Barzelletta per una critica d’arte giovanile

Tre tavoli da Ping Pong nel bookshop della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo.

Un’installazione di duchampiana memoria? Ciò che di solito sta nei parchetti entra negli spazi privilegiati, diventando arte.

Forse un richiamo ai dolci ready made di Félix Gonzáles Torres. Come le caramelle venivano raccolte durante le giornate, anche le racchette qualche volta saranno sparite. È capitato a chiunque.

In realtà si tratta di qualcosa che si colloca cronologicamente in mezzi ai due sopracitati.
“J.K. Ping-Pong Club” di Julius Koller, riproposizione del 1970, prima volta in cui trasforma lo spazio espositivo in un’ambiente relazionale, il centro sportivo.

Johannes Cladders nel 1999 disse , ”All institutional conventions governing art’s veneration should given up, and it should feel as if you could play ping-pong in the museum right next to the walls with the painting on them”¹. Per concludere sostenendo che l’unico motivo valido per rimuovere le opere è che sarebbero una distrazione.

¹ Hans Ulrich Obrist, A Brief History of Curating, JRP Editions, Ginevra

Joke for a youth art critic

Three Ping Pong tables in the bookshop of the Sandretto Re Rebaudengo Foundation.

An installation of Duchampian memory? What usually is in the parquets enters the privileged spaces, becoming art.

Perhaps a reference to the sweat ready-mades of Félix Gonzáles Torres. As the candies were collected during the days, the rackets will also sometimes be gone. It has happened to anyone.

Actually it is something that is placed chronologically in between the two aforementioned.
“J.K. Ping-Pong Club” by Julius Koller, a revival of 1970, the first time in which he transforms the exhibition space into a relational environment, the sports center.

Johannes Cladders in 1999 said, “All institutional conventions governing art’s veneration should given up, and it should feel as if you could play ping-pong in the museum right next to the walls with the painting on them”¹. To conclude by arguing that the only valid reason to remove the works is that they would be a distraction.

¹ Hans Ulrich Obrist, A Brief History of Curating, JRP Editions, Geneva

Bernardí Roig, Paolo Grassino, and Gloria Friedmann talk

At the Galleria Umberto Benappi, “Challenging body” offers a plural look at bodies.
Our body, in addition to the bodies that surround us.
Three artists, Bernardí Roig, Paolo Grassino, and Gloria Friedmann, establish a multilateral dialogue, with suggestions that resonate, without appearing redundant.
Three personal readings without limitations, of a theme that too often turns out to be inflated and difficult to follow, at least without raising public shame.

Bernardí Roig’s gaze is frowned in a grimace.
This is how his sculptures appear to us, we do not know whether it is physical pain or intellectual anguish.
The contractions of the face of the statues of him in marble dust are not only a mark deliberately left by the artist, but also the natural consequence of the practice used to obtain the mold for his works.
Producing “The last Light-Dream”¹, like “Practice to suck the world”², required physical effort, not just an ideal tension.
All to obtain something inanimate, but more resistant than the original being from which it was derived.
Heroic resistance of those who are unable to defend themselves, from a reality that leaves us mysteriously frightened in our flesh.
Roig shows us the hybridization to which the human body has undergone, and the consequent relationship of dependence that derives from it.
¹ “The last Light-Dream”, Bernardí Roig, 2008–2022
² “Practice to suck the world”, Bernardí Roig, 2014

Paolo Grassino has been working for years on the reinterpretation of the European sculptural tradition.
Through a mixed form, of conservation of classical representation, and subversion of Western reminiscences, his works de-legitimize space-time coherence.
His are bodies, although they are not purely anthropomorphic.
They seem slumped, sprawled on the ground, swollen with their last breath.
Apparently light, they would surprise for their heaviness, held still by glass plates that stabilize their composition, making them inevitably appear precarious.
Without forgetting a pictorial incursion into the exhibition project, “Resa”³. The representation of two hands raised in the sign of surrender, through which to see what is hidden under the skin.
³ “Resa”, Paolo Grassino, 2008

The human body is animal, the two essences that live in us are indissoluble.
This, Gloria Friedmann, might think so.
Her bodies are anthropomorphic forms, fused with organic fragments from nature.
Everything is contextualized thanks to the tribal, mythological, and ethnographic culture, where art is not just a look at the present, but often also at the future.
His creative process undoubtedly starts from the fetish, the ritual object, which would have magical value if it were not filtered through the sublimation that leads it to be a pure symbol.
Hence, that sensual position that beings (and not, see “New species”⁴) born by Gloria Friedmann, can evoke.
⁴ “New species”, Gloria Friedmann, 2021

Bernardí Roig, Paolo Grassino e Gloria Friedmann dialogano

Alla Galleria Umberto Benappi, “Challenging body” offre uno sguardo plurale sui corpi.
Il nostro corpo, oltre ai corpi che ci circondano.
Tre artisti, Bernardí Roig, Paolo Grassino e Gloria Friedmann, instaurano un dialogo multilaterale, con suggestioni che entrano in risonanza, senza apparire ridondanti.
Tre letture personali prive di limitazioni, di un tema che troppo spesso risulta inflazionato e difficilmente percorribile, almeno senza sollevare l’onta pubblica.

Lo sguardo di Bernardí Roig è corrucciato in una smorfia.
Così ci appaiono le sue sculture, non sappiamo se si tratti di dolore fisico o un’angoscia intellettuale.
Le contrazioni del viso delle sue statue in polvere di marmo, non sono solo un segno volutamente lasciato dall’artista, ma anche la naturale conseguenza della pratica utilizzata per ricavare lo stampo per i suoi lavori.
Produrre “The last Light-Dream”¹, come “Practice to suck the world”², ha richiesto uno sforzo fisico, una tensione non solo ideale.
Tutto per ricavare qualcosa di inanimato, ma più resistente dell’essere originale da cui è stato ricavato.
Eroica resistenza di chi è incapace di difendersi, da una realtà che ci lascia misteriosamente spaventati nelle nostre carni.
Roig ci mostra l’ibridazione a cui il corpo umano si è sottoposto, e il conseguente rapporto di dipendenza che ne deriva.
¹ “The last Light-Dream”, Bernardí Roig, 2008–2022
² “Practice to suck the world”, Bernardí Roig, 2014

Paolo Grassino da anni lavora alla rivisitazione della tradizione scultorea europea.
Attraverso una forma mista, di conservazione della rappresentazione classica, e sovversione delle reminiscenze occidentali, i suoi lavori delegittimano la coerenza spazio-temporale.
I suoi sono corpi, pur non essendo prettamente antropomorfi.
Sembrano accasciati, riversi al suolo, gonfi del loro ultimo respiro.
Apparentemente leggeri, sorprenderebbero per la loro pesantezza, tenuti immobili da lastre di vetro che ne stabilizzano la composizione, facendoli però apparire inevitabilmente precari.
Senza dimenticarsi di un’incursione pittorica nel progetto espositivo, “Resa”³. La rappresentazione di due mani alzate nel segno di arrendersi, attraverso le quali vedere ciò che si nasconde sotto la pelle.
³ “Resa”, Paolo Grassino, 2008

Il corpo umano è animale, le due essenza che vivono in noi sono indissolubili.
Questo, Gloria Friedmann, potrebbe pensarlo.
I suoi corpi sono forme antropomorfe, fusi a frammenti organici proveniente dalla natura.
Il tutto è contestualizzato grazie alla cultura tribale, mitologica ed etnografica, laddove l’arte non è solo uno sguardo al presente, ma spesso anche al futuro.
Il suo processo creativa parte senza dubbio dal feticcio, l’oggetto rituale, che avrebbe valenza magica, se non venisse filtrato attraverso la sublimazione che lo porta ad essere puro simbolo.
Da qui, quella sensuale posizione che gli esseri (e non, vedi “New species”⁴)nati da Gloria Friedmann, possono rievocare.
⁴ “New species”, Gloria Friedmann, 2021

Alle OGR Torino, fra gli spazi industriali che sono ormai diventati simbolo di un’arte contemporanea che si offre come catena di montaggio di un futuro incerto, troviamo oggi due esposizioni: “HERE” e “HARDSCAPES”.
Le due artiste affrontano temi diversi, ma perfettamente in sintonia con il programma delle Officine Grandi Riparazioni di quest’anno.
Progetti in in linea con l’Agenda 2030, impegnati e inesorabilmente attuali pur non parlando di guerre e pandemie, autonomamente in contrasto con la dittatura dei media.

Maria Hassabi, “HERE” — Binario 1

Un pavimento d’oro, diviso su più livelli irregolari e incidenti fra loro, è il palcoscenico su cui prende vita la live installation di Maria Hassabi.
Sei performer tra cui l’artista, apparentemente immobili, scandiscono al ritmo di un minimo movimento per secondo una lenta coreografia.
Una voce femminile li guida in un percorso che dura 14399 secondi, e poi ricomincia.

“HERE”, senza opporre resistenza ai nostri movimenti, ci impone di ripensare la nostra presenza nello spazio, ma soprattutto nel tempo, e ci porta a domandarci cosa sia il “qui e ora”.
Il tutto in linea con la pratica coreografica che Maria Hassabi sviluppa dall’inizio degli anni 2000, incentrata sulla staticità e lo spazio fra i movimenti.
L’immobilità diventa così, non solo una tecnica, ma uno dei soggetti delle sue rappresentazioni, lasciando i performer in uno stato duale, fra danza e scultura.

Lasciando il Binario 1 non resta che l’illusione che appena voltato l’angolo il tempo ritornerà a scorrere normalmente, i performer lasceranno la loro stasi tornando a muoversi come noi, quando in realtà tutto ha continuato ad avanzare anche in quella bolla di sospensione.

Nina Canell, “HARDSCAPES” — Binario 2

La mostra “HARDSCAPES” ospita due opere di Nina Canell che collaborano nella risoluzione di un singolo intento.
“Energy Budget”¹ è un’opera di videoarte, priva di suono, nella quale si alterano immagini proveniente da due situazioni differenti.
Le prime rappresentano una lumaca leopardata che si muove su un quadro elettrico ormai in disuso, seguite da alcun vedute, in lento avvicinamento o allontanamento, sugli edifici del lungomare di Honk Kong, nel quartiere Telegraph Bay.
“Muscle Memory (16 Tones)”², è invece la parte restante dell’installazione, precedentemente esposta al GAMeC di Bergamo, composta da tonnellate di conchiglie sulle quali i visitatori possono camminare, rompendole irreversibilmente.

“HARDSCAPES” è una riflessione sulle conseguenze del nostro passaggio. Parla direttamente a noi, attraverso il rumore delle conchiglie che si infrangono sotto i nostri piedi, liberando un forte odore di mare, che nulla ha a che fare con lo spazio in cui ci troviamo, nonostante quest’ultime siano la materia prima con cui si produce il cemento di cui sono fatte anche le OGR.
La memoria che viene nominata, anche grazie al gioco di parole “muscle memory”, è sia quella muscolare che stiamo generando sotto il nostro peso, sia quella degli organismi che vivevano in quei gusci.
“Energy Budget” ci racconta di come, in uno degli spazi più densamente popolati del mondo, laddove la speculazione immobiliare è alle stelle, in ogni complesso abitativo ci sia uno spazio aperto.
Spazio che ha lo scopo di lasciare libero il passaggio per i draghi della tradizione feng shui, abituati a discendere dalle montagne verso il mare, in un percorso che deve essere privo di ostacoli.

¹ “Energy Budget”, Nina Canell, 2017–2018
² “Muscle Memory (16 Tones)”, Nina Canell, 2021

At the OGR Torino, among the industrial spaces that have now become a symbol of contemporary art that offers itself as an assembly line for an uncertain future, we find today two exhibitions: “HERE” and “HARDSCAPES”.
The two artists deal with different themes, but perfectly in tune with this year’s Officine Grandi Riparazioni program.
Projects in line with the 2030 Agenda, committed and relentlessly current while not talking about wars and pandemics, autonomously in contrast with the dictatorship of the media.

Maria Hassabi, “HERE” — Track 1

A golden floor, divided into several irregular and incident levels, is the stage on which Maria Hassabi’s live installation comes to life.
Six performers including the artist, apparently immobile, mark a slow choreography to the rhythm of a minimum movement per second.
A female voice guides them on a journey that lasts 14399 seconds and then begins again.

“HERE”, without resisting our movements, forces us to rethink our presence in space, but above all in time, and leads us to ask ourselves what the “here and now” is.
All in line with the choreographic practice that Maria Hassabi has been developing since the early 2000s, centered on static and space between movements.
The stillness thus becomes, not only a technique, but one of the subjects of her representations, leaving the performers in a dual state, between dance and sculpture.

Leaving Track 1 all that remains is the illusion that as soon as the corner is turned, time will return to flow normally, the performers will leave their stasis and return to move like us, when in reality everything has continued to advance even in that suspension bubble.

Nina Canell, “HARDSCAPES” — Track 2

The “HARDSCAPES” exhibition hosts two works by Nina Canell that collaborate in the resolution of a single intent.
“Energy Budget”¹ is a work of video art, devoid of sound, in which images from two different situations are altered.
The former depicts a leopard-print snail moving on a disused electrical panel, followed by some slowly approaching or retreating views of the buildings along the Honk Kong waterfront in the Telegraph Bay neighborhood.
“Muscle Memory (16 Tones)”², is instead the remainder of the installation, previously exhibited at the GAMeC in Bergamo, made up of tons of shells on which visitors can walk, breaking them irreversibly.

“HARDSCAPES” is a reflection on the consequences of our passage. It speaks directly to us, through the sound of the shells breaking under our feet, releasing a strong smell of the sea, which has nothing to do with the space in which we find ourselves, despite the latter being the raw material with which we find ourselves. produces the cement that OGRs are also made of.
The memory that is named, also thanks to the pun “muscle memory”, is both the muscle memory that we are generating under our weight, and that of the organisms that lived in those shells.
“Energy Budget” tells us how, in one of the most densely populated spaces in the world, where real estate speculation is skyrocketing, there is an open space in every housing complex.
Space that has the purpose of leaving free the passage for the dragons of the feng shui tradition, accustomed to descending from the mountains towards the sea, in a path that must be free of obstacles.

¹ “Energy Budget”, Nina Canell, 2017–2018
² “Muscle Memory (16 Tones)”, Nina Canell, 2021

Bertille Bak ci racconta il lavoro minorile

In un momento come quello che stiamo vivendo, durante il quale osserviamo sconcertati gli effetti dell’egoismo di un singolo individuo abbattersi sull’Ucraina, è facile temere che l’arte abbia fallito.
Fallito in quella che è la sua funzione educativa e integrativa, in quanto linguaggio universale.
Ecco perché oggi più che mai, è fondamentale raccontare di quei casi in cui l’arte è riuscita nel dare voce a coloro che solitamente non ne hanno.

L’occasione per farlo me la offre la Fondazione Merz, che dopo l’interruzione delle mostre per il Mario Merz Prize dovuta alla pandemia, riprende con “Mineur Mineur” - “minori minatori”.
La personale di Bertille Bak, curata da Caroline Bourgeois, ci propone uno sguardo su una realtà tanto distante geograficamente quanto socialmente attuale, attraverso cinque lavori umanamente onesti.
Un progetto densamente poetico, che ha a che fare direttamente con l’artista, la quale nonostante non voglia parlare di sé, come fosse una reminescenza ancestrale, raccoglie l’eredità del nonno tredicenne, minatore nel nord della Francia.

Appena entrati nella sala principale della Fondazione ci si trova di fronte a una grande giostra, “Le barceu du chaos”¹.
Curiosi ci avviciniamo, quando la musica inizia ad aumentare di intensità e con essa la velocità con cui l’installazione ruota.
Come in un lunapark degli orrori, prendiamo coscienza del fatto che una volta saliti sulla giostra, scendere ci sarebbe impossibile, almeno senza sacrificare la nostra integrità.
Si prosegue a fianco di sette strutture di cartone corredate di scalette, “This mine is mine”², che ci portano in alto solo per farci guardare in basso, al loro interno, fra le fantasie di bambini che difficilmente le vedranno mai avverare.
Forse proprio per questa ragione, nonostante il contesto di sfruttamento in cui cresceranno, non diventeranno mai adulti.
Lo sguardo di Bertille Bak, similmente a quello di un’antropologa, studia, annota, interagisce e inevitabilmente empatizza, prima ancora di ricostruire ciò che ha visto, con i soggetti del racconto di “Mineur Mineur”³.
L’opera che dà il nome anche alla mostra è costituita da cinque video che scorrono simultaneamente su altrettanti schermi, posti verticalmente uno a fianco all’altro.
Le immagini che per noi potrebbero essere surreali, narrano dei minori che quotidianamente vanno alla ricerca di carbone, stagno, oro, argento e zaffiri, rispettivamente in India, Indonesia, Tailandia, Bolivia e Madagascar.
Tutto sembra più saturo e vivido di quanto le circostanze che raccontano ci permettano di concepire.
Il percorso si conclude, allegoricamente, facendoci scendere verso l’oscurità del piano interrato, dove in loop si ripete il lavoro meno recente fra quelli esposti, “Tu redeviendras poussière”⁴, “Tu ritornerai polvere”.

Ma una volta tornati alla luce, quella che sembra una cinica fiaba senza nessun lieto fine, almeno qualche dubbio deve lasciarcelo.
Non tanto sul privilegio che casualmente abbiamo ricevuto, di cui sarà facile dimenticarsi nuovamente, ma sull’ineluttabilità dei destini di quei piccoli scavatori, i quali dopo esser stati raccontati da Bertille Bak, non vivono più nella totale oscurità.

¹ “Le barceu du chaos”, Bertille Bak, 2022
² “This mine is mine”, Bertille Bak, 2022
³ “Mineur Mineur”, Bertille Bak, 2022
⁴ “Tu redeviendras poussière”, Bertille Bak, 2017

Bertille Bak tells us about child labor

In a moment like the one we are living in, when we are bewildered by the effects of the selfishness of a single individual crashing down on Ukraine, it is easy to fear that art has failed.
Failed in what is its educational and integrative function, as a universal language.
This is why today more than ever, it is essential to tell about those cases in which art has succeeded in giving a voice to those who usually do not have one.

The Merz Foundation offers me the opportunity to do so, which after the interruption of exhibitions for the Mario Merz Prize due to the pandemic, resumes with “Mineur Mineur” — “minor miners”.
Bertille Bak’s solo show, curated by Caroline Bourgeois, offers us a look at a reality that is as distant geographically as it is socially current, through five humanly honest works.
A densely poetic project, which has to do directly with the artist, who although she does not want to talk about herself, as if it were an ancestral reminiscence, collects the inheritance of her thirteen-year-old grandfather, a miner in the north of France.

As soon as you enter the main hall of the Foundation you will find a large carousel, “Le barceu du chaos”¹.
Curious we approach, when the music begins to increase in intensity and with it the speed with which the installation rotates.
As in an amusement park of horrors, we become aware of the fact that once we get on the carousel, it would be impossible for us to get off, at least without sacrificing our integrity.
We continue alongside seven cardboard structures equipped with ladders, “This mine is mine”², which take us up only to make us look down, inside them, among the fantasies of children who will hardly ever see them come true.
Perhaps for this very reason, despite the context of exploitation in which they will grow up, they will never become adults.
Bertille Bak’s gaze, similar to that of an anthropologist, studies, notes, interacts, and inevitably empathizes, even before reconstructing what she has seen, with the subjects of the story of “Mineur Mineur”³.
The work that also gives its name to the exhibition consists of five videos that run simultaneously on five screens, placed vertically side by side.
The images that could be surreal for us, tell of minors who daily go in search of coal, tin, gold, silver, and sapphires, respectively in India, Indonesia, Thailand, Bolivia, and Madagascar.
Everything seems more saturated and vivid than the circumstances they recount allow us to conceive.
The path ends, allegorically, making us descend towards the darkness of the basement, where the oldest work on display is repeated in a loop, “Tu redeviendras poussière”⁴, “You will return to dust”.

But once back to the light, what seems like a cynical fairy tale with no happy ending, at least some doubts must leave us.
Not so much on the privilege we accidentally received, which it will be easy to forget again, but on the inevitability of the destinies of those little diggers, who, after being told by Bertille Bak, no longer live in total darkness.

¹ “Le barceu du chaos”, Bertille Bak, 2022
² “This mine is mine”, Bertille Bak, 2022
³ “Mineur Mineur”, Bertille Bak, 2022
⁴ “Tu redeviendras poussière”, Bertille Bak, 2017

Declination in three days

While I am about to start this onLife article is Sunday evening, November 7, 2021.
Art Week (end) is practically ending right now.
For those who do not frequent the Turin art world, every autumn Turin claims a very specific role in the Italian art scene. We are used to remembering Milan for fashion. We should do the same with Turin and contemporary art. This year even more than the others.
Artissima, Flashback, The Others, Dama, Paratissima. These are the established fairs that populate the Piedmontese capital during this period. But there is much more, hundreds of related and collateral events, including historic buildings, museums that have little to do with contemporary art and others for which it is not new at all. Scattered around the city they force us to grind kilometers on the Turin chessboard, back and forth, transforming us into Tetris champions for a week, to frame all the events we would like to see.

What follows is a sort of diary of my Art Week(end), declined in three days to run between one event and another, with dutiful bench breaks, to pour into the notes of the iPhone some reflections on what I had just assisted. Obviously with an adjoining leaflet to the free issues of Artribune and exibart, gifts that are certainly useful for diving into an unknown world for this week’s art tourists.

I think I have learned a lot from this [post]pandemic Art Week(end), but two of them are my favorites, so much so that they have won a place here.
First of all, we must be aware of the fact that it is not possible to see every single event, exhibition, fair and vernissage in a period as dense as the Turin Art Week. I guess it also applies to everything that resembles it, elsewhere.
Solution? Of course, organizing ourselves to be able to visit what is truly fundamental for us, but leaving a certain empty space.
For the unexpected? Yes and no.
A period of time useful for wandering. If the density of events is high enough, surely you will find yourself in someplace you had no idea of ​​dedicating yourself to, with some unknown artist from some equally unobtainable country on the world map. Or maybe an artist who comes from a village tremendously close to the one we come from, but which we had absurdly never heard of.
Secondly, I learned the difference between visiting a museum, a gallery, and a fair, and how it is essential for what I would like to dedicate myself in the years to come, but I will talk about this in the next few paragraphs.

Day 1

My Art Week(end) opens with a conference directly in the Academy I attend, the Accademia Albertina.
I had already read in the various Italian art magazines of this artist/curator/professor, that thanks to the joint effort of several names that count in our academic and museum institutions, he had been welcomed in Italy, having to leave his homeland.
Rahraw Omarzad was the director of the Center for Contemporary Art in Afghanistan, a land that as we know is experiencing a period of upheaval after the reconquest by the Taliban. A faction to which an artist who focuses his research on issues such as evolution, change and renewal could only be uncomfortable.
It would certainly have been desirable if his arrival had occurred in other circumstances, but this is exactly one of those contaminations that can only be useful to us, change us, and put us in front of a unique point of view.

After the conference, it’s time to run to the first fair of the weekend: Flashback.
The slogan of this year’s edition is “Art is all contemporary”, a motto that could a little frighten aspiring contemporary artists like me, but which is actually coherent in a fair context like the one built here.
The combination that we have decided to propose is certainly very interesting. In fact, we see antique, modern and contemporary juxtaposed seamlessly. A deliberately imposed cacophony at this fair.
Perhaps it is the way the exhibition is organized, with two long corridors facing left and right on small rooms full of art, that makes the experience slightly confusing. You never really know which gate you have already crossed. But if the intent of this fair was to create a “free zone”, as this edition states, it has probably hit the mark.

Coming out of Flashback, a new sensation sticks to me. The feeling that this context is very different from the museum one. For some it will be taken for granted. For me it wasn’t.
It will be that I have found some price, very few times, close to some works by Fontana or Picasso, it will be the public that I met along the corridors of the fair, extremely homogeneous, conspicuously wealthy, but I had the impression that in those spaces the mirabilia of art was substituted for something less magical.

Day 2

The second day of the Turin Art Week (end) is the one that made me wander around the city the most.
First stop: Villa Chiuminatto.
Galleria Massimo De Carlo decides not to participate in the various usual fair events, where they would end up amalgamating with a disproportionate amount of other exhibitors, but rather to create, in a curious environment, a small show.
The Villa that houses the few works that the Milanese gallery has decided to exhibit in Turin is in fact a perfect example of the many Art Nouveau residences. Those that the Turinese often see walking on the main streets of the city, but they can rarely explore from the inside.
The context is excellent, we do not perceive that overwhelming weight due to the unbridled marketing, which is instead evident in some fairs.
Also interesting are the works on display, which thanks to the skilful positioning work are the real protagonists of the space.
Special mention, of course, to “Una Domenica a Rivara”, a work by Maurizio Cattelan dating back to 1991, and which at Villa Chiuminatto is expertly lowered from a window on the second floor.

But this is not the only villa that opens its doors to citizens, as does Villa Sanquirico, where Olga Gambari, curator of the exhibition, has dedicated one room each to 14 artists respectively.

These two exhibition experiments, absolute successes in terms of participation, cannot but deserve some attention, in the hope that something similar will be repeated soon, even outside such a busy week.
Making accessible these villas set in the Turin landscape could become a symbol of an art, the contemporary one, which makes itself accessible to all, through short, well-kept, specific paths, even to those who have always only observed it from the outside, similarly to as happened for decades with Villa Chiuminatto.

At this point in the day, it’s time to move to the city center.
One of the most interesting initiatives of the week is certainly the one sponsored by Artissima, entitled HUB India.
A widespread exhibition, scattered between the Accademia Albertina, Palazzo Madama, and the MAO (Museum of Oriental Arts).
A look, probably among the most interesting that Italy has ever turned towards South Asia, at Indian contemporary art.

Day 3

The third and last day of my Art Week (end) is definitely the one I’ve been waiting for most. The day of Artissima.
Literally a full day, since six hours were not enough to devote a minimum of attention to all the works on display.
Artissima still proves to be one of the most loved Italian fairs by foreign galleries, as well as representing a very interesting variety in terms of organization. There are even NFTs.
The sections that compose it are seven, of which three, recognizable by the wording XYZ, edited and “visitable” also online, to remind us that this is the edition of the restart, after the one of last year completely virtual.

Perhaps it is thanks to the juxtaposition of curated and non-curated sections that I finally get an empirical idea of ​​the difference between museum, gallery, and fair.
A difference that is not limited to the organization, but also to the visitors, who in reality always mix with each other, all looking for something different.
The museum is undoubtedly that environment, which, not needing to put one’s works in a showcase, truly makes them, more than any other context, catalysts of messages for the viewer. Unlike the gallery, which to survive must necessarily sell what it exhibits, but which in any case often succeeds better than a fair in creating a path, generally shorter than what can be experienced at the museum, but still appreciable even by those who are not looking for a new piece of furniture for your home.
The fair represents the collision point between these two realities.
On the one hand, they are the best place to discover the newest artistic trends, here works that could still be approached without a vast theory already existing to support their meaning, so that everyone can not feel guilty in finding a personal one. Somehow, without actually being, they are still all open works.
On the other hand, it is inevitable that some galleries exhibit what they consider more salable, and no longer valid.
At the end of this experience, aware of these differences, I continue to think that curating remains a fundamental profession, whatever the intent of the exhibiting institution. Whether you are at the fair, in the gallery, or the museum, the beauty of art is also being able to make it a path accessible to all audiences who will find it in front of them.

All that remains is to conclude this article and to do so I would like to dedicate a few words to the four works that struck me most in Artissima. Those about which there would be something to say are certainly more, but these are the four that among all have stimulated something, in a completely subjective way, also given the exclusion among these of works produced by the likes of Michelangelo Pistoletto and Marina Abramovic, always pleasant to find. A test I want to undergo, that of choosing among so much art.

“Double spiral” by Keita Miyazaki

The London rosenfeld gallery brings to Artissima three works by Keita Miyazaki, a Japanese artist who lives between Tokyo and London.
“Double spiral” is certainly the most sumptuous of the three on display, its dimensions do not make it go absolutely unnoticed and the bright colors inevitably attract the eye. But it’s not just about aesthetic appeal.
Keita Miyazaki’s work is extremely interesting for its ability to hybridize human elements, basically mechanical parts deriving from cars, with paper, folded on itself according to the art of origami.
Thus a dichotomy is created, evidently dictated by the two weights which apparently cannot coexist, but which in “Double spiral” succeed, of the metal joined to the paper. This generates this feeling of being witnessing a work in progress, which as soon as we stop looking will continue to grow like a sprout, pulled by a mechanical/organic thrust.

“Carpet#52 There is no change without risk” by Loredana Longo

Let’s move on to an Italian artist, Loredana Longo, born in Catania and currently based in Milan.
The Francesco Panataleone Arte Contemporanea gallery exhibits two of her “Carpets”, oriental carpets on which the words of Western politicians are impressed by burning.

The choice of the carpet and of those specific aphorisms, charged with positivism, now populism, create a link between the words and the function of the object on which they are found.
The carpet, which we usually walk on, despite being of excellent workmanship and of great economic value, like the empty optimistic intentions to which politicians have accustomed us.

“When it is that we feel change in the air” by Lennart Lahuis

It should absolutely come as no surprise that this work won the FPT for Sustainable Art award.
Lennart Lahuis builds a short and coherent path with the message he tries to convey to us.
Four structures able to make us read with steam the writing that makes up the title of the work. Activated by passing close by, through a photocell.
Is what he is telling us ephemeral? Are the words we let blown away every day worth more than the words we just saw disappear? Obviously not, if we do not associate a concrete effort with them.
The choice of the Dutch gallery Durst Britt and Mayhew to exhibit it is excellent.

“CL-o-WN” by Michael Fliri

The Galleria Raffaella Cortese exhibits this shot.
It is perhaps the work about which I have the least to say, but what it communicated to me in terms of sensations was not negligible.
Michael Fliri shows us a transparent mask, he is not afraid to show who he would like to hide behind it, even if the artist seems to suffocate in holding it back.

Declinazione in tre giorni

Nel momento in cui mi appresto a iniziare questo articolo di onLife è domenica sera, 7 novembre 2021.
L’Art Week(end) sta praticamente terminando in questi istanti.
Per chi non frequenta il mondo dell’arte torinese, ogni anno in autunno Torino reclama un ruolo ben preciso nel panorama artistico italiano. Siamo abituati a ricordarci di Milano per la moda. Dovremmo fare lo stesso con Torino e l’arte contemporanea. Quest’anno ancora di più degli altri.
Artissima, Flashback, The Others, Dama, Paratissima. Sono le fiere affermate che popolano il capoluogo piemontese durante questo periodo. Ma c’è molto di più, centinaia di eventi correlati e collaterali, fra edifici storici, musei che con l’arte contemporanea hanno poco a che fare e altri per i quali non è affatto nuova. Sparsi per la città ci costringono a macinare chilometri sulla scacchiera torinese, avanti e indietro, trasformandoci per una settimana in campioni di Tetris, per incastrare tutti gli eventi che vorremmo vedere.

Quel che segue è una sorta di diario del mio Art Week(end), declinato in tre giorni a correre fra un evento e l’altro, con doverose pause panchina, per riversare nelle note dell’iPhone qualche riflessione su ciò a cui avevo appena assistito. Ovviamente con annessa sfogliata ai numeri gratuiti di Artribune e exibart, omaggi sicuramente utili a tuffarsi in un mondo sconosciuto ai turisti dell’arte di questa settimana.

Penso di aver imparato parecchie cose da questo Art Week(end) [post]pandemico, ma due fra tutte sono le mie preferite, tanto da essersi conquistate un posto qui.
Innanzitutto bisogna essere coscienti del fatto che non è possibile vedere ogni singolo evento, mostra, fiera e vernissage in un periodo così denso come la Art Week torinese. Immagino valga anche per tutto ciò che gli somiglia, altrove.
Soluzione? Naturalmente organizzarsi per riuscire a visitare ciò che è veramente fondamentale per noi, ma lasciando un certo spazio vuoto.
Per gli imprevisti? Sì e no.
Un lasso di tempo utile al vagabondaggio. Se la densità di eventi è abbastanza alta sicuramente ci si troverà in qualche luogo a cui non si aveva minimamente idea di dedicarsi, con qualche artista sconosciuto da qualche paese altrettanto introvabile sul planisfero. O magari un artista che viene da un paesino tremendamente vicino a quello da cui veniamo noi, ma di cui assurdamente non avevamo mai sentito parlare.
In secondo luogo ho imparato la differenza fra visitare un museo, una galleria e una fiera, e di come sia imprescindibile per ciò a cui vorrei dedicarmi negli anni a venire, ma di questo ne parlerò nel corso dei prossimi paragrafi.

Giorno 1

Il mio Art Week(end) si apre con una conferenza direttamente nell’Accademia che frequento, l’Accademia Albertina.
Avevo già letto sulle varie testate d’arte italiane di questo artista/curatore/professore, che grazie allo sforzo congiunto di diversi nomi che contano nelle nostre istituzioni accademiche e museali, era stato accolto in Italia, dovendosi allontanare dalla sua madrepatria.
Rahraw Omarzad era il direttore del Centro per l’arte contemporanea in Afghanistan, una terra che come sappiamo sta vivendo un periodo di sconvolgimenti dopo la riconquista da parte dei talebani. Una fazione alla quale non poteva che risultare scomodo un artista che incentra la sua ricerca su tematiche quali l’evoluzione, il cambiamento e il rinnovamento.
Sarebbe stato sicuramente auspicabile che il suo arrivo fosse avvenuto in altre circostante, ma questa è esattamente una di quelle contaminazioni che possono solo esserci utili, cambiarci e porci di fronte a un punto di vista unico.

Terminata la conferenza è tempo di correre alla prima fiera del week-end: Flashback.
Lo slogan dell’edizione di quest’anno è “L’arte è tutta contemporanea”, motto che un pò potrebbe spaventare gli aspiranti contemporaneisti come me, ma che in realtà in un contesto fieristico come quello costruito qui risulta coerente.
Sicuramente è molto interessante l’accostamento che si è deciso di proporre. Vediamo infatti accostata senza soluzione di continuità antico, moderno e contemporaneo. Una cacofonia volutamente imposta in questa fiera.
Forse è il modo in cui l’esposizione è organizzata, con due lunghi corridoi che si affacciano a destra e sinistra su delle piccole stanze piene d’arte, a rendere l’esperienza leggermente confusionaria. Non si sa mai bene quale varco si è già superato. Ma se l’intento di questa fiera era quello di creare una “zona franca”, come recita questa edizione, probabilmente si è colpito nel segno.

Uscendo da Flashback mi rimane attaccata una sensazione nuova. La sensazione che effettivamente questo contesto sia molto diverso da quello museale. Per qualcuno sarà scontato. Per me non lo era.
Sarà aver trovato qualche prezzo, pochissime volte, vicino ad alcuni lavori di Fontana o Picasso, sarà il pubblico che ho incrociato lungo i corridoi della fiera, estremamente omogeneo, vistosamente benestante, ma ho avuto l’impressione che in quegli spazi la mirabilia dell’arte fosse sostituita a qualcosa di meno magico.

Giorno 2

Il secondo giorno dell’Art Week(end) torinese è quello che mi ha fatto vagare di più per la città.
Prima tappa: Villa Chiuminatto.
La Galleria Massimo De Carlo decide di non partecipare ai vari eventi fieristici consueti, laddove finirebbero per amalgamarsi a una quantità spropositata di altri espositori, ma piuttosto di creare, in un ambiente curioso, un piccolo show.
La Villa che ospita le poche opere che la galleria milanese ha deciso di esporre a Torino è infatti un esempio perfetto delle molte residenze in stile liberty. Quelle che i torinesi vedono spesso passeggiando sulle vie principali della città, ma raramente possono esplorare dall’interno.
Il contesto è ottimo, non si percepisce quell’opprimente peso dovuto alla sfrenata commercializzazione, che invece è evidente in alcune fiere.
Interessanti sono anche i lavori esposti, che grazie al sapiente lavoro di posizionamento sono i veri protagonisti dello spazio.
Menzione speciale, naturalmente, a “Una domenica a Rivara”, lavoro di Maurizio Cattelan risalente al 1991, e che a Villa Chiuminatto viene sapientemente fatto calare da una finestra al secondo piano.

Ma questa non è l’unica villa che apre le sue porte ai cittadini, lo stesso fa Villa Sanquirico, dove Olga Gambari, curatrice della mostra, ha dedicato a 14 artisti rispettivamente una stanza ognuno.

Questi due esperimenti espositivi, assoluti successi in termini di partecipazione, non possono che meritare una certa attenzione, nella speranza che qualcosa di simile venga riproposto presto, anche al di fuori di una settimana così densa.
Rendere accessibili queste ville incastonate nel panorama torinese potrebbe diventare simbolo di un’arte, quella contemporanea, che si rende accessibile a tutti, attraverso percorsi brevi, curati, specifici, anche a coloro che l’hanno sempre solo osservata dall’esterno, similmente a com’è avvenuto per decenni con Villa Chiuminatto.

A questo punto della giornata, è tempo di spostarsi verso il centro città.
Una delle iniziative più interessanti della settimana è sicuramente quella patrocinata da Artissima, intitolata HUB India.
Una mostra diffusa, sparpagliata fra l’Accademia Albertina, Palazzo Madama e il MAO (Museo di Arti Orientali).
Uno sguardo, probabilmente fra i più interessanti che l’Italia abbia mai rivolto verso l’Asia meridionale, all’arte contemporanea indiana.

Giorno 3

Il terzo ed ultimo giorno del mio Art Week(end) è sicuramente quello che più stavo aspettando. Il giorno di Artissima.
Letteralmente un giorno intero, dato che sei ore non sono bastate a dedicare un minimo di attenzione a tutti i lavori che erano esposti.
Artissima si rivela ancora come una delle fiere italiane più amate dalle gallerie estere, oltre a rappresentare una varietà molto interessante in termini di organizzazione. Ci sono persino gli NFT.
Le sezioni che la compongono sono sette, di cui tre, riconoscibili dalla dicitura XYZ, curate e “visitabili” anche online, a ricordarci che questa è l’edizione della ripartenza, dopo quella dello scorso anno completamente virtuale.

Forse è proprio grazie all’accostamento di sezioni curate e non, che finalmente mi faccio un’idea empirica della differenza fra museo, galleria e fiera.
Differenza che non si limita all’organizzazione, ma anche i visitatori, che in realtà si mischiano sempre tra di loro, tutti alla ricerca di qualcosa di diverso.
Il museo è senz’altro quell’ambiente, che non avendo la necessità di mettere i propri lavori in una vetrina, li rende veramente, più di qualunque altro contesto, catalizzatori di messaggi per lo spettatore. A differenza della galleria, che per sopravvivere deve necessariamente vendere ciò che espone, ma che comunque spesso riesce meglio di una fiera nel creare un percorso, tendenzialmente più breve di quello che si può sperimentare al museo, ma comunque apprezzabile anche da coloro che non stanno cercando un nuovo pezzo d’arredamento per casa propria.
La fiera rappresenta il punto di collisione fra queste due realtà.
Da un lato sono il miglior luogo dove scoprire le nuovissime tendenze artistiche, qui lavori a cui ci si potrebbe ancora approcciare senza che esista già una vasta teoria a supporto del loro significato, così che ognuno possa non sentirsi in colpa nel trovarne uno personale. In qualche modo, senza esserlo realmente, sono ancora tutte opere aperte.
D’altro canto è inevitabile che alcune gallerie espongano ciò che ritengono più vendibile, e non più valido.
Al termine di questa esperienza, cosciente di queste differenze, continuo a pensare che la curatela rimanga una professione fondamentale, qualunque sia l’intento dell’ente espositore. Che ci si trovi in fiera, in galleria o al museo, la bellezza dell’arte è anche poterla rendere un percorso fruibile da tutti i pubblici che se la troveranno davanti.

Non resta che concludere questo articolo e per farlo mi piacerebbe dedicare qualche parola ai quattro lavori che mi hanno colpito maggiormente in Artissima. Quelli sui quali ci sarebbe qualcosa da dire sono sicuramente di più, ma questi sono quei quattro che fra tutti hanno stimolato qualcosa, in maniera del tutto soggettiva, vista anche l’esclusione fra questi di lavori prodotti da artisti del calibro di Michelangelo Pistoletto e Marina Abramovic, sempre piacevoli da ritrovare. Una prova alla quale mi voglio sottoporre, quella di scegliere fra così tanta artissima.

“Double spiral” di Keita Miyazaki

La galleria londinese rosenfeld porta ad Artissima tre lavori di Keita Miyazaki, artista giapponese che vive fra Tokyo e Londra.
“Double spiral” è sicuramente la più sontuosa fra le tre esposte, le sue dimensioni non la fanno passare assolutamente inosservata e i colori sgargianti attirano inevitabilmente lo sguardo. Ma non si tratta solo di piacevolezza estetica.
Il lavoro di Keita Miyazaki è estremamente interessante per la sua capacità di ibridare elementi umani, tendenzialmente parti meccaniche derivanti da automobili, con la carta, ripiegata su se stessa secondo l’arte dell’origami.
Si crea così una dicotomia, evidentemente dettata dai due pesi che apparentemente non possono coesistere, ma che in “Double spiral” ci riescono, del metallo unito alla carta. Si genera così questa sensazione di star assistendo a un lavoro in divenire, che appena smetteremo di guardare continuerà a crescere come un germoglio, trainato da una spinta meccanica/organica.

“Carpet#52 There is no change without risk” di Loredana Longo

Passiamo a un’artista italiana, Loredana Longo, nata a Catania e insediata attualmente a Milano.
La galleria Francesco Panataleone Arte Contemporanea espone due dei suoi “Carpet”, tappeti orientali sui quali vengono, tramite bruciatura, impresse le parole di politici occidentali.

La scelta del tappeto e di quei specifici aforismi, carichi del positivismo, ormai populismo, creano un nesso fra le parole e la funzione dell’oggetto su cui si trovano.
Il tappeto, che solitamente calpestiamo, pur essendo di ottima fattura e di grande valore economico, come i vuoti propositi ottimistici a cui i politici ci hanno abituato.

“When it is that we feel change in the air” di Lennart Lahuis

Non dovrebbe assolutamente stupire che questo lavoro abbia vinto il premio FPT for Sustainabile Art.
Lennart Lahuis costruisce un percorso breve e coerente con il messaggio che cerca di trasmetterci.
Quattro strutture in grado di farci leggere con il vapore la scritta che compone il titolo del lavoro. Attivabili passandoci vicino, tramite una fotocellula.
Ciò che ci sta dicendo è effimero? Le parole che lasciamo portare via dal vento ogni giorno valgono qualcosa in più di quelle che abbiamo appena visto sparire? Evidentemente no, se ad esse non associamo uno sforzo concreto.
Ottima la scelta della galleria olandese Durst Britt and Mayhew di esporlo.

“CL-o-WN” di Michael Fliri

La Galleria Raffaella Cortese espone questo scatto.
È forse il lavoro sul quale ho meno da dire, ma quello che mi ha comunicato in termini di sensazioni non era trascurabile.
Michael Fliri ci mostra una maschera che è trasparente, non teme di far vedere chi si vorrebbe nascondere dietro di essa, anche se l’artista sembra soffocare nel trattenerla.