“Stranger Things” trouxe Kate Bush de volta do mundo invertido direto para o topo das paradas inglesas e norte-americanas de streaming com a música Running Up That Hill. Mas invertido é o mundo onde Kate estava ou o nosso que, para começo de conversa, a deixou ser esquecida para que pudesse ser lembrada?

Tá certo que a própria Kate, reclusa como é, não ajuda em nada. Então lá vai: a primeira coisa que é preciso saber sobre Kate Bush é que ela não fácil, nem ela nem a música dela. Kate é complicada, desafiadora e consequentemente inovadora. Para citar uma inovação só, sabe o microfone de prender na orelha que ficou conhecido como“microfone da Madonna? Então, na verdade aquele microfone é da Kate Bush, foi inventado para ela.

Se hoje a Bjork é headline de festival fazendo música extraterrestre e a Florence Welch pode ser toda teatral no palco, ambas devem suas carreiras ao pioneirismo de Kate, a primeira a realizar a ainda dificílima façanha de fazer sucesso com um trabalho que não faz concessão a nada e nem ninguém. As músicas têm estruturas complexas, as letras são cheias de referências à literatura e o agudo da Kate, bom, esse é praticamente um poder mutante capaz de rachar janela de carro blindado.

Como prenúncio de uma carreira tão singular que beira o excêntrico, Kate Bush foi descoberta em um celeiro(!), o celeiro que ficava atrás da casa da família, uma construção de mais de 300 anos no subúrbio de Londres que foi sede de uma antiga fazenda. Foi lá que Kate aprendeu sozinha, aos 11 anos, a tocar o piano dos pais, um médico inglês e uma enfermeira irlandesa, e era lá que ela estava quando um amigo do irmão mais velho a ouviu tocando e resolveu gravar para que outro amigo também escutasse. O amigo do amigo era David Gilmour, guitarrista do Pink Floyd. Ele achou brilhante e resolveu não só financiar como produzir uma demo com três músicas. Foi exatamente o que os executivos da gravadora escutaram e Kate foi contratada na hora. Ela tinha 16 anos.

“Ela é uma artista de verdade. Se ela me lembra o Roger Waters? Não. Muito mais bonita, muito mais legal.” — David Gilmour

Apesar da pouca idade, Kate já começou dando as cartas ao se recusar a fazer um disco imediatamente, exigiu tempo e passou um ano estudando obsessivamente dança, mímica, canto e literatura (16 anos!). Só então ela gravou o primeiro single, ‘Wuthering Heights’, inspirado no romance homônimo de Emily Brontë, uma escritora do movimento gótico inglês. A música de estreia foi direto para topo das paradas. Kate tinha 17 anos.

Em 1979, aos 21, ela fez a 1ª turnê da sua vida: eram 16 trocas de figurino, muita dança, uma iluminação caríssima e o tal microfone que não é da Madonna. Foi um fracasso e Kate não saiu mais em turnê. Havia inclusive quem garantisse que ela nunca mais subiria em um palco novamente; mas surpreendendo geral, 35 anos depois Kate anunciou uma série de 22 apresentações no Hammersmith Apollo, em Londres, não mais do que de repente. “Before The Dawn” era um espetáculo ainda mais elaborado e grandioso que o primeiro: incluia atores, marionetes, mágicos, projeções e uma narrativa teatral dividida em três atos. Apesar do enorme sucesso da segunda investida, já faz 8 anos que ela não se apresenta ao vivo.

Kate Bush não é uma raridade só no palco, em disco é a mesma coisa. Nos 44 anos de carreira que ela já tem, são apenas 9 álbuns de músicas inéditas, uma média de cinco anos de intervalo entre um e outro, mas o mais recente, “50 Words For Snow”, já saiu há 11 anos! Por que tanta demora? Uns chamam de perfeccionismo, outros de loucura mesmo. Um exemplo: certa vez ela entrou no estúdio para gravar uma música chamada “Wow” e logo no 1º take os produtores disseram que estava ótimo, mas Kate achou que podia melhorar e foi capaz de cantar a mesma música 5 vezes por hora, 10 horas por dia, durante uma semana inteira!

Mas vamos voltar para “50 Words For Snow”, porque ele é um ótimo exemplo do quanto Kate é desafiadora: são apenas 7 faixas em uma hora e cinco minutos um disco inteiro sobre… o inverno. A música título, “50 Words For Snow”, a mais curta delas com seus 6 minutos e 50 segundos é exatamente o que diz o título, ’50 palavras para neve’ narradas pelo ator Stephen Fry enquanto Kate comenta e literalmente conta cada uma delas. Experiência que, segundo uma crítica “ainda é uma questão em aberto se funciona como música”.

(Hahaha) Por essas e outras, muitas outras, capazes de deixar público e crítica com cara de meme do John Travolta em Pulp Fiction, que um dos maiores e mais célebres fãs é John Lydon, sim, o ex-vocalista dos Sex Pistols, o homem que não gosta de nada ama Kate Bush. E faz questão de dizer. Em um documentário da BBC ele crava: “Kate Bush e seu piano de cauda é como John Wayne e sua sela”, mas talvez a grande declaração desse amor tenha sido na premiação de 2001 da revista inglesa “Q”. Para uma plateia só de músicos, incluindo a Kate, que estava lá em uma de suas raras aparições públicas para receber um prêmio, John Lydon agradeceu ao dele assim:

“Calem a boca! A classe trabalhadora da Inglaterra está falando agora, sim, eu sou um deles. E vocês aí, cópias enfeitadas, conheçam o verdadeiro, o original: eu! (…) A única pessoa que eu quero cumprimentar aqui é a Kate Bush: eu te amo, a sua música é brilhante! Quer saber, Kate? A gente merece. E isso é tudo que vocês terão de mim.”

Pode parecer surpreendente que o líder da banda punk mais emblemática de todas nutra tamanha admiração pela Kate Bush, mas a imprevisibilidade, a coragem e principalmente a independência artística dela, de só fazer o que lhe dá na telha quando lhe dá na telha, encurtam qualquer aparente distância.

“Se eu quisesse dinheiro, lançaria um disco por ano, fosse uma porcaria ou não. E faria montes de TV pra promovê-los. Não é o que me interessa. Espero que as pessoas sintam que a intenção do meu trabalho é fazer algo interessante criativamente”. — Kate Bush

John Lydon sentiu. E todo mundo que descobriu “Running Up That Hill” recentemente também.

KATE BUSH: PREFÁCIO PARA UMA OBRA DIFÍCIL (E BRILHANTE) was originally published in Música Crônica on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

O vampiro adolescente virou homem-morcego. E o melhor do ótimo primeiro filme do Robert Pattinson como Batman é a trilha sonora; quer dizer, “Something In The Way”, porque se toca outra coisa não dá nem para perceber, a música do Nirvana rouba o filme e justamente por isso a trilha deveria ser vendida como um single nas lojas de discos (se as elas existissem e os singles também). Ia vender mais que as trilhas de todos os Batmans anteriores juntos. E o Prince se revira dentro do seu caixão roxo. Para o azar dele, a música do Nirvana é mais que trilha, é um personagem do filme — e de destaque! Imagina: o Oscar de Melhor Coadjuvante vai para… “Something In The Way”. Mais uma para a extensa lista das coisas que o Oscar devia fazer, mas nunca fará.

Roubar o filme é só o novo capítulo da história de uma das músicas mais intrigantes do Nirvana, mesmo sem nunca ser lançada como single ou tocada com frequência nos shows, ela chama atenção desde o lançamento do “Nevermind” porque é cheia de teretetes, começando pelo do encarte. “Something In The Way” é a última música creditada, mas não a última do disco, porque o CD esconde “Endless, Nameless”, que também é “trackless” e começa na mesma faixa, 10 minutos de silêncio depois. No entanto, polêmica maior é a letra:

“Embaixo da ponte/ A lona está vazando/ E os animais que eu capturei/ Se tornaram meus pets/ E eu estou vivendo na grama/ Com goteiras no meu teto/ Mas tudo bem comer peixes/ Porque eles não têm sentimentos”

“Something In The Way” é obviamente sobre um sem-teto morando debaixo de uma ponte, a questão é que saíram dizendo que o tal morador era o Kurt. E tinham motivo para dizer, já que o próprio gostava de contar para geral que dormiu embaixo de uma ponte do rio Wishkah, em Aberdeen, cidade natal dele, depois que a mãe o expulsou de casa por pegá-lo na cama, aos 17 anos, com uma namorada.

O ponto que nunca serviu de abrigo para o Kurt inclusive ganhou uma placa, mas porque as margens lamacentas do rio batizaram um disco ao vivo do Nirvana, o “From The Muddy Banks Of Wishkah”.

A verdade é que Kurt nunca dormiu embaixo daquela ponte (e de nenhuma outra), ele apenas frequentou o lugar na adolescência porque era ponto de encontro de rolês e afins, pelo menos é isso que diz a irmã, Kim Cobain, e confirma o ex-baixista da banda, Krist Novoselic, ambos na biografia “Heavier Than Heaven”.

Mas o fato de Kurt jamais ter morado embaixo da tal ponte não torna a música menos autobiográfica, porque os 4 meses em que ele passou sem teto depois da expulsão são igualmente péssimos. No começo, ele dormiu de favor num papelão na varanda do baterista dos Melvins que nem um gatinho, descrição usada até na wikipédia. Mas a temperatura caiu e ele “se mudou” para o hall de um prédio com aquecimento interno central, obviamente chegando depois do último morador entrar e saindo antes do primeiro sair. Puxado. Então Kurt passou a dormir na sala de espera de um hospital, pois, segundo um amigo que também dormia lá, dava para pegar comida pendurando na conta de quartos aleatórios e o melhor: “ Tinha até tv!”.

Morar embaixo de ponte, mesmo que ela seja um hospital ou a varanda de alguém, não é muito diferente de viver dentro de uma (bat)caverna, difícil é perceber a semelhança. Mérito do diretor do filme, que trabalhava no roteiro ouvindo música quando “Something In The Way” tocou e ele percebeu que Bruce Wayne, em vez do playboy que todos já conheciam, poderia ser um astro desajustado, frustrado, atormentado, raivoso e auto-destrutivo; praticamente o rockstar que Kurt foi.

Aliás, frustração, raiva, desespero, angústia, dá para escutar tudo isso em “Something In The Way” e não só por causa da letra, mas pelas circunstâncias da gravação. Segundo Butch Vig, produtor do Nevermind, a música foi de longe a mais difícil de ser gravada.Todas as outras precisaram de dois ou três takes, mas “Something In The Way” a banda simplesmente não acertava, Kurt já tinha tentado na guitarra e no violão, nada funcionava no estúdio. Até que, por pura raiva e frustração, ele entrou na sala de controle para tocar e lá funcionou. O problema para a surpresa geral era a sala de gravação, que deixava o violão alto demais. Vig então tirou o telefone do gancho e gravou Kurt ali mesmo, no sofá, tão no calor do momento que o violão está desafinado. Desafinado o suficiente para obrigar todos os instrumentos que vieram depois a lutar fracassadamente para conviver com ele. Mais Bruce Wayne que isso, impossível.

“Something In The Way”: a história da música do Nirvana que virou trilha do Batman was originally published in Música Crônica on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

O mesmo personagem ser citado em diversas músicas, pelas mãos dos mais diferentes compositores e por 50 anos é um fenômeno sem paralelo que precisa ser investigado: quando surgiu? Quem criou? Como se espalhou? Quem já cantou? São muitas perguntas e a mais importante delas é justamente a que jamais deveria ser feita: quem diabos é esse tal de Mr. Jones afinal de contas?

Mas agora já era. Então, como toda busca por respostas começa pelo Google, experimenta mandar um “quem é Mr. Jones?” e a resposta do oráculo será “canção do Counting Crowes”. Bléééééé!! O Google pode até saber um montão de coisas, mas definitivamente Mr. Jones não é uma delas.

Só uma pessoa pode responder com propriedade quem é Mr. Jones, o seu criador. Acontece que, para o nosso azar, este é Bob Dylan e, como sabemos, perguntar qualquer coisa ali, até as horas, é pura perda de tempo. Mas nos idos de 1960 a humanidade ainda não sabia que era impossível entrevistá-lo, como no episódio em que um inocente repórter perguntou na lata: “Quem é Mr. Jones?”. E obteve a seguinte resposta: “Não posso dizer o primeiro nome dele, eu seria processado”. Era obviamente melhor se dar por satisfeito, mas o repórter insistiu: “Então diga pelo menos o que ele faz da vida?”. E Dylan não perdoou a segunda investida: “Ele é pinboy e, ah, usa suspensório”. (Obs: no boliche, antes da invenção do “pinsetter”, o dispositivo mecânico que recoloca os pinos de volta no lugar, quem fazia o serviço manualmente era chamado de “pinboy”.)

Parece pura sacanagem com o coitado do jornalista, e é; por outro lado certas coisas não devem ser explicadas. A própria música do Dylan que marca o surgimento de Mr. Jones, “Ballad Of A Thin Man” (1965), já é, em si, misteriosa:

“Você entra na sala como um camelo/ Franze a testa/ Coloca seus olhos no bolso/ E seu nariz no chão”

Surrealmente misteriosa só para provocar os idiotas da objetividade.

“Algo está acontecendo aqui e você não sabe o que é/ Sabe, Mr. Jones?”

É justamente o mistério em torno do tal Mr. Jones que faz dele um personagem tão citado. Provavelmente a primeira citação aconteceu menos de dois anos após seu surgimento, na música “Flying High” da banda californiana Country Joe & The Blowfish:

“Estou preso numa estrada de Los Angeles/ Tenho água da chuva dentro de minhas botas/ Meu polegar está congelado/ Não sinto meus dedos (…)/ E Mr. Jones não veio me dar uma mão.”

No ano seguinte, 1968, o personagem é evocado por John Lennon na música “Yer Blues”, dos Beatles:

“A águia pega meu olho/ O verme, ele lambe meus ossos/ Me sinto tão suicida quanto o Mr. Jones do Dylan”.

No começo dos anos 80, os ingleses do Psychedelic Furs afirmaram ter descoberto a identidade secreta de Mr. Jones na música que leva o nome do personagem:

“Mr. Jones são todos vocês que vivem fazendo planos”.

Até que na década seguinte, precisamente no fatídico ano de 1993, Mr. Jones morreu assassinado por aquele hit desgraçado do Counting Crows que tocava até em farmácias e que também tinha o mesmo nome do personagem:

“Eu quero ser Bob Dylan/ Mr. Jones desejava apenas ser alguém um pouco mais ‘funky’”

Morto, mas não esquecido. E muito menos inativo. Aliás, Mr. Jones acaba de mandar lembranças diretamente do inferno, onde ele presumidamente está, visto que o título da recém lançada música do Spoon se chama “The Devil & Mister Jones”.

CRIADO POR BOB DYLAN E ASSASSINADO PELO COUNTING CROWS: A HISTÓRIA DO PERSONAGEM MR. JONES was originally published in Música Crônica on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

discos, filmes, documentários, livros, aguardados retornos e outros nem tanto

“O ANO SÓ COMEÇA DEPOIS DO CARNAVAL”. MAS QUAL CARNAVAL? DE QUAL ANO? TAÍ UMA MÁXIMA QUE FOI REDUZIDA AO MÍNIMO, A NADA. DE TODO JEITO, ATÉ 2002 VIRAR 2023 É POSSÍVEL PREVER ALGUNS LANÇAMENTOS MUSICAIS SEM BOLA DE CRISTAL. VALE A PENA ESPERAR…

…QUE O TAL “THE SMILE” TENHA MESMO ALGUMA GRAÇA

E promete ter. Uma das coisas mais esperadas (por mim, pelo menos) é o dia em que Jonny Greenwood parasse de apertar botãozinho no Radiohead para voltar a tocar guitarra. E parece que esse dia chegou. Não é exatamente no Radiohead, só que é sim, porque Jonny Greenwood junto com Thom Yorke é Radiohead, sinto muito; principalmente sendo produzidos pelo Nigel Godrich, ainda que tenha lá um baterista diferente, de uma banda chamada Son’s Of Kemet; mas esse trio, o The Smile, não é um supergrupo como estão vendendo por aí, está mais para o Grinderman do Nick Cave, que era uma versão reduzida dos Bad Seeds, com outro nome para não carregar responsabilidade do projeto principal e poder se dedicar a fazer barulho sem compromisso.

…QUE O DOCUMENTÁRIO DA SINÉAD O’CONNOR SEJA LANÇADO NO BRASIL (COM DECÊNCIA)

Sabe “2001, Uma Odisseia no Espaço”? Então, o documentário sobre o início da carreira da Sinéad O’Connor, “Nothing Compares”, que estreou no festival de Sundance, tem tudo para ser comparado ao filme, porque a verdade é que a cantora é quase tão inalcançável quanto o clássico do Stanley Kubrick, e também conta com momentos de pura poesia: o episódio em que ela rasgou uma foto do Papa ao vivo na televisão dos EUA é um deles, e quando se tornou a primeira — e única — artista do planeta a recusar o Grammy alegando que “a premiação tem valores materialistas, falsos e destrutivos” é outro.

…QUE A PARCERIA DE WARREN ELLIS E HOPE SANDOVAL NÃO SEJA SÓ UM TUÍTE

O braço direito do Nick Cave vai dar uma mãozinha (que não é vermelha) para Hope Sandoval. Em janeiro, o desavisado Warren Ellis queimou a largada tuitando um elogio a ex-vocalista do Mazzy Star, “que voz ela tem!”. E entregou: “estava em estúdio trabalhando em algumas músicas novas da Hope Sandoval”.

Mas aí devem ter avisado o desavisado Ellis (que o projeto era segredo) e ele deletou o tuíte. Jornalistas entraram em contato com ele e com ela querendo saber mais, ambos desconversaram. Tarde demais. Vem disco por aí.

…QUE O NOVO DOCUMENTÁRIO DO NICK CAVE TAMBÉM GANHE SALAS BRASILEIRAS DE CINEMA

Projeto bem menos misterioso com o mesmo Warren Ellis, dessa vez acompanhando do Nick Cave, é o documentário “This Much I Know To Be True”. A estreia é dia 11 maio nos cinemas (gringos) e o filme mostra o trabalho da dupla na criação dos discos “Ghosteen” (dos Bad Seeds) e “Carnage” (só da dupla) e ainda promete participação da Marianne Faithfull. Dirigido pelo mesmo Andrew Dominik, do documentário “One More Time With Felling”, que mostrou o processo de composição do disco Skeleton Tree em 2016, logo após a morte do filho de 15 anos de Nick Cave, Arthur.

…QUE O PRÓXIMO DISCO DO ARCTIC MONKEYS NÃO SEJA INSPIRADO NA TRANQUILIDADE DO HOTEL E CASSINO

Sabe-se que desde janeiro de 2021 está sendo gravado o novo disco do Arctic Monkeys. O que já é tempo suficiente (não se tratando do Guns N’Roses). Tanto que no fim de fevereiro o baterista Matt Helders confirmou em entrevista que o processo já está nos finalmente. Vale esperar, principalmente porque Alex Turner e cia. não costumam se repetir. Ainda bem.

…QUE A BRITNEY SPEARS RETORNE… E SEJA O QUE DEUS QUISER

Que vai fazer barulho, vai. Se acontecer. E parece que talvez poder ser que aconteça (infelizmente é impossível ser mais exato que isso). O fato é que na semana do natal, quando milagres acontecem (nos filmes, pelo menos), Britney fez um textão no Instagram sobre Deus e fé e coisa e tal, mas, entre uma autoajuda e outra, contou que se afastou da música apenas por vingança das “coisas horríveis” que faziam com ela.

Agora que Britney se livrou dessas coisas horríveis que se chamam pai, quem sabe? Afinal, durante a batalha legal ela disse que não voltaria para a indústria musical enquanto o pai controlasse os negócios. Pois bem, ele não controla mais.

…QUE O FILME CONTANDO A VIDA DA WHITNEY HOUSTON CONTE TUDO

A indústria adora efemérides e em 2022 completam-se 10 anos da morte da Whitney Houston. Exatamente por isso, o filme “I Wanna Dance with Somebody”, que conta a história da cantora, está previsto para dezembro, com Ashton Sanders, de “Moonlight”, como Bobby Brown, Stanley Tucci no papel do produtor e empresário Clive Davis e Naomi Ackie, de “Star Wars: A Ascensão de Skywalker” e “End Of The F*****g World”, no papel principal.

…QUE A VOLTA DO PINK MOUNTAINTOPS JUSTIFIQUE 8 ANOS DE SILÊNCIO

O projeto paralelo do Stephen McBean, chefe do Black Mountain, finalmente anunciou disco novo depois de 8 anos, para o dia 6 de maio. “Peacock Pool” começou a ser composto no início da pandemia, quando McBean se mudou para um rancho perto de Los Angeles. Pouco depois, ele já estava procurando, para usar palavras do próprio, “amigos que desejassem colaboração sonora de banda larga”. E pelo jeito ele está cheio de amizades com internet de qualidade em casa, porque não faltaram participações no disco: Steven McDonald (Redd Kross), Dale Crover (Melvins), Emily Rose Epstein (Ty Segall, Emily Rose & the Rounders) e Laena Myers-Ionita (Feels, Death Valley Girls), Ryan Jewell (Ryley Walker, Steve Gunn) entre outros.

…QUE O LIVRO DA DOLLY PARTON SEJA TRADUZIDO PARA O PORTUGUÊS

É isso mesmo. Livro. Uma das, se não a maior estrela country resolveu estrear na literatura e o livro que saiu no começo de março já é best-seller nos EUA. “Run Rose Run”, o primeiro romance de Parton, escrito com a ajuda de um autor de livros de suspense chamado James Patterson, conta a história de uma jovem que se muda para Nashville a fim de se tornar uma estrela. De boba, como sugere o hit “Dumb Blonde” de 1967, Dolly não tem nada e o livro vem com um álbum de 12 músicas para serem tocadas em certos pontos da história.

…QUE O NOVO DISCO DO SPIRITUALIZED SEJA TUDO ISSO QUE ESTÃO FALANDO

Mas o que estão falando? “Tem uma pulsação vital e trovejante. ‘Everything was Beautiful’ é lindo, como anunciado” (Mojo). “De muitas maneiras, é tudo o que você poderia querer de um álbum do Spiritualized” (Uncut).

Do disco mais recente, “And Nothing Hurt” (2018), para o novo, “Everything Was Beautiful” (2022), o intervalo não chegou a 4 anos. Essa incomum velocidade para o perfeccionista Jason Pierce tem explicação. As músicas novas saíram de demos antigas, gravadas em 2013. Exatamente o mesmo balaio onde estavam as músicas do disco anterior. Então “And Nothing Hurt” (2018) e “Everything was Beautiful” (2022) tem a mesma origem? Sim. E os respectivos títulos também, já que o escritor Kurt Vonnegut escreveu no romance “Matadouro 5” o seguinte: “Everything was beautiful and nothing hurt”. Inclusive, a ideia original de Pierce era lançar um disco duplo, mas ele foi prontamente dissuadido pelo chefe da gravadora, com o argumento de que discos duplos são difíceis de vender. O lançamento está previsto para 22 de abril, mas já esteve programado para 04 de março. Como eu disse, Jason Pierce é perfeccionista.

O QUE ESPERAR DOS LANÇAMENTOS PREVISTOS PARA 2022 was originally published in Música Crônica on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Uma extensa pauta, feita com esmero por um fã (eu, no caso), para o vj da MTV (o Chuck, no caso) entrevistar Mark Lanegan no Cine Joia algumas horas antes do show.

A resposta mais longa teve três letras, “Yes”. E o “No”, com menos letras ainda, não foi a mais curta. Assim, em aproximadamente 18 segundos, as 25 perguntas tinham chegado ao fim. Enquanto meu anjinho profissional resmungava frustrado com o próprio fracasso (“não quer dar entrevista? Cancela! Ninguém é obrigado.”), o fã diabinho vibrava. E antes que houvesse vencedor, um irônico e educado aperto de mãos (“Obrigado pela entrevista que você não deu”. “De nada.”). E lá se foi o ídolo.

***

Alguns anos antes, em uma daquelas pocilgas da rua Augusta. Quatro ou cinco seguranças dão as mãos, formando um corredor entre eles e a parede que leva até o palco de alvenaria. Passam por ali Mark Lanegan, um violonista e só. Não precisava mais. Lá pela terceira música, ele ainda pediu para luz do palco parar de piscar e mudar de cor, mandou deixarem até o fim do jeito que estava, era um azul cabaré. Não precisava mais, nunca precisou. A voz bastava, aquela voz que sempre diz mais do que a letra da música. E ele sabia disso. Ao fim da última, o ar da espelunca podia ser fatiado, tamanho o impacto do que acabara de acontecer. E formou-se o mesmo cordão de seguranças na lateral do palco, mas ele nunca passaria de volta, para supresa de todos, dos seguranças principalmente, ele desceu pelo lado oposto, abriu uma das portas de emergência que dava para a rua e lá se foi o ídolo.

***

Terça-feira passada, de repente a notícia que pegou a todos de supresa, a todos que interessam pelo menos. Para ficar só em alguns e que eu vi: Iggy Pop, Nick Cave, Warren Ellis, Nadine Shah, J Mascis, Anton Newcomb, Perfume Genius, Eddie Vedder, Greg Dulli e John Cale.

Não era um dia comum, como não foi a entrevista ou o show. A data da morte, além de um palíndromo (pode ser lida de trás para frente), também pode ser lida de ponta-cabeça.

E lá se vai um ídolo. Em grande estilo, como sempre.

MARK LANEGAN: lá se vai um ídolo was originally published in Música Crônica on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Você tem as suas ausências de estimação no Spotify? Eu tenho as minhas: o disco “Transverse City” (1989), do Warren Zevon; o “Howl” (2005), do Black Rebel Motorcycle Club, e o “Propellor Time” (2010), do Robyn Hitchcock com participações de Peter Buck (REM), Scott McCaughey (The Minus 5), John Paul Jones (ex-Led Zeppelin), Johnny Marr (ex-Smiths) e Nick Lowe; isso para não falar das super ausências de dois supergrupos, Backbeat Band e Monsters Of Folk.

A torcida era obviamente para que essa lista diminuísse com o tempo, mas o mundo anda tão errado, que eu torço mais é para que aumente — e ao ponto da casa cair.

Não é de hoje que o Spotify desagrada os músicos; em 2012 o baterista do Black Keys levantou um discreto “é injusto”. Em 2020, o ex-baixista do R.E.M., bem mais enfático — e roqueiro -, mandou o CEO da empresa sueca, Daniel Ek, literalmente se fuder em um tuíte, depois do poderoso chefão ter dito em entrevista, quando perguntado sobre a baixa remuneração dos artistas, que “músicos deveriam produzir mais música e com mais frequência para ganhar a vida, porque não dá mais para gravarem a cada 3 ou 4 anos e acharem que é o bastante”.

Até então o problema era trabalhista, da indústria, do capitalismo, luta de classes…, chame como quiser; mas, como diz qualquer personagem do Liam Neeson nos filmes de domingo à noite na Globo, “agora é pessoal!”, porque fingir que não está promovendo desinformação negacionista no meio de uma pandemia extrapola todos os limites. Mais que promovendo, o tal podcast “The Rogan Experience”, apresentado pelo tal Joe Rogan, é exclusivo da plataforma, que pagou 100 milhões de dólares pela exclusividade. Qual exclusividade? Um histórico de falas racistas, transfóbicas e negacionistas.

Esta última, motivo pelo qual Neil Young resolveu que vociferar não era mais suficiente e resolveu agir. No dia 26 janeiro, Young publicou em seu site uma carta endereçada ao presidente da gravadora dele em que dizia: “Avisem o Spotify imediatamente HOJE que quero todas as minhas músicas fora da plataforma deles… Eles podem ter Rogan ou Young. Não os dois”. E justificou: “Estou fazendo isso porque o Spotify está espalhando informações falsas sobre vacinas — potencialmente causando a morte daqueles que acreditam na desinformação espalhada por eles.”

O baterista do Black Keys falou, o ex-baixista do R.E.M. xingou e Neil Young botou para quebrar, iniciando um efeito dominó em que as peças ainda estão caindo. Joni Mitchell foi a primeira a se solidarizar com o amigo e também retirou as músicas dela da plataforma, depois foi a vez de Nils Lofgren, guitarrista do Bruce Springsteen, e então o tal Joe Rogan atingiu o ápice da sua carreira ao reunir Crosby, Stills, Nash e Young. Contra ele.

Teve mais. Rivers Cuomo, líder do Weezer, postou o seguinte: “Cansado do Spotify? Venha para o Weezify”. E pior que não era (só) uma piada, Weezify é um aplicativo de verdade, desenvolvido pelo próprio Cuomo e resumido por ele como “tipo um Spotify”, mas só com músicas da carreira dele, quase 3.500.

A concorrência também se alvoroçou, como no anúncio acima, do Tidal, mas, de todas as diferentes iniciativas contra a gigante do streaming, a mais ameaçadora, perigosa e aterrorizante foi a do cantor James Blunt, um ultimato pelo Twitter, direto e reto, de preocupação global mais urgente que a possível guerra na Ucrânia: “Se o Spotify não remover Joe Rogan imediatamente, eu vou lançar música nova na plataforma”. E para que o mundo entendesse a gravidade da ameaça, assinou com a hashtag #youwerebeatiful, em referência ao atentado sônico que quase destruiu a humanidade em 2005.

Mesmo depois de sofrer ofensa, boicote e até uma ameaça de aniquilação da raça humana, Daniel Ek, presidente fundador do Spotify, só emitiu um mísero comunicado patético para informar que incluiria links com informações cientificamente verificadas em todos os conteúdos que se referissem à Covid na plataforma. Ou seja, nada. Precisou doer no bolso para algo de fato acontecer e, ao mesmo tempo em que as hashtags #DeleteSpotify e #CancelSpotify ganhavam força nas redes sociais, com direito a tutoriais de cancelamento pipocando, as ações da empresa caíram 12%. A notícia de que o Spotify tinha perdido 4 bilhões de dólares em valor de mercado fez o CEO assinar um novo comunicado avisando que mais de 20 mil episódios de podcasts relacionados à Covid-19 foram removidos da plataforma.

Mas e o tal Joe Rogan? Vários episódios dele foram, alguns, os que continham expressões racistas, tirados pelo próprio; mas o contrato de exclusividade continua lá e Daniel Ek ainda tentou justificar o injustificável, inclusive para os funcionários dele. Em um e-mail corporativo ou coisa assim, escreveu que condena energicamente as falas de Joe e apoia a decisão de retirar os episódios da plataforma, mas acredita que “isolá-lo no silêncio não seja a resposta”.

Se é carta direta aos funcionários que ele quer, é carta direta aos funcionários que ele vai ter, foi o que Neil Young provavelmente pensou antes de escrever a dele, em seu site, encorajando os funcionário do Spotify a pedirem demissão, “saiam desse lugar antes que ele devore as almas de vocês, Daniel Ek é o problema, não Joe Rogan”, e Neil ainda aproveitou para incentivar outros músicos e criadores a retirarem seus conteúdos também, “vocês precisam ser capazes de encontrar um lugar melhor do que o Spotify para ser a casa da sua arte.”

Ah, e no meio de tudo isso, o tal Joe Rogan gravou um vídeo pedindo desculpas pelo uso de expressões racistas. Obs.: ele não disse que estava bêbado.

O Spotify está se queimando e todo mundo sabia que era altamente inflamável, o que só aumenta a coragem de quem riscou o fósforo.

“Hey hey, my my, rock and roll can never die”.

TODOS CONTRA O SPOTIFY was originally published in Música Crônica on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Gêneros musicais, estilos; rótulos só servem para (tentar) organizar prateleira em loja de disco. Taí um belo chavão da época em que elas existiam, as prateleiras. E as lojas. E os discos.

Seja como for, a música ganhou uma novíssima e involuntária prateleira, física ou não, a da pandemia. Discos Pandêmicos? Chame como quiser, só não venha me dizer que “Pandemia” não é estilo musical porque “World Music” também nunca foi. (Ou você sabe de alguma música que não seja desse mundo, feita por um ser de outro planeta? Tirando a Bjork, claro.)

Seja como for, de novo, uma enorme quantidade de músicas influenciadas pela pandemia surgiram nos últimos dois anos. Nem poderia ser diferente, ninguém passou incólume, até os inatingíveis rockstars foram atingidos, a casa caiu pra todo mundo, até para a Taylor Swift.

“A maioria das coisas que eu planejei para esse verão acabaram não acontecendo, mas tem uma coisa que eu não tinha planejado e aconteceu. Essa coisa é o meu oitavo disco de estúdio, Folklore”.

- Taylor Swift

“Se você nos dissesse quando estávamos gravando o disco Drunk Tank Pink que levaria um ano até o lançamento, eu teria chorado. Parecia que estávamos na reta final. Tudo o que planejávamos fazer foi cancelado. Frustrante para todos nós, mas acho que vai valer a pena agora.”

- Charlie Forbes, baterista do Shame

O fato de todos nós experienciarmos a mesma merd… coisa ao mesmo tempo já deve ser o objeto de estudo de muito cabeção por aí, em tudo quanto é área cabeçuda, como a filosofia, psicologia e sei lá mais o quê. Mas na música pop, em toda sua rasteira e rasa beleza, porque é isso que ela é, seria como se todos nós tomássemos ao mesmo tempo um pé na bunda e fôssemos simultaneamente nos consolar ouvindo discos de coração partido recém-lançados por artistas que também acabaram de ser rejeitados.

“Espero que este álbum traga alegria e alívio para as pessoas, especialmente porque todos nós ficamos confinados por muito tempo. Eu conheço aquela sensação de dirigir por aí escutando a música que você ama, ou até mesmo deitar na cama e chorar ao som da música que você ama.

- Jim James, vocalista do My Morning Jacket, sobre o disco My Morning Jacket (2021)

Muitas das músicas produzidas em 2020 e 2021, às vezes discos inteiros, têm letras que falam diretamente sobre o que seus autores viveram, que vem a ser o que todo mundo viveu, a pandemia.

“Hope é sobre isolamento, estar presente em sua dor e saber que você não é o único no planeta se sentindo deprimido. Acho que, especialmente em tempos como estes, é importante focar na inevitabilidade de que as coisas vão melhorar.”

- Arlo Parks sobre a música Hope, do disco Collapsed in Sunbeams (2021)

Ok, nem todas as letras das músicas dos últimos 2 anos falam sobre a pandemia, aind abem, mas com certeza todas as músicas compostas neste período foram escritas em condições pandêmicas:

“Com a pandemia, acabei focando em fazer o disco. Ia para os meus lugares favoritos, os parques que frequento, e ficava compondo, escrevendo, tocando, ouvindo, trabalhando nas demos até deixar como eu queria.”

- Steve Gunn sobre disco Other You (2021)

“Escrever a música “Write A List Of Things To Look Forward To” foi uma técnica de sobrevivência: ser ‘irritantemente otimista’ diante de uma crise de extinção generalizada e da morte de uma avó e de um tio.”

- Courtney Barnett sobre a música Write A List Of Things To Look Forward To, do disco Things Take Time, Take Time (2021)

“Tive que ir a Memphis cuidar dos meus pais, depois não consegui fazer um teste de Covid para voltar à minha cidade, então tive que alugar uma casa por lá. Foi quando as músicas começaram a sair. E elas saíram muito rápido.”

- Greg Cartwright, vocalista do Reigning Sound, sobre o disco A Little More Time with Reigning Sound (2021)

Se Greg Cartwright compôs o disco novo porque não conseguiu voltar para casa, Adrianne Lenker, vocalista do Big Thief, só fez o segundo disco solo porque fugiu da casa dela, deixando Nova York para se isolar em uma cabana nas montanhas em Berkshires, no oeste de Massachusetts.

“Tudo se estruturou em torno do espaço, que era bem pequeno, com vigas de madeira expostas. Podíamos ouvir os insetos, podíamos ouvir o vento nas árvores. A ideia era realmente se inclinar com força para essa atmosfera física e criar um disco que tentasse imitá-la. Assim que cheguei lá, tudo começou a mudar: meu senso de tempo, meu senso de identidade, a maneira como respirei o ar.”

- Adrianne Lenker, vocalista do Big Thief, sobre o disco solo Songs And Instrumentals (2020)

Se as letras podem não ser pandêmicas e as condições de composição também não, porque as músicas já estavam escritas, para citar uma possibilidade, a gravação de praticamente tudo nos últimos dois anos não tinha como não ser afetada pela pandemia. O Mogwai gravou o disco “As The Love Continues” via Zoom, mas o White Denim conseguiu ir além, porque transformou o lockdown em desafio, uma espécie de gincana discográfica, se propondo não só a gravar, como a compor, mixar e masterizar um disco via zoom e mais, fazer tudo em 30 dias e financiados por um crowdfunding. Eles não só conseguiram, como o disco da gincana têm o melhor título pandêmico de todos, “World As A Waiting Room”.

“Foi incrivelmente libertador e aterrorizante ao mesmo tempo. O isolamento e o prazo apertado exigiram papéis super definidos e comunicação focada. Como se não bastasse tudo isso, eu ainda travei uma guerra particular com o guaxinim que decidiu morar no meu sótão”.

- James Petralli, vocalista do White Denim

“Queira ou não queira”, como diria Tim Maia, a pandemia pode perfeitamente bem ter uma prateleira, virtual ou não, nas lojas, físicas ou não, até porque listas de melhores discos pandêmicos já têm várias por aí, a da NME, por exemplo, põe o disco “Carnage”, do Nick Cave em parceria com seu fiel escudeiro Warren Ellis, em primeiro lugar. E eu não poderia concordar mais.

Alguma premiação respeitável bem que poderia criar a categoria de “Melhor Disco Pandêmico”, mas o Grammy, por exemplo, perdeu essa oportunidade e junto o pouco respeito que ainda tinha, preferindo indicar gente com o filme tostado, pra dizer o mínimo, como Marilyn Manson e Louis C.K. para, imediatamente depois, ter de sair por aí tentando se explicar. E não conseguindo. Para a estupidez ainda não dispomos de vacina. Infelizmente.

SE “WORLD MUSIC” É ESTILO MUSICAL, “PANDEMIA” TAMBÉM JÁ DEVERIA SER was originally published in Música Crônica on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

São raros os vocalistas que emocionam cantando até “Parabéns Pra Você”. Mais raro ainda é ver um deles, já com uma carreira consagrada, cantando em todo o disco de uma banda nova. Mas atravessa a fronteira da raridade para entrar nas cercanias do milagre quando essa banda consegue não um, mas dois desses vocalistas, sem ter nada de mais.

Por isso o Soulsavers é um milagre. Quando surgiu o primeiro disco em 2003, “Tough Guys Don’t Dance”, tratou-se apenas da estreia despercebida de mais uma dupla eletrônica inglesa, com um um pé no rock, formada por produtores que resolveram produzir a si mesmos.

Então operou-se o milagre. O 2º disco, “It’s Not How Far You Fall, It’s the Way You Land”, foi cantado de cabo a rabo por Mark Lanegan, ex-Screaming Trees, e os vocais dele chamaram a atenção da crítica para o Soulsavers, colocando a dupla no mapa.

A participação se repetiu no 3º disco, “Broken”; já com as influências de gospel e country mais consolidadas, o Soulsavers tentava soar como se o Spiritualized fosse desafiado a recriar as trilhas dos faroestes de Sergio Leone ou algo assim.

A sonoridade se repetiu no 4º disco, sem Lanegan cantando; mas não seja por isso, o raio caiu pela segunda vez no mesmo lugar e os vocais ficaram por conta de outro raro e poderoso vocalista, o Dave Gahan, do Depeche Mode.

Deu tão certo que o disco seguinte, “Angels & Ghosts”, deixou de ser encarado como participação para ser assinado como parceria: “Dave Gahan & The Soulsavers”, e isso acaba de acontecer de novo no recém-lançado “Imposter”.

Como o Soulsavers conseguiu gravar dois discos com Mark Lanegan e mais três com Dave Gahan? Talvez o empresário da dupla seja o mesmo do lateral-direito Belletti. Isso quer dizer que o duo é uma porcaria? Não. (O Belletti também não era). Mas não há quase nada que o Soulsavers acrescente às brilhantes carreiras de Lanegan e Gahan. (Do mesmo jeito que Belletti não acrescentava muito ao brilhante time do Barcelona comandado pelo holandês Frank Rijkaard). No entanto é inegável que apesar das composições da dupla terem lá seus momentos, as covers escolhidas a dedo e espalhadas por toda a discografia, produzidas pelo Soulsavers para Mark e Dave cantarem são brilhantes. (No final das contas, foi o mediano Belletti o autor do gol da taça do Barcelona na Liga dos Campeões).

As covers são as azeitonas das empadas do Soulsavers e eles sabem disso, tanto que o recém lançado “Imposter” é inteirinho dedicado a elas. Em que outra circunstância você ouviria Dave Gahan cantar “The Desperate Kingdom Of Love”, da PJ Harvey; “Not Dark Yet”, do Bob Dylan; “Lilac Wine”, eternizada por Jeff Buckley; e até “Shut Me Down”, do esquecido Rowland S. Howard (devidamente lembrado no texto “A Reprise de Um Filme Inédito”)?

As covers sempre salvaram o Soulsavers porque Mark Lanegan e Dave Gahan são desses raros vocalistas que surpreendem até cantando “Parabéns Pra Você”, então imagina o estrago que eles fazem com músicas desse calibre?

SOULSAVERS E SEUS DOIS VOCALISTAS: MARK LANEGAN E DAVE GAHAN, DO DEPECHE MODE was originally published in Música Crônica on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

O que faz um disco de covers valer a pena? Já que, eu arrisco dizer, o máximo de êxito que eles atingem é despertar a vontade de ouvir as versões originais. Propósito, é isso que faz um disco de covers interessante, o motivo, a intenção. Como sabiamente disse o líder do Wire, Colin Newman, “nunca toque uma nota sem um bom motivo para tocá-la.” Parece óbvio, mas não é o que acontece na maioria dos casos. Talvez o auge desse “motivo” e consequentemente a melhor cover de todos os tempos seja a versão do Johnny Cash para“Hurt”, do Nine Inch Nails. A intenção da gravação de Cash é tanta, que ele consegue dar um novo significado para a letra sem alterar uma única palavra dela. O próprio Trent Reznor disse que a música falava da sua experiência pessoal com as drogas, mas ao ouvir Johnny Cash cantando, percebeu que “Hurt” tinha se transformado em uma reflexão sobre a vida. Reflexão que fica ainda mais clara no videoclipe, filmado com Johnny já muito doente e lançado poucos meses antes da morte dele e da esposa June, o que deixa tudo ainda mais emocionante.

Não é todo dia que um disco de covers como “American IV: The Man Comes Around”, o da música “Hurt”, é lançado. E outro dia mesmo saiu um. Mais que disco, “Georgia Blue” é o pagamento de uma promessa feita por Jason Isbell, o guitarrista e vocalista que deixou o Drive-By Truckers em 2007 para começar uma carreira solo que o transformou em uma das figuras de maior reconhecimento do rock sulista dos EUA, incluindo aí um… eu ia dizer Grammy, mas o que é aquele peso morto e dourado perto de um papel no próximo filme do Martin Scorsese, “Killer Of The Flower Moon”, com Leonardo DiCaprio e Roberto De Niro?

A promessa de Isbell aconteceu durante as últimas eleições presidenciais dos EUA. Depois de uma intensa campanha contra Donald Trump no Tweeter, percebendo que Joe Biden tinha chance de ser o primeiro Democrata a vencer no estado da Georgia desde Bill Clinton em 1992, ele twittou que, se Biden de fato vencesse ali, faria um disco de covers com suas músicas favoritas da Georgia.

No último dia 15, com versões que vão de James Brown a Cat Power, passando por Otis Redding, Gladys Knight, Allman Brothers, Black Crowes , Vic Chesnutt e destaque para o REM, porque só eles ganharam duas músicas no disco, “Nightswimming” abrindo e “Driver 8” fechando, Jason Isbell cumpriu a promessa de campanha e lançou o disco “Georgia Blue”, o azul do título em referência à cor do partido Democrata, avisando que toda a renda arrecadada será doada para três instituições (Black Voters Matter Fund, Fair Fight e Georgia STAND-UP), segundo ele, porque o disco é uma retribuição, uma forma de dizer “obrigado”.

Motivo. Jason Isbell teve um, dos mais nobres aliás, para gravar esse disco de covers. É isso que faz “Georgia Blue” valer a pena.

“GEORGIA BLUE”, O NOVO DISCO DE COVERS DO JASON ISBELL TEM MOTIVO was originally published in Música Crônica on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Se banda fosse pastel, a mais nova, aquela que acabou de chegar na vitrine do balcão seria sempre a melhor, porque invariavelmente a mais crocante seria sempre a mais fresquinha. Se banda fosse pastel, eu chamaria a pastelaria de Pitchfork. É impressão ou as resenhas ali gostam de bandas novas pelo simples fato de serem… novas? É impressão ou quanto mais estreante o artista, mais condescendente a crítica do disco?

Seja como for, é preciso admitir que a recente inciativa do Pitchfork, de rever 19 resenhas e reavaliar a infame nota que acompanha cada uma delas é admirável, até porque, lembrar o mundo, por exemplo, que o site atribuiu 5.4 (de 0 a 10) para “Stories From The City, Stories From The Sea”, da PJ Harvey, é no mínimo corajoso, ainda mais quando a gente lembra que as críticas musicais no Brasil não tem coragem nem pra criticar, em vez disso costumam ensaboar com um liso “muito bom”, ★★ (afinal, se é muito bom não é duas estrelas).

Ou seja, é melhor errar de vez em quando do que ficar em cima do muro sempre. E é melhor ainda assumir o erro e corrigi-lo, como fez o Pitchfork .

Então, torcendo para que a saudável moda da autocrítica da crítica pegue em outros veículos, segue uma lista de resenhas que merecem urgente revisão, pois nunca é tarde demais para se retratar. Bem…, talvez seja.

Rolling Stone: Led Zeppelin, “Led Zeppelin” (1969)

Quando o disco de estreia do Led Zeppelin foi lançado, havia quem torcesse o nariz por acreditar ser obra de uma boyband, no sentido de que a banda não teria se formado espontaneamente, mas pré-fabricada como os Menudos ou os Backstreet Boys; só que a crítica da revista Rolling Stone foi além, chamou o Zeppelin de arremedo do Jeff Beck Group, “com um vocalista tão petulante quanto Rod Stewart, mas longe de ser tão empolgante” e “um guitarrista limitado como produtor, que escreve canções fracas e sem imaginação”.

Village Voice: Radiohead, “OK Computer” (1997)

Para muitos, a obra-prima do Radiohead; mas para o famoso crítico norte-americano Robert Christgau em julho de 1997, quando o disco foi lançado, apenas “o insucesso do mês”. Na ocasião, ele comparou o “OK Computer” ao “Wish You Were Here”, seu disco preferido do Pink Floyd, porque, segundo ele, “tem alma”, enquanto “a ideia de alma do Radiohead é o Bono, a quem eles imitam sob o risco de parecerem ainda mais ridículos do que já são”.

Melody Maker: Pink Floyd, “Wish You Were Here” (1975)

Para o nosso mais completo entretenimento e possível sentimento de vingança dos fãs mais fervorosos de Radiohead, o lastro do achincalhamento do “OK Computer”, o disco” Wish You Were Here”, do Pink Floyd, também foi achincalhado. A revista inglesa Melody Maker escreveu no seu lançamento que “o álbum exibe crítica falta de imaginação em todos os departamentos”.

Q: Spiritualized, “Ladies and Gentlemen, We Are Floating in Space” (1997)

Talvez sites e revistas devessem usar do artifício de uma nota de rodapé para avisar que a opinião do crítico não reflete necessariamente a opinião do veículo, porque algumas vezes elas chegam a ser espantosamente antagônicas. Foi o que o clássico “Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space”, do Spiritualized, causou na revista Inglesa Q em 1997. Na resenha do lançamento foram estampadas três estelas e meia (de cinco), com a seguinte justificativa: “focar na monotonia e na repetição faz o disco, bem, soar monótono e repetitivo”. Sagazes, hein? E contraditórios também, porque apenas 6 meses depois o disco mais ou menos foi parar na lista de 50 melhores do ano da própria revista. A sorte da Q é que, em vez de ranking, a lista foi publicada em ordem alfabética, senão a vergonha seria maior ainda.

NME: The Stone Roses, “The Stone Roses” (1989)

O mesmo tipo de vergonha, só que bem maior, passou a também inglesa NME, que em 1989 deu nota 6 (de 0 a 10) para o disco de estreia do Stone Roses e em 2006 lá estava o disco no primeiríssimo lugar da lista de melhores discos indie DE TODOS OS TEMPOS.

​​Rolling Stone: Lou Reed, “Berlin” (1973)

Uma coisa é disco que não agrada crítico, outra bem diferente é disco capaz de ofendê-lo; e poucos dominam a arte de tirar gente do sério como Lou Reed. Mais que chamar Berlin de “desastre” e justificar dizendo que ele “leva o ouvinte para um mundo degenerado e distorcido de paranoia, esquizofrenia, degradação, violência e suicídio induzido por pílulas”, muito além disso, o autor quis partir para ignorância, taí a reação psicótica que só Lou Reed consegue despertar: “certos discos são tão obviamente ofensivos que se pode desejar exercer algum tipo de vingança física sobre os artistas que os perpetram”.

New York Times: The Beatles, “Abbey Road” (1969)

O Abbey Road (glup!) no New York Times. Parece mentira, mas escreveram com todas as letras que o medley final é triunfante mas, “o resto é um desastre absoluto”. Segundo o texto sobre o então lançamento dos Beatles, as seis faixas do lado A e as duas primeiras do B são todas descartáveis, sendo as músicas do John Lennon (“Come Together” e “Oh! Darling”) fracassos um pouco mais interessantes (glup!), porque depois tem uma canção de ninar do Ringo Starr que é o mais puro Mickey Mouse; uma rápida explosão de sub-Brian Wilson; duas do George Harrison, mediocridade encarnada; uma nostalgia dos anos 1920 do Paul McCartney e um blues lento, desafinado e sem fim (glup, glup, glup, glup, glup, glup).

Ainda assim, voltando a se referir ao medley, a resenha acabava assim: “tem 15 minutos excelentes e, para os padrões do rock, isso é muito”.

Conclusão óbvia e necessária

O que o tempo não faz, não é mesmo? Rever resenhas que uma vez, por algum motivo (ou nenhum) pareciam fazer sentido para alguém (ou só para o crítico) é uma uma iniciativa corajosa, mas também é um ótimo jeito de lembrar que disco não é ENEM para ter nota.

REMAKE DE RESENHA: A CRÍTICA MUSICAL FAZ AUTOCRÍTICA was originally published in Música Crônica on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.