Desde que irrumpieron en la escena musical a mediados de la década de 2010, Nothing But Thieves han demostrado una gran inquietud por explorar nuevos territorios dentro del rock. Cada álbum ha sido una reacción al anterior, no una simple repetición, y el quinteto de Essex ha seguido apostando por nuevas ideas y dejándose llevar por sus instintos. Así que, tras Dead Club City (2023), un disco conceptual sobre un club privado del tamaño de una ciudad, la pregunta era: ¿adónde los llevará su imaginación esta vez? En su quinto trabajo, que da continuidad al anterior, la respuesta está un poco más cerca de casa: lejos de los locales de copas de un mundo distópico y de vuelta a los escenarios terrenales. “La idea era buscar un sonido un poco más crudo, un poco más caótico, e intentar captar cómo sonamos en directo de verdad”, cuenta a Apple Music el guitarrista Joe Langridge-Brown. “Creo que no lo habíamos hecho nunca, así que fue un reto diferente”. Si eso implicaba volver a una formación básica de guitarra, bajo y batería tras las aventuras con los sintetizadores futuristas de Dead Club City, el resultado sigue siendo un álbum que amplía los horizontes de NBT y redefine su sonido. Aunque bebe de la música que les marcó durante su adolescencia en los 90, tenían muy claro que debía sonar plenamente actual, como un disco de 2026. Con una estructura que refleja deliberadamente la de un concierto, el álbum abraza los accidentes y los errores, e incorpora a la música tanto el ruido del público como las improvisaciones surgidas durante la gira. También logra dar forma a una canción que combina garage rock, soul, blues y dream pop (“Baby Kool (Evelyn)”) y a otra con la personalidad de “un Buddy Holly deprimido” (“Death in The Backseat”). “Sigue habiendo mucha experimentación”, dice el cantante y guitarrista Conor Mason. “Es como lanzar pintura contra una pared y ver qué formas salen”. A continuación, Mason, Langridge-Brown y el guitarrista, teclista y productor Dominic Craik comentan Stray Dogs tema a tema. “Stray Dogs” Joe Langridge-Brown: “En esta canción y en un par más hay muchas referencias a nuestras vidas, a lugares, a viajes, a nuestros fans, a nuestro equipo y a nuestra gente. Los dos últimos álbumes, Moral Panic y Dead Club City, estaban muy centrados en el mundo exterior. Así que en este disco queríamos hablar más de nuestro propio mundo. Nos pareció interesante ver cómo muchos de nuestros fans se han conocido y han crecido juntos. En cierto modo, es un reflejo de la banda. En este álbum rompemos con frecuencia la cuarta pared. Muchos de mis artistas favoritos lo hacen: Alex Turner, Nick Cave... Bowie también lo hacía. Algunos pueden sacarte de tu mundo, pero, si lo haces bien, puedes acercar al público a lo que realmente estás contando”. “Testosterone” Dominic Craik: “Teníamos la sensación de que no había límites a la hora de componer. El riff surgió de forma natural y tenía un aire sombrío y ebrio que encajaba muy bien con algunas de las letras. También le damos un nuevo uso a la voz de Conor, algo que nos entusiasmaba porque es un auténtico regalo. Puede hacer tantos tipos de interpretaciones vocales que es como estar en una tienda de golosinas y no saber cuál elegir. Siempre intentamos encontrar el personaje que mejor encaje con cada canción”. “Evolution” JL-B: “Solo tardamos un día en escribirla. Excepto el puente, y no porque nos llevara mucho tiempo, sino porque, sencillamente, no nos apetecía ponernos con él”. DC: “La cambiamos un poco cuando volvimos al estudio. No queríamos que sonara demasiado parecida a lo que ya habíamos hecho. Obviamente, nuestra intención era darle un nuevo giro, pero sin pasarnos para que no acabara perdiendo su esencia”. “Death in The Backseat” Conor Mason: “Esta canción casi parecía un personaje. Tiene ese aire de doo-wop de los 50, como un Buddy Holly deprimido”. JL-B: “Ya habíamos definido el sonido que queríamos para el disco, y quizá cuáles iban a ser los singles, así que buscábamos algo que rompiera con todo y se saliera un poco de nuestro universo. La interpretación de Conor es una parte fundamental del arreglo”. DC: “Tiene ese rollo de rock surfero californiano, de música para conducir por la costa, con el que no habíamos experimentado antes. Como ya estábamos en una fase avanzada de la grabación, pudimos mantenerla contenida. A veces, cuando compones una canción, crees que tienes que hacerla más grande porque así resulta más emocionante, pero a esta la dejamos fluir a su aire”. “#5” JL-B: “Había que ponerla como la pista número cinco o íbamos a estar recibiendo cartas de queja todos los días. Pero en realidad es una referencia a que este es el quinto álbum y a esa sensación de: ‘Es increíble que me acabe de dar cuenta ahora de esto sobre mí, o sobre nosotros, después de cinco discos y 14 años’. Aunque sea algo completamente trivial. El autodescubrimiento es un tema con el que mucha gente puede identificarse, sobre todo cuando se trata de algo obvio. Creo que pasa cada vez más a medida que te vas haciendo mayor”. “If You Don’t Have Someone to Love” DC: “No es la típica estructura de estrofa, puente y estribillo. Tiene un desarrollo bastante interesante. Intentamos incorporar elementos que aportaran nuevas texturas. La canción puede resultar algo intensa, y nuestra intención era ofrecer un respiro. Después de un tiempo componiendo solo con guitarras, bajo y batería, queríamos añadir una dimensión más. Las cuerdas aportaron un elemento completamente nuevo. También tiene un final muy especial. Buscábamos formas diferentes de terminar las canciones, que no recurrieran a los acoples, al ruido del público manipulado o a un corte brusco. La canción es como un viaje y, en lugar de que el coche frene en seco, va reduciendo la velocidad poco a poco”. JL-B: “Es una buena forma de cerrar la cara A del vinilo. Creo que en muchas de estas canciones hablamos de cosas tangibles, de un mundo alejado de lo digital, y nos pareció una buena idea tener todo eso en cuenta”. “(Archive 76)” DC: “Pasamos una mañana entera seleccionando y recortando fragmentos de nuestros conciertos: el público hablando, animando, Conor diciendo cosas… Después, los procesamos con mi equipo modular y estuvimos trasteando con ellos durante horas. A veces solo consigues unos 10 segundos de material aprovechable, un par de fragmentos que te hacen pensar: ‘La verdad es que esto tiene algo especial’”. JL-B: “No sé qué concierto acabamos utilizando aquí, pero en el disco hay fragmentos de varios. ¿Se te oye decir: ‘Esta es una canción de karaoke’?”. CM: “Sí, me estaba riendo de “Impossible” [single de 2020]. Fue en el concierto de Estocolmo. Recuerdo que cuando lo dije, empecé a reírme solo porque normalmente no soy tan gracioso”. “Baby Kool (Evelyn)” CM: “Hay una verdadera liberación. Es volver a los cuatro acordes, al ruido y a la máxima distorsión posible”. JL-B: “Por entonces escuchaba mucho a Cocteau Twins, pero bajo esa capa de garage rock a lo Sonic Youth, la melodía tiene un aire muy soul. Mezcla varios mundos, y así es como muchas veces surge la magia”. DC: “Cocteau Twins tenían un carácter onírico. Era un lugar fantástico en el que sumergirse por un momento, para luego dar un giro inesperado y entrar en ese instrumental tan enérgico, tan concentrado y un tanto áspero que viene después del estribillo”. CM: “Aquí es donde somos más fuertes. Cuando, de alguna manera, nos las arreglamos para mezclar tres géneros en una misma canción. La mayoría de la gente lo llamaría un dolor de cabeza, pero para nosotros es un medio éxito”. “AI.Jesus” JL-B: “Estas canciones un poco irónicas o sarcásticas son las más divertidas de escribir. Pero creo que esta tuvo 19 maquetas. Llegamos a tener tres estribillos completamente distintos, y el que elegimos finalmente lo reescribimos 10 veces. Sabíamos que era buena y no podíamos dejarla porque estábamos muy cerca, pero no acabábamos de dar en el clavo”. DC: “Cada vez que entrábamos a la sala de composición, era como cuando te dicen que tienes que cambiar el aceite del coche: no te apetece, pero sabes que tienes que hacerlo. Sin embargo, cuando llega la hora de grabar, te olvidas de todo eso. Pero ahora, al recordarlo, reconozco que fue un poco traumático”. CM: “Si no tienes cuidado, puedes tomar decisiones y crear melodías que lleven la canción hacia un género al que no pertenece. Por eso hicieron falta tantas versiones y un trabajo de edición muy minucioso, para que siguiera teniendo ese punto peculiar sin dejar de sonar a rock”. JL-B: “En canciones como esta, al igual que ocurre en “Testosterone” y “American Confidence”, adoptar un personaje o decir algo que no dirías normalmente marca una gran diferencia. De lo contrario, es fácil que acabe sonando a cliché o demasiado machista”. “I Needed You Then, I Need You Now” CM: “Quería hacer algo con un sonido fluido, emotivo y muy de los 90. Tenía en mente a Alanis Morissette, Cocteau Twins y ese tipo de artistas. La primera versión era completamente distinta. Tenía cosas interesantes, pero no terminaba de funcionar como canción. Joe me dijo: ‘En este disco pasan muchas cosas. Hay mucho ruido, mucho espacio, pero nos falta un rincón íntimo a la luz de las velas’. Así que le quitamos todo lo que sobraba para centrarnos en la letra, la melodía y mi voz. El tratamiento de la pista vocal la hace mucho más interesante. Es curioso, pero casi no me reconozco hasta que la canción llega a la mitad. Entonces la letra va cobrando sentido, la voz se vuelve más nítida y realmente conectas con lo que transmite”. “American Confidence” JL-B: “Si te equivocas al tocar la intro de esta canción (o aciertas, según a quién le preguntes), sonaría a Limp Bizkit. Tiene un aire un tanto macarra y muy americano, que es precisamente lo que buscábamos. Pero la voz también tiene esa delicadeza a lo Jeff Buckley. Fue una excusa para sacar mi libreta y recuperar algunos de los personajes sobre los que he ido escribiendo a lo largo de los años. La primera estrofa habla de un ejecutivo de la industria musical. Me recordó al tipo de “Have a Cigar”, de Pink Floyd, de ahí la referencia. La segunda estrofa está inspirada en un telepredicador al que vi en una entrevista. Tenía un avión privado y se negaba a ir en vuelos comerciales con los que él llamaba ‘demonios’. La canción habla de la comercialización desmedida de todo, algo que Estados Unidos representa a la perfección. Fue divertido escribirla, y tocarla en Estados Unidos va a ser interesante”. “A Different Kind of Happiness” CM: “Es una de las mejores canciones que hemos escrito. Y es bonito poder decirlo después de cinco discos. Piensas: “Es una canción buenísima, ¿deberíamos ponerla antes en el álbum?”. Pero, como queríamos que el orden de las canciones se pareciera al repertorio de un concierto, tenía sentido cerrar con ella. Ponerla al final le da su momento”. JL-B: “Me gusta haber terminado con este tema. En nuestro trabajo, recibes muchos consejos de gente que no se dedica a la música, del tipo: ‘No podéis hacer eso, quizá no funcione bien en streaming…’. Pero, al final, nosotros somos los responsables de nuestro arte, y hay cosas más importantes que todo eso”.