Buon ultimo, arrivo anche io a vedere il fenomeno dell’animazione 2025, K-Pop Demon Hunters, un film Sony Pictures Animation distribuito a livello mondiale da Netflix che al momento in cui è uscito (20 giugno) nessuno se lo sarebbe mai inculato, per usare un francesismo, e invece a partire dai primi di luglio è stato (e credo continui ad essere) uno dei film più visti dell’anno in assoluto sulla piattaforma.

Il motivo è molto semplice: Kpop Demon Hunters unisce tre cose che garantiscono un successo assicurato. Punto primo, un’animazione allo stato dell’arte, magari non a livello di Spider-Man o dei Mitchell (due altri successi Sony), ma creativa abbastanza per elevarsi sopra una produzione “media”, soprattutto nelle (molte) sequenze d’azione. Punto secondo, una storia semplice, universale, accessibile a tutti che però non è un sequel un prequel un midquel un legacy sequel un remake o simili. Punto terzo, le canzoni. Che sono in classifica in tutto il mondo e hanno soppiantato con le Huntr/x e i Saja Boys persino i BTS e le BlackPink (veri gruppi KPop).

La trama è presto detta, trio di cantanti/maghelle/guerriere (le Huntr/x) deve proteggere il mondo dai demoni che spingono per succhiare le anime degli umani creando uno scudo protettivo mentre sono in tour. Demone affascinante crea una boy band demoniaca (i Saja Boys) che ruba i fan alle Huntr/x. Rumi, la più problematica delle Huntr/x che nasconde un segreto, si innamora di Jinu, il ragazzo demone a capo dei Saja Boys.

Cosa potrà mai andare storto? Completano il quadro una coppia di animali demoniaci a coprire la quota “spalle comiche”, un manager che oscilla tra i due gruppi musicali, un medico ciarlatano doppiato da Ken Jeong.

Io l’ho visto due volte in italiano per cause di forza maggiore, ma in originale, come al solito, è meglio. In entrambi i casi, alla fine della visione, per settimane intere ti ritrovi a canticchiare i singoli di successo estratti dal film, come Golden, Takedown, SodaPop o How It’s Done. Impossibile resistergli.

KPOP DEMON HUNTERS: IMPOSSIBILE RESISTERE was originally published in Cult on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Unicorni di Michela Andreozzi sta in pochissime sale ma vale la pena cercarlo. È una commedia dolce, equilibrata, ottimamente interpretata, talvolta un po’ didascalica ma ci sta, perché il pubblico italiano su questi temi — che i battibecchi ideologizzati tendono ad inquinare tantissimo — ha anche bisogno di essere “educato” (mi riferisco alle scene/spiegone ambientate nel cerchio di terapia per “genitori unicorni”).

La storia è quella di una famiglia allargata e progressista che viene messa in crisi da un bambino di 9 anni e mezzo, Blu (Daniele Scardini, bravissimo nel suo ruolo) che presenta una evidente varianza di genere: vuole vestirsi sempre “da femmina” e alla recita scolastica vuole fare la Sirenetta.

Mi ha toccato profondamente, come è inevitabile, la figura di Lucio (Edoardo Pesce): papà progressista e femminista, odia il calcio, pratica yoga, definito woke dal collega, in una parola il mio ritratto (non fosse che lui abita in un appartamento meraviglioso a Roma e io no). Lucio fa il conduttore radiofonico e riesce a smontare ai microfoni del suo programma soggetti agghiaccianti come artisti del rimorchio e fanatici pro vita e famiglia. Quando però capisce che il figlio Blu non ama solo vestirsi da femmina “ogni tanto” ma ha una sua identità di genere non conforme alle aspettative sociali, va in crisi.

Nell’ansia di proteggere, tenta di forzare un cambiamento nel bambino che riesce solo a far stare male tutta la famiglia. Il conflitto interiore di Lucio è molto ben rappresentato, così come la divergenza di idee con la moglie Elena (Valentina Lodovini) che non solo ha capito il figlio ma lo ha accettato. In questo senso Unicorni è anche un ottimo studio sul maschile contemporaneo e sui problemi della genitorialità.

Quando Lucio ed Elena iniziano a frequentare il gruppo “Genitori Unicorni” — un cerchio di confronto guidato da una psicologa specializzata in varianza di genere interpretata dalla stessa regista — il respiro si allarga e la storia da familiare diventa collettiva, grazie anche a ragazzi e genitori membri attivi dell’associazione Genderlens, che ha partecipato alla produzione del film.

Inutile dire che ho pianto tantissimo. Ma Unicorni è anche un film molto divertente, fidati. Ed è abbastanza sorprendente nel panorama italiano veder trattato questo tema in modo così equilibrato.

GENITORI PROGRESSISTI AL BIVIO: UNICORNI was originally published in Cult on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Mi fa molto piacere vedere che La città proibita di Gabriele Mainetti sia “primo in classifica” su Netflix tra i film più visti in Italia perché se lo merita. Lo sapevo anche prima di vederlo, che se lo meritava, ma ne ho avuto la conferma (dopo essermi un po’ mangiato le mani per non averlo visto in sala, vabbè).

Meno fulminante di Lo chiamavano Jeeg Robot e meno caleidoscopico e debordante di Freaks Out, La città proibita — pur con il suo essere praticamente due film compressi in uno, pur mantenendo la consueta professionalità nel prendere un genere e farlo bene, adattato alla realtà romana — è un film che definirei “classico”.

Le due sorelle cinesi che si allenano col kung fu negli anni ’90 finiscono ben presto in un delirio di mafia cinese, prostituzione, traffico di esseri umani. Mei (Yaxi Liu) è la più brava nel kung fu e sbaraglia gli avversari alla ricerca della sorella scomparsa proprio a Roma (bellissima, dopo una ventina di minuti, la transizione improvvisa e inaspettata in una via dell’Esquilino con il tizio che dice “ma li mortacci”).

E da lì si sviluppano due film paralleli, intrecciati, con la paura sempre che i due film non c’entrino una mazza l’uno con l’altro e invece niente, anche stavolta Mainetti ce l’ha fatta sotto il naso, le mazzate filologiche alla Bruce Lee e il dramma de noartri con la Ferilli, Giallini, Zingaretti e il bravo Enrico Borello nel ruolo di Marcello si sposano perfettamente, anche perché i misteri si infittiscono quando si scopre che il padre di Marcello e la sorella di Mei erano innamorati…

Il tema della vendetta tipico del cinema orientale e il dramma criminale in una città mai rappresentata prima in modo così multietnico vanno a braccetto con pochissime deviazioni (ho trovato un po’ inutile la sottotrama del figlio rapper del boss cinese, utile solo a rimarcare la maggiore integrazione degli immigrati di seconda generazione).

Insomma, lo sapevo che mi sarebbe piaciuto e in effetti mi è piaciuto, anche con il suo finale un po’ Kung Fu Panda che però è adorabile nella sua semplicità disarmante. Se come me non l’avevi visto, vedilo ora.

FINALMENTE IL KUNG FU TORNA A ROMA was originally published in Cult on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Mi tolgo subito il sassolino dalla scarpa: aspettavo Elio dal 2022 con ansia, e non mi ha (quasi) per niente deluso. Eppure, secondo la misurazione impietosa del box office, Elio è il film Pixar che ha incassato di meno in assoluto. Questo per me è la dimostrazione che quando ci lamentiamo che gli studios non sanno fare altro che sequel o prequel e rimasticare sempre le stesse storie e gli stessi personaggi, non dobbiamo fare altro che dare la colpa a noi stessi. Gli spettatori vogliono prequel e sequel. Semplicemente, non si fidano delle cose nuove. O forse Elio non è stato sufficientemente “spinto”, va’ a sapere.

Comunque, al netto del fatto che ci sono diverse soluzioni poco originali e snodi un po’ tirati via alla cazzo di cane, Elio per me sta nel novero dei Pixar strani, quelli che preferisco, come Il viaggio di Arlo, che non se lo caga mai nessuno e invece per me è bellissimo. Questione di gusti? Probabilmente. Ma come fai a non amare un film che solo nei primi dieci minuti ti mette: il disco d’oro della sonda Voyager lanciata nel 1977 (che immediatamente ti riporta al primo film di Star Trek); la voce di Carl Sagan che parla della possibilità di forme di vita intelligenti nello spazio; Once in a Lifetime dei Talking Heads in una magistrale sequenza a montaggio che presenta il personaggio principale e le sue ossessioni? Non puoi.

Elio è un ragazzino di 11 anni che ha perso i genitori e vive in una base militare con la zia. Il loro rapporto è conflittuale perché Elio percepisce chiaramente che la zia avrebbe fatto una vita completamente diversa se lui non fosse piombato nella sua quotidianità. In più Elio non ha amici, ha un taglio di capelli improbabile, è socialmente inetto. Tutto quello che vuole è essere rapito dagli alieni. La zia invece lo manda in un campo estivo dove Elio viene ulteriormente bullizzato, senonché a quel punto gli alieni arrivano veramente.

La parte terrestre è una delle cose migliori del film, perché quando si va nello spazio, anche Elio, come tutti gli ultimi Pixar e forse ancora di più, cede a quell’estetica tra lo psichedelico e il caramelloso che fa sembrare tutto una fiera anni ’90 di tye&dye e lava lamp. Il Communiverse, questa specie di Nazioni Unite intergalattiche con i suoi ambasciatori da tutti i pianeti, sembra molto la Federazione Galattica di Lilo e Stitch, ma con meno organicità. Gli ambasciatori sono simpatici ma non lasciano il segno (uno è pure doppiato da Lucio Corsi, vabbè).

Si innesca qui la parte di conflitto con Grigon, il guerrafondaio leader degli Hylurghiani, che Elio dovrebbe mediare diplomaticamente grazie ad una non meglio definita “Art of the Deal” (LOL). Elio finisce per diventare amico di Glordon, il figlio di Grigon, una specie di goffo tardigrado spaziale che non vuole diventare un signore della guerra come il padre. Degna di nota, peraltro, l’idea dell’esoscheletro guerresco degli Hylurghiani che rappresenta magistralmente la “gabbia patriarcale” in versione intergalattica in cui i giovani maschi riottosi devono per forza entrare. Segue un po’ di intrigo, qualche casino e un finale dolceamaro che mette d’accordo un po’ tutti.

In molte delle sue tematiche, Elio è un film profondamente spielberghiano, che rientra in quel filone di “ragazzini disadattati che però spaccano” e di “contatto con il diverso”, mantenendo però anche saldamente il punto sul rapporto tra padre e figlio e sul più generale senso di appartenenza alla famiglia — in questo Elio non è banale e fa scendere qualche lacrima agli adulti in sala.

Parlando di un preadolescente alle prese con guerre e diplomazie aliene, Elio non può non ricordare anche Steven Universe, soprattutto nella questione dei cloni, che è una delle idee più intriganti del film e che consente a Elio di toccare con mano quello che potrebbe significare vivere una vita normale sulla terra, lui che vorrebbe solo vivere nello spazio con gli alieni come lui.

Purtroppo il fatto che la lavorazione di questo film sia stata così lunga ha visto il regista originario (Adrian Molina, quello di Coco) abbandonare la sua creatura “personale” — Elio rappresenta lui stesso e la sua infanzia solitaria in un campo militare — e lasciarla in mano a Domee Shi (regista di Turning Red) e all’esordiente Madeline Sharafian. Questo ha voluto dire anche riscritture, semplificazioni e rappezzamenti che in alcune parti del film (specie nel finale un po’ tirato via) si notano.

C’è anche una scena dopo i titoli di coda, ma non è niente di che. Tutto sommato però il film l’ho trovato incantevole il giusto. Se poi hai come me un figlio come Glordon il tardigrado spaziale, il film tocca corde molto personali e non ti pentirai di averlo visto. Ovviamente attenderò il passaggio su Disney+ per rivederlo in originale.

EXTRATERRESTRE PORTAMI VIA: ELIO was originally published in Cult on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Poco da dire su No Other Land, un documentario necessario — sempre di più ogni giorno che passa — e che si può vedere su Mubi. Basel Adra (che si può seguire anche su Instagram) e Yuval Abraham sono i due ideatori, uno palestinese e l’altro israeliano, di questo reportage fortunosamente girato sulla situazione della zona di Masafer Yatta, vicino a Hebron in Cisgiordania, dove le truppe israeliane demoliscono sistematicamente villaggi con la scusa che si tratta di una zona militare israeliana (secondo un ordinanza della Corte Suprema) e poi ci fanno entrare i coloni.

Nulla di nuovo rispetto a quello che già sappiamo, ma il bello di No Other Land (e il motivo per cui ha vinto l’Oscar come miglior documentario, a mio parere) è la dinamica tra Basel e Yuval, la loro amicizia impossibile che nasce e si sviluppa — e dura ancora oggi — con l’obiettivo comune di fermare questa situazione. Un obiettivo che Yuval, ebreo di sinistra idealista, persegue con ardore, mentre Basel, palestinese disilluso da 70 anni e più di oppressione, tende a ridimensionare.

La famiglia di Basel è una famiglia di attivisti da più generazioni, che ha deciso semplicemente e in modo non violento di documentare tutto quanto è in loro potere con le videocamere, per poi farlo uscire dai confini israeliani allo scopo di far conoscere la situazione.

Al di là della documentazione dei fatti più o meno tragici che gli abitanti del villaggio di Basel e i suoi familiari devono subire, sono belle e importanti le scene di dialogo tra Yuval e i palestinesi, per capire che qui si tratta solo di persone messe nel frullatore della guerra da due governi opachi, estremisti e inumani, quello di Hamas (che peraltro in Cisgiordania nemmeno si vede) e quello di Netanyahu e dei suoi.

Per capire un pezzo della storia, No Other Land è fondamentale. Ma anche per dare un po’ di speranza sulla solidarietà umana al di là delle ideologie.

DOC NECESSARI: NO OTHER LAND was originally published in Cult on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Grazie a Mubi che ha in cartellone questo film oscuro e affascinante che fa parte di quella categoria di film (danesi, ovviamente) che ti lasciano con la convinzione che la vita è una merda, il mondo è fatto di persone brutte e che non c’è alcuna speranza per l’umanità. Detto ciò, The Girl with the Needle (dove “needle” ha un doppio significato visto che la protagonista fa la sartina in una fabbrica tessile e ha una scena abbastanza insostenibile con un ferro da calza) è un film che presenta un’esperienza di “mostruoso femminile” sul quale non mi avventuro più di tanto in interpretazioni e che mi limito ad accettare.

Il film di Magnus von Horn è gotico, ipnotico, con un che di lynchiano soprattutto nella sovrapposizione di primi piani deformati all’inizio che sembrano suggerire che tutti i personaggi abbiano un che di perverso e di sovrapponibile (e forse è proprio così) e racconta la storia di Karoline (Vic Carmen Sonne), una sarta squattrinata apparentemente vedova di guerra negli anni ’20 del ‘900 che si ritrova incinta a seguito di una tresca con il suo datore di lavoro.

L’arcigna madre dell’industriale impedisce un matrimonio che unirebbe due classi sociali troppo diverse e Karoline si ritrova in un bagno pubblico con il suddetto ferro da calza a tentare un autoprocurato aborto. Viene fermata da Dagmar (Trine Lyndhorm), una donna più anziana e leggermente inquietante che le suggerisce di partorire e dare il neonato a lei che gestisce un’attività clandestina di adozioni per coppie altolocate che non riescono ad avere figli.

Nel frattempo fa il suo ritorno anche Peter (Besir Zeciri), il marito sfigurato da una granata che porta una maschera inespressiva sulle impressionanti ferite, ma Karoline non vuole saperne di lui. Si trasferisce da Dagmar proponendosi come balia per tutti i bambini che transitano tra quelle mura, senza sospettare che Dagmar nasconde un orribile segreto…

Il film è uno di quelli che richiede molta concentrazione e un po’ di pelo sullo stomaco, il tema (positivo) della solidarietà femminile è inquinato da una rappresentazione della maternità che può essere considerata mostruosa secondo il sentire comune ma che Dagmar sul finale rivendica per sé e per tutte le donne che l’hanno contattata.

Una piccola concessione all’happy ending non scalfisce un monolite filmico che piomba sul tuo stomaco come l’urto di un SUV danese. Da vedere, con riserva.

CUPEZZE DANESI: THE GIRL WITH THE NEEDLE was originally published in Cult on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Sorpresa, non me lo aspettavo ma Smile 2 è più efficace di Smile! Parker Finn sa il fatto suo e prosegue in quello che promette di essere un franchise horror che spacca i culi come dicono i giovani statunitensi. Vi ricorderete che il fulcro di tutto è un’entità soprannaturale (un demone simbionte o qualcosa del genere, ma poi in fondo chissene) che contagia la mente del malcapitato protagonista, si nutre delle sue paure e lo spinge prima alla follia e poi al suicidio spettacolare caratterizzato dal diabolico SMILE mentre tipo ti tagli la gola ti cavi gli occhi o ti fracassi la faccia (tutte tipologie di suicidio molto comode e tutte molto ben rappresentate nel film).

Succede che da un film all’altro chi sta per morire dica “ce l’hai!” all’involontario testimone e paf, il demone sorridente passa nella tua mente. Stavolta tocca a Skye Riley (Naomi Scott), popstar di grandissimo successo con un torbido passato di droga e alcolismo alle spalle che deve assolutamente liberarsi dello SMILE della morte prima appunto di incorrere nella morte brutta.

In suo aiuto accorre Mr. Spiegone (uno che si manifesta dal nulla spiegando di essere il fratello di una delle precedenti vittime, spiega alla protagonista cosa le sta succedendo e in pratica ci fa il riassuntino di Smile 1). Manco a dirlo, la soluzione proposta è “prima ti faccio morire, poi ti rianimo perché tra le altre cose sono un infermiere specializzato del pronto soccorso” (già sentita, vero?)…

Non c’è molto di più da dire se non che Naomi Scott è molto brava a reggere tutto il film sulle sue spalle e sulle sue paranoie continue, continua ad esserci un notevole sound design, i jumpscare non sono (quasi) mai banali e se fino all’ultimo si può sperare in un lieto fine… vabbè, no, tanto lo sapete che gli horror devono finire male, no? Se no che horror è? Ecco, stavolta finisce peggio del solito. O meglio, finisce benissimo per Parker Finn che in un colpo solo si è garantito 10.000 potenziali sequel della sua creatura.

SMILE 2, MEGLIO DEL PRIMO was originally published in Cult on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Un “bel film” di quelli “che si giravano una volta”… no, aspetta, scherzo, davvero mi è piaciuto molto. Ezra (in Italia “In viaggio con mio figlio” di Tony Goldwyn) è quello che si definisce un dramedy. Protagonista Max (Bobby Cannavale) che fa lo stand up comedian e include nel suo materiale battute al vetriolo sul figlio autistico Ezra. L’inizio è quindi un po’ — dal punto di vista dei dialoghi — sul filo del rasoio tra toni diversissimi. Poi c’è il resto della famiglia che comprende l’ex moglie Rose Byrne, il nonno Robert de Niro e ovviamente l’Ezra del titolo (il giovane e bravissimo attore neurodivergente William Fitzgerald).

Ora, è abbastanza ovvio che questo è un film il cui valore risiede soprattutto nell’interpretazione del cast, tutto in stato di grazia — aggiungo sul tavolo pesi massimo come Whoopi Goldberg, Vera Farmiga e Rainn Wilson in ruoli di contorno. Ezra però è anche un’esplorazione del rapporto padri/figli attraverso tre generazioni che fa un discorso sorprendentemente profondo sull’affettività, le colpe, l’interdipendenza, il bisogno di riconoscimento e di indipendenza, la neurodiversità.

Max è spaventato dal fatto che gli insegnanti di Ezra, spalleggiati dalla madre e dal suo nuovo compagno, suggeriscano terapie farmacologiche e scuole “speciali” per bambini autistici. Essendo un pelino sfasato anche lui, decide di rapire il figlio durante la notte da casa della madre e portarselo in un viaggio on the road da Hoboken a Los Angeles, dove deve fare un provino per lo show di Jimmy Kimmel.

Il road movie procede su un doppio binario, perché nel frattempo anche la moglie e il padre di Max si mettono in viaggio sulle loro tracce per fermarli. Robert De Niro qui non fa il suo solito cameo un po’ scontato e non fa le faccette (cosa cui purtroppo devo dire ero abbastanza preparato) ma anzi, è uno dei suoi ruoli da non protagonista più belli e interessanti degli ultimi 10 anni. Basta citare la scena in cui intercetta Bobby Cannavale e invece di fermarlo gli chiede scusa per il padre che è stato e lo spinge a continuare “in nome dell’amore” che ha per Ezra.

Inutile dire che si tratta di un film a lieto fine in cui tutti i personaggi attraversano un arco di cambiamento e anche Ezra cresce riuscendo finalmente ad accettare gli abbracci dei familiari. È scritto bene (lo sceneggiatore ha effettivamente un figlio autistico) e si ferma sempre un passo prima di scadere nel melodramma: il finale stesso può sembrare un po’ rapido, si vorrebbe stare di più con questi personaggi.

Per me vale la pena: il film è del 2023 ma inspiegabilmente in Italia è in sala adesso.

EZRA, ROAD MOVIE NEURODIVERGENTE was originally published in Cult on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Io vorrei amare tantissimo The Legend of Ochi, perché è un film inaspettatamente A24, perché è uno di quei classici di avventura per famiglie come si facevano negli anni ’80, perché ci sono Willem Dafoe ed Emily Watson, perché c’è la creatura mezza Gizmo e mezza Grogu fatta con i pupazzi animati e non con la CGI. Eppure c’è qualcosa che non mi ha convinto.

Mi spiego meglio: il regista Isaiah Saxon viene dai videoclip. Ma dai videoclip belli, tipo Björk (e si vede). Ha un approccio che ricorda quello di Michel Gondry, in un certo senso, o di Spike Jonze, per citare due registi che hanno lavorato anche nei videoclip. Mette insieme un mondo realistico ma fantastico girando tutto in Romania, usando la CGI col contagocce e tornando a un modo di raccontare cui non siamo più abituati — appunto — dagli anni ’80: lunghe scene che non portano da nessuna parte, dialoghi rarefatti, molte sequenze di trekking, boschi, caverne meravigliose.

E non fraintendetemi, The Legend of Ochi è un film che visivamente ti lascia a bocca aperta. Ma non è che andiamo al cinema per vedere i paesaggi, quindi vengo alle dolenti note. La storia è archetipica e adattissima a bambini e adulti. Yuri è una ragazzina metallara che ricorda un po’ Greta Thunberg, figlia di Maxim (Willem Dafoe), un uomo che è a capo di una milizia di giovani cacciatori di Ochi nell’isola immaginaria di Carpathia sul Mar Nero. Gli Ochi sono queste creature un po’ scimmiesche ma pucciose che trillano come usignoli nella foresta. L’idea è che gli Ochi siano pericolosissimi mostri, ma quando Yuri trova un cucciolo indifeso lo salva e lo vuole riportare alla madre. Per questo motivo si ribella all’autorità del padre, scappa di casa e si avventura tra le montagne.

E fin qui tutto bene. Il padre, che non l’ha mai considerata, organizza una spedizione con Petro (Finn Wolfhard mai così sottoutilizzato) e gli altri ragazzi della milizia vestendosi come un dio norreno (perché? non si sa). Yuri nel frattempo tenta di comunicare con l’Ochi e dopo essere stata da lui morsa inizia a trillare come un usignolo anche lei (interi dialoghi di versi di uccelli in cui possiamo intuire cosa sta succedendo solo dalle espressioni della bambina o del pupazzo).

Entra in scena Emily Watson nel ruolo della madre scomparsa di Yuri che guarda caso è una studiosa del linguaggio degli Ochi. Ma Yuri scappa anche da lei. Insomma, verso la metà del film si arriva ad una sorta di stallo in cui non si fa altro che trillare e camminare, e francamente è un po’ noioso. Inoltre tutto il film è funestato da una colonna sonora tronfia, non memorabile e ad altissimo volume. Della serie “devo riempire”.

Comunque sia: il film si fa guardare se siete appassionati di quello sguardo “vergine” tipicamente anni ’80 che vi scrosta di dosso decenni di Disney/Pixar. E se vi interessano i Carpazi. Diversamente, preferisco Paddington agli Ochi.

LEGEND OF OCHI: A24 PER FAMIGLIE was originally published in Cult on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Ciao, sono andato a vedere Final Destination Bloodlines. Non se ne poteva fare a meno, no. È un franchise potenzialmente infinito rimasto in pausa da cosa…? Dieci anni? Non esiste. Nel frattempo abbiamo avuto un decennio di elevated horror, da Babadook a Longlegs e ci siamo dimenticati che in questa serie c’è la morte, proprio lei in persona (oddio, è disincarnata quindi non è che si può dire in persona, ma ci siamo capiti) che fa fuori in modi pazzi imprevedibili e supersplatter i protagonisti!

E allora andiamo a vedere come si fa un sequel/reboot fatto bene (nei limiti): intanto ti spari una lunghissima sequenza iniziale ambientata negli anni ’50 che in prospettiva dà un senso a TUTTI i film di Final Destination usciti finora. La bionda Iris, già incinta e chiesta in sposa dal fidanzato, è testimone di un disastro ad altissimo tasso di morti ammazzati che noi sappiamo già che inevitabilmente succederà, ma che i registi si prendono il loro tempo per costruire bene e con la giusta suspence.

Una volta morti tutti (specialmente il malefico bambino stronzo strumento della morte stessa), si passa al tempo presente. Stefani, la nipote di Iris, ha costanti incubi sulla brutta fine della nonna. Soltanto che… la nonna è ancora viva! Colpone di scenona, la nonna è diventata una vecchia paranoica ossessionata dalla morte che è la prima a rifarci lo spiegone a proposito delle intenzioni e dello spirito vendicativo della nera signora ossessionata dalle macchine di Rube Goldberg (quelle dove un battito di farfalla tipo un sassolino che cade male mette in moto mille cazzatine che alla fine ti fanno piantare in palo nel cranio).

E vabbè, da qui in poi la grossa novità è che la morte non vuole più soltanto far fuori chi è sopravvissuto al disastro iniziale bensì — dato che il disastro iniziale è avvenuto negli anni ’50, far fuori anche i figli e i nipoti di quei sopravvissuti (Bloodlines, capito?) impegnandosi quindi a dover massacrare un numero altissimo di persone (è implicito che le vittime dei precedenti Final Destination potessero essere parte di queste genealogie di sfigati). Ce lo spiega bene anche lo stesso Tony Todd, compianto cameo in tutti i film della serie, di cui qui vediamo anche una personale origin story.

Fa ridere che i parenti acquisiti vengono invece risparmiati. Va beh, ovviamente da questo punto in poi è una girandola di piercing strappati, ossa spezzate, facce maciullate da tosaerba, combustioni spontanee, ferite da taglio multiple, trituramento di tutta la persona, schiacciamento, con la morte che non esita a far deragliare treni per vendicarsi di anche solo uno stupido umano.

Lo splatter è a livelli molto alti (già dalla prima scena) e la coreografia delle morti ha come sempre un che da “comiche del muto”, con tanto di accenni a metodi di ammazzamento già usati nei precedenti capitoli (l’iconico camion, schegge di vetro, rastrelli). Aspettate fino alla fine per vedere se qualcuno sopravvive. Io non ve lo dico di certo. Menzione speciale per i titoli di coda che riprendono il pazzo libro delle Bloodlines di nonna Iris.

GENERAZIONI DI FINAL DESTINATION was originally published in Cult on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.