeu aos pedidos e voltou para um bis.

A primeira música da saideira foi Barbershop, interrompida ainda no início por um problema técnico, aparentemente na fonte do pedalboard. Antes de retomar, Mike aproveitou para explicar, de forma detalhada e quase pedagógica, o motivo da pausa, como quem precisava dar satisfação ao público sobre a falha. Brincou com os pans e estéreos da casa para demonstrar o problema e comentou, com leveza, que erros acontecem em shows ao vivo. Um fofo.

E esse “problema” definitivamente não atrapalhou o andamento do bis. Pelo contrário: apenas reforçou o clima gostoso e intimista da noite, de comunidade, parceria e cumplicidade.

O gran finale não poderia ser diferente: seu clássico absoluto Permanent Holiday foi cantado a plenos pulmões pela plateia por quase dez minutos. O único momento de pausa e contemplação aconteceu no famoso clímax, quando Mike, com seu fiel pedal de loop, constrói uma base complexa a partir de sílabas isoladas cantadas em camadas, que gradualmente se transformam em uma estrutura musical de arrepiar.

Uma última interação marcou o encerramento da noite: todos os presentes no Santo Rock Bar cantaram, em uníssono e a capella, os versos finais da música — e do show — em tom imperativo: “Take back the knowledge / Take back the power.”

Ao se despedir, convidou quem quisesse a tirar fotos com ele — e eu tirei! Só foi embora para o camarim depois de atender, de maneira amigável e simpática, o último fã. Vimos ali um artista que pratica o que prega: pé no chão e amor.

Volte sempre, Mike Love! Let Jah Love come pouring in.