Arranjo: Farlley Derze

Partitura (PDF) e mp3

Luiza was originally published in Farlley Derze Pianist on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Todos os dias um velho amigo, veterano da Força Aérea como eu, me envia um link com músicas do YouTube. Ele faz isso há cinco anos.

Nós nos conhecemos na Escola de Especialistas de Aeronáutica, em Guaratinguetá, interior do estado de São Paulo, quando tínhamos vinte anos, em 1983, hoje temos sessenta.

Seu gesto, além de carinhoso, é um tipo de relógio. Em vez de ponteiros, temos blues, rock, pop, MPB dos anos 70 e 80. Época da nossa adolescência e logo em seguida o início da vida profissional.

Claro que o blues, o rock, o pop, a MPB ainda existem no século XXI. Admiro as músicas e artistas da atualidade que embalam a adolescência dos meus filhos. Acredito que meus filhos, quando forem idosos como eu, terão ótimas lembranças das músicas da adolescência. Não só lembranças das músicas em si, mas lembranças das experiências vividas no período: os estudos, sonhar com o próprio sustento, as reuniões entre amigos.

É muito comum se ouvir dos mais velhos a frase “a música do meu tempo era melhor”. Raramente os mais velhos acompanham os artistas da atualidade e quando ouvem as músicas de agora, tampouco sentem alguma emoção comparável a que ainda sentem quando escutam a música do seu tempo de adolescência e juventude.

Obviamente, a música da atualidade é boa para a juventude atual assim como a música do passado foi boa para os mais velhos e as músicas do futuro serão boas para os que virão. É uma equação simples: música = emoção.

O que acontece é que os mais velhos carregam uma ótima memória das músicas que ouviam desde a adolescência até o florescimento de uma profissão. A equação música e emoção, tal qual nossa imagem diante de um espelho, é um reflexo temporal. As músicas que um adolescente escuta coincidem com esse momento ímpar de sua vida, que você e eu já experimentamos, assim como nossos pais também experimentaram e os pais deles idem. Afinal, ninguém é criança para sempre, ninguém é adolescente para sempre, ninguém é idoso para sempre. Todavia, a adolescência é o momento ímpar de se descobrir e escolher a música que se quer ouvir. Na adolescência ocorre a fabricação psicológica da liberdade.

Enquanto somos crianças ouvimos as músicas escolhidas pelos adultos de casa e da escola, mas na adolescência inaugura-se a sensação de que é possível exercitar tipos de liberdade, inclusive a de escolher um repertório musical próprio. Por se tratar de escolhas, isso envolve se abrir para o mundo, desbravar fronteiras psíquicas, ampliar territórios mentais, ultrapassar barreiras culturais, buscar e trocar informações com pessoas da mesma faixa etária mergulhadas na mesma experiência inédita, a de deixar para trás a infância organizada por adultos e de organizar na cabeça a sua própria adultez.

O adolescente busca músicas diferentes daquelas que os mais velhos cultuam. Nos bastidores do subconsciente, é a construção da identidade. Então, o adolescente que cada um foi, é ou será, precisa agir psicologicamente a seu favor. Precisa desenvolver um tipo de fé em si próprio, fé de que consegue vencer obstáculos, de que é de fato diferente da tia da escola, diferente dos pais, dos avós, do guarda de trânsito, dos jornalistas, dos adultos estacionados em suas próprias crenças.

O adolescente encontra na música uma aliada, uma trilha sonora para suas aventuras psicológicas tão necessárias para semear sonhos. Esse momento ímpar, de poder escolher a própria música para ouvir no seu quarto, nos seus headphones, nos porões de sua mente, é um momento que dura alguns anos até que a pessoa se reconheça de fato livre das repetições dos mais velhos, livre para sustentar psicologicamente a si próprio, e pouco a pouco no devido tempo sustentar-se financeiramente. Nesse período mágico, único, crítico, existe um determinado repertório musical a transportar em seus vagões as mais diferentes emoções, rumo à independência do corpo, da mente e da alma.

No futuro, quando forem idosos como seus pais e avós, podem imaginar a velha frase “a música do meu tempo era melhor”.

É desse jeito. A gente se agarra a essa imperiosa ilusão de que a música do nosso tempo era melhor que a música dos filhos, dos netos, da geração atual.

O fato é que a música de cada adolescência não é consumida psicologicamente pelos mais velhos. Nossos avós também criticaram as músicas de nossos pais quando estes eram adolescentes. Em suma, quando ex-adolescentes se tornarem mais velhos (com raras excessões) não irão consumir psicologicamente as músicas dos novos adolescentes.

Música = emoção.

Mas que música? Ora, aquela da sua adolescência e do florescimento da juventude profissional.

Mas que emoção? Ora, aquela de experimentar a liberdade da mente, do corpo, da alma.

Afinal, não se trata da qualidade musical, mas do efeito psicológico de novas experiências, da liberdade de construir segredos, da autodeterminação, da soberania dos sonhos, planejar, desistir, seguir em frente, correr riscos, ter medo, inseguranças, certezas, tristezas, euforias, dúvidas, coragem, verdades, mentiras, desejos, necessidades, gritos, silêncio, mostrar, esconder, acertar, querer autonomia e independência, tudo isso ao som da trilha sonora escolhida pelo adolescente.

Obrigado ao meu amigo Marcos César, veterano da Força Aérea, por me enviar todos os dias as músicas que ouvíamos na nossa adolescência e juventude profissional, músicas que tinham tão somente uma qualidade ímpar e insubstituível: era o som da nossa esperança.

Farlley Derze

Pianista

Pós-doutor em Estética, Semiótica e Hermenêutica

080520230748

O som da esperança was originally published in Farlley Derze Pianist on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Quando somos crianças, o universo se revela em pequenas descobertas, como estrelas que piscam apenas para nós. No meu caso, a deslumbrante jornada teve início naquelas aulas de piano com a professora Risoleta. Ela era um ícone solene, a única guardiã das melodias no nosso bairro, embora essa realidade fosse ainda invisível aos meus olhos infantis. Preocupava-me mais em não levar uma bronca dela quando eu errava as escalas e os arpejos do piano durante as aulas.

As aulas começavam sempre com a ritualística das escalas, seguidas dos arpejos, e eu, com os pés desajeitados pendendo do banco, sentia-me como um equilibrista em um fio tênue. Os anos passaram como a brisa sussurrante que atravessa as frestas da vida. Eu cresci e alcancei os pedais do piano, um armário que se erguia contra a parede, testemunha silenciosa de minhas lutas e conquistas. A sala da professora era um microcosmo de objetos, vasos e enfeites, onde um cachorro latia incessantemente no quintal, como se quisesse participar da sinfonia que se desenrolava ali. A professora sempre me elogiava na frente da minha mãe. Aquilo estimulava meus pensamentos e eu encontrava um pouco mais de profundidade na música.

A professora Risoleta, tinha uma filha de cabelos escuros e cacheados que sempre trazia uma jarra de suco de caju ao final das aulas. O calor do subúrbio carioca tornava aquele suco um elixir refrescante, e eu me perdia em pequenos rituais, mexendo os dedos nos gelos do copo, como se estivesse tentando decifrar os mistérios da vida.

Certa vez, a professora anunciou que eu estava pronto para um novo desafio: tocar músicas mais complexas. O coração disparou em meu peito, e um sorriso nervoso se formou em meus lábios, disfarçando o receio que me invadia. Afinal, eu não tinha um piano em casa; meu único aliado era um acordeom de 60 baixos, que me permitia ensaiar a mão direita enquanto a esquerda dançava sobre os botões, imaginando as teclas do piano da professora.

Na aula seguinte, após as escalas e arpejos, a professora abriu uma partitura e, com um toque delicado de sua unha vermelha, apontou para o título: “Serenata”. O nome do compositor, Franz Schubert, ecoou em minha mente como um encantamento. A preocupação com a quantidade de notas me fez prender a respiração, mas, ao tocar devagar com a mão direita, percebi que a música começava a fluir. A mão esquerda, quieta espalmada sobre a perna, não me incomodava, pois os arpejos eram do meu domínio.

Quando ela percebeu que eu havia tocado dezesseis compassos com destreza, ela sorriu e disse: “Agora, vamos repetir e fazer o acompanhamento com a mão esquerda.” E assim, ao unir as duas mãos, descobri que aquela “Serenata” despertava em mim um sentimento profundo de saudade, um eco de algo que eu ainda não compreendia. A música, até então vista como um mero exercício de coordenação, transformou-se em um portal para emoções desconhecidas. De repente, descobri que a música pode provocar sentimentos. Guardei esse segredo para mim, como se tivesse descoberto uma verdade que escapava ao entendimento dos adultos.

Aos domingos, ao lado da minha avó na Igreja de Nossa Senhora de Guadalupe, ouvia as cantorias religiosas, cujas vozes pareciam ecoar um passado triste. Era o contrário da leveza da minha “Serenata”, que sugeria-me a saudade de algo bom.

Encantada com minha evolução, a professora Risoleta levou minha mãe à varanda da casa e me deixou sentado no sofá na sala. Observava-as através do vidro grosso e embaçado da porta fechada, sem conseguir ouvir o que falavam. De repente elas entraram na sala. Minha mãe tinha um sorriso no rosto e estendeu a mão para irmos embora.

Enquanto voltávamos para casa pelas ruas do bairro, ela me disse que a professora alertou que estava na hora de eu ser matriculado em um conservatório de música. “Conservatório” era uma palavra enigmática e ganhou vida em meus ouvidos, como uma melodia nova esperando ser tocada.

Minha mãe, Natércia Derze, me matriculou no Conservatório Carminha Alonso, onde as promessas de um futuro musical se entrelaçavam com minha infância. Uma hora de ônibus que se arrastava entre os subúrbios do Rio, mas que ao mesmo tempo me fazia voar como um pássaro de asas abertas. A solidão do meu olhar pela janela do ônibus, sempre sozinho no trânsito caótico, era preenchida pelas sonoridades de Schubert, Mozart, Beethoven, Bach e Chopin, ecos que se tornavam cada vez mais profundos na minha alma.

Finalmente, minha mãe comprou um piano usado para termos em casa. Aquele piano de armário não era apenas um móvel; ele se tornou a nova pele do meu ser. Meu repertório expandia, assim como meu mundo, e a música pulsava em mim, transcendendo meros exercícios e transformando-se na essência de quem eu buscava ser. O que antes era um simples mecanismo de dedos, tornara-se uma serenata para o meu espírito, um hino para um novo mundo que se abria, repleto de maravilhas a serem desbravadas.

Uma serenata para um mundo novo was originally published in Farlley Derze Pianist on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Every day an old friend, an Air Force veteran like myself, sends me a link to songs from YouTube. He’s been doing this for five years.

We met at the School of Aeronautics Specialists, in Guaratinguetá, in the interior of the state of São Paulo, when we were twenty years old, in 1983, today we are sixty.

His gesture, in addition to being affectionate, is a kind of watch. Instead of pointers, we have blues, rock, pop, MPB from the 70’s and 80’s. Time of our adolescence and soon after the beginning of our professional life.

Of course, blues, rock, pop, MPB still exist in the 21st century. I admire the current music and artists that rock my children’s adolescence. I believe that my children, when they are old like me, will have great memories of teenage music. Not only memories of the songs themselves, but memories of the experiences lived during that period: studying, dreaming of supporting oneself, meeting friends.

It is very common to hear from older people the phrase “the music of my time was better”. Rarely do older people follow current artists and when they hear the music of today, they don’t feel any emotion comparable to what they still feel when they listen to the music of their adolescence and youth.

Obviously, the music of today is good for today’s youth just as the music of the past was good for the elderly and the music of the future will be good for those to come. It’s a simple equation: music = emotion.

What happens is that the elderly carry a great memory of the music they listened to from adolescence to the flowering of a profession. The equation of music and emotion, like our image in front of a mirror, is a temporal reflection. The music that a teenager listens to coincides with this unique moment in his life, which you and I have already experienced, as our parents have also experienced and their parents too. After all, nobody is a child forever, nobody is a teenager forever, nobody is elderly forever. However, adolescence is the unique moment to discover and choose the music you want to listen to. In adolescence, the psychological fabrication of freedom takes place.

As these are choices, this involves opening up to the world, exploring psychic boundaries, expanding mental territories, overcoming cultural barriers, seeking and exchanging information with people of the same age group immersed in the same unprecedented experience, that of leaving behind the childhood organized by adults and to organize their own adulthood in their heads.

Teenagers look for music that is different from what older people worship. Behind the scenes of the subconscious, it is the construction of identity. So, the teenager that each one was, is or will be needs to act psychologically in its favor. He needs to develop a kind of faith in himself, faith that he can overcome obstacles, that he is in fact different from his teacher at school, different from his parents, his grandparents, the traffic warden, the journalists, the adults stuck in their own beliefs.

The teenager finds an ally in music, a soundtrack for his psychological adventures so necessary to sow dreams. This unique moment, of being able to choose your own music to listen to in your room, on your headphones, in the basements of your mind, is a moment that lasts for a few years until the person recognizes himself in fact free from the repetitions of his elders, free to support yourself psychologically, and little by little in due time support yourself financially. In this magical, unique, critical period, there is a certain musical repertoire carrying the most different emotions in its wagons, towards the independence of body, mind and soul.

In the future, when they are old like their parents and grandparents, they can imagine the old phrase “the music of my time was better”.

It’s this way. We cling to this imperious illusion that the music of our time was better than the music of our children, grandchildren, of the current generation.

The fact is that the music of each adolescence is not psychologically consumed by the elderly. Our grandparents also criticized our parents’ music when they were teenagers. In short, when former teens become older (with rare exceptions) they will not psychologically consume the music of new teens.

Music = emotion.

But what song? Well, that of his adolescence and the flowering of his professional youth.

But what emotion? Well, that of experiencing freedom of mind, body, soul.

After all, it’s not about the musical quality, but the psychological effect of new experiences, the freedom to build secrets, self-determination, the sovereignty of dreams, planning, giving up, moving forward, taking risks, being afraid, insecurities, certainties, sadness , euphoria, doubts, courage, truths, lies, desires, needs, screams, silence, showing, hiding, getting it right, wanting autonomy and independence, all this with the sound of the soundtrack chosen by the adolescent.

Thanks to my friend Marcos César, an Air Force veteran, for sending me every day the songs we listened to in our adolescence and professional youth, songs that had just one unique and irreplaceable quality: it was the sound of our hope.

Farlley Derze

Pianist

Postdoctoral in Aesthetics, Semiotics and Hermeneutics

The sound of hope was originally published in Farlley Derze Pianist on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Artigo original em língua francesa: Effets de la musique triste et de la musique joyeuse sur le cerveau, des conclusions étonnantes.

Tradução para o português do Brasil por Farlley Derze.

Fonte

Autora: Liila Taruffi.

I consider translation work a social benefit. No one grows alone.

Good reading!

Eu considero o trabalho de tradução um benefício social. Ninguém cresce sozinho.

Boa leitura!

A música e sua capacidade de regular as emoções

A música está onipresente em qualquer cultura humana, principalmente por causa de seu poder de evocar e regular as emoções. Embora a neurociência tenha fornecido nos últimos anos muitas informações sobre como a música triste ou alegre modula as estruturas cerebrais envolvidas nas emoções, os efeitos da música triste ou alegre na cognição permanecem imprecisos.

O estudo de Liila Taruffi et al. explora a influência da música triste e da música alegre no pensamento aleatório e seus mecanismos neurais subjacentes. A aleatoriedade mental é uma forma de pensamento autogerado, que envolve a superação das restrições do “aqui agora”, imergindo-se na própria corrente de consciência. Mais simplesmente, é o fenômeno que ocorre quando você ouve uma música e sua mente não está mais na música e escapa do contexto para finalmente levá-lo para dentro de si mesmo com seus pensamentos a vaguear.

Este é um fenômeno natural e isso explica por que a música melancólica às vezes nos dá um prazer surpreendente.

Os seres humanos passam muito tempo sonhando, e com pensamentos aleatórios, principalmente em questões de importância pessoal, relações sociais, memórias autobiográficas, planejamento para o futuro, pensamentos existenciais.

A aleatoriedade do pensamento está associada a efeitos positivos, facilitando a resolução criativa de problemas , retardando a gratificação , mas também com efeitos negativos, como a interrupção da execução das tarefas e a distração. A aleatoriedade mental é apoiada por um conjunto de regiões ativas do cérebro durante as fases de repouso, chamadas de Rede em Modo Padrão (RMP). O RMP inclui mais notavelmente o córtex pré-frontal medial, o córtex parietal medial e o pré-cúneos, e o córtex parietal lateral.

Apesar de uma pesquisa densa sobre aleatoriedade mental e emoções musicais nos últimos anos, não se sabe se a música triste e/ou alegre pode modular a perambulação mental.

O estudo Liila Taruffi foi baseada em três experimentos, dois em que os participantes descreveram seu estado mental imediatamente depois de ouvir uma canção, e um terceiro em que o cérebro foi analisado por uma imagem de ressonância magnética funcional (IRMf), enquanto escutava a música.

• No primeiro experimento, 216 pessoas (132 mulheres) tiveram que ouvir com os olhos fechados a música previamente escolhida para evocar emoções tristes ou emoções felizes. As partes tristes da música incluíram Song para Bob de Nick Cave e Warren Ellis; as músicas felizes incluíram o final do quarteto de cordas de Haydn.

Imediatamente depois de ouvir a música, cada participante foi perguntado: onde estava sua atenção pouco antes de a música parar? Os participantes tiveram que responder com base em uma escala de 1 (completamente na música) a 7 (completamente em outra coisa). A segunda questão era: quão consciente você estava de onde sua atenção estava centrada? Na medida em que o participante respondeu sim a esta questão, propôs-se fornecer detalhes adicionais sobre o conteúdo e a forma do seu pensamento: “O que você estava pensando pouco antes da música parar?”. As palavras mais utilizadas pelos participantes para descrever seus pensamentos foram analisadas.

• O segundo experimento foi organizado da mesma maneira, mas as partes felizes e tristes foram selecionadas com aproximadamente o mesmo ritmo, a fim de cancelar as diferenças nas emoções que poderiam estar relacionadas ao ritmo (rápido/lento).

Um questionário para avaliar um conjunto de dimensões fenomenológicas completou essa experiência, a utilidade, a orientação temporal (passado e futuro), a autorreflexão, os aspectos sociais (familiares, desconhecidos), os movimentos, as sensações corporais, os elementos relacionados à música. Os participantes também foram questionados se seus pensamentos eram baseados em imagens (similares a um filme ou pintura) ou em palavras (semelhante a um diálogo, um livro, o rádio) para avaliar a forma de atividade mental.

• Finalmente, durante o terceiro experimento, 24 participantes saudáveis ​​ouviram música triste e feliz com o mesmo ritmo e olhos fechados enquanto se submetiam a IRMf cerebral. Imediatamente após cada exposição à música, o participante era solicitado a fornecer informações sobre a valência das emoções (positiva/negativa), a intensidade, a caracterização triste/alegre e seu estado emocional enquanto ouvia a música.

Os pesquisadores apontaram que a música triste produziu uma resposta mais robusta na rede cerebral “no modo padrão”, em comparação com a música alegre. Isso reflete o fato de que os participantes que ouvem músicas tristes desviam sua atenção do momento presente para se concentrarem em seus próprios pensamentos, em suas próprias reflexões.

A música que evoca emoções tristes, comparada à música que evoca emoções alegres, aumenta o poder da perambulação mental. O ritmo pode influenciar ainda mais a perambulação mental; a música lenta está associada ao aumento da aleatoriedade.

Ao ouvir música triste, os ouvintes direcionam sua atenção para si mesmos e se engajam em processos cognitivos espontâneos auto-referenciais, diz Liila Taruffi. Estes resultados sugerem que a experiência emocional por trás da música triste, muitas vezes descrita pelos ouvintes como melancólicas, mas agradáveis, molda a viagem mental de uma forma única, não qualitativamente idêntica à viagem mental desencadeada por um humor negativo “todos os dias”, que pode ser encontrado, por exemplo, em uma depressão.

Em outro nível, pesquisadores relatam que músicas tristes ou alegres geraram muito mais imagens do que palavras, mostrando uma forte ligação entre imagens visuais e processamento de músicas. “Esta descoberta é consistente com os resultados de estudos anteriores que relataram ativações no córtex visual primário durante a audição musical e a prevalência de imagens visuais durante o descanso”.

Esses trabalhos de Liila Taruffi indicam que a música modula o pensamento autogerado: durante a música triste (vs. alegre), os ouvintes direcionam sua atenção para dentro de si mesmos, envolvendo-se em pensamentos espontâneos, relacionados aos aspectos emocionais e pessoais da vida; durante a música alegre (vs. triste), os ouvintes se concentram mais na música em si e mostram níveis reduzidos de perambulação mental. Esses achados destacam a capacidade da música de desencadear processos mentais específicos com base na valência emocional.

Música triste ou música feliz para a saúde

Esses resultados têm implicações importantes para a aplicação da música em diversas áreas, incluindo educação e psicoterapia, diz Liilia Taruffi.

“O efeito decrescente da música alegre na perambulação mental pode ser benéfico para concentrar a atenção ao realizar tarefas em ambientes educacionais e reduzir o modo de pensar repetitivo associado à depressão. Já o efeito estimulante da música triste na perambulação mental, por outro lado, poderia ser explorado para aumentar a criatividade , a cognição social e a tomada de decisões em indivíduos saudáveis”.

Este estudo também mostra a modulação da Rede em Modo Padrão (RMP) pela música. O compromisso dessa rede reflete a perambulação mental . Essa rede é muito sensível aos sinais emocionais externos transmitidos pela música. Uma atividade contraditória nessa rede está associada a transtornos mentais, como depressão, esquizofrenia, transtornos do espectro do autismo, doença de Alzheimer. O trabalho de Liilia Taruffi abre novas perspectivas para o estudo da musicoterapia no tratamento desses transtornos. Por exemplo, os autores observam que:

“estudos futuros poderiam testar a capacidade da música de reduzir a atividade da RMP evocando emoções positivas e muito emocionais em pessoas com RMP hiperativa, como na depressão”.

Efeitos da música triste e música alegre no cérebro: conclusões surpreendentes. was originally published in Farlley Derze Pianist on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Artigo original em língua francesa: Effets de la musique triste et de la musique joyeuse sur le cerveau, des conclusions étonnantes.

Autora: Liila Taruffi.
Tradução para o português: Farlley Derze. Brasília, 14 de março de 2019, 14:14.
Fonte

A música e sua capacidade de regular as emoções

A música está onipresente em qualquer cultura humana, principalmente por causa de seu poder de evocar e regular as emoções. Embora a neurociência tenha fornecido nos últimos anos muitas informações sobre como a música triste ou alegre modula as estruturas cerebrais envolvidas nas emoções, os efeitos da música triste ou alegre na cognição permanecem imprecisos.

O estudo de Liila Taruffi et al. explora a influência da música triste e da música alegre no pensamento aleatório e seus mecanismos neurais subjacentes. A aleatoriedade mental é uma forma de pensamento autogerado, que envolve a superação das restrições do “aqui agora”, imergindo-se na própria corrente de consciência. Mais simplesmente, é o fenômeno que ocorre quando você ouve uma música e sua mente não está mais na música e escapa do contexto para finalmente levá-lo para dentro de si mesmo com seus pensamentos a vaguear.

Este é um fenômeno natural e isso explica por que a música melancólica às vezes nos dá um prazer surpreendente.

Os seres humanos passam muito tempo sonhando, e com pensamentos aleatórios, principalmente em questões de importância pessoal, relações sociais, memórias autobiográficas, planejamento para o futuro, pensamentos existenciais.

A aleatoriedade do pensamento está associada a efeitos positivos, facilitando a resolução criativa de problemas , retardando a gratificação , mas também com efeitos negativos, como a interrupção da execução das tarefas e a distração. A aleatoriedade mental é apoiada por um conjunto de regiões ativas do cérebro durante as fases de repouso, chamadas de Rede em Modo Padrão (RMP). O RMP inclui mais notavelmente o córtex pré-frontal medial, o córtex parietal medial e o pré-cúneos, e o córtex parietal lateral.

Apesar de uma pesquisa densa sobre aleatoriedade mental e emoções musicais nos últimos anos, não se sabe se a música triste e/ou alegre pode modular a perambulação mental.

O estudo Liila Taruffi foi baseada em três experimentos, dois em que os participantes descreveram seu estado mental imediatamente depois de ouvir uma canção, e um terceiro em que o cérebro foi analisado por uma imagem de ressonância magnética funcional (IRMf), enquanto escutava a música.

No primeiro experimento, 216 pessoas (132 mulheres) tiveram que ouvir com os olhos fechados a música previamente escolhida para evocar emoções tristes ou emoções felizes. As partes tristes da música incluíram Song para Bob de Nick Cave e Warren Ellis; as músicas felizes incluíram o final do quarteto de cordas de Haydn.

Imediatamente depois de ouvir a música, cada participante foi perguntado: onde estava sua atenção pouco antes de a música parar? Os participantes tiveram que responder com base em uma escala de 1 (completamente na música) a 7 (completamente em outra coisa). A segunda questão era: quão consciente você estava de onde sua atenção estava centrada? Na medida em que o participante respondeu sim a esta questão, propôs-se fornecer detalhes adicionais sobre o conteúdo e a forma do seu pensamento: “O que você estava pensando pouco antes da música parar?”. As palavras mais utilizadas pelos participantes para descrever seus pensamentos foram analisadas.

O segundo experimento foi organizado da mesma maneira, mas as partes felizes e tristes foram selecionadas com aproximadamente o mesmo ritmo, a fim de cancelar as diferenças nas emoções que poderiam estar relacionadas ao ritmo (rápido/lento).

Um questionário para avaliar um conjunto de dimensões fenomenológicas completou essa experiência, a utilidade, a orientação temporal (passado e futuro), a autorreflexão, os aspectos sociais (familiares, desconhecidos), os movimentos, as sensações corporais, os elementos relacionados à música. Os participantes também foram questionados se seus pensamentos eram baseados em imagens (similares a um filme ou pintura) ou em palavras (semelhante a um diálogo, um livro, o rádio) para avaliar a forma de atividade mental.

Finalmente, durante o terceiro experimento, 24 participantes saudáveis ​​ouviram música triste e feliz com o mesmo ritmo e olhos fechados enquanto se submetiam a IRMf cerebral. Imediatamente após cada exposição à música, o participante era solicitado a fornecer informações sobre a valência das emoções (positiva/negativa), a intensidade, a caracterização triste/alegre e seu estado emocional enquanto ouvia a música.

Os pesquisadores apontaram que a música triste produziu uma resposta mais robusta na rede cerebral “no modo padrão”, em comparação com a música alegre. Isso reflete o fato de que os participantes que ouvem músicas tristes desviam sua atenção do momento presente para se concentrarem em seus próprios pensamentos, em suas próprias reflexões.

A música que evoca emoções tristes, comparada à música que evoca emoções alegres, aumenta o poder da perambulação mental. O ritmo pode influenciar ainda mais a perambulação mental; a música lenta está associada ao aumento da aleatoriedade.

Ao ouvir música triste, os ouvintes direcionam sua atenção para si mesmos e se engajam em processos cognitivos espontâneos auto-referenciais, diz Liila Taruffi. Estes resultados sugerem que a experiência emocional por trás da música triste, muitas vezes descrita pelos ouvintes como melancólicas, mas agradáveis, molda a viagem mental de uma forma única, não qualitativamente idêntica à viagem mental desencadeada por um humor negativo “todos os dias”, que pode ser encontrado, por exemplo, em uma depressão.

Em outro nível, pesquisadores relatam que músicas tristes ou alegres geraram muito mais imagens do que palavras, mostrando uma forte ligação entre imagens visuais e processamento de músicas. “Esta descoberta é consistente com os resultados de estudos anteriores que relataram ativações no córtex visual primário durante a audição musical e a prevalência de imagens visuais durante o descanso”.

Esses trabalhos de Liila Taruffi indicam que a música modula o pensamento autogerado: durante a música triste (vs. alegre), os ouvintes direcionam sua atenção para dentro de si mesmos, envolvendo-se em pensamentos espontâneos, relacionados aos aspectos emocionais e pessoais da vida; durante a música alegre (vs. triste), os ouvintes se concentram mais na música em si e mostram níveis reduzidos de perambulação mental. Esses achados destacam a capacidade da música de desencadear processos mentais específicos com base na valência emocional.

Música triste ou música feliz para a saúde

Esses resultados têm implicações importantes para a aplicação da música em diversas áreas, incluindo educação e psicoterapia, diz Liilia Taruffi.

“O efeito decrescente da música alegre na perambulação mental pode ser benéfico para concentrar a atenção ao realizar tarefas em ambientes educacionais e reduzir o modo de pensar repetitivo associado à depressão. Já o efeito estimulante da música triste na perambulação mental, por outro lado, poderia ser explorado para aumentar a criatividade , a cognição social e a tomada de decisões em indivíduos saudáveis”.

Este estudo também mostra a modulação da Rede em Modo Padrão (RMP) pela música. O compromisso dessa rede reflete a perambulação mental . Essa rede é muito sensível aos sinais emocionais externos transmitidos pela música. Uma atividade contraditória nessa rede está associada a transtornos mentais, como depressão, esquizofrenia, transtornos do espectro do autismo, doença de Alzheimer. O trabalho de Liilia Taruffi abre novas perspectivas para o estudo da musicoterapia no tratamento desses transtornos. Por exemplo, os autores observam que:

“estudos futuros poderiam testar a capacidade da música de reduzir a atividade da RMP evocando emoções positivas e muito emocionais em pessoas com RMP hiperativa, como na depressão”.

Efeitos da música triste e música alegre no cérebro: conclusões surpreendentes. was originally published in Farlley Derze Pianist on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Nota do autor:
Esta é uma reflexão sobre música, memória e adolescência, e de como as canções se tornam trilhas da liberdade, da identidade e da esperança ao longo das gerações.

Todos os dias um velho amigo, veterano da Força Aérea como eu, me envia um link com músicas do YouTube. Ele faz isso há cinco anos.

Nós nos conhecemos na Escola de Especialistas de Aeronáutica, em Guaratinguetá, interior do estado de São Paulo, quando tínhamos vinte anos, em 1983, hoje temos sessenta.

Seu gesto, além de carinhoso, é um tipo de relógio. Em vez de ponteiros, temos blues, rock, pop, MPB dos anos 70 e 80. Época da nossa adolescência e logo em seguida o início da vida profissional.

Claro que o blues, o rock, o pop, a MPB ainda existem no século XXI. Admiro as músicas e artistas da atualidade que embalam a adolescência dos meus filhos. Acredito que meus filhos, quando forem idosos como eu, terão ótimas lembranças das músicas da adolescência. Não só lembranças das músicas em si, mas lembranças das experiências vividas no período: os estudos, sonhar com o próprio sustento, as reuniões entre amigos.

É muito comum se ouvir dos mais velhos a frase “a música do meu tempo era melhor”. Raramente os mais velhos acompanham os artistas da atualidade e quando ouvem as músicas de agora, tampouco sentem alguma emoção comparável a que ainda sentem quando escutam a música do seu tempo de adolescência e juventude.

Obviamente, a música da atualidade é boa para a juventude atual assim como a música do passado foi boa para os mais velhos e as músicas do futuro serão boas para os que virão. É uma equação simples: música = emoção.

O que acontece é que os mais velhos carregam uma ótima memória das músicas que ouviam desde a adolescência até o florescimento de uma profissão. A equação música e emoção, tal qual nossa imagem diante de um espelho, é um reflexo temporal. As músicas que um adolescente escuta coincidem com esse momento ímpar de sua vida, que você e eu já experimentamos, assim como nossos pais também experimentaram e os pais deles idem. Afinal, ninguém é criança para sempre, ninguém é adolescente para sempre, ninguém é idoso para sempre. Todavia, a adolescência é o momento ímpar de se descobrir e escolher a música que se quer ouvir. Na adolescência ocorre a fabricação psicológica da liberdade.

Enquanto somos crianças ouvimos as músicas escolhidas pelos adultos de casa e da escola, mas na adolescência inaugura-se a sensação de que é possível exercitar tipos de liberdade, inclusive a de escolher um repertório musical próprio. Por se tratar de escolhas, isso envolve se abrir para o mundo, desbravar fronteiras psíquicas, ampliar territórios mentais, ultrapassar barreiras culturais, buscar e trocar informações com pessoas da mesma faixa etária mergulhadas na mesma experiência inédita, a de deixar para trás a infância organizada por adultos e de organizar na cabeça a sua própria adultez.

O adolescente busca músicas diferentes daquelas que os mais velhos cultuam. Nos bastidores do subconsciente, é a construção da identidade. Então, o adolescente que cada um foi, é ou será, precisa agir psicologicamente a seu favor. Precisa desenvolver um tipo de fé em si próprio, fé de que consegue vencer obstáculos, de que é de fato diferente da tia da escola, diferente dos pais, dos avós, do guarda de trânsito, dos jornalistas, dos adultos estacionados em suas próprias crenças.

O adolescente encontra na música uma aliada, uma trilha sonora para suas aventuras psicológicas tão necessárias para semear sonhos. Esse momento ímpar, de poder escolher a própria música para ouvir no seu quarto, nos seus headphones, nos porões de sua mente, é um momento que dura alguns anos até que a pessoa se reconheça de fato livre das repetições dos mais velhos, livre para sustentar psicologicamente a si próprio, e pouco a pouco no devido tempo sustentar-se financeiramente. Nesse período mágico, único, crítico, existe um determinado repertório musical a transportar em seus vagões as mais diferentes emoções, rumo à independência do corpo, da mente e da alma.

No futuro, quando forem idosos como seus pais e avós, podem imaginar a velha frase “a música do meu tempo era melhor”.

É desse jeito. A gente se agarra a essa imperiosa ilusão de que a música do nosso tempo era melhor que a música dos filhos, dos netos, da geração atual.

O fato é que a música de cada adolescência não é consumida psicologicamente pelos mais velhos. Nossos avós também criticaram as músicas de nossos pais quando estes eram adolescentes. Em suma, quando ex-adolescentes se tornarem mais velhos (com raras excessões) não irão consumir psicologicamente as músicas dos novos adolescentes.

Música = emoção.

Mas que música? Ora, aquela da sua adolescência e do florescimento da juventude profissional.

Mas que emoção? Ora, aquela de experimentar a liberdade da mente, do corpo, da alma.

Afinal, não se trata da qualidade musical, mas do efeito psicológico de novas experiências, da liberdade de construir segredos, da autodeterminação, da soberania dos sonhos, planejar, desistir, seguir em frente, correr riscos, ter medo, inseguranças, certezas, tristezas, euforias, dúvidas, coragem, verdades, mentiras, desejos, necessidades, gritos, silêncio, mostrar, esconder, acertar, querer autonomia e independência, tudo isso ao som da trilha sonora escolhida pelo adolescente.

Obrigado ao meu amigo Marcos César, veterano da Força Aérea, por me enviar todos os dias as músicas que ouvíamos na nossa adolescência e juventude profissional, músicas que tinham entre outras coisas uma qualidade ímpar e insubstituível: era o som da nossa esperança.

O som da esperança was originally published in Farlley Derze Pianist on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Artigo original em língua francesa: Effets de la musique triste et de la musique joyeuse sur le cerveau, des conclusions étonnantes. Autora: Liila Taruffi.

Tradução para o português: Farlley Derze, 140320191414.

A música e sua capacidade de regular as emoções

A música está onipresente em qualquer cultura humana, principalmente por causa de seu poder de evocar e regular as emoções. Embora a neurociência tenha fornecido nos últimos anos muitas informações sobre como a música triste ou alegre modula as estruturas cerebrais envolvidas nas emoções, os efeitos da música triste ou alegre na cognição permanecem imprecisos.

O estudo de Liila Taruffi et al.[¹] explora a influência da música triste e da música alegre no pensamento aleatório e seus mecanismos neurais subjacentes. A aleatoriedade mental é uma forma de pensamento autogerado, que envolve a superação das restrições do “aqui agora”, imergindo-se na própria corrente de consciência. Mais simplesmente, é o fenômeno que ocorre quando você ouve uma música e sua mente não está mais na música e escapa do contexto para finalmente levá-lo para dentro de si mesmo com seus pensamentos a vaguear.

Este é um fenômeno natural e isso explica por que a música melancólica às vezes nos dá um prazer surpreendente.

Os seres humanos passam muito tempo sonhando, e com pensamentos aleatórios, principalmente em questões de importância pessoal, relações sociais, memórias autobiográficas, planejamento para o futuro, pensamentos existenciais.

A aleatoriedade do pensamento está associada a efeitos positivos, facilitando a resolução criativa de problemas [²], retardando a gratificação [³], mas também com efeitos negativos, como a interrupção da execução das tarefas e a distração. A aleatoriedade mental é apoiada por um conjunto de regiões ativas do cérebro durante as fases de repouso, chamadas de Rede em Modo Padrão [⁴] [⁵](RMP). O RMP inclui mais notavelmente o córtex pré-frontal medial, o córtex parietal medial e o pré-cúneos, e o córtex parietal lateral.

Apesar de uma pesquisa densa sobre aleatoriedade mental e emoções musicais [⁶] [⁷] nos últimos anos, não se sabe se a música triste e/ou alegre pode modular a perambulação mental.

O estudo Liila Taruffi foi baseada em três experimentos, dois em que os participantes descreveram seu estado mental imediatamente depois de ouvir uma canção, e um terceiro em que o cérebro foi analisado por uma imagem de ressonância magnética funcional (IRMf), enquanto escutava a música.

No primeiro experimento, 216 pessoas (132 mulheres) tiveram que ouvir com os olhos fechados a música previamente escolhida para evocar emoções tristes ou emoções felizes. As partes tristes da música incluíram Song para Bob, de Nick Cave e Warren Ellis; as músicas felizes incluíram o final do quarteto de cordas de Haydn.

Imediatamente depois de ouvir a música, cada participante foi perguntado: onde estava sua atenção pouco antes de a música parar? Os participantes tiveram que responder com base em uma escala de 1 (completamente na música) a 7 (completamente em outra coisa). A segunda questão era: quão consciente você estava de onde sua atenção estava centrada? Na medida em que o participante respondeu sim a esta questão, propôs-se fornecer detalhes adicionais sobre o conteúdo e a forma do seu pensamento: “O que você estava pensando pouco antes da música parar?”. As palavras mais utilizadas pelos participantes para descrever seus pensamentos foram analisadas.

O segundo experimento foi organizado da mesma maneira, mas as partes felizes e tristes foram selecionadas com aproximadamente o mesmo ritmo, a fim de cancelar as diferenças nas emoções que poderiam estar relacionadas ao ritmo (rápido/lento).

Um questionário para avaliar um conjunto de dimensões fenomenológicas completou essa experiência, a utilidade, a orientação temporal (passado e futuro), a autorreflexão, os aspectos sociais (familiares, desconhecidos), os movimentos, as sensações corporais, os elementos relacionados à música. Os participantes também foram questionados se seus pensamentos eram baseados em imagens (similares a um filme ou pintura) ou em palavras (semelhante a um diálogo, um livro, o rádio) para avaliar a forma de atividade mental.

Finalmente, durante o terceiro experimento, 24 participantes saudáveis ​​ouviram música triste e feliz com o mesmo ritmo e olhos fechados enquanto se submetiam a IRMf cerebral. Imediatamente após cada exposição à música, o participante era solicitado a fornecer informações sobre a valência das emoções (positiva/negativa), a intensidade, a caracterização triste/alegre e seu estado emocional enquanto ouvia a música.

Os pesquisadores apontaram que a música triste produziu uma resposta mais robusta na rede cerebral “no modo padrão”, em comparação com a música alegre. Isso reflete o fato de que os participantes que ouvem músicas tristes desviam sua atenção do momento presente para se concentrarem em seus próprios pensamentos, em suas próprias reflexões.
A música que evoca emoções tristes, comparada à música que evoca emoções alegres, aumenta o poder da perambulação mental. O ritmo pode influenciar ainda mais a perambulação mental; a música lenta está associada ao aumento da aleatoriedade.

Ao ouvir música triste, os ouvintes direcionam sua atenção para si mesmos e se engajam em processos cognitivos espontâneos auto-referenciais, diz Liila Taruffi. Estes resultados sugerem que a experiência emocional por trás da música triste, muitas vezes descrita pelos ouvintes como melancólicas, mas agradáveis, molda a viagem mental de uma forma única, não qualitativamente idêntica à viagem mental desencadeada por um humor negativo “todos os dias”, que pode ser encontrado, por exemplo, em uma depressão.

Em outro nível, pesquisadores relatam que músicas tristes ou alegres geraram muito mais imagens do que palavras, mostrando uma forte ligação entre imagens visuais e processamento de músicas. “Esta descoberta é consistente com os resultados de estudos anteriores [⁸] [⁹] [¹⁰]que relataram ativações no córtex visual primário durante a audição musical e a prevalência de imagens visuais durante o descanso”. [¹¹] [¹²] [¹³]

Esses trabalhos de Liila Taruffi indicam que a música modula o pensamento autogerado: durante a música triste (vs. alegre), os ouvintes direcionam sua atenção para dentro de si mesmos, envolvendo-se em pensamentos espontâneos, relacionados aos aspectos emocionais e pessoais da vida; durante a música alegre (vs. triste), os ouvintes se concentram mais na música em si e mostram níveis reduzidos de perambulação mental. Esses achados destacam a capacidade da música de desencadear processos mentais específicos com base na valência emocional.

Música triste ou música feliz para a saúde

Esses resultados têm implicações importantes para a aplicação da música em diversas áreas, incluindo educação e psicoterapia, diz Liilia Taruffi.

“O efeito decrescente da música alegre na perambulação mental pode ser benéfico para concentrar a atenção ao realizar tarefas em ambientes educacionais e reduzir o modo de pensar repetitivo associado à depressão. Já o efeito estimulante da música triste na perambulação mental, por outro lado, poderia ser explorado para aumentar a criatividade [¹⁴], a cognição social e a tomada de decisões em indivíduos saudáveis”.[¹⁵]

Este estudo também mostra a modulação da Rede em Modo Padrão [¹⁶] [¹⁷](RMP) pela música. O compromisso dessa rede reflete a perambulação mental [¹⁸] [¹⁹]. Essa rede é muito sensível aos sinais emocionais externos transmitidos pela música. Uma atividade contraditória nessa rede está associada a transtornos mentais, como depressão, esquizofrenia, transtornos do espectro do autismo, doença de Alzheimer. O trabalho de Liilia Taruffi abre novas perspectivas para o estudo da musicoterapia no tratamento desses transtornos. Por exemplo, os autores observam que:

“Estudos futuros poderiam testar a capacidade da música de reduzir a atividade da RMP evocando emoções positivas e muito emocionais em pessoas com RMP hiperativa, como na depressão[²⁰]”.

[¹]: Liila Taruffi, Corinna Pehrs, Stavros Skouras, Stefan Koelsch. Effects of Sad and Happy Music on Mind-Wandering and the Default Mode Network. Scientific Reports 7, Article number: 14396 (2017).

[²]: Baird, B. et al. Inspired by distraction: mind wandering facilitates creative incubation. Psychol. Sci. 23, 1117–1122 (2012).

[³]: Smallwood, J., Ruby, F. J., Singer, T. Letting go of the present: mind-wandering is associated with reduced delay discounting. Conscious. Cogn. 22, 1–7 (2013).

[⁴]: Andrews-Hanna, J. R., Reidler, J. S., Huang, C. & Buckner, R. L. Evidence for the default network’s role in spontaneous cognition. J. Neurophysiol. 104, 322–335 (2010).

[⁵]: Mittner, M. et al. When the brain takes a break: a model-based analysis of mind wandering. J. Neurosci. 34, 16286–16295 (2014).

[⁶]: Juslin, P. N. & Västfjäll, D. Emotional responses to music: the need to consider underlying mechanisms. Behav Brain Sci. 31, 559–575 (2008).

[⁷]: Salimpoor, V. N. et al. Interactions between the nucleus accumbens and auditory cortices predict music reward value. Science 340, 216–219 (2013).

[⁸]: Trost, W., Ethofer, T., Zentner, M. & Vuilleumier, P. Mapping aesthetic musical emotions in the brain. Cereb. Cortex 22, 2769–2783 (2012).

[⁹]: Koelsch, S. & Skouras, S. Functional centrality of amygdala, striatum and hypothalamus in a “small-world” network underlying joy: an fMRI study with music. Hum Brain Mapp. 35, 3485–3498 (2014).

[¹⁰]: Smallwood, J., Ruby, F. J., Singer, T. Letting go of the present: mind-wandering is associated with reduced delay discounting. Conscious. Cogn. 22, 1–7 (2013).

[¹¹]: Andrews-Hanna, J. R. et al. A penny for your thoughts: dimensions of self-generated thought content and relationships with individual differences in emotional wellbeing. Front Psychol. 4, 900 (2013).

[¹²]: Delamillieure, P. et al. The resting state questionnaire: an introspective questionnaire for evaluation of inner experience during the conscious resting state. Brain Res Bull. 81, 565–573 (2010).

[¹³]: Liila Taruffi, Corinna Pehrs, Stavros Skouras, Stefan Koelsch. Effects of Sad and Happy Music on Mind-Wandering and the Default Mode Network Scientific Reports 7, Article number: 14396 (2017)

[¹⁴]: Baird, B. et al. Inspired by distraction: mind wandering facilitates creative incubation. Psychol. Sci. 23, 1117–1122 (2012).

[¹⁵]: Liila Taruffi, Corinna Pehrs, Stavros Skouras, Stefan Koelsch. Effects of Sad and Happy Music on Mind-Wandering and the Default Mode Network Scientific Reports 7, Article number: 14396 (2017)

[¹⁶]: Andrews-Hanna, J. R., Reidler, J. S., Huang, C. & Buckner, R. L. Evidence for the default network’s role in spontaneous cognition. J. Neurophysiol. 104, 322–335 (2010).

[¹⁷]: Mittner, M. et al. When the brain takes a break: a model-based analysis of mind wandering. J. Neurosci. 34, 16286–16295 (2014).

[¹⁸]: Andrews-Hanna, J. R., Reidler, J. S., Huang, C. & Buckner, R. L. Evidence for the default network’s role in spontaneous cognition. J. Neurophysiol. 104, 322–335 (2010).

[¹⁹]: Mittner, M. et al. When the brain takes a break: a model-based analysis of mind wandering. J. Neurosci. 34, 16286–16295 (2014).

[²⁰]: Liila Taruffi, Corinna Pehrs, Stavros Skouras, Stefan Koelsch. Effects of Sad and Happy Music on Mind-Wandering and the Default Mode Network Scientific Reports 7, Article number: 14396 (2017)

Música triste ou alegre? Como o cérebro reage e regula nossas emoções was originally published in Farlley Derze Pianist on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

“Clair de lune” é uma composição para piano, feita pelo compositor francês Claude Debussy (1862–1918). Mesmo que você não reconheça o nome desta música, você provavelmente já a ouviu em um filme no cinema, ou na televisão, no rádio ou até mesmo como música de fundo em uma loja.

O título “Clair de lune” é de um poema escrito pelo poeta simbolista francês Paul Verlaine (1844–1896).

Clair de lune (francês)

Votre âme est un paysage choisi
Que vont charmant masques et bergamasques
Jouant du luth et dansant et quasi
Tristes sous leurs déguisements fantasques

Tout en chantant sur le mode mineur
L’amour vainqueur et la vie opportune
Ils n’ont pas l’air de croire à leur bonheur
Et leur chanson se mêle au clair de lune

Au calme clair de lune triste et beau,
Qui fait rêver les oiseaux dans les arbres
Et sangloter d’extase les jets d’eau
Les grands jets d’eau sveltes parmi les marbres

Clair de lune (português)

Tua alma é uma paisagem escolhida
Onde charmosos mascarados e bergamascos vão
Tocando o alaúde e dançando e quase
Tristes sob seus fantasiosos disfarces

Todos cantam em uma tonalidade menor
O amor vitorioso e a vida oportuna
Eles não parecem acreditar em sua felicidade
E seu canto se mistura com o luar

O luar calmo, triste e belo
Que faz os pássaros sonharem nas árvores
E os chafarizes chorarem de êxtase
Os grandes e esbeltos jatos d’água entre estátuas de mármore

Clair de lune (espanhol)

Tu alma es un paisaje escogido
Sobre los cuales las máscaras y los bergamascos lanzan encantamientos
Tocando el laúd, y bailando, y todavía
Tristes bajo sus disfraces de fantasía

Cantando todo el tiempo, en el modo menor
Del amor que todo lo conquista y la vida tan amable con ellos
No parecen creer en su buena fortuna
Y su canción se mezcla con la luz de la luna

Con la serena luz de la luna, triste y encantadora,
Que hace soñar a los pájaros en los árboles
Y las plumas de las fuentes lloran en éxtasis
Las altas y delgadas plumas de las fuentes entre las esculturas de mármol

Clair de lune (inglês)

Your soul is a select landscape
Where charming masqueraders and bergamaskers go
Playing the lute and dancing and almost
Sad beneath their fantastic disguises

All sing in a minor key
Of victorious love and the opportune life
They do not seem to believe in their happiness
And their song mingles with the moonlight

With the still moonlight, sad and beautiful
That sets the birds dreaming in the trees
And the fountains sobbing in ecstasy
The tall slender fountains among marble statues

Imagens sonhadoras de uma noite ao luar, o som da água espirrando em fontes, uma brisa leve nas árvores enquanto os pássaros dormem e sonham, música soando à distância e casais andando pela rua de braços dados, aproveitando o ar da noite. Estas são algumas das imagens que podem vir à nossa mente com a leitura do poema.

Reagindo contra o realismo e a retórica, os poetas simbolistas tentavam evocar um sentimento, uma essência, um ideal. Assim como a lua tira sua luz do sol, eles procuraram iluminar indiretamente assuntos aparentemente inacessíveis, criando reflexos. No poema “Clair de lune” temos máscaras e danças, disfarces fantásticos, fontes soluçando em êxtase, o luar: um redemoinho de imagens sugestivas que fala muito sobre a alma humana sem realmente dizer diretamente. Na verdade, como a música também o faz. Tanto Ravel quanto Fauré compuseram músicas baseadas na poesia de Verlaine, assim como o poema “Clair de lune” inspirou Claude Debussy a escrever seu próprio “Clair de lune”, o terceiro movimento de sua Suite Bergamasque e o trabalho pelo qual lhe acrescentou fama. Pois, Debussy é considerado pelo crítico musical britânico Paul Griffiths como o pai da música moderna, quando compôs a música “L’après-midi d’un faune”.

Voltando ao “Clair de lune”, de Debussy.

“Clair de lune” é o terceiro movimento da Suite Bergamasque. Debussy começou a trabalhar nesta coleção em 1890, quando tinha 28 anos, sendo concluída e publicada em 1905. Originalmente o título era “Promenade sentimentale” (Passeio sentimental), mas foi renomeada para “Clair de lune”, o “luar”.

O título da suíte, Bergamasque, vem de uma dança renascentista originária do norte da Itália.

Quem era Claude Debussy?

Claude Debussy foi um compositor francês que viveu de 1862 a 1918. Ele é associado ao movimento impressionista. Se você está familiarizado com arte, este é um movimento que se concentra na percepção de uma atmosfera, em vez de uma imagem pintada com clareza e detalhes. Alguns dos pintores impressionistas mais famosos incluem Claude Monet, Edgar Degas e Édouard Manet. O movimento musical do impressionismo tem uma atmosfera muito semelhante ao movimento artístico. Compositores impressionistas, como Debussy e Maurice Ravel, alcançaram “novas cores musicais” através de progressões de acordes não tradicionais, o uso da dissonância e o movimento paralelo de acordes e intervalos (que era considerado não profissional por compositores anteriores) e o uso do modalismo, diferentes escalas e tons, em vez do tonalismo (notas e acordes de escalas maiores e menores tradicionais).

Tanto Debussy quanto Ravel eram conhecidos por não gostarem do rótulo de “impressionistas”, porque preferiam termos como simbolistas, o que significa que sua música deveria evocar uma sensação de algo sendo observado à distância, sem uma emoção ou história clara anexada. Devido ao estilo musical radicalmente diferente de Debussy, compositores mais tradicionais, como Camille Saint-Säens, eram conhecidos por desaprovar suas composições.

Há diferentes versões gravadas de “Clair de lune”. Algumas delas incluem apresentações de pianistas como Maria João Pires, Khatia Buniatishvili, Lang Lang, Menahem Pressler, Seong-Jin Cho e Evgeny Kissin. Você pode ouvir essas gravações e notar o que faz cada uma delas soar diferente.

Características musicais de “Clair de lune”.

Está na tonalidade de Ré bemol maior. Para os leigos em piano, significa que todas as teclas pretas são utilizadas, entremeadas com algumas teclas brancas. Requer grande sensibilidade de interpretação, dado que a maior parte da peça é marcada como pianíssimo (quase silenciosa). A seção de abertura (a introdução), é Andante (isto significa uma velocidade lenta) très expressif (muito expressiva), íntima e hesitante (com microvariações na velocidade da música). O compasso é um tanto incomum, 9/8, além de situações complexas na melodia pelo uso de síncopes e quiálteras. Isso cria uma sensação de ampliação rítmica no meio das frases melódicas e contribui para o caráter onírico. Após a introdução, vem uma passagem de rubato (consiste em acelerar ou desacelerar ligeiramente o andamento de acordo com a vontade do solista ou do regente, não seguindo a exatidão metronômica de tempo) com frases longas ricamente dobradas nas teclas graves e agudas, como se imitasse uma harpa. Na terceira seção, “un poco mosso” (um pouco mais) o ritmo aumenta com uma nova melodia sobre arpejos na mão esquerda. “Clair de lune” termina com o retorno da seção de abertura com algumas elaborações, seguida por uma “coda” (cauda, conclusão) baseada na terceira seção da peça.

Clair de lune é homofônico?

Esta peça é caracterizada por uma mistura de texturas, mas é principalmente homofônica. Na textura homofônica, todas as partes se movem ritmicamente juntas, e há uma clara distinção entre a linha da melodia e o acompanhamento. No entanto, o uso de harmonias ricas, vozes intrincadas e tonalidades sobrepostas por Debussy cria uma textura exuberante e em camadas, às vezes beirando o polifônico.

Palavras-chave para a execução de "Clair de lune" ao piano:

Melodia e acompanhamento na mesma mão
Saltos com a mão esquerda
Colcheias e semicolcheias
Oitavas
Arpejos
Síncopes
Pedal
Tenuto
Rubato
Agógica

A composição revela o esforço de Debussy para mudar a função da harmonia ocidental, baseada em regras tradicionais, para dar lugar a algo mais “colorido” e, ao mesmo tempo, imersivo. O timbre instrumental, isto é, as características sonoras do piano deves ser observadas com a mesma importância da melodia, da harmonia (os acordes) e do ritmo, levando muitos estudiosos a caracterizar sua música como impressionista. Pode-se dizer que a música impressionista tocada ao piano faz parecer que o piano não possui martelos. Debussy, no entanto, se opôs fortemente ao termo “Impressionista”, provavelmente por seu uso depreciativo pelos professores do Conservatório de Paris quando avaliavam o seu trabalho e de outros compositores da modernidade (os últimos 30 anos do século XIX e primeiras décadas do século XX). Mesmo quebrando regras, ele ganhou o cobiçado Prêmio de Roma da escola em 1884.

O “Prix de Roma” (Prêmio de Roma) foi uma bolsa de estudos destinada a estudantes das artes e atribuída pelo governo francês a jovens artistas que se distinguissem na respectiva categoria. Foi criado em 1663 durante o reinado de Luís XIV de França. Era uma bolsa anual destinada a artistas promissores (pintores, escultores, músicos e arquitetos) que comprovassem o seu talento na arte através de uma competição com eliminatórias muito exigentes. O prestigioso prêmio foi suprimido em 1968 por André Malraux, o Ministro da Cultura da França.

“Clair de lune”, embora concebida para piano solo, foi arranjada para orquestra por maestros como Lucien Cailliet e Leopold Stokowski. Foi inclusive executada em um clássico de animação da Disney, Fantasia, de 1940 de Walt Disney. Você também pode ouvir trechos de “Clair de lune” em filmes como The Right Stuff (1983), “Frankie and Johnny” (1991), Ocean’s Eleven (2001), dentre outros filmes.

Algumas frases de Debussy:

Obras de arte fazem regras, mas as regras não fazem obras de arte.
Interpretação: ao se insistir na criatividade para se fazer uma obra de arte, desafiando os métodos típicos e ortodoxos do período, pode-se obter um resultado diferente que lançaria as bases para as “regras” composicionais para a próxima geração.

A música é o espaço entre as notas.
Interpretação: é o efeito emocional. O que conta é o sentimento, cuja existência é imaterial. As notas possuem “materialidade”, enquanto fenômeno físico. A música é o que está embutido no mundo físico das notas, como o espírito (ou sentimento) em relação ao mundo físico do corpo.

Wagner é um entardecer, muitas vezes confundido com um amanhecer.
Interpretação: Wagner seria decadente e não traz nada de novo.

A respeito desta última frase, Tekla Babyak, doutora em musicologia pela Cornell University, em 2014, defende a seguinte tese:

Debussy era um nacionalista ardente que procurou purgar todas as características estilísticas alemãs (especialmente wagnerianas) de sua música. Ele afirmou que queria que sua música expressasse sua identidade francesa. Grande parte de sua música, no entanto, é saturada com marcadores de exotismo. Minha dissertação explora a relação entre seu interesse pelo exotismo musical e seu nacionalismo anti-Wagneriano. Ele usou marcadores exóticos como uma reação nacionalista contra Wagner. Ele percebeu esses marcadores como símbolos da identidade francesa. Quando ele começou a escrever música exótica, em 1890, o exotismo era uma tradição profundamente enraizada na cultura musical francesa. Muitos compositores franceses do século XIX, incluindo Felicien David, Bizet, Massenet e Saint-Saëns, fundaram essa tradição de exotismo musical e estabeleceram um léxico de marcadores exóticos, como modalidade, harmonias estáticas, linhas cromáticas descendentes e pentatonicismo. Ao incorporar esses marcadores em seu estilo musical, Debussy dá à sua música um cunho nacionalista francês. O filósofo alemão Nietzsche moldou a atitude nacionalista de Debussy em relação ao exotismo musical. Em 1888, Nietzsche afirmou que o exotismo musical francês era um antídoto eficaz contra Wagner. Nietzsche escreveu que a música deveria ser “mediterrânea”, um pensamento que se tornou extremamente famoso na França de fin-de-siècle. A influência de Nietzsche está presente na cultura musical do século XX. Nietzsche foi amplamente discutido na imprensa francesa entre 1893 e 1920. Em periódicos desse período, críticos musicais como Louis Laloy (musicólogo francês, crítico musical e doutor em Letras) e Lionel de la Laurencie (primeiro presidente e fundador da Sociedade Francesa de Musicologia, em 1917) argumentam que muitos compositores franceses estavam seguindo o pensamento de Nietzsche: escrevendo músicas exóticas. Debussy foi um dos compositores que seguiram esta linha de pensamento. Decidido por uma postura anti-Wagneriana, Debussy encontrou no exotismo a estratégia nacionalista de resistência contra qualquer influência musical de Wagner.

Para finalizar, compartilho:

Neste link, minha interpretação ao piano, de “Clair de lune”.
Duração: 5m34s.
farlleyderze-debussy-clair-de-lune-25set2017

Neste link, a partitura.
debussy-clair-de-lune

Clair de lune was originally published in Farlley Derze Pianist on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Esta faixa é uma composição que foi gravada no álbum “Essencial”, do saxofonista Samuel Lima, residente no México.

This track is a composition that was recorded on the album “Essencial”, by saxophonist Samuel Lima, based in Mexico.

Este tema es una composición que fue grabada en el álbum “Essencial”, del saxofonista Samuel Lima, radicado en México.

Ce morceau est une composition qui a été enregistrée sur l’album « Essencial », du saxophoniste Samuel Lima, basé au Mexique.

Keyboards and composer: Farlley Derze
Sax: Samuel Lima
Recorded in 1991 in Rio de Janeiro, Brazil.

ENFIM O VERÃO was originally published in Farlley Derze Pianist on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.