Entre gigantes do pop, do hip hop, destaques na música latina, no indie, no r&b ena cena eletrônica, 2024 foi um ano de uma boa diversidade de discos que chamaram a atenção ao redor do mundo. Aqui vai a minha lista com os 20 melhores álbuns internacionais do ano.

20. Ariana Grande — Eternal Sunshine

Ariana Grande faz um excelente retorno à música com “Eternal Sunshine”. Em seu álbum mais maduro, a artista mostra um nível de intimidade a mais com seu público, expondo sua vulnerabilidade, seus questionamentos em relação ao amor, tudo com muita sensibilidade e uma bem-vinda nova camada de segurança e confiança.

19. Right Place, Wrong Person — RM

Em meio ao hiato do BTS, RM se volta para dentro de si mesmo e faz reflexões sobre sua própria identidade e a complexidade existente entre o que é certo ou errado em seu segundo álbum solo. Junto a isso, o astro sul-coreano se aprofunda em referências sonoras ocidentais e faz experimentos com diversos gêneros, resultando em um belo álbum.

18. Tyla — Tyla

Tyla mostra uma habilidade admirável de unir ritmos africanos com elementos do r&b e do pop em seu álbum de estreia autointitulado. Para além do hit “Water”, a cantora sul-africana entrega canções contagiantes e altamente dançantes que indicam um futuro promissor para a artista.

17. Fabiana Palladino — Fabiana Palladino

Em seu álbum de estreia, a cantora e compositora britânica usa a bagagem da sua família (o pai, o baixista Pino Palladino e o irmão Rocco, destaque no Jazz inglês) para apresentar canções primorosas, que caminham pelo minimalismo e bebem na fonte de nomes como Sade, Prince, Janet Jackson, resultando em uma obra pop e elegante.

16. Vampire Weekend — Only God Above Us

Ezra Koenig se volta para a cidade de Nova York e para suas próprias histórias no novo disco do Vampire Weekend. Uma intensa experimentação pela atmosfera da década de 1960 com distorções e elementos atuais que fazem um álbum cheio de surpresas e que vale a pena ouvir várias vezes.

15. Nathy Peluso — Grasa

A versatilidade é o grande trunfo de Nathy Peluso em seu terceiro álbum. Passeando por uma variedade de gêneros latinos, incluindo o funk brasileiro, além de acrescentar elementos do hip-hop, do r&b e do rock, a artista apresenta um álbum rico com ótimos momentos que expandem as fronteiras da música latina.

14. Clairo — Charm

Se unindo ao músico Leon Michels, Clairo se inclina para uma sonoridade jazz/soul em seu terceiro álbum. Aqui, a cantora se volta para referências da década de 1970 como Carole King, Carly Simon e apresenta canções sensíveis, delicadas, que envolvem e conquistam pela beleza e refinamento.

13. Jamie XX — In Waves

Jamie XX segue surpreendendo a cada novo passo. Em seu segundo álbum solo, ele se afasta das reflexões, mas se joga mais afundo nas pistas de dança. “In Waves” é um tiro certeiro em hits que resgatam a cultura rave dos anos 1990 e 2000 e excelentes parcerias.

12. Kali Uchis — Orquídeas

“Orquídeas” se revela como o álbum mais maduro e plural de Kali Uchis. A artista reúne um pouco de tudo o que já construiu ao longo da carreira e expande esse universo com combinações surpreendentes, e um olhar bem pessoal para a sua bagagem latina.

11. The Cure — Songs of a Lost World

O primeiro álbum da banda britânica em 16 anos já chega entrando para o hall das grandes obras do The Cure. Em mais de 40 anos de carreira, Robert Smith não perdeu a capacidade de se conectar com o lado gótico e sombrio de cada um de nós e apresenta uma obra, intensa com reflexões sobre o tempo, a solidão e o fim da vida.

10. Mk. Gee — Two Star & The Dream Police

Em seu álbum de estreia, Michael Todd Gordon bebe diretamente da fonte de nomes como Prince e Michale Jackson para dar vida a uma interpretação bem pessoal do r&b. Quebrando expectativas e caminhando em direções inesperadas, ao obra surpreende e não deixa de envolver em momento nenhum.

9. Michael Kiwanuka — Small Changes

Em seu novo álbum, Michael Kiwanuka soa mais suave, mas não menos belo. “Small Changes” faz jus ao nome e se atem ao detalhes em um disco mias introspectivo mas que encanta pela delicadeza das letras e dos arranjos marcados pela guitarra afiada do músico.

8. Doechii — Aligator Bites Never Heal

Doechii coloca os dois pés na porta e vem com uma da melhores novidades do hip hop em 2024. “Aligator Bites Never Heal” é divertido, ao mesmo tempo em que apresenta uma produção refinada e um flow excelente, catapultando a artista para perto dos melhores no gênero.

7. Brittany Howard — What Now

Em seu disco mais recente, Brittany Howard apresenta uma sequência poderosa para sua trajetória solo e mostra que não tem pudor em transitar por novos rumos. Com seus vocais potentes e afiados aliados a uma sonoridade que se transforma durante todo o tempo, a artista se engrandece e se aprimora.

6. Magdalena Bay — Imaginal Disk

Em seu novo trabalho, a banda formada por Mica Tenenbaum e Matthew Levin surpreende ao transportar elementos do rock progressivo em um pop que passa por diferentes momentos, e experimentações sem nunca deixar de emocionar e cativar. São músicas que conquistam aos poucos mas que se provam cada vez mais interessantes a cada minuto.

5. Kendrick Lamar — GNX

Após virar o grande assunto do mundo do rap com a sua batalha de diss tracks contra Drake, Kendrick Lamar lança de surpresa “GNX”. O disco parece vir como uma celebração e uma autoconsagrarão após um ano de vitórias e reflexo de uma ambição de ser cada vez mais pop. Aqui o rapper retoma suas origens californianas e se concentra em uma abordagem mais básica, mas não menos interessante.

4. Tyler The Creator — CHROMAKOPIA

“CHROMAKOPIA” é o reflexo da maturidade de Tyler The Creator e um olhar sincero e afiado sobre si mesmo e sua história. O rapper se mantém como um nome singular no gênero, com uma musicalidade muito específica e mescla aqui um pouco do que já fez em discos anteriores, mas sem perder o gosto de novidade.

3. Billie Eilish — Hit Me Hard and Soft

Em seu terceiro álbum Billie Eilish volta a mostrar porque se tornou um fenômeno que vem construindo uma carreira consistente, de alicerces bem firmes. Com versos afiados sobre romances e descobertas da vida adulta, ao mesmo tempo em que arrisca algumas experimentações, a artista segue sendo um frescor para o pop.

2.Beyoncé — Cowboy Carter

Beyoncé esbanja excelência e virtuosismo em seu segundo ato da trilogia iniciada com o “Renaissance” (2022). Não apenas a cantora coloca um holofote sobre o legado negro da música country, balançando as estruturas racistas e conservadoras do meio, como expande os limites do gênero, transformando-o em uma experiência múltipla e potente.

1. Charli XCX — BRAT

Charli XCX roubou as atenções do pop em 2024 com “Brat”. Um álbum extremamente honesto em que a artista abraça as suas contradições e apresenta um pop eletrônico afiado, e que se desdobrou em acontecimentos tão interessantes quanto as 15 faixas que originaram toda uma era de tendências, memes, reflexões, parcerias e músicas que já estão entre as mais interessantes da década.

De revelações promissoras a grandes nomes que trouxeram novos trabalhos, 2024 foi um ano de boas surpresas musicais e a riqueza rítmica e de gêneros que só a música brasileira é capaz de proporcionar. Aqui vai a minha lista com os 20 melhores discos do ano.

20. Jota.pê — Se o Meu Peito Fosse o Mundo

Em seu segundo álbum solo, João Paulo Gomes da Silva se afirma como excelente cantor e compositor e um dos artistas promissores da nova leva. Com uma sonoridade simples e elegante, canções ora sensíveis, ora divertidas e todas bem íntimas, Jota.pê se destaca em sua evolução artística e maturidade.

19. Melly — Amaríssima

Em seu primeiro disco, melly já demonstra sensibilidade e habilidade artísticas surpreendentes. Com músicas que versa, sobre um relacionamento entre duas mulheres, a cantora e compositora baiana faz um r&b envolvente e temperado com ritmos brasileiros e africanos. Uma mistura que deu liga para um dos álbuns pop mais interessantes do ano.

18. Samuel Rosa — Rosa

Em sua estreia solo, Samuel Rosa mostra que sua veia pop ainda está muito viva. São músicas que soam como um abraço de um velho amigo e conquistam o ouvinte de primeira. Apesar de não revelar nenhuma grande novidade, o mineiro prova que tem fôlego de sobra para recomeçar.

17. Os Garotin — Os Garotin de São Gonçalo

Entre as boas surpresas de 2024 está Os Garotin, trio formado por Anchietx, Leo Guima e Cupertino que lançou seu álbum de estreia este ano. Uma deliciosa celebração a soul music brasileira, com toques de r&b e hip hop que resultam em um disco de canções deliciosas que brilham com o carisma e a habilidade vocal do grupo.

16. Ale Sater — Tudo Tão Certo

Em seu primeiro álbum solo Ale Sater abre um baú de lembranças e sentimentos traduzidas em composições sensíveis e marcadas por uma sinceridade e profundidade tocantes. Mantendo a base no rock com flertes com o pop, porém puxando mais para o folk acústico o artista reforça aqui a sua força como compositor.

15. Tuyo — Paisagem

Em um álbum mais solar com experimentações eletrônicas, a Tuyo reafirma o compromisso em apresentar uma obra muito íntima, honesta, focada em explorar novos horizontes e trazer um olhar diferente e sensível para a música e para questões sobre a vida que passam por todos nós e reforçam a poderosa conexão com o público.

14. Bruno Berle — No Reino dos Afetos 2

dando continuidade ao que foi feito em seu primeiro álbum, Bruno Berle refina a parceria com Batata boy na sequência de “No Reino dos Afetos” e apresenta composições de muita sensibilidade calcadas no lo-fi e na mpb e que avançam no campo criativo do artista alagoano.

13. Duda Beat — Tara e Tal

Em seu terceiro álbum, Duda Beat mostra que segue na toada do amadurecimento e evolução do seu pop e se permite deixar o sofrimento amoroso de lado para buscar novos horizontes. Construindo seu próprio lugar na cena brasileira, a pernambucana continua surpreendendo e cativando.

12. Giovani Cidreira — Carnaval Eu Chego Lá

Em Carnaval Eu Chego Lá, Giovani Cidreira se destaca como interprete, fazendo uma releitura instigante, inquieta, sensível e bastante pessoal da obra de Ederaldo Gentil. Com as bases fincadas no samba, mas com experimentações interessantes, além do canto de peso, o repertório do sambista baiano ganha novas camadas aqui e novas pontes com o presente.

11. Bebé — Salve-se

Em seu segundo álbum, Bebé já mostra maturidade, segurança e expansão criativa admiráveis. Salve-se é um registro profundo das experiências vividas pela artista ao chegar na vida adulta, e ao mesmo tempo é a construção de um universo particular que percorre diferentes gêneros e influências com excelentes acertos.

10. Boogarins — Bacuri

Após 5 anos, o Boogarins retorna com um novo álbum de inéditas que ressalta o amadurecimento musical da banda. Embora “Bacuri” vai na direção da máxima “menos é mais” e apresenta uma proposta mais simples, mas que não deixa de ser muito criativa, prazerosa e de refinar o rock psicodélico da banda.

9. Luê — Brasileira do Norte

Em seu terceiro disco, Luê faz uma celebração a cultura e aos ritmos do Pará e da região norte do Brasil. A artista usa o legado e as referências paraenses para fazer um pop autêntico e inventivo que ganha mais brilho com a presença de nomes como Fafá de Belém, Dona Onete e Gaby Amarantos.

8. Dora Morelenbaum — Pique

Apesar de ainda beber de muitas das mesmas referências e o olhar para o passado, Dora Morelenbaum consegue se afastar do que apresentou no Bala Desejo e seguir um caminho próprio e mais amplo em Pique. Um álbum que varia de humor de forma elegante e reforçado por colaborações afinadas e excelentes composições.

7. Céu — Novela

Em “Novela”, Céu deixa de lado a estética eletrônica e relembra o início da carreira com um disco que foge das tendências do cenário musical brasileiro atual, sendo gravado ao vivo e de forma 100% analógica. Celebrando o orgânico e o humano, a cantora direciona sua voz direto para a alma do ouvinte e conquista terreno por lá.

6. Negro Leo — Rela

Quase apagando as luzes de 2024, Negro Leo chega com um novo disco proporcionando uma experiência sonora intensa com uma séries de experimentações que passeia pelos mais diferentes gêneros, passando por uma imensidão de sintetizadores para falar sem pudores sobre sexo. Uma das obras mais surpreendentes do ano.

5. Pabllo Vittar — Batidão Tropical Vol. 2

Mais uma vez Pabllo Vittar dominou o pop brasileiro com uma excelente sequência para o projeto de resgate do forró e do tecnobrega e traz uma performance ainda mais à vontade e madura. A estrela reinventa músicas que são clássicos no norte e nordeste como ninguém e segue entre o que há de mais interessante e divertido no pop nacional dos últimos anos.

4. Tássia Reis — Topo da Minha Cabeça

Tássia Reis apresenta um trabalho maduro em “Topo da Minha Cabeça”. Dialogando com vários gêneros e ritmos com habilidade, tendo o samba como uma espinha dorsal, mas ainda com influências do hip hop e do r&b a artista segue como um dos nomes mais interessantes e instigantes da música brasileira.

3. Amaro Freitas — Y’Y

Expandindo seus horizontes musicais para além do jazz, Amaro Freitas nos leva para uma imersão na Amazônia em “Y’Y”. No disco, o pianista pernambucano faz uma experimentação baseada em sua vivência com a comunidade indígena Sateré-Mawé e trabalha com o piano de formas inimagináveis. Uma experiência em que é impossível ficar indiferente.

2. Zé Manoel — Coral

Em seu novo disco, Zé Manoel faz um belo diálogo entre raízes brasileiras e a contemporaneidade, permeado por uma leveza tanto temática quanto sonora. “Coral” é um registro primoroso que conquista pela delicadeza e beleza tanto das interpretações quanto dos arranjos, além de reiterar o artista pernambucano como um dos grandes compositores da MPB atual.

1. Liniker — Caju

Com “Caju”, Liniker versa sobre o desejo de amar e ser amada e prova que para fazer música pop de muita sensibilidade, não é preciso repetir formulas genéricas, perseguir tendências de algoritmos nem ter pressa em prender a atenção do ouvinte. Aqui ela mostra que ser fiel a sua própria essência tem um valor não perecível.

Após ganhar o mundo com “Ivory” (2022), álbum marcado pela abordagem confessional e intimista, Omar Apollo se mostra ainda mais aberto e explora sua versatilidade musical em meio a suas vulnerabilidades com “God Said No”, seu mais novo disco.

Se o cantor mexicano-estadunidense ficou conhecido por confidenciar suas desilusões amorosas, conflitos internos e experiências como homem gay de forma visceral em canções como “Invicible” e “Evergreen”; agora ele se aprofunda ainda mais e se arrisca em diferentes vertentes do pop e do r&b.

Ao longo das 14 faixas, Omar Apollo acerta mais uma vez ao apostar na densidade e sensibilidade das suas letras. É o caso da faixa de abertura “Be Careful With Me”, na qual o artista desabafa sobre a falta de envolvimento em um relacionamento: “Eu tentei ser alguém que você gostasse / Mas é apenas compromisso demais”.

Em um primeiro momento, “God Said No” se aprofunda no r&b já explorado no disco antecessor, porém com uma pegada mais pop, se tornando um caminho excelente para Apollo explorar seus sentimentos. É o que pode ser ouvido em canções como “Spite” e “Done With You”.

Porém, no decorrer da obra vão surgindo algumas surpresas, com o artista se arriscando no uso de elementos eletrônicos, sintetizadores e experimentando uma sonoridade inspirada no synthpop da década de 1980. É o que acontece em momentos como “Less of You” e “Life’s Unfair”. Já em “Against Me”, ele flerta com o trap.

Outro ponto forte do álbum está em suas colaborações. Na comovente “Plane Trees”, Apollo faz um belo dueto com Mustafa. O ator Pedro Pascal aparece contando uma comovente passagem com o artista em “Pedro”.

No entanto, fica evidente, no decorrer do disco, que o cantor ainda está em um processo de autoconhecimento e descoberta da sua identidade artística, o que acaba por esbarrar na fragilidade de um estilo que se parece demais com coisas já feitas por outros artistas.

Não tem como não lembrar de Frank Ocean, por exemplo, em faixas como “Empty” e “Dispose of Me”. Apesar de boas, as duas canções parecem ter pouco a dizer sobre o artista.

Em “God Said No”, Omar Apollo revela belas composições que cativam pela sensibilidade e a forma íntima como ele aborda seus sentimentos. O artista também aprimora sua versatilidade e apresenta uma boa combinação entre r&b e pop eletrônico. Apesar dos momentos repetitivos e a identidade ainda vacilante, a experiência não deixa de ser satisfatória.

Com o fim do Skank em 2023, seu líder, Samuel Rosa, parte para a carreira solo e inicia uma nova trajetória com o álbum “Rosa”. Para quem esperava uma ruptura total com a sonoridade que marcou os 30 anos da banda mineira, o disco caminha na direção contrária.

Para dar início a esta nova fase, Samuel optou por caminhar no seguro. Uma escolha que se mostrou acertada ao longo das 10 composições inéditas que orbitam entre o pop-rock, o indie-rock e a MPB e remetem ao melhor do repertório do seu antigo grupo.

Com uma banda formada por Doca Rolim (violão e guitarra), Alexandre Mourão (contrabaixo), Pedro Kremer (teclados) e Marcelo Dai (bateria e percussão); “Rosa” traz uma sensação de conforto e familiaridade com elementos musicais que já são velhos conhecidos do público, mas que conseguem passar longe da nostalgia ou da mera repetição.

A sensibilidade das composições são um dos pontos fortes da obra. Aqui, Samuel se mostra mais aberto do que nunca e traz letras que narram relacionamentos, com inspiração em suas próprias experiências e no período de grandes mudanças que vem atravessando.

É o caso, por exemplo, do single “Segue o Jogo”, música que retrata o encerramento de um romance e que pode remeter tanto ao fim do seu casamento com Ângela Castanheira, quanto pode também servir como um símbolo para a dissolução do Skank.

A abertura do álbum é com “Me dê Você”, que já de cara nos transporta para o clima dos primeiros álbuns da banda que ditou os rumos do pop nacional durante as décadas de 1990 e 2000. “Ciranda Seca (Dinorah)” foi composta como tema para a personagem interpretada por Alice Carvalho na série Cangaço Novo.

Já canções como “Aquela Hora”, “Rio Dentro do Mar” e “Palma da Mão” (estas duas últimas dedicadas à atual companheira do artista, Laura Sarkovas) se conectam diretamente com grandes baladas como “Resposta”, e “Acima do Sol”.

A excelente “Tudo Agora” parece uma faixa esquecida do “Siderado” (1998) ou do “Maquinarama” (1999). “Flores da Rua” tem tudo para funcionar como um grande hino para o público cantar em shows.

Em seu primeiro álbum solo, Samuel Rosa mostra que sua veia pop ainda está muito viva. São músicas que soam como um abraço de um velho amigo e conquistam o ouvinte de primeira. Apesar de não revelar nenhuma grande novidade, o mineiro prova que tem fôlego de sobra para recomeçar.

Desde o lançamento de “Cinco” (2020), seu último disco autoral em quatro anos, Silva viu seu público ser ampliado com o projeto carnavalesco “Bloco do Silva” e teve que lidar com a reclusão imposta pela pandemia. Agora, o artista retoma em “Encantado”, seu reencontro com a composição.

Seu sexto álbum de estúdio marca a volta do cantor capixaba ao ponto em que havia parado em seu disco anterior. Ao longo das 16 composições inéditas em parceria com o irmão, Lucas, Silva se desdobra em diferentes vertentes da música brasileira, sempre mantendo um estilo íntimo, minimalista que é ao mesmo tempo solar e aconchegante.

A faixa de abertura, “Abram Alas”, dá o tom de renascimento que permeia a obra. “Foi difícil / Posso te contar do fim do mundo / Quase me perdi por um segundo / Eu fui salvo pelo invisível”, diz a letra que parece refletir um pouco das dificuldades enfrentadas nos últimos quatro anos.

O disco vai passeando pelo samba, jazz, r&b, pop, rock, funk e outros gêneros resgatando a versatilidade do artista e um pouco do que ele já vem apresentando em sua trajetória desde a estreia com o EP de 2012.

A sensação que fica é a de que Silva atingiu um ponto de maturidade no qual ele prioriza suas ambições artísticas e deixa em segundo plano as comerciais.

Um dos destaques de “Encantado” são as parcerias. “Copo D’água” conta com a colaboração de Marcos Valle e traz o encontro do suingue e a sensualidade do r&b com a leveza da bossa nova. A belíssima “Girassois” traz um arranjo refinado feito por Arthur Verocai.

O tocante samba “Amanhã De Manhã (Para Lecy)”, é reforçado pela luxuosa participação de Leci Brandão. O encontro entre os dois contou com uma coincidência poética. Silva dedicou a música a sua avó, Lecy, nome grafado da mesma forma que o da mãe da sambista veterana, com y.

“Encantado” também marca o momento em que o artista assume sua veia romântica. Em canções como “Risquei Você”, “Carmesim” e “Gosto de Você”, o músico fala sobre amor à sua maneira, mantendo a leveza, mas com veracidade no sentimento.

A contagiante “Recomenzar” conecta Silva com sua veia latina, contando com a parceria do uruguaio Jorge Drexler. O álbum encerra em alta com indie rock de refrão potente “A Vida É Triste Mas Não Precisa Ser”.

Em “Encantado”, Silva se reconecta com a sua essência e a sua criatividade e apresenta um álbum maduro, delicado, que ganha pontos pela maneira como equilibra um refinamento musical com a simplicidade das composições. Aqui, o artista parece reencontrar o seu próprio caminho em meio às turbulências da vida.

Ao longo da última década, Charli XCX alcançou um lugar muito particular na música pop. Mesmo sendo considerada uma “artista de nicho” pela indústria, a cantora britânica se tornou um dos nomes mais influentes para o gênero nos últimos anos. Com “Brat”, seu mais novo álbum, ela abraça essa posição e a expande.

Se no antecessor “Crash” (2022), a artista que se tornou o grande nome da PC music e do hyperpop utilizava de referências nostálgicas para fazer um pop acessível e contagiante, no seu oitavo disco ela utiliza o experimentalismo e a inquietação como ferramentas para construir sua obra mais íntima.

Curiosamente, quando Charli parece estar mais despreocupada em atingir o mainstream, vira um hit viral da internet. A capa de “Brat”, simplesmente o título escrito sobre um fundo em um tom de verde vibrante, apelidado de “verde brat” virou meme e foi reproduzida incansavelmente por anônimos, famosos e marcas nas redes sociais.

O sucesso deu força ao lançamento do álbum que não decepcionou em termos de conteúdo. Em 15 faixas, a britânica apresenta um universo de sons eletrônicos que se cruzam das maneiras mais inventivas e bebem na fonte do EDM, synth-pop e da eurodance, só que sempre atualizados, desconstruídos e reconstruídos apontando para o futuro.

Apesar de ser um álbum altamente dançante e personificado no alter-ego da Party Girl “Brat” também traz muita vulnerabilidade. Aqui, a artista fala com muita honestidade sobre seus medos, suas frustrações e questionamentos sobre a vida, a carreira, e a música pop como um todo. É uma habilidosa sessão de reflexões na pista de dança.

Na abertura com “360”, a Party Girl ganha vida e a rave criada por Charli, baseada em suas próprias experiências na adolescência, ganha força para que ela possa expor temas mais complexos em seguida. Em “I might say something stupid” e “talk talk” ela versa sobre suas inseguranças e a forma caótica como se enxerga.

“I think about it all the time” traz confissões sobre medos e o desejo de ser mãe. Em “Girl, so confusing” ela faz confissões sobre ser uma garota e ser comparada com outra. “So I” é uma homenagem a Sophie, cantora morta em 2021 que foi um dos grandes expoentes do hyper pop e segue sendo grande influência no gênero.

Em “Brat”, Charli XCX abraça suas contradições e apresenta um pop eletrônico afiado, com boas doses de ousadia e honestidade, coisas que estão rara no cenário pop atual. fazendo reflexões e contando sobre suas vulnerabilidades como quem conta segredos a um amigo, a artista traz o seu melhor álbum até aqui.

Desde que se propôs a iniciar uma carreira internacional, com grandes ambições, Anitta tem conquistado muitas vitórias, porém, mantendo algumas fragilidades, sendo a principal delas seus álbuns. “Funk Generation”, mais novo disco da artista, parece sinalizar uma mudança nesse aspecto.

Se “Kisses” (2019) e “Versions of Me” (2022) foram projetos confusos, que atiravam para todos os lados, sem prezar por uma coesão musical, e se perdendo em fórmulas genéricas que perseguiram as tendências do pop internacional; “Funk Generation” busca retomar o foco e acerta ao mirar nas origens da cantora carioca.

Com músicas cantadas majoritariamente em Inglês e espanhol, o álbum pretende construir o diálogo entre o funk brasileiro e o mercado internacional. O resultado, no decorrer das 15 faixas, apresenta irregularidades, com alguns tropeços, mas, de uma forma geral, é positivo.

Os pontos altos de “Funk Generation” estão nos momentos em que Anitta explora as várias vertentes do funk brasileiro e as transformações que o gênero sofreu ao longo dos anos. Essas referências, entretanto, passam longe da nostalgia e se conectam a cara atual do gênero.

O resgate das origens no Miami bass em “Lose ya breath”, faixa de abertura; a inserção do tamborzão, tão marcante ao longo dos anos 2000, em momentos como “Grip” e “Savage Funk”, captura a potência do ritmo desenvolvido na periferias brasileiras e o traduz com eficiência para os gringos.

A obra também não se restringe apenas às influências do funk carioca e faz menções às faces paulista e mineira do gênero em faixas como “Sabana”. Há momentos mais ousados, de experimentações com a música eletrônica, caso de “Puta Cara” e “Cria de Favela”; além de uma ponte com os demais ritmos latinos, presente em “Double Team”.

No entanto, “Funk Generation” perde seu brilho quando cai na armadilha de querer domesticar o funk e o enquadrar em convenções do pop internacional. O que vai resultar em músicas genéricas, inexpressivas e completamente dispensáveis, caso, por exemplo, de “Fria” e “Meme”.

“Joga pra Lua”, única faixa inteiramente cantada em português e feita em parceria com Dennis DJ e Pedro Sampaio, soa como uma repetição de combinações já exploradas à exaustão aqui no Brasil, com o EDM, terminando por também ser desnecessária no conjunto da obra.

“Funk Generation” tem altos e baixos, mas ganha pontos por ser o primeiro álbum internacional de Anitta a ter uma coesão e alguma consistência. Na medida em que a artista aposta no funk, sem deixar que ele perca sua essência, seu trabalho ganha força para crescer mundo afora.

A cada novo passo da carreira, fica nítido o quanto Billie Eilish é uma artista fora da curva no cenário pop atual. Desde sua estreia, a jovem, hoje com 22 anos, se recusa a aderir às tendências dominantes e segue em uma caminhada bastante pessoal. É o que fica evidente em “Hit Me Hard and Soft”, seu mais novo álbum.

Se na sua estreia com “When we all fall asleep, where do we go?” (2019), a estadunidense versa sobre suas inquietações adolescentes, e em “Happier Than Ever” (2021) ela aborda as consequências da fama e a chegada da vida adulta; seu terceiro disco parece ser o mais confessional e traz o amor como o grande tema.

Ao longo das 10 faixas Eilish vai contando, como quem conversa com um amigo, sobre experiências com relacionamentos e sua bissexualidade. Tudo isso alicerçado pela já consagrada parceria com seu irmão, Finneas.

O álbum, que não é precedido por nenhum single e se recusa a aderir a faixas curtas, com menos de 3 minutos, vai na contramão do que a maioria dos grandes nomes do pop vem fazendo. Ele segue no universo que os dois irmãos vêm construindo e soa como um amadurecimento de tudo o que foi feito até aqui.

A abertura com “Skinny”, marcada por um arranjo que transita entre o minimalismo e o grandioso, parece fazer uma conexão com o disco anterior, com Billie fazendo reflexões sobre o próprio corpo e a exposição a que está submetida com a fama. Um pequeno desabafo que fica por ali mesmo.

“Lunch” já remete ao álbum de estreia e o seu maior hit, “Bad Guy”, porém com um ar mais maduro. Entre batidas eletrônicas e sintetizadores, a cantora declara seu desejo por uma garota. “Chihiro” retrata lembranças de um romance com um toque de nostalgia e melancolia.

Nesta faixa e no decorrer do disco, ao mesmo tempo em que se mantém a sensação de familiaridade na sonoridade, ela também reserva algumas surpresas. Elementos eletrônicos e um leve flerte com synthpop se entrelaçam com sons orgânicos para dar forma a excelentes misturas de gêneros.

“Birds of a Feather”, um dos melhores momentos da obra, é uma trilha sonora perfeita para um filme, ou uma novela. Um soft-pop romântico com um toque de ironia e um exagero proposital. Outro ponto alto é “The Greatest”, uma evolução para “Happier Than Ever” que começa suave e evolui para um rock melódico confessional.

“L’amour de Ma Vie”, é outra que se desenvolve de maneira surpreendente e vai evoluindo para uma atmosfera dançante com vocais distorcidos e uma batida EDM. “Blue” encerra a obra com seu momento mais experimental. A faixa reúne um pouco de tudo o que foi apresentado até aqui e finaliza em alta.

Em “Hit Me Hard and Soft” Billie Eilish volta a mostrar porque se tornou um fenômeno que vem construindo uma carreira consistente, de alicerces bem firmes. Com versos afiados e renovando ideias anteriores, sem soar repetitiva, ao mesmo tempo em que arrisca algumas experimentações, a artista segue sendo um frescor para o pop.

Após ditar os rumos do pop durante os anos da pandemia e conquistar o mundo com a disco music reinventada de “Future Nostalgia” (2020), Dua Lipa se viu presa na armadilha da expectativa para o álbum seguinte. “Radical Optimism”, mais novo trabalho da artista anglo-albanesa, é o reflexo disso.

No período de pré-lançamento do novo disco, a cantora afirmou em entrevistas que bebeu de referências da cena eletrônica alternativa como Massive Atack e Primal Scream. No entanto, muito pouco disso pode ser realmente ouvido entre as 11 novas faixas.

Parece que “Radical Optimism” tinha tudo para ser mais um grande passo na carreira de Lipa e um outro sopro de novidade para o pop. Entretanto, todas essas expectativas morrem na praia com um álbum que não deixa de ter bons momentos, mas que pouco consegue surpreender e apresenta um som simplório, sem muita forma.

Além disso, a artista se uniu a novos parceiros como Kevin Parker, líder do Tamme Impala e um dos nomes mais importantes da cena indie atual; e Danny Harle, que conta com um currículo de colaborações do calibre de Caroline Polachek. Mais uma vez, excelentes escolhas que prometiam o melhor, porém aparecem subaproveitadas.

O melhor do terceiro álbum de Dua Lipa está em seus singles. A excelente “Houdini” e a contagiante “Training Season” trazem o toque psicodélico de Parker bem alinhado com batidas dançantes que remetem a eurodance dos anos 1990 e ao electropop dos anos 2000. “Ilusion”, remete ao melhor de Kylie Minogue e é outro grande momento.

Fora isso, muito pouco do restante da obra realmente se destaca. Vale ressaltar os vocais primorosos da cantora que salvam refrãos como o de “Falling Forever”. “Anything For Love”, se garante como um bom pop romântico. No decorrer do disco, vão aparecendo boas ideias, mas que não se desenvolvem por completo.

Apesar de tudo, “Radical Optimism” não chega a ser um álbum ruim e ganha pontos pela tentativa de explorar caminhos diferentes do mais do mesmo. Inclusive, ele até daria um ótimo álbum de estreia. O problema é que Dua Lipa já está bem distante desta fase da carreira e já provou anteriormente que pode fazer muito mais do que é apresentado aqui.

Cinco anos após o lançamento do seu último projeto autoral, Céu está de volta mais humana do que nunca. Em “Novela”, seu novo álbum, a cantora e compositora paulistana abandona a abordagem tecnológica presente nos anteriores Tropix (2016) e APKÁ! (2019) e apresenta um trabalho totalmente orgânico.

O disco foi gravado no Linear Labs Studio, em Los Angeles, Califórnia (EUA), com produção do multi-instrumentista e arranjador estadunidense Adrian Younge; o parceiro e marido de Céu, Pupillo Oliveira; além da própria artista.

Todas as 12 faixas inéditas foram feitas ao vivo com uma banda formada por drian Younge (piano, guitarra, vibrafone, órgão e baixo), Lucas Martins (baixo, violão e guitarra) e Pupillo (bateria e percussão), processo que é uma exceção na atualidade em que as várias possibilidades oferecidas pelo digital prevalecem.

Desde a primeira nota ouvida em “Raiou”, faixa de abertura que conta com a participação da MC norte-americana, filha de pais brasileiros, LadyBug Mecca, nota-se o peso da sonoridade e das vozes. Tudo aqui soa bastante vivo e chega aos ouvidos como um sopro de novidade.

A escolha pode parecer, a princípio, um mero olhar para o passado, porém não há nada de nostálgico aqui e o som não poderia soar mais atual. Cada instrumento que surge vem carregado de um frescor que ganha a atenção do ouvinte, além de potencializar os vocais impecáveis.

O fato do álbum ter sido gravado nos Estados Unidos também acaba transparecendo nas músicas. A brasilidade já marcante de Céu, se une a referências estrangeiras. Faixas como “Cremosa”, “Crushinho”, “Into My Novela” e “Lustrando Estrela” apresentam um reforço melódico e ganham contornos de soul music, jazz, rock e reggae.

O Título do projeto, além de fazer referência ao gênero dramatúrgico que é a grande marca da televisão brasileira e parte da identidade nacional, reflete essa brasilidade presente e as letras que trazem crônicas do cotidiano e relacionamentos.

O primeiro single divulgado, “Gerando na Alta”, ganha força inserida no contexto do álbum e brilha com o dueto entre a brasileira e a cantora franco-senegalesa Anaiis. Única composição sem a participação da titular, a romântica “Corpo e Colo”, de Nando Reis e Kleber Lucas, é outro destaque do disco. A obra encerra com elegância em “Reescreve”, excelente colaboração da artista com Marcos Valle.

Em “Novela”, Céu segue em uma trajetória de constante renovação e mais uma vez apresenta um álbum que foge das convenções e tendências do cenário musical brasileiro atual, e aponta para o futuro. Celebrando o orgânico e o humano, a cantora direciona sua voz direto para a alma do ouvinte e conquista terreno por lá.