Dopo 12 anni di attesa, a gran richiesta, nel 2016 è tornata sul blocco Toonami, di Adult Swim su Cartoon Network, Samurai Jack, la sperimentale serie del 2001 di Tartakovsky.

XCII

Sabato è finalmente tornato Samurai Jack, dopo lo iato di tredici anni. La trasmissione sul canale Adult Swim ha certamente portato qualche libertà in più a Tartakovsky, che calca maggiormente la mano su una violenza e su una coerenza di continuity più accentuata. Cinquant’anni dopo la fine della quarta stagione ritroviamo un Jack sfibrato (più nell’animo, che nel fisico, essendo condannato all’eterna giovinezza), che viaggia come un cavaliere solitario, dispensando salvezza a chi incrocia sul suo cammino, minato dagli spettri del suo passato e dei fallimenti. Parallelamente si inizia a costruire la trama, fatta di antagonisti, sette e di tutta quella florida inventiva, che, caratterizzando anche la serie precedente, fa di ogni personaggio, ambiente ed episodio un unicum, rimescolando immaginari e concetti dall’immaginario comune, ma in un modo sempre affascinante ed intrigante. I caratteri che si definiscono, anche se in poche scene, riescono ad essere azzeccati ed interessanti. L’aspetto registico è poi in linea col passato e allo stesso tempo appare nuovo fiammante, confermando la grande capacità di Tartakovsky di delineare scene, inquadrature, coreografie dei combattimenti, montaggi, in modo funzionale, grazie anche all’ormai riconoscibile character design essenziale. Insomma, ancora c’è poca carne sul fuoco, si sono preparate le griglie di partenza e ci è stato offerto uno sguardo sull’evoluzione dell’eroe quando questi perde il suo obiettivo, con uno stile di narrazione efficace.

XCIII

Con questo secondo episodio si tornano a toccare i temi realtivi alla perdita degli sproni e delle motivazioni, in un conflitto usurato dal tempo e che risulta sempre di più in uno stallo, ma stavolta non solo dal punto di vista di Jack, ancora perseguitato dagli spettri del suo passato, ma anche dalla parte di Aku, che ritorna in scena in un siparietto arguto nel mostrare cosa voglia dire per un villain aver soggiogato tutto il soggiogabile. La seconda parte, del samurai braccato, con la relativa metafora del lupo, poi, con tutta la componente action, si presenta in maniera veramente suggestiva, merito di coreografie, ambientazioni e colonna sonora, qui più incisiva che la settimana scorsa, che accompagnano e catturano l’occhio e le orecchie dello spettatore. In modo abbastanza sorprendente ciò che era stato costruito nel primo episodio arriva al dunque già qui, lasciando però un finale, non solo sul filo del rasoio per un bel cliffhanger (seppur di risoluzione IMHO abbastanza prevedibile), ma soprattutto con conseguenze morali sull’eroe, a mio giudizio ingenti a dir poco. Si prosegue in modo magistrale e, se hanno voluto già scoprire le carte alla seconda puntata, mi chiedo trepidante cosa Tartakovsky possa riservare per la serie in futuro.

XCIV

Terza puntata e la serie non accenna a rallentare. Si riparte immediatamente dal finale di una settimana fa, con un eroe nuovamente a pezzi, ma stavolta sobbarcato da dubbi morali, che si intrecciano all’autolesionismo che in sottotraccia pervade la sua anima. Tutta la prima parte, che viaggia fra il poetico e l’onirico, recupera elementi dell’episodio precedente per arricchirli, con una narrazione per lo più muta, puntaggiata da radi falshback, che inquadrano alcuni aspetti della caratterizzazione del personaggio. Nella narrazione e nell’estetica, si cala ancora di più la mano sulle suggestioni milleriane, da sempre presenti, e sull’uomo solo in un’ambiente naturale, che come un ritorno alle origini della specie, selvaggia e cacciatrice, inizia una sorta di catarsi e ridefinizione dell’io. Nella seconda parte ci si getta di nuovo nell’azione, con delle scelte sempre molto coinvolgenti e intense, che esaltano una violenza ferale, che poco avevamo avuto modo di vedere in passato, il tutto declinato con dei nuovi parametri etici che soprendono, lasciando però presagire dei moti interiori che saranno certamente sviluppati in futuro. Si continua a volare alto, solo complimenti per Tartakovsky.

XCV e XCVI

Per ritardi vari di visione e commento, accorpo gli ultimi due episodi, in cui la serie denota una rilevante evoluzione. Per prima cosa tutto ci si prende una pausa dall’adrenalinica corsa delle precedenti due puntate, per risistemare i pezzi e permettere a Jack di avere una compagna di viaggio, seppur controvoglia, nella persona di Ashi. Ed è proprio il confronto con ella e le manipolazioni di Aku che definiscono il leitmotiv di questi episodi. Il samurai si ritrova a trascinarsi, in un rantolo di desiderio di redenzione, una ragazza che tenta in ogni occasione favorevole di realizzare la sua missione, consistente nell’assassionio dell’eroe, cercando di aprirle gli occhi sulle menzogne del demone. Come sfondo si profila una fuga da un mostro, un viaggio nella tradizione del biblico Giona, dai tratti surreali e originali, costellato da immancabili pericoli, che trova comunque la sua conclusione in un’ascensione (per ora fisica, ma con svariati sottotesti), gerente uno sbocco abbastanza obbligato. Infatti, come si porta a compimento nell’episodio seguente, con Ashi che riscontra la falsità della sua educazione, non ci può essere conseguenza diversa che la decisione di Jack di convincerla a passare dalla sua parte. Se però in XCV gli indizi che lo definivano in dissonante alterità con il dio malvagio erano solo accennati, spientemente, in un gioco di show don’t tell, in XCVI si perviene alla spiegazione esplicita, foriera di vedute e introduzioni nei campi di battaglia a e di sofferenza disseminati da Aku. Rappresentazione che sfoggia una buona iconicità, ma che forse pecca di realismo (difficile credere che ci si possa intrufolare nei palazzi del potere così banalmente), ma evidentemente non è quello il fulcro, bensì lo sono le reazioni della ninja e del samurai. In quest’ultimo infatti riaffiora quel senso di disfatta e rassegnazione che assieme ai sensi di colpa lo tormentava fin dall’inizio della stagione. Proprio a chiosa di ciò si profila la possibilità di rivincita per cui, secondo diffusi topoi, l’allieva sprona il derelitto maestro a riprendersi sulle spalle la battaglia, anche se tale gioco dei ruoli non è ancora ufficializzato. Buona gestione comunque del percorso di cambiamento della figla di Aku, nonostante la velocità della realizzazione. Gli spettrali presagi, però tornano a farsi sentire e le domande riaffiorano.

Chi è l’oscuro cavaliere? Prima pensavo la morte o solo la personificazione dei sensi di colpa dell’eroe, ma ora con egli che decide di unirsi al sinistro essere, be’ le cose si fanno più misteriose e sembra che Jack sappia qualcosa che a noi è ignota. Chissà come reagirà povera Ashi a perdere la figura di guida esattamente all’inizio del cammino di rinnovamento.

Molto sfizioso il ritorno in apertura del quinto episodio di un comprimario ben noto della serie originale, qui con cinquant’anni in più sulle spalle, con un ruolo inaspettato nella guerra contro un Aku, che permane nella sorta di depressione in cui lo avevamo lasciato. E interessanti anche i risvolti del suo scontro.

A livello registico c’è poco da dira, se non che rimaniamo sui soliti ottimi livelli a cui siamo stati abituati. Nella 5x04 ci si lascia trasportare da toni più lisergici, mentre nella 5x05 si ritorna su elementi più classici ed action, ma non viene mai compromesso lo svolgersi chiaro degli eventi e l’eleganza delle movenze e la forza carismatica dei personaggi in campo.

XCVII e XCVIII

Col sesto episodio la serie sembra prendersi una pausa, con il nostro Samurai che accoglie l’oscuro cavaliere e Ashi che decide di rincorrerlo, in un caleidoscopio di incontri con popolazioni salvati da Jack nel corso di questi lunghi anni. Ora la memoria vacilla, quindi ho dovuto controllare se tutte le avventure a cui si riferiscono i racconti siano avvenute durante le quattro stagioni precedenti o off-screen (e sì è così), ma danno ugualmente un notevole contributo a definire la figura dell’eroe, attraverso un punto di vista esterno di coloro che hanno modo di essere infinitamente grati a lui. In questo modo, scricchiola la versione che egli si era costruito sul fallimento della propria missione e Ashi, al contempo, può continuare a rinsaldarsi nel suo riconoscimento riguardo la verità e profonda giustizia di questa. Anche Ashii, quindi, su cui ruota mezzo episodio, trova portato a conclusione il suo arco di rinascita nel giro di questi due episodi, approfondendo inoltre il modo abusivo con sui è stata cresciuta e da cui decide finalmente di staccarsi, a livello anche visuale. Parallelamente si sviluppa la storyline di Scaramouche, sopravvissuto al primo episodio, con toni frizzanti e comici, nel suo viaggio per ricongiungersi con Aku. Divertenti anche le citazioni molteplici al mondo dell’animazione classica, con le versioni antropomorfe di cani Hanna e Barbera e un robotico Popeye (giusto una sagoma inquadrata per un secondo, ma non si può fare a meno di pensare cosa sarebbe stato il defunto Popeye diretto da Tartakovsky). Sul finale si ritorna seri, con una svolta drammatica, che rappresenta il confronto definitivo fra Jack e il suo senso di colpa per il fallimento. Scene queste angosciose e stupendamente ritmate, in un climax che, rispondendo a svariate domande, rimette in piedi l’eroe per gli sviluppi futuri. Vedere Jack sul punto di fare seppuku, con il consiglio di spiriti si samurai a circondarlo e la personificazione della morte, con quelle luci ed una Ashi che ha appena ritrovato se stessa ad assistere, sono un picco emotivo coinvolgente.

Col settimo episodio ci si ritrova, quindi, a fare i conti con i frammenti lasciati in giro riguardo al passato e al (definitivo?) ritorno in piena forma del samurai. Scopriamo come abbia perso la spada e siamo portati per mano in scenari onirici, non certo innovativi, un tizio con visioni mistiche su di un monte ha una tradizione iconografica che risale almeno al Sinai e alla Trasfigurazione, ma qui il tutto è trattato in modo armonico e aggraziato, con punte da trip allucinogeno, che non guastano. Si fanno i conti con i lati oscuri del proprio essere e si ritrova il bandolo della propria natura. La rabbia, il rimorso per le vite innocenti, la spiritualità, la ricerca di pace, tutto, viene ad una coerente risoluzione. La metaforica cerimonia del tè, la lotta interiore e la nuova “unzione divina” restituiscono un Jack che oramai è venuto a patti con le proprie insicurezze e non si tira più indietro di fronte allo scontro con Aku. Specchio del marchio stilistico di Tartakovsky, ecco accanto alla grazia la tamarraggine, con Ashi che si ritrova a confrontarsi contro chi vuole la testa dell’eroe. Ed è questo il momento di suggellare l’evoluzione del personaggio, recidendo il cordone ombelicale e rigettando la via della setta del demone, per abbracciare la via della spada del samurai. Insomma, si riconferma una serie che raggiunge ogni settimana vette magnifiche. Lo stile sincretista di trarre ispirazione dalle fonti più disparate porta a rielaborazioni, che prima di essere originali sono proprio belle, sia per l’occhio che per le dinamiche narrative e contenutistiche, con quel tocco di esotico che non guasta, ma dona quella stratificazione di sapore in più, centro della sua identità.

XCIX

Alla fine ho visto gli ultimi tre episodi di fila domenica. Spiace che il tutto si sia concluso in soli 10 episodi. La 5x08 è un filler, graziato dall’eleganza della linea tartakovskyana, con immaginari vari saccheggiati. L’astronave all’inizio mi aveva ingannato, aspettandomi monoliti à la kubrick, ma si rivela comunque fioriera di zaffate di escher qua e là e scenari tesi. Il tutto però è ben evidente essere un espediente per sviluppare il rapporto fra Jack e Ashi. Un rapporto che prende vie inaspettate, lasciando evidenti pungoli, occhiate e toccate. Tutto ben gestito, ma fa strano vedere un ultrasettantenne (!) impegnato in tali lidi con il pudore di un’educanda.

C

Ci si prende il proprio tempo, per dar modo ai personaggi di adagiarsi, per poi riprendere alla memoria la missione ed il suo peso con la 5x09. Rifinendo le nuove interazioni fra i due, si trova il tempo di ricordare alcuni elementi del passato ( il guardiano del portale e la sua profezia, qui però bellamente ignorata, penso proprio che leggerò il volumone IDW, sperando che approfondisca).

Ma ci si accorge che siamo alla penultima puntata ed il confronto si profila e si capisce come tutti i nodi vengano al pettine, motivazioni dei personaggi compresi, tutto ordito per colpire il Samurai ancora più nel profondo.

Qui ho notato un leggero calo nella resa grafica, forse per la monotonia delle ambientazioni, rispetto alla precedente varietà, ma anche lo stesso combattimento finale ha un impatto minore, a parte per l’epifania.

CI

Il vero finale di tutta la serie arriva con la 5x10. E arriva veloce, molto veloce, forse troppo. Certo, il tutto, si vede, è come voleva Tartakovsky, se l’era immaginato così da anni, ma devo dire che aveva fatto di tutto per farcelo capire. Lo stesso pathos, che la battaglia avrebbe dovuto avere, non viene comunicato a sufficienza. Dall’arrivo degli(lle) Scozzesi(e), le cose migliorano, la qualità coreografica si fa leggermente più elaborata, fino alla risoluzione più evidente, conoscendo la tagline della serie.

Se, però, fino a questo punto si era avuto un finale sul filo del buono e discreto per una serie in realtà eccezionale, ecco che si presenta il pugno nello stomaco. E fa male. Allo spettatore e a Jack.

Jack è straziato per un’ultima volta, ma con poesia, la chiusa riporta uno spiffero di armonia ad una vita tormentata, che dimostra che anche dal nero male uno spirito di vita sorge sempre.

Per finire, vediamo la questione del paradosso temporale. Jack viene portato indietro nel tempo da Ashi per uccidere Aku. Ma, senza Aku, Ashi non sarebbe mai esistita e quindi scompare. Però scompare dopo, ragionevolmente, giorni. Ma questo può essere spiegato blandamente col fatto che il paradosso sarebbe dovuto viaggiare per un paio di millenni prima di modificare il presente di Ashi e quindi ella stessa. Ma se si accetta la versione della riscrittura dello spazio-tempo e non delle linee temporali divergenti, come avrebbe fatto il Samurai a compiere il suo viaggio di ritorno? D’altra parte la riscrittura farebbe anche comodo nello spiegare perché Jack abbia ucciso Aku nel passato, ma non anche nel futuro, salvando così i suoi futuri amici. Infatti, ora lo Scozzese e gli altri, si immagina, potranno vivere la loro vita beata senza Ake (e disgraziatamente senza ricordi de loro amico). Certo, per l’effetto farfalla potrebbero non esistere più, ma meglio non ricordarselo. Alla fine tutti i paradossi sono paradossali, quindi è preferibile aderire alla spiegazione degli autori, soprattutto quando non sembra assurda, ma ragionevole.

Insomma, un finale degno, bisogna ammettere, difficilmente i revival al giorno d’oggi si pongono in così netta filologia, pronti ad alzare l’asticella unicamente per finire di nuovo. Qui non si tratta di spremere le memorie dei giovani virgulti di un tempo, ma di voler dare una onorevole fine ad un eroe rimasto appeso, una fine agognata e coerente. E questo è un bel valore a livello creativo, che dovrebbe diffondersi e permeare il concetto stesso di ritorno di brand forti, ancor di più se autoriali come questo. Cercare di rilanciare, osare e rimanere rispettosi del prodotto, donando una visione all’insieme che può solo fare bene.

Originally published at https://lo-spot.neocities.org.

Samurai Jack S5 was originally published in MotionPic on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Da quando ho scoperto il delizioso Medium, ho iniziato a restaurare del materiale precedentemente edito in pagina, quando ancora non si era ospiti di Google su blogspot. Quindi vi siete, o lettori, beccati Un lungometraggio di animazione è come una cena dall’antipasto al dolce. Un cortometraggio invece è più come uno spuntino sfizioso. Non è facile girare un lungometraggio, ma , quando il pubblico è soddisfatto, si viene ripagati di tutti gli sforzi. Realizzare un corto è molto divertente ma non porta alcun introito. A lungo ho continuato ad alternare queste due tipologie. E’ veramente meraviglioso avere un pubblico che apprezza i nostri film.
Hayao Miyazaki

Le parole di Miyazaki presentano il ritorno in (precaria) attività del blog. Tanto tempo è passato da quando i contenuti offrivano una certa regolarità (a volte mi chiedo se questa età aurea sia davvero mai esistitita), solo un breve commento sull’eccelso Bojack Horseman ha interrotto il silenzio. Ho sempre cercato di tenere attiva, comunque la pagina, con risultati altalenanti, ma il resto dell’esistenza ha fagogitato il tempo per redigere qualche bella retrospettiva su questi lidi, nonostante le idee siano pronte. Prima o poi verrano quei bei post dal titolo The Secret of Kells e l’inclusività della cultura o Zootropolis, un film rilevante, ma il blog si propone per elezione di rifuggire l’immediato, quindi si vderanno in un imprecisato futuro. Di nuove nel mondo dell’animazione ce ne sono state con la consueta abbondanza. Non sono riuscito a stare dietro a tutto, ma con la pagina ho tentato di coprire un po’ gli eventi fondamentali, come l’uscita di Alla Ricerca di Dory o di Moana ( L’arte di… dedicata ai Nine Old Men e Behind the Annie #1; Paperman e il futuro dell’animazione 2D Oceania per l’italico ufficio marketing) o addirittura la distribuzione de La Canzone del Mare (mai avrei immaginato che sarebbe giunto quivi. Felice dell’errore).
Eccoci ora di ritorno, anzi eccomi, dato che, nonostante il sostegno di pochi probiviri in pagina, qui nella blogosfera agisco in solitaria, a cercare di restaurare del contenuto fresco. O poco fresco.
dalla pessima formattazione e me ne scuso). Oggi invece, questa iniziativa archeologica ci porta alla rubrica più antica della pagina, ovvero il buon vecchio Annie Project.
Che cos’è?
Agli albori di MotionPic mi ero proposto di offrire una carrellata, una presentazione, un’esposizione di cortometraggi d’animazione, fra nuovi e meno nuovi, con una certa regolarità (anche questa presto perduta). La rubrica si era persa, ma aveva proposto materiale più o meno famoso ed interessante. O meno interessante. Ecco perché in questa ristampa ho deciso di elidere qualche contributo, per spirate fonti, realizzazione della loro non rilevanza o poiché avrebbero necessitato di columns a parte. L’obiettivo è quello di riprendere a setacciare lo scenario indipendente e tornare a proporre piccole chicche. Intanto ecco la selezione.

Annie Project #1

Adam and dog (2011)

Corto animato scritto e diretto da Minkyu Lee, prodotto da James Baxter e con la consulenza di Glen Keane. Nominato come Miglior Corto d’Animazione agli 85° Academy Awards, vinse nel 2011 il premio come Miglior Corto d’Animazione ai 39° Annie Awards. Narra la storia di Adamo ad Eva dalla loro genesi alla caduta. Legato all’opera vi è anche un blog ricco di dietro le quinte: http://adamanddog.tumblr.com/

Annie Project #2

Rapsodeus (2013)

Corto ad opera del cartoonist Bruno Bozzetto, che prende il via dalla Rapsodia Ungherese n. 2 di Listz, che ispira la ricerca di una luce, come traguardo utopico dell’umanità, la quale però si rivela causa di guerre e massacri.

Annie Project #4

Rain Town (2011)

Progetto di laurea prodotto alla Kyoto Seika University nel 2011 da Hiroyasu Ishida.
“In città, da chissà quando, la pioggia è continuata a cadere senza posa. I residenti si sono spostati nei sobborghi e le loro memorie sono ora profondamente sommerse. Ma qualcuno, qualche volta, continua a vagare in questa città dimenticata.”

Annie Project #5

Alma (2009)

Corto animato spagnolo del 2009 diretto dall’ex-animatore Pixar Rodrigo Blaas, che ci porta nel mondo di un negozio di bambole, lasciando un brivido di angoscia.

Annie Project #6

The Old Man and the Sea (1999)

Il cortometraggio realizzato con la tecnica del dipinto sul vetro da Aleksandr Petrov, ispirandosi all’omonimo romanzo di Hemingway. Il film vinse numerosi premi, tra cui l’Academy Award come miglior corto animato.

Annie Project #7

Invention of Love (2010)

Corto scritto, diretto ed animato da Andrey Shushkov come progetto di laurea. Ispirato dalle opere di Lotte Reiniger e Michel Ocelot e dal film The Mysterious Geographic Explorations of Jasper Morello di Antony Lucas.

Annie Project #8

Kakurenbo — Nascosti nel buio (2005)

Kakurenbo, Nascosti nel buio è un cortometraggio realizzato nel 2005 dalla Yamato Works, fondata dal giovanissimo Suhey Morita insieme al collega e character designer Daisuke Sajiki. Nonostante la durata di 25 minuti è stato premiato al Tokyo Anime Fair e al Fantasia Film Festival.

La storia è incentrata su un gioco per bambini, l’Otokoyosama no Oyugi (nella versione italiana semplicemente “Otokoyo”). L’Otokoyo è una specie di nascondino, è un gioco che si fa soltanto di notte nella città vecchia.

Annie Project #9
Paperman (2012)

Corto rivoluzionario del Walt Disney Animation Studios, che fonde l’animazione tradizionale e la computer grafica, generando una tecnica innovativa, diretto da John Kahrs. Vincitore degli Academy ed Annie Awards del 2013 come Miglior Cortometraggio d’Animazione. Parole certamente più adeguate e precise da Valerio Paccagnella, tratte da The Disney Compendium: http://www.ilsollazzo.com/c/disney/scheda/Paperman

Annie Project #11

Destino (2003)

Leggendario cortometraggio generato dalla collaborazione fra Walt Disney e Salvador Dalì, che ha visto la luce, dopo 57 anni dalla sua ideazione, solo nel 2003. Per ulteriori informazioni si prende a riferimento sempre The Disney Compendium:http://www.ilsollazzo.com/c/disney/scheda/Destino

Annie Project #12

John Henry (2000)

Cortometraggio diretto da Mark Henn (padre grafico dell’Anna di Frozen), che negli anni 2000 riprende il tradizionale tema degli eroi nazionali americani. Analisi più approfondita quivi:http://www.ilsollazzo.com/c/disney/scheda/JohnHenry

Annie Project #13

Vincent (1982)

Cortomentraggio horror in stop-motion diretto da Tim Burton, prodotto dai Walt Disney Animation Studios. Scheda per ora assente nel compendio, ma ecco l’analisi di valerio Paccagnella: http://www.ilsollazzo.com/forum/viewtopic.php?f=27&t=2672#p29416

Annie Project #14

Zoologic (2007)

Corto diretto da Nicole Mitchell, in cui un gorilla ed un pinguino guidano una ribellione contro un guardiano dello zoo.

Annie Project #16

The Fantastic Flying Books of Mr Morris Lessmore (2011)

Cortometraggio animato, diretto e scirtto da William Joyce e co-diretto da Brandon Oldenburg, prodotto dal Moonbot Studios di Shreveport, Louisiana. Vincitore del Premio Oscar nel 2012 come miglior cortometraggio d’animazione.

Annie Project #17

Harvie Krumpet (2003)

Corto in stop-motion diretto e scritto da Adam Elliot, che narra la commovente e sfortunata storia di Harvie Krumpet, polacco immigrato in Australia, affetto dalla sindrome di Tourette.

Annie Project #19

In Between (2012)

Corto prodotto da Alice BISSONNET, Aloyse DESOUBRIES BINET, Sandrine HAN JIN KUANG, Juliette LAURENT, Sophie MARKATATOS, studenti del terzo anno della scuola d’animazione “Gobelins, l’ecole dell’image”. Racconta della timidezza e di come allontanarla.

Annie Project #25

Dog and Butterfly (2014)

Corto ideato ed animato da Wayne Unten, animatore Disney che ha partecipato alla realizzazione, fra gli altri, di “Frozen”, “Wreck-it-Ralph” e “Tangled”. Il dietro le quinte può essere trovato sul suo blog:http://animatingforfun.tumblr.com/. Musiche di Dave Gottlieb.

Annie Project #27

Duet (2014)

Corto realizzato dal grande animatore Glen Keane, la mano dietro ariel, la Bestia, Aladdin, Pocahontas, Tarzan e Rapunzel. DUET racconta la storia di Mia e Tosh e come i loro percorsi individuali nella vita si intrecciano per creare un duetto ispirato.

Annie Project #28

Floating in my mind (2013)

Corto prodotto da Gobelins, l’ecole de l’image, realizzato da Hélène Leroux. Racconta la storia della vita, fatta di esperienze, incontri, persone e memorie.

Blog dell’autrice: http://loulouln.blogspot.it/

Annie Project #29

Home Sweet Home (2014)

Corto diretto da Pierre Clenet, Alejandro Diaz, Romain Mazevet and Stéphane Paccolat, studenti diplomatisi alla Supinfocom Arles.
La suggestiva storia ci porta a seguireuna casa che abbandona le proprie fondamenta per avventurarsi in un inusitato cammino.
Musiche originali di Valentin Lafort.

Originally published at http://motionpictheblog.blogspot.com.

Annie Rivisited — Cortometraggi d’Animazione was originally published in MotionPic on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Who’s your friend who likes to play?
Bing Bong, Bing Bong

His rocket makes you yell "Hooray!"
Bing Bong, Bing Bong

Who’s the best in every way, and wants to sing this song to say
Bing Bong, Bing Bong!

Lines was originally published in MotionPic on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

La serie narra la storia di BoJack Horseman, un attore reso famoso da una sit-com degli anni ‘80-’90, che ora è però dimenticato da tutti. BoJack è però convinto di riuscire a tornare agli onori della cronaca grazie ad una sua autobiografia. Eccolo allora imbarcarsi nell’impresa, assieme alla ghost writer Diane Nguyen, in una Hollywood in cui convivono esseri umani ed animali che antropomorfi, che mantengono però alcune caratteristiche ferine. Accanto a loro prendono vita personaggi ben caratterizzati, come il coinquilino Todd Chavez, il deuteragonista Mr. Peanutbutter, l’ex-fidanzata e manager Princess Carolyn.

Si iscrive nel filone delle comedy dall’umorismo estremo e politicamente scorretto, che tanto successo ha fatto e fa nel panorama televisivo statunitense, ma riesce a distinguersi dal mucchio, grazie a determinate qualità che ne fanno un prodotto unico.

La cura nella caratterizzazione ed evoluzione dei personaggi è la carta vincente dello show. Ognuno con i suoi traumi e paranoie, ma il protagonista (naturalmente) si colloca al centro di questo incredibile viaggio.
Bojack è una persona ingurgitata, masticata e sputata dallo star system, ma non per questo a primo acchito lo spettatore è portato ad empatizzare con lui. Ben presto si presenta come uno stupido vanaglorioso, che non si rende conto di essere oramai bollito e si aggrappa inconsciamente alla sua biografia per elevarsi dal limbo in cui è caduto. Si comporta in modo sgradevole ed irriconoscente con chi gli sta attorno, comprese le persone che lo hanno a cuore (benché queste siano di per se poche). Allo stesso tempo, nonostante la tenda di bugie, autocommiserazioni e scuse che copre la sua visuale su se stesso, viene portata alla luce la sua fragilità, il senso di inadeguatezza e le difficoltà a rapportarsi alla pari col prossimo, che lo trascinano sul fondo di una attanagliante depressione.

É un povero diavolo pieno di difetti, ma è una persona vera, tridimensionale, che cerca di avanzare nel fango dell’esistenza che si è costruito volontariamente ed involontariamente, verso un approccio finalmente consapevole e maturo alla vita. Obiettivo, che forse va oltre le sue possibilità
Inscritto in un’ambientazione dai toni weird, lo show nasconde la sua natura, di una vera a propria psicanalisi collettiva. Tutti, anche se tendiamo a non ammetterlo, possiamo riconoscerci in alcuni aspetti di Bojack, un antieroe più che umano, che si immola per noi, straziando il suo animo, per preservare il nostro. La sua messa alla berlina ci trasporta attraverso le sue realizzazioni sull’esistenza, scartandoci il gramo ludibrio.

A livello grafico ci troviamo di fronte a un mondo bizzarro di animali antropomorfi e umani, che sembrano usciti da un trip di acidi, con pastellosi sfondi sgargianti e figure totalmente stralunate, che spesso lasciano il posto a vere esperienze lisergiche, dovute in massima parte allo stile della production designer Lisa Hanawalt, vincitrice di due Ignatz Awards per i suoi lavori nel fumetto e del Critics Choice Award di quest’anno per la suddetta serie animata, giunta oramai alla sua terza stagione.

-Alter Petrus

Originally published at motionpictheblog.blogspot.it on September 11, 2016.

Serial Annie #3: BoJack Horseman was originally published in MotionPic on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Ripensando ad alcune discussioni avute con amici, ad un novizio, consiglierei sempre di guardare, per capire abbastanza l'universo marvel, tre serie animate (anche una sola delle tre, in base a quale area si è piu interessati ad avvicinarsi): Spectacular Spider-man, The Avengers - Earth's Mightiest Heroes, Wolverine and the X-Men.
Sono gli adattamenti più fedeli nello spirito.
E solo queste nel versante animazione. Quelle più anziane (nonostante ci sia cresciuto, le abbia adorate e mi abbiano predisposto verso la Marvel) sono invecchiate male: trame sfilacciate, ritmi lenti e noiosi, animazioni scarse. La migliore è Spider-man The Animated Series. Ma più che migliore è la meno peggio.
Le più nuove (Avengers Assemble, Ultimate Spider-man, Hulk and the Agents of SMASH, Guardians of the Galaxy) sono, infantili ed inconsistenti, al limite del ridicolo.
Al contrario nel reparto animazione, la DC ha fatto sempre robe sopraffine. Le due serie su Batman degli anni '90 e Batman Beyond sono superlative. Come anche Superman The Animated Series e le due serie sulla Justice League. Serie, inoltre, tutte in continuity (basti pensare che in realtà il finale di Batman Beyond è ospitato su Justice League Unlimited). Tutto questo per merito del team di Bruce Timm, Paul Dini ecc., che hanno segnato l'animazione televisiva di genere action.
Di grande qualità sono anche i film animati dc, che adattano alcuni degli story-arc miglio dei personaggi, molti dei quali inediti in Italia.
Tra le più recenti serie DC, poi c'è Young Justice, matura, coinvolgente e dotata di personaggi interessanti. Purtroppo tagliata alla II stagione, fu creata da quel geniaccio di Greg Weisman, che negli anni '90 aveva ideato Gargoyles per la Disney, altra serie action di qualità, in grado di competere con Batman TAS, e che ora lavora anche su Star Wars Rebels, che sto recuperando e apprezzando recentemente, parto della mente di quel Filoni che è stato deus ex machina dello Star Wars animato fin da Star Wars The Clone Wars, serie di cui avevo visto qualcosa in passato con discreto piacere (pur non seguendo il mondo di Star Wars).
Ora con l'acquisizione Disney praticamente The Clone Wars è l'unico prodotto del vecchio universo espanso considerato ancora canonico, al contrario della serie precedente, di cui era una sorta di midquel e colla quale condivideva le basi del character design: Clone Wars.
Essa aveva il pregio di essere curata da quel grand'uomo di Tartakovski, autore ad esempio del Laboratorio di Dexter e soprattutto di Samurai Jack (di ritorno quest'anno). Proprio per il lavoro su Samurai Jack, Lucas lo volle.
In effetti in quella serie Tartakovski aveva ibridato e sperimentato, dando un nuovo volto allo storytelling del genere d'azione nell'animazione televisiva, con una raffinatezza e sintesi grafica impressionante.

Divagazione sulle serie animate d’azione was originally published in MotionPic on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Finalmente il 16 Settembre è sbarcato nelle sale Inside Out, il nuovo film Pixar, ideato e diretto da Pete Docter.

Docter ci aveva già deliziato con Monsters & Co., ma soprattutto con Up, che considero il mio film Pixar preferito, e neanche questa volta delude le aspettative, con un film divertente che pone però lo spettatore di fronte a serie riflessioni.

La Pixar esce da un periodo in cui, esclusi i sequel, l’ultimo prodotto originale era stato Brave, non certo un film esente da difetti, anzi, soffrendo forse in parte del ritorno della grande animazione Disney, che poneva la situazione dei due studi in difficoltà nel delineare una linea ed un’identità personale. Con questo film, però, troviamo un ritorno alle origini, un rafforzamento di quelle idee e di quel modus operandi che aveva reso la Pixar nello scorso decennio il faro da seguire per chi fosse interessato alla migliore animazione occidentale, sia livello di contenuti che di tecnica.

La storia è quella classica, che prevede di andare ad addentrarsi in un minimondo (che nei film precedenti erano, giocattoli, poi insetti, mostri, ecc.), ora rappresentato dalla mente umana, descrivendone i processi in modo molto creativo ed originale, accompagnando lo spettatore nella crescita della protagonista, una bambina di 11 anni di nome Riley, che deve affrontare un cambiamento che mette in crisi l’intera famiglia: il trasloco.

Se l’approccio è tipicamente pixariano, anche il tema non è originalissimo, per restare solo in ambito Disney, si può ricordare il corto bellico Reason and Emotion, che però si poneva obbiettivi ben diversi dalla pellicola del 2015.

Questo è un film sull’interiorità e sulle emozioni, quindi è su queste che si posa con attenzione l’occhio dello spettatore. Gioia, Tristezza, Paura, Rabbia e Disgusto. La loro resa è stupenda, ognuna dotata di una caratterizzazione azzeccata, ma è soprattutto su Gioia e Tristezza che il focus della pellicola si concentra. L’avventura per salvare la vita di Riley si rivela un viaggio nel passato ed un viaggio nell’accettazione. Accettazione della crescita ed accettazione del dolore, come spinta a superare le difficoltà che la vita pone innanzi. Accettazione che il processo del cambiamento non può essere costellato solo dalla positività, ma da tutto il parterre di emozioni, di cui si compone la sfaccettata esistenza umana.

Il film può essere sintetizzato come un canto del cambiamento, l’evoluzione, che avanza distruttrice se non la si accetta o si cerca di atrofizzarla facendo rimanere tutto come un tempo. Bing Bong, l’amico immaginario, è in questo l’emblema di un mondo che col tempo affievolisce e scompare, sacrificandosi per un inevitabile mutazione.

Questo è inoltre un film della crisi. La crisi interiore, che distrugge le basi di ciò che eravamo, per ergerne di nuove sfavillanti una volta ritrovati se stessi. Coscienza del cambiamento, del rinnovamento delle amicizie, degli scontri familiari, della fine dell’ingenuità, del buio dell’anima, la crisi emozionale e spirituale da cui uscire rinsaldati.

Le incomprensioni fra Gioia e Tristezza si esacerbano in una concezione della personalità nebbiosa, ancora ancorata ad un passato infantile, che si sta diradando. La personalità che ritorna dalla crisi e più sfaccettata e pronta per affrontare l’ulteriore crisi che si profila, con un segnale di pericolo di cui nessuna delle emozioni conosce il significato.

La componente umoristica è poi ben presente con le interazioni fra le emozioni rese in modo brillante ed in generale la struttura da “fabbrica” del microuniverso dà luogo a gag ben riuscite, per non parlare di Bing Bong, che crea situazioni assolutamente esilaranti. Inoltre il confronto fra le personalità diverse delle due protagoniste, di quello che in parte è un buddy movie, fanno il resto.

A livello tecnico la qualità è esagerata. Si continua a percorrere la strada del fotorealismo, ma sono, a mio parere, le figure delle emozioni che godono di una realizzazione molto attenta. In particolare la resa della loro “epidermide”, scintillante e quasi immateriale colpisce immediatamente. Inoltre tutte le ambientazioni e le interpretazioni delle varie aree della mente, della memoria e della personalità si prestano a rappresentazioni fantasiose ed ingegnose, come ad esempio la camera del pensiero astratto, un concentrato di pura genialità. Pete Docter rinnova il suo percorso personale nella stilizzazione geometrica delle figure, che diventa uno dei mezzi per definire una caratterizzazione dei personaggi, tecnica della quale le emozioni sono il frutto più evidente.

La componente musicale, come in ogni film Pixar non è preponderante, ma Michael Giacchino in questo caso fa un ottimo lavoro nel sottolineare le situazioni che si vengono a creare e ad accompagnare i cambiamenti di rotta, mantenendo però sempre un tema portante che contribuisce a dare unità alla pellicola.

Ci troviamo, quindi, di fronte ad un film potente, un tripudio di creatività e divertimento, che induce a pensare, ma soprattutto comunica il proprio messaggio proprio attraverso quel percorso emotivo che viene così attentamente studiato e rappresentato. La Pixar e Docter ci consegnano un’esperienza piena e di qualità che li riconferma leader nella creazione di storie che possano parlare all’animo delle persone e farle emozionare.

Extra: Lava

Il lungometraggio, oramai come da tradizione, è preceduto da un cortometraggio, in questo caso Lava, diretto da James Ford Murphy, che racconta con dolcezza una strana e struggente storia d’amore fra due vulcani che si bramano, si cercano, fino a poi ricongiungersi, questo sulle note di Somewhere over the rainbow, reinterpretato in salsa hawaiana con tanto di ukulele. Qui il fotorealismo raggiunge alti livelli e si riesce in modo mirabile a rendere le due formazioni vulcaniche, credibili contemporaneamente nel loro antropomorfismo e nella loro naturalità.

Inoltre lascio in calce un paio di link di approfondimento molto interessanti che rimandano al blog My New Animated Life di Pietro Grandi:

• Inside Out: Un’Altalena di Emozioni
• I Lava You

E ancora il resoconto della conferenza stampa di Pete Docter a cura di Impero Disney:

• INSIDE OUT, LA CONFERENZA STAMPA A ROMA CON IL REGISTA PETE DOCTER!

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Iniziamo la strada per Zootopia, il prossimo classico Disney, riunendo un po’ di materiale uscito nel tempo su questo film.

Regia: Byron Howard e Rich Moore

Data di uscita: 26 Febbraio 2016

Zootropolis è ambientato nell’omonima città, una moderna metropoli molto diversa da qualsiasi altro luogo. Composta da quartieri differenti tra di loro come l’elegante Sahara Square e la gelida Tundratown, Zootropolis accoglie animali di ogni tipo. Dal gigantesco elefante al minuscolo toporagno, in questa città tutti vivono insieme serenamente, a prescindere dalla razza a cui appartengono. Ma al suo arrivo in città, la simpatica e gentile agente Judy Hopps, scopre che la vita di una coniglietta all’interno di un corpo di polizia dominato da animali grandi e grossi, non è affatto facile. Decisa comunque a dimostrare il suo valore, Judy si lancia nella risoluzione di un caso misterioso per cui dovrà lavorare al fianco di una volpe loquace e truffaldina di nome Nick Wilde.

https://youtu.be/g9lmhBYB11U

https://youtu.be/Hkl35vBRs_k

Concept Art di Byron Howard

Mash-up di Byron Howard Zootopia/Doctor Who

Concept Art di Cory Loftis

Sketchblog of Mingjue Helen Chen

Concept art di Matthias Lechner

Benvenuti a Zootopia al D23 Expo

D23 — Shakira nel cast vocale di Zootropolis, mostrate due clip

Clark Spencer presenta Zootropolis

Zootropolis: parla Clarck Spencer

Aggiornamenti:

Secondo trailer:

https://youtu.be/0HtQbNpgq7Y

- Alter Petrus

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Vedere un film, dopo aver sentito commenti che lo definivano un’opera minore, di difficile ascrizione nell’empireo dell’animazione Pixar, sempre osannata, infantile, privo di mordente e di una direzione ed in generale un passo falso degli studi di Emeryville, è alquanto pregiudicante, ma bisogna fare lo sforzo di sgombrare la mente e guardare in faccia la realtà che il lungometraggio ha da offrire. E qui non è poco.


La storia non brilla certo per originalità, pur partendo da uno spunto innovativo: La Terra non è stata colpita dall’asteroide che ha spazzato via i dinosauri e ora sono loro ad essere la specie dominante. Arlo è un giovane brontosauro che vive con la sua famiglia in una fattoria ed è tormentato dalla paura, che lo porta a mancare gli obiettivi desiderati. La morte del padre e l’incontro con un piccolo umano lo porteranno a compiere un viaggio dal quale non tornerà più lo stesso.
La trama si sviluppa sulla falsa riga di un western, genere da cui mutua le tipologie di personaggi e le situazioni, rimescolate in una salsa primordiale.

Peter Sohn è un esordiente nel campo della direzione di lungometraggi (avendo all’attivo, oltre a vari film Pixar in qualità di animatore e doppiatore, solo un cortometraggio, di ottima qualità, Partly Cloudly), ma già dai trailer, se una cosa pareva evidente era la sua grande padronanza registica. Il Viaggio di Arlo è innanzitutto un film visivamente spettacolare, che fa della narrazione per immagini il suo punto focale, lasciando ai dialoghi un ruolo forse minore rispetto alla tradizionale brillantezza delle pellicole dello studio. A farla da padrone sono le inquadrature dei paesaggi, dove la tecnica fotorealistica della Pixar, oramai raggiunto lo stato dell’arte, dà il suo meglio. Ci si ritrova davanti a suggestioni continue, che spaziano dalle montagne (caratterizzate come elemento positivo, perché legate alla casa, ma sia come ambiente tenebroso e oscuro, a causa del predominio delle forze naturali) alle praterie e ai campi illuminati dalle lucciole, la cui poesia viene ripresa anche dalle immagini dei poster promozionali. L’ampiezza degli spazi e il continuo uso dei piani lunghi donano una nota nuova nella tradizione cinematografica Pixar, abituata ad un altro tipo di narrazione, che spesso trascura l’aspetto sensazionale del mondo naturale. Nello stesso tempo riesce a rapportare i giovani protagonisti ad un mondo molto più grande di loro, a cui adattarsi, senza avere la possibilità di ritirarsi in uno spazio familiare, sottolineando quell’elemento caratteristico della tradizione di Emeryville: l’aprirsi dei protagonisti verso un percorso che li porta a contatto con una realtà diversa dalla solita ed in un certo senso maggiore.

Non che i personaggi siano una nota dolente nella loro rappresentazione grafica. Nonostante la volontà di dar loro un’aspetto più cartoonoso non si lesina nella texture e nella resa delle epidermidi e la loro recitazione non fa pesare lo stacco fra il character design e l’ambientazione.
A livello emotivo con Arlo si empatizza con facilità e Spot suscita ilarità e tenerezza, grazie ai suoi modi animaleschi. Anche i personaggi secondari sono definiti in modo altalenante. A riguardo dei personaggi secondari alcuni danno performance efficaci (i tirannosauri e gli pterodattili), altri meno (lo stiracosauro e i velociraptor), come in generale le scene che costituiscono le varie tappe del viaggio, ma riescono a inserire lo spettatore nell’atmosfera del mondo presentatoci. Faticano però a proporci dei caratteri iconici. Quello che manca risulta essere la capacità di sedimentarsi nella memoria dello spettatore, rivelandosi un connubio di buone scene, che però pecca leggermente nel trovare una solidità dopo la visione. Gli stessi villain sono poco più che un pretesto per l’epifania finale, dando sì una filosofia negativa e dose di psicosi adeguata, ma che non lascia il segno. Ciò forse anche a causa della sua gestione travagliata, fatta di cambi alla regia, e intere reinterpretazioni di quello che doveva essere il cuore della rappresentazione, passata attraverso continue riscritture e inserita velocemente in uno slot, che ha provocato la sovrapposizione di due titoli in modo da far percepire uno come minore.
Nonostante questo riesce a farsi apprezzare per le scelte di visualizzazione e di presentazione della storia, fornendo una prova rispettabile e lodevole, nonostante le pecche, tanto da porlo al di sopra di molte altre produzioni uscite quest’anno e più fortunate al botteghino.

La vera difficoltà di presa sul pubblico della pellicola è probabilmente da ricercare nel fatto di essere arrivato dopo un film cerebrale come Inside Out, che proponeva in modo innovativo la rappresentazione di elementi più stimolanti a livello intellettuale. Il Viaggio di Arlo invece si concentra sul narrare eventi semplici e lineari, ma in modo estremamente raffinato, puntando al cuore dello spettatore e non particolarmente alla sua razionalità. La struttura in primo luogo offre una struttura dell’azione volutamente frammentaria, in cui ogni episodio si pone come un passo del cammino che il protagonista deve affrontare per sconfiggere i suoi mostri interiori. In realtà però il cambiamento vero si avverte solo nella sequenza onirica sul finale. Il confronto con lo spettro del genitore offre la possibilità di definire lo scontro generazionale che la tragedia aveva impedito. Arlo non vivrà sotto l’ombra ingombrante del padre, ma deciderà di porre la sua strada in primo piano ed imparare da quello che ha vissuto. Perciò il legame con Spot muta, anche se alquanto velocemente, da odio ad amicizia, a causa della simile sorte. Entrambi riusciranno a ritrovare una famiglia ed il protagonista finalmente raggiungerà la realizzazione agognata.

In definitiva è il tracollo di cui si parla? Non credo. Ci troviamo di fronte ad un capolavoro incompreso? Nemmeno. In realtà come al solito la verità sta nel mezzo: è un buon prodotto, che riesce nel suo scopo di fare emozionare, di colpire diritto al cuore dello spettatore. Insomma, fa il suo lavoro, fornendo prove artistiche notevoli, ma per contingenze varie ha faticato ad inserirsi nella lunghezza d’onda di un pubblico che si aspettava altro, forse qualcosa di più ricercato, ma che a mio parere non avrebbe potuto fare un’opera di comunicazione di sensazioni e sentimenti in modo più accurato di come Il Viaggio di Arlo fa, pur nella sua sinteticità.

-Alter Petrus

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Behind the Annie #1

Progression reel del processo di animazione

Animazione assistita al computer in Paperman

L’idea

Il look

I disegni

©2012 Disney. All Rights Reserved.

Paperman e il futuro dell'animazione 2D was originally published in MotionPic on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Col Piccolo Principe Mark Osborne, dopo il meritato successo di Kung Fu Panda, si dimostra in grado di saper compiere una difficile impresa, ovvero quella di adattare un libro iconico e amato in modo da non scontentare i fan e vivere di luce propria.

Il Piccolo Principe non è il film del Piccolo Principe, è una pellicola che si basa sul romanzo per svolgere il suo percorso. Osa nel raccontare una storia propria che usa la mitologia del libro per imbastire un discorso che ha basi nelle parole e nel pensiero di Saint-Exupéry, ma si evolve in maniera originale, forse in questo scontentando i puristi dell’opera.

La scelta è quella di proporre come trama principale quella riguardante una bambina (il cui nome è ignoto, come quello di tutti i personaggi), che si trova avviluppata nelle spire del mondo degli adulti, fatto di pianificazione, efficienza e produttività. La chiave di volta sarà l’incontro col vecchio l’aviatore, che in gioventù aveva intersecato la sua vita con quella del Piccolo Principe e che la coinvolge nella narrazione delle avventure dell’abitante dell’asteroide B612.

La prima metà del film è così suddivisa con equilibrio fra le due linee narrative, con a marcare ciò la scelta della difformità dello stile di animazione. Per le vicende della bambina e dell’aviatore ci si è avvalsi della computer grafica, tecnica predominante nell’animazione commerciale di oggi, mentre per le scene che ripercorrono esplicitamente gli incontri del Piccolo Principe si è propeso per la stop motion con l’utilizzo di manichini e modelli.

La cgi, pur non avendo la possibilità di raggiungere i livelli qualitativi degli studi maggiori di Hollywood, è stata realizzata in modo da comunicare brillantemente il grigiume e la seriosità del mondo adulto, attraverso l’aspetto squadrato degli edifici e la colorazione smorta.

La stop motion di contro risulta essere il migliore espediente per rendere la poesia e magia del romanzo, miscelando un uso di modellini e figure di carta, che contribuiscono a rarefare il racconto nel racconto e a configurare il Piccolo Principe come un simbolo intergenerazionale di cui avere memoria e a cui ispirarsi.

Con intelligenza gli autori riescono a declinare i messaggi dell’opera relativi alla crescita e al rapporto con gli adulti in modo estremamente adatto al mondo moderno, trasformando la questione principale non nel rifuggire il mondo reale, ma nel tentare di non perdere mai gli occhi da bambino con cui osservarlo. Anche i sottotesti che solo un pubblico più maturo può ravvedere nell’originale, e che quindi potevano essere estromessi o banalizzati in una produzione mainstream, vengono messi in risalto, come il rapporto amoroso, che la vicenda della rosa rappresenta, e soprattutto il tema della morte, che ricorre sia nelle visioni del Piccolo Principe col serpente, sia nella cornice creata ad hoc.

Se molte qualità possono essere riscontrate nella prima metà, nella seconda il giudizio appare più contrastato. La svolta action che prendono le vicende è perfettamente inserita nella storia e anche preparata. Svolge un ruolo ben definito: allargare lo spettro dei problemi della bambina al mondo archetipico della favola. L’esternalizzazione del punto di vista si pone come primo gradino per il riconoscimento della realtà delle cose, per poi portare alla rottura e alla risoluzione, ma appare forzato se confrontato con il libro a cui si ispira il film e anche alle magiche scene in stop motion viste in precedenza. Il simbolo idealizzato a cui guardare si rivela anche lui corrotto dalle circostanze, trasformato in un essere molto meno carismatico di quanto visto e immaginato. Lasciando da parte l’ispirazione letteraria e guardando le basi della costruzione del racconto ciò è necessario per la presa di posizione identitaria della protagonista, anche se a dire il vero il tutto poteva essere gestito meglio. Anche l’introduzione di un supervillain (che nel libro è solo l’espressione di uno dei tanti modelli di vacua follia del mondo degli adulti) appare superflua, non sentendo il bisogno di personalizzare la società con cui ci si confronta e che si ripudia.

Nonostante queste piccole pecche (che poi da un certo punto di vista pecche non sono) l’opera si riprende decisamente sul finale, fondendo le componenti poetiche dei flashback con le avventure nel presente e regalandoci un adattamento che sa poco di adattamento, ma si pone come dimostrazione della continua modernità delle parole di Saint-Exupéry e del fatto che la libera immaginazione si porrà sempre in rotta contro le catene che tenteranno di frenarla e annichilirla, fino a romperne gli anelli, nell’espressione del proprio io e della propria visione della realtà, che passa attraverso, è bene non dimenticarlo, gli occhi del nostro fanciullino interiore.

-Alter Petrus

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